sábado, 19 de agosto de 2017

#WarforthePlanetoftheApes: Naturaleza humana

War for the Planet of the Apes de Matt Reeves es el fin de la trilogía de la saga del Planeta de los Simios que empezó con el Rise y el Dawn. Estas tres películas conservan la misma calidad, tienen historia sólida y hey, hasta puedes verlas sin necesariamente haber visto las anteriores gracias a los pequeños resúmenes al principio de la película que te ponen al día. También tienen el mismo ritmo, pero la última parece trascender por su profundidad y por su mensaje político sin necesariamente ser una película política. War tuvo un tono oscuro, pero sobrecogedor con una cuota de esperanza que apuesta por la humanidad, pero una humanidad en los animales, una humanidad que los simios conservan y que les permite una supervivencia en medio de una guerra absurda alentada por el miedo.

 
Karma poético
 
Esta vez, César (Andy Serkis) no tiene que enfrentarse a Koba pero sí a las ideas de Koba cuando el Coronel mata a su esposa y a su hijo. El líder de los simios se deja consumir por su ira y decide vengarse del Coronel (Woody Harrelson) pero en su camino se cruza con una niña que no puede hablar y con "bad ape", el alivio cómico de la película. El Coronel le explica más adelante a César que el virus que hace inteligente a los simios ha mutado y ahora está afectando a los humanos básicamente quitándoles el raciocinio y uno de los primeros síntomas es quedarse mudos. La frase “cada villano lleva consigo la triste historia de un hombre que quiso ser un héroe” encaja perfecto con la historia del Coronel ya que él cambió toda su ideología cuando sacrificó a su hijo porque el virus ya lo había consumido y había saltado a las personas que estaban cerca de su hijo. Desde entonces, el Coronel y su equipo matan a quienes muestran el primer síntoma del virus. En su retorcida lógica, el Coronel cree que está salvando a la raza humana y aunque es una lógica con la que no estoy de acuerdo, es una lógica que se entiende en ese contexto. 


El Coronel es un extremista que tomó una drástica decisión y lo trágicamente glorioso es que esa decisión también les creó enemigos. El ejército del Coronel es el blanco de otro ejército que busca derrocarlos porque no está de acuerdo con sus métodos. Antes de este encuentro, mientras César y su pequeño grupo se embarcan en la cacería del Coronel, el grupo de simios que se estaba dirigiendo a un lugar seguro es capturado por el Coronel quien los obliga a construir un muro para impedir el ataque del otro ejército. Entonces, César también es capturado y al ser colocado en una jaula, los simios en primera instancia están decepcionados de su líder porque lo responsabilizan de lo sucedido, y después César es obligado a trabajar en el muro que están construyendo pero poco a poco el liderazgo de César vuelve a aparecer aunque nunca deja de lado su plan original de matar al Coronel. Tengo que admitir que cada vez que escuchaba "the wall" pensaba en Donald Trump, no sé si es una alusión o un mensaje subliminal, pero no se logró construir "the wall" y en realidad, tampoco es que hubiera servido de mucho. Finalmente, los simios con ayuda del pequeño grupo que está afuera y de la niña, logran escapar. Y todos tienen el chance de ser finalmente libres, todos excepto César porque, obvio, aun quiere matar al Coronel.

 Pese a ser protagonizados por simios, está película apunta siempre a la naturaleza humana que está llena de matices e imperfecciones. El extremismo y el egoísmo que vemos en el Coronel es un rasgo oscuro pero es nato de cualquier ser, la ira y las ansias de venganza que vemos en César son también características muy humanas luego que te arrebatan violentamente a tu familia. Uno de los aspectos más fascinantes de War of the Planet of The Apes es que explora estas matices y nos lleva a una conclusión también muy humana; César no mata al Coronel aunque sea el mismo Coronel quien le pide que lo haga porque ha sido contagiado por el virus y ya no puede hablar. Es una de las escenas más intensas, el Coronel perdió su humanidad cuando perdió a su hijo del mismo modo en el que César también perdió la suya cuando el Coronel mató a su hijo y a su esposa, pero César recobró su humanidad gracias a su colonia, a la niña que rescató y al ver al Coronel en esa posición se dio cuenta que de disparar, la oscuridad lo absorberá por completo. Así que César se quita y el Coronel agarra el arma y se suicida para no sufrir. 


Realmente una guerra-guerra no vimos, pero sí hay una gran secuencia de acción al final que es básicamente humanos vs. humanos y los simios solo quieren ser libres y ponerse a resguardo. Al final, los simios sobreviven la estúpida destrucción del enfrentamiento entre los ejércitos. Y un karma poético, una gran avalancha destruye al nuevo ejército mientras los simios se salvan subiendo a los árboles. El final es nostálgico pero perfecto, Cesar muere una vez que la colonia de simios ha llegado a un lugar seguro, muere observando a los simios disfrutar ese nuevo hogar. 

Un aplauso para Wood y Andy

Woody Harrison es uno de esos actores que tiene un amplio rango actoral, puede hacer drama, comedia y puede ser terrorífico también. Lo que hace memorable al Coronel no son sus crueles acciones sino su retorcida lógica y su final karmático. Por su parte, Andy Serkis es de esos actores que transmite tanto con una sola mirada que podemos reconocer incluso debajo de los efectos especiales utilizados para construir a sus personajes. 


jueves, 17 de agosto de 2017

#OrphanBlack: Muchos clones, solo una Tatiana Maslany

Recapitular Orphan Black es todo un reto. Supongo que la explicación más sencilla para la serie es que se trata de un grupo de clones que lucha por su libertad. Durante sus cinco temporadas hemos tenido una historia demasiado enredada, llena de conspiraciones, de aventuras y de “una ciencia loca”. La última temporada de Orphan Black fue satisfactoria en todos los sentidos; no pecó en el fanservice y tampoco estuvo a un paso de ser una tragedia griega, sobre todo en una temporada donde se bajaron a varios (muchos de ellos ni si quiera me caían pero igual sufrí), pero lo más impresionante de Orphan Black no es su complicada historia, sino su protagonista; Tatiana Maslany. 



 Las muchas vidas de Tatiana Maslanay 

 Desde un punto de vista técnico, grabar una serie como Orphan Black es un desafío único gracias a los efectos especiales que se aprecian en su totalidad cuando vemos a las clones interactuar en una misma escena. Rápidamente pasamos del asombro audiovisual a la proeza actoral cuando nos damos cuenta que Tatiana Maslany le ha dado vida a todos los clones, lo que quiere decir que al momento de grabar, Maslany ha tenido que intercalar los personajes y memorizar la misma escena desde dos o más perspectivas. A esto hay que sumar que los clones no son diferentes versiones de un mismo personaje, son personalidades independientes con una esencia particular completamente distintas entre sí. La magia de Maslany con cada uno de los personajes que ha interpretado es que logra poner algo único en cada una de ellas y nosotros podemos notar la diferencia más allá de las pelucas y los vestuarios.





Gracias a la existencia de los diferentes clones que hemos tenidos, además, hemos podido apreciar los rangos dramáticos y cómicos que nacen de Maslany, lo que ha significado un trabajo meticuloso considerando el cuidado que ha habido en cada detalle, por ejemplo, los acentos, Helena tiene un acento ucraniano muy marcado mientras que Sarah y Alison tienen hablan un inglés canadiense, Cosima, uno estadounidense y Camila Torres habla español. Y como el sundae del gran performance de Maslany, en el curso de la serie hemos visto a Maslany como Sarah Maning, Cosima Niehaus, Alison Hendrix, Helena, Rachel Duncan, pero también hemos visto a Sarah pretender ser Rachel y Alison, a Cosima pretender ser Alison, a Helena pretender ser Sarah... Además, también le ha dado vida a otros clones como Krystal, Tony, Jennifer Fitzsimmons, Vera, Katja, Mika... etc, etc, etc... Paradógicamente, Maslany logró adueñarse de su primer Emmy gracias a Beth, cuyo suicidio en pantalla es el principio de una complicada historia. La verdad es que no siempre quien gana un Emmy o un Oscar es porque sea el mejor, a veces existen otro tipo de factores, pero en este caso, cuando se tiene en cuenta el esfuerzo físico y emocional que Maslany logra impregnar en Orphan Black, entonces, la actriz merece una medalla de reconocimiento y para muchos, el hecho de que ganara el Emmy era el reconocimiento público del extraordinario talento de Maslany porque lo cierto es que jamás en la historia hemos visto a una misma actriz haciendo de tantos personajes en una misma serie. 

http://elyalovi.tumblr.com/post/164153371190/sarahmmanning-tatiana-maslany-in-orphan-black




 Así que cuando cuando Tatiana Maslany agradece al elenco después de ganar el Emmy lo hace de forma sutil porque ella es la mitad del elenco en pantalla. 

 El episodio final "The Right the Wrongs of Many" es un buen ejemplo de "cómo concluir una serie y no fracasar en el intento", pues, el club de Clones encabezado por Sarah logró matar a los malos y los buenos y los clones, disfrutamos de una melancólica conclusión feliz con la posibilidad de una película en un futuro. Los productores de Orphan Black, John Fawcett y Graeme Manson, han revelado que les encanta la idea de hacer una película sobre la serie y considerando como terminó la serie, con Cosima y Delphine localizando al resto de las clones de la lista del proyecto Leda, ese podría ser un buen punto de partida para explicar ese mundo, pero bueno, solo el tiempo dirá si es que un proyecto así se llega a concretar.


http://elyalovi.tumblr.com/post/164153349605/evelynebrochu-thank-you-orphanblack

Mientras tanto, cualquiera que sea el futuro de Maslany tras el fin de Orphan Black será interesante verla interpretar a un solo personaje en la pantalla grande con Jake Gyllenhall en “Stronger”. Mentira. De hecho, esta película es un drama fuerte que sigue la vida de un sobreviviente del atentado de Boston. De todas formas, Orphan Black nos ha mostrado lo que el talento de Maslany es capaz de ofrecer y por lo visto, es mucho.


lunes, 14 de agosto de 2017

¿Y qué pasó con #ElMinisteriodelTiempo?

Iba a esperar que se emita toda la tercera temporada del Ministerio del Tiempo, pero como la primera parte no ha satisfecho mis expectativas, necesito liberarme de estas ideas. Creo que el principal problema de "El Ministerio del Tiempo" es el hecho de que se haya convertido en un fenómeno y sin querer, esa presión les ha afectado pues, además de la serie, también se están ocupando en hacer dinero con el merchandisings, hay libros, comics y juegos de la serie que pueden considerarse canon. No me malinterpreten, El Ministerio del Tiempo merece todos los premios que pueda ganar, merece toda la atención que puede tener porque ha apostado por hacer de la cultura general un producto de entretenimiento, pero ahora su popularidad lo ha llevado a un nuevo nivel, El Ministerio del Tiempo tiene una adaptación (legal) en Portugal, y según tengo entendido los productores de la serie asistieron en la creación de esta versión y también tiene una adaptación no oficial -por no decir una copia - con Timeless. De hecho, los creadores de la serie, los hermanos Olivares, y la productora Onza Entertainment demandaron a Sony por plagio, eventualmente llegaron a un acuerdo, todo esto más el interés de Netflix quizás explica porque la tercera temporada se siente tan inconsistente. 



Y justo cuando pensábamos que el drama de la expansión internacional y los coqueteos con Netfix sería suficiente, cuando empezaba las grabaciones de la tercera temporada se dio a conocer la abrupta salida de Rodolfo Sancho. Muchos dirán que era predecible porque en su segunda temporada, el Ministerio del Tiempo añadió a Hugo Silva como Pacino porque Sancho no podía grabar  por otros compromisos. Para mala suerte de Sancho, Silva se adueñó del show ya que le agregó ese elemento pícaro y sexy que le faltaba a la serie -una jugada parecida hizo Legends of Tomorrow con la inclusión de Nick Zano -. El regreso de Sancho en los últimos episodios de la segunda temporada significo el retiro temporal de Pacino, de modo que la salida permanente de Sancho significaría el regreso permanente de Pacino. Aunque es cruel, la muerte de Julian sirvió como excusa perfecta para la recomposición de la patrulla con Amelia, Pacino y Alonso, una dinámica que hizo de la segunda temporada la mejor de la serie. 

Sorry, bro

 La segunda entrega terminó en una nota alta con posibilidades infinitas, entonces, el gran reto de esta nueva entrega era seguir seduciendo a sus admiradores, seguir innovando combinando y perfeccionando su estilo meta y bizarro. En este sentido, la introducción de una joven Lola más que intrigarnos nos confundió pese a que estamos en una serie de viajes en el tiempo. Si necesitas una explicación semisatisfactoria mi teoría es que estamos en una nueva línea del tiempo luego del final de la segunda temporada. Sin embargo, así como sucedió con Pacino, el hecho que la joven Lola entre al equipo significa que alguien tenía que salir y esa fue Amelia (Aura Garrido). Y si bien se ha dejado la puerta abierta para el regreso de Amelia, su ausencia deja una hueco enorme sobre todo porque no se avanzó en su historia con Julián o con el mismo Pacino ni tampoco se resolvió el misterio de su extraña relación con Lola. 

Además, toda la temporada han rodeado rumores sobre su posible embarazo (¿?)

Para mí, la primera parte de la tercera temporada peca un poco de soberbia, quiere poner personajes históricos llamativos pero se olvida de lo importante. De los 6 episodios emitidos, 3 de ellos han estado bien flojos, especialmente el de Becker, y 3 de ellos espectaculares. Si bien es genial buscar los ester eggs y los datos históricos de cada capítulo, en los tres episodios menos chéveres, por así decirlo, el problema ha radicado en que se ha priorizado esos datos históricos y los personajes históricos en lugar de acoplarlos el trama principal. La razón por la que el episodio “Con el tiempo en los talones” es épico es porque a través de la historia de Pacino se homenajea el estilo de Hitchcock. Mientras que en “Tiempos de Ilustrados” y “Tiempo de esplendor” tuvimos subplots con Simón Bolivar y otro con Cervantes y Lope de Vega peleándose por conocer a Shakeaspeare, respectivamente, pero en la historia más se sintió como un fanservice y en cierto punto no aportó mucho más que la simple emoción de ver a estos personajes. Pero esto tiene una explicación, cada episodio dura una hora y 10 minutos, así que tienen tiempo de sobra para poner todo lo que quieren, aunque a veces, ni si quiera los cameos y los subplot hacen que los episodios se sientan menos largos. 



Recordemos que el corazón de la serie es la patrulla y sucede que los mejores episodios han estado centrado en Pacino, Amelia y Lola, respectivamente, y esto es porque no solo estamos viendo buenos cameos de personajes históricos, tenemos la carnecita del trama personal de cada uno de ellos. El mid season finale fue “Tiempo de esclavos” y ha sido la despedida (con suerte temporal) de Amelia revelándonos momentos vitales de su pasado. Amelia es quien es gracias a su tío y es entendible que tras la traición de su tío, necesite dejar el ministerio.  ¿Pero la serie puede funcionar sin Amelia?



 La serie sobrevivió y mejoró bastante sin Julián, pero la salida de Amelia Folch tiene consecuencias mucho más profundas porque se trata de una de las favoritas del grupo y es la lideresa de la patrulla. En esta nueva etapa sin Amelia, es obvio que Lola será parte de la patrulla pero Lola no es un reemplazo de Amelia. Nadie podrá reemplazar a Amelia, no obstante, sí tendremos una nueva dinámica, aunque se sienta demasiado pronto porque la dinámica de la segunda temporada también tuvimos una nueva dinámica que funcionó casi a la perfección. La segunda parte de la tercera temporada tiene el reto de mostrarse fresca pero aun conservando su esencia. 



La crisis de la sobre expectativa

Uno de los mayores problemas para el equipo creativo para cualquier serie son las expectativas a rededor de sus proyectos. Dan Harmon y Justin Roiland reconocieron que la tercera temporada de Rick and Morty tomó mucho tiempo en producción porque ellos mismos se presionaron demasiado para tener buenos episodios hasta que se dieron cuenta que no necesitaban cargar todo ese peso sobre sus hombros, solo tenían que seguir con su propia visión y los resultados muestran que esa esa la decisión correcta. La tercera temporada de Rick and Morty ha sido gloriosa. Volviendo al ministerio, esta temporada, la serie ha presentado un misterioso grupo que sí representa una amenaza real para el propio ministerio y para toda la historia. De modo que este arco podría convertirse en el motor para nuevas aventuras y locuras. De hecho, el teaser de la segunda parte de la temporada está lleno de momentos WTF así que solo podemos esperar que la temporada en una mirada general este al mismo nivel en calidad que en popularidad.

viernes, 4 de agosto de 2017

#TheHandmaidsTale: La serie más indignante y relevante en la actualidad

Mientras que The Man in the High Castle nos ofrece una visión de la peor línea de tiempo que hubiera podido suceder si es que los Nazis ganaban la Segunda Guerra Mundial, The Handmaid's Tale nos regala una pesadilla que aunque es ficción, podría suceder en cualquier lugar del mundo (si es que ya no lo está haciendo). Esta serie de Hulu adapta la novela de Margaret Atwood cuya premisa se centra en un futuro no muy lejano donde un grupo extremista religioso llega al poder y priva a las mujeres de cualquier tipo de derecho hasta el punto que el único rol que ejercen en la sociedad es el de procrear. 


Una serie sensorial 

 Ver The Handmaid's Tale  es una experiencia angustiosa, indignante e incómoda por el mundo donde se desarrolla, pero es satisfactoria en el plano actoral y audiovisual. La cinematografía de la serie es siniestramente hermosa. Al igual que en Legion y The Man in the High Castle, los colores adquieren una relevancia mayor dentro de la historia, el rojo de los uniformes de las criadas representan fertilidad, las señoras de una posición más alta utilizan un vestido de color azul verdoso que trata de evocar la figura de la Virgen María y también se utiliza mucho el blanco, por medio de la iluminación, para transmitir la pureza que esta sociedad pretende imponer. El tono parco de la fotografía hace que determinados colores resalten a la vista, esto en combinación con el uso de close up en escenas claves, llevan a la serie a un nuevo nivel sensorial, es decir, ya no solo estamos presenciando algún evento o secuencia, ahora lo sentimos. Para reforzar esta idea, la producción ha escogido canciones populares que evocan emociones y que colocadas en ciertas escenas elevan las expectativas y la ansiedad de lo que va a suceder después. 


http://punkelliot.tumblr.com/post/162128533679/its-a-new-dawn-its-a-new-day-its-a-new-life-for


 La narrativa se desarrolla con un ritmo pausado enfocándose más en el pasado y en el presente a modo de contraste. Los flashbacks son utilizados de tres maneras; tenemos un episodio completo que nos cuenta la historia del Luke Bankole (O.T, Fagbenle), el esposo de June, y su travesía a Canadá luego de separarse de June y Hannah cuando intentaban escaparse del país, también tenemos constantes flashbacks que sirven para revelarnos la historia de los personajes principales junto al contexto en el que Los Hijos de Jacob tomaron el poder, pero los flashbacks más distintivos son los que se sienten como recuerdos reales los cuales son interrumpidos abruptamente para continuar una escena. Pese a solo contar con 10 episodios, la historia avanza a cuenta gotas pero para el final de la primera temporada ya conocemos el gran parte del pasado de los personajes más importantes.

El 1x07 "The Other Side" junto al 1x03 "Late" son los mejores episodios de la serie.

 Con una historia tan siniestra, los actores se aprovechan de su material para lucirse en su drama. Yvonne Strahovski y Joseph Fiennes más están espeluznantes como el matrimonio Waterford. La popular "Sara" de Chuck es la antagonista principal que por momentos intenta sentirse "humana" pero que por dentro está llena de envidia y resentimiento por todos y por todo. En su caso, el dicho "el infierno está lleno de buenas intensiones" cae como anillo al dedo ya que fue la propia Serena Joy la que dio la idea para la solucionar la crisis de infertilidad, pero esa idea fue distorsionada por su propio marido y terminó siendo utilizada como excusa para reducir cada vez más los derechos de las mujeres, incluyéndola a ella misma. Por su lado, a Ann Dowd parece gozar con personajes perturbadores pues tras darle vida a la torturadora de espiritual de Kevin Garey, Patty, ahora hace de la Tía Lydia, la cruel guardiana y guía espiritual de las criadas. Sin duda, Elisabeth Moss como Offred/June es el cargamontón emocional que nos lleva de la mano para transmitirnos su impotencia y sufrimiento ante su nueva realidad como una criada mientras trata de albergar una mínima esperanza. Por supuesto, la "Emily/OfGlen" de Alexis Bledel merece una mención aparte porque es un todo un reto para un actor ser capaz de transmitir tanto usando solo sus ojos. Del mismo modo, pese al panorama pesimista, Samira Wiley nos logra transmitir un optimismo realista con Moira, quien en dos oportunidades logró escaparse de este infierno. De hecho, ella es la "mínima esperanza" que más celebramos en la primera temporada, especialmente al final cuando logró llegar a Canadá para ponerse a salvo y reencontrarse con Luke.





Terminamos la temporada con una June embarazada siendo traslada a un lugar desconocido. Ella está embarazada, pero el hijo no es del comandante sino del chofer Nick que a su vez es un informante del "Ojo". Antes de que esto sucediera, una reflexión de Offred nos advierte lo que podría está por venir "Es su propia culpa, nunca debieron darnos uniformes si es que no queríamos que seamos un ejercito" 'it's there own fault they should never of given us uniforms if they never wanted us to be an army. ¿Acaso presenciamos el momento en el que se inició una rebelión o una suerte de resistencia para luchar contra el sistema? Solo el tiempo lo dirá y parece que esta serie tiene cuerda para rato; la crítica se ha rendidos a sus pies y la serie está nominada al Emmy en varias categorías. Además, a penas se estrenó y Hulu la renovó para una segunda temporada.



 ¿Cuál es la agenda de The Handmaind’s Tale? 

 Pese a que la serie está siendo catalogada como una de las más relevantes en esta convulsionada "Era Trump", el proyecto no nació porque Donald Trump fue elegido presidente de los Estados Unidos, sin embargo, de The Handmaid's Tale se siente increíblemente realista porque aprovechándose de una crisis mundial, como la tasa de natalidad en la serie, un grupo de extrema derecha logró alcanzar el poder y concretar su agenda antiaborto imponiendo su religión, sus propias reglas y sus brutales castigos para quienes luchen contra esta sociedad autoritaria. En este peor escenario, las mujeres se ven afectadas en sus derechos y en sus propias libertades, pues, Los hijos de Jacob las someten a un lavado de cerebro para que aprendan sus nuevas funciones como criadas y castigan a las "traidores del género" mutilandolas y matándolas en el peor de los casos.

http://mukasfilms.tumblr.com/post/160094264917

Pero lo más inquietante es que este grupo instauró la Ley Marcial con el pretexto de luchar contra el terrorismo... otro argumento demasiado familiar en esta época. En ese sentido, los monólogos mentales de June más que reflexiones parecen advertencia. 



http://kansassire.tumblr.com/post/160089445907/the-handmaids-tale-2017-tv-series


 “That’s how we let it happen. When they slaughtered Congress, we didn’t wake up. When they blamed terrorists and suspended the Constitution, we didn’t wake up then either. They said it would be temporary. Nothing changes instantaneously. In a gradually heating bathtub, you’d be boiled to death before you knew it.” 


 Lo cierto es que del mismo modo que The man in the high Castle hace que apreciemos la democracia, pese a sus imperfecciones, The Handmaind's Tale más que una propaganda feminista (que no lo es) se siente como una pesadilla que podría hacerse realidad en cualquier momento.

domingo, 30 de julio de 2017

#Dunkerque (#Dunkirk): La guerra desde los ojos de Nolan

El último filme de Christopher Nolan, Dunkerque (Dunkirk) está basado en la Operación Dínamo que logró rescatar a más de 300 mil soldados ingleses, franceses y belgas que estaban atrapados en el pueblo de Dunkerque, en Francia, rodeados por los alemanes, durante la Segunda Guerra Mundial. Lo primero que tenemos que saber es que clásico de Nolan; Dunkerque está estructurada en tres tiempos y espacios que se interceptan al final; estamos viendo una semana en la vida de los soldados, un día en la vida de uno de los botes civiles y una hora en la vida de los aviadores y también viendo el rescate desde tres ángulos; tierra, mar y aire. Esta forma de contar la historia nos permite ver y sentir diferentes perspectivas de la misión principal; la supervivencia. En ese sentido, Dunkerque no se parece en nada al canon del cine bélico, no sabemos nada de los protagonistas más que el simple hecho que están en una guerra, no tenemos (o necesitamos) la propaganda patriota del héroe sacrificado ni tampoco al villano sin alma, y si bien no tenemos ni una gota de sangre en pantalla, igual sentimos la violencia, la brutalidad, la tensión, la angustia, la incertidumbre y el dolor en cada una de las secuencias. 




Nolan le ha apostado al estilo minimalista en esta producción; casi no hay dialogo, las transiciones ha sido casi por corte trasladándonos de un escenario a otro, los efectos especiales son casi imperceptibles, los planos utilizados son subjetivos para mostrarnos la visión limitada de los protagonistas, la actuación ha estado sobria y la banda sonora de Hans Zimmer ha sido vital para destacar ese ingenio narrativo que se centra en la experiencia de un soldado en batalla. 




 ¿Dunkerque es la mejor película de Nolan? 

La particular visión de Christopher Nolan es sinónimo de innovación en el mundo del cine. El director tiene el hábito de jugar con la narrativa con estructuras no lineales creativas con la intención de que el espectador se ponga en la piel de los protagonistas de sus películas. Cada película de Nolan es única, diferente y deja huella; basta con mencionar que nos ha regalado con Interestellar una de las mejores películas de ciencia ficción, con Inception una maravilla audiovisual, con Memento un rompecabezas mental y ha marcado la tendencia del tono oscuro y realista en el mundo de los superhéroes con su trilogía del Caballero de la Noche hasta el punto que poner una valla en calidad con "The Dark Knight". Sus proyectos vienen acompañados de una gran expectativa y hasta el momento no decepciona, pero "cuál es la mejor película de Nolan" es más que todo una pregunta capciosa. Todas las películas siguientes de Nolan son "la mejor película de Nolan" hasta el estreno de una nueva película de Nolan. Con Dunkirk, Christopher Nolan prueba un nuevo género; el de las películas de guerra, pero por supuesto se trata de una película de guerra con el sello de Nolan.


viernes, 28 de julio de 2017

#FriendsfromCollege: Una anticomedia antiFriends

Las sitcoms siguen una fórmula simple; la evolución personal. En Friends, vimos como es que Rachel pasó de ser una joven engreída a trabajar en la industria de la moda y vimos como Chandler, que rechazaba constantemente la idea de casarse, no tuvo problemas para comprometerse y casarse con Mónica. Y es que eso se llama “madurar”. Ahora Netflix nos regala una serie que parece ser una versión "anti Friends" en el sentido que el reencuentro de estos amigos cuarentones los retrocede mentalmente a su época universitaria pese a que cada uno tiene una propia vida y sus propios problemas.



Para ponerlo en términos de How I met your mother, todos juntos son los "Punchy" del grupo y como el propio Ted lo explica; es bueno tener un reencuentro con Punchy pero no necesariamente parar siempre con él. 

 El regreso de Robin 

Esta serie marca el regreso de Cobie Smulders al mundo de las series desde el final de How I met your mother, sin embargo, como Lisa sigue teniendo mucho de Robin, sigue utilizando ese tono de “Nobody ask you, Patrice” cuando se desespera y nunca parece estar conforme con su vida profesional y personal. Los actores de acompañan a Smulder son Keegan-Michael Key como Ethan Turner, Fred Savege como Max Adler, Nat Faxon como Nick, Annie Parisse como Sam y Jae Suh Park como Marianne pero el trama principal se centra en Ethan-Lisa-Sam, porque Ethan, casado con Lisa, tiene una aventura con Sam quien también está casada. 



Respecto al humor, creo que hay momentos hilarantes, muchos de ellos nacen del cinismo del grupo, de las competencias entre Lisa y Sam, de los secretos y de las situaciones absurdas en la que Ethan y Sam se meten para tratar de ocultar su aventura con Sam mientras Lisa, ignorante de toda esta situación, no la está pasando bien porque se acaba de mudar a una nueva ciudad, tiene un trabajo que odia y para colmo necesita un tratamiento para poder tener un bebé. Entonces, tenemos situaciones que van desde “cosas malas que le pasan a gente buena” a “cosas malas que le pasa a gente mala pero que se salen con las suyas al final” y es esta dictomía donde el espectador se queda en una zona a la deriva de lo que quiere para este grupo. Para entender más esa figura durante gran parte de los capítulos, los espectadores somos Felix (Billy Eichner), la pareja de Max, y mediante sus ojos vemos es bastante evidente que estos amigos pueden ser geniales pero también inoportunos e infantiles. 



El hermetismo involuntario del grupo eventualmente lleva al rompimiento de Felix y Max dejando un sabor agridulce no porque Felix y Max sean "la pareja" a la que alientas, sino porque es una posición incomoda tener que elegir entre tus amigos y tu pareja. Sorry, Kevin Arnold. Otro punto polarizante es la aventura de Ethan y Sam... mientras otras comedias se toman el tiempo de desarrollar este tipo de dramas, en Friends from Collage está allí desde el principio y se supone que es una situación que se ha dado durante 20 años. Así que no hay #teamLisa o #teamSam, simplemente hay la tensión de una bomba que podría explotar en cualquier momento (pero que nunca lo hace).

Ethan y Sam

 La serie no pretende dar una justificación para esta aventura extramatrimonial disfrazando un gran amor que no se dio en su momento, ni si quiera nos da un malo a quien odiar, Ethan está enamorado de Lisa y de Sam y tanto Ethan como Sam están conscientes de que que lo hacen está mal, pero eso no impide que sigan cometiendo el mismo error. Supongo que el esperar que suceda algo que cambie esto es parte de un gran chiste cruel... pero nunca llegamos al punch line. Ethan es tan cobarde que incluso cuando Lisa le confiesa que le fue infiel con Nick se rehúsa a separarse y Sam es tan cobarde que no dejaría a su familia para estar con Ethan. Al final de la temporada, Lisa le pide la separación a Ethan pero no para que él pueda estar con Sam porque ella aun ignora que Ethan le ha sido infiel todo este tiempo. La primera temporada de Friends form Collage termina en ese cliffhanger y realmente no sé si obtendrá una segunda entrega. Sabiendo que estamos en una era donde Netflix está cancelando series, ¿no deberían los productores tener la cortesía cerrar sus tramas?

¿Alguien dijo cliffhanger?


Hey, no quiere ser maduros, no necesitan serlo, nadie los está obligando...

Una de las cosas que más me molestó de Friends from College es que apela al facilismo aprovechándose de la nostalgia, incluyendo referencias y canciones noventeras, y parece que pese a la buena dinámica del grupo no confían en sus habilidades cómicas por lo que prefieren apoyarse en el uso exagerado de excentricidades, como las voces que hace Ethan, los ataques de histeria de Sam y el infantil papel de Fred Savage. Pero hey, la comida ha evolucionado y creo que estamos de acuerdo que los chillidos de Adam Samdler funcionaron en solo sus primeras películas. Para rematar su mala suerte, la serie tampoco le saca el juego a las apariciones de Seth Rogen y Kate Mckinnon lo que debería ser castigado por ley. 


En cierto nivel, Friends form Colllege funciona como una “anticomedia”, que justo está de moda, explotando ese lado autodestructivo que no depende de la idea de la evolución pero también se apoya demasiado en el sentimentalismo con lo que puede ser considerada una clásica sitcom. De todas maneras, estamos viendo a un grupo de 40 años comportándose como jóvenes… y a veces eso es un tanto fastidioso pero también puede ser patéticamente gracioso.

miércoles, 19 de julio de 2017

La gran verdad de #BigLittleLies

 Big Litttle Lies es una adaptación de la novela del mismo nombre escrita por Liane Moriarty. El nombre “grandes pequeñas mentiras” es una referencia a los secretos oscuros de cada una de las mujeres y cómo es que estos secretos podrían parecer como pequeños minucias pero en realidad son problemas profundos y asfixiantes. El primer capítulo genera intriga con el misterio principal; alguien ha sido muerto, se sospecha que es un asesinato y la conjetura inicial es que la víctima es una de estas mujeres y que la muerte se dio por algún problema entre ellas. 


Bienvenidos a Monterrey 

 La introducción de Jane (Shailene Woodley), una madre soltera que acaba de mudarse con su hijo a Monterrey, nos sirve para adentraros este nuevo mundo en donde la armonía está llena de tensión por la cortes hipocresía de quienes dicen llevarse bien. El trío principal de la serie son Madeline (Reese Witherspoon) , Jane y Celeste (Nicole Kidman), no obstante, Madeline es el pegamento que conecta todos los dramas; ella es quien se hace amiga casi de inmediato de Jane, es la que maximiza las consecuencias de un pequeño incidente que involucra al hijo de Jane, Ziggy, con la hija de Renata (Laura Dern), es la que tiene una enemistad tácita con Bonnie (Zoë Kravitz), la actual esposa de su ex esposo Nathan, y es la que impulsa a Celeste a volver a ejercer como abogada incrementando los problemas entre Celeste y su esposo Perry (Alexander Skarsgård). Todo esto no significa que Madeline monopoliza el protagonismo, pues, lo interesante es que Big Little Lies nos presenta la historia de cada una de las mujeres; incluso las que podríamos considerar como secundarias, como es el caso de Renata y Bonnie. Pero por supuesto hay que admitir que la serie le pertenece a Reese Witherspoon y a Nicole Kidman. 

 Madeline parece la versión madura de Tracy Flick de Election 

 Big Little Lies parece tener como lema “no todo lo que brilla es oro” desde su propio intro. Entonces, pese a la imagen de perfección que Madeline y Celeste buscan proyectar, la procesión se lleva por dentro. Y cada una de estas mujeres, tiene una cruz demasiado pesada en sus hombros; Jane tuvo un hijo producto de violación por lo que teme que Ziggy haya heredado un lado oscuro, Celeste es constantemente agredida por su esposo, la tendencia perfeccionista de Madeline no le permite apreciar lo que tiene, especialmente a su esposo ideal Ed, la agonía de Renata está relacionada a la impotencia que siente al no poder proteger a su hija ante el acoso escolar que sufre y por alguna razón, Bonnie quiere tener la aprobación de Madeline.



Los miniarcos que construyen el clímax 

Paralelo estas historias, tenemos dos miniarcos; y no me refiero a los arcos enfocados en los niños... de todas formas, al mismo estilo de Madeline, Ziggy (Iain Armitage) es el elemento conector de estas historias que llevan al momento clave de la gran revelación de quién es la víctima mortal. El arco de los niños comienza luego que Amabella acusó a Ziggy de intentar estrangularla en el primer día de colegio, Ziggy mantuvo su inocencia pero, aunque la hija de Madeline no tiene problemas al ser su amiga, los profesores y la mitad de los padres ya lo tenían en la mira prejuzgándolo. Una de las tareas que les dejan es hacer un árbol cronológico, lo que altera a Ziggy porque no conoce a su padre, entonces, Jane confía en Madelene y le cuenta la verdad del padre de Ziggy; era un tipo al que conoció una vez y que la violó en un hotel.  Madeline intenta buscar al tipo para que Jane tenga una especie de cierre, pero no logra encontrarlo porque el tipo había dado un nombre falso. 


Por su lado, Amabella sigue siendo acoda en el colegio, pero aunque ya no acusa a Ziggy, Renata sigue pensando que es él. Ziggy le revela a su madre que el bully de Amabella es Max, uno de los hijos de Celeste; Jane se lo cuenta a Celeste primero y después a Renata. Para Celeste, esto es como una llamada de atención, una forma de darse cuenta que sus hijos están al tanto de lo que sucede en casa y este ambiente dañino está afectándolos. Por su lado, Renata se siente realmente mal por haber juzgado a Jane y a Ziggy sin pruebas. 


Y así llegamos al momento cumbre, el colegio ha organizado una fiesta temática. Esa noche, Jane consuela a Madeline en una especie de balcón porque se siente mal de que Ed sea tan bueno con ella pese a que lo ha engañado, Celeste les da el encuentro justo cuando Renata se les aproxima para pedir disculpa por su comportamiento, el momento es interrumpido por un exasperado Perry, furioso porque Celeste le acaba de decir que lo va a dejar. Basta una reacción angustiosa por parte de Jane para que Madeline se dé cuenta que ese tipo que violó a Jane es Perry y basta una mirada de terror para que todas las mujeres entiendan que Perry es el enemigo. Perry comienza agredir a Celeste y las demás intentan defenderla sin mucho éxito hasta que finalmente, Bonnie lo empuja, Perry cae por las escaleras y muere. (Y sí, Perry es el papá de Ziggy lo que significa que Ziggy es hermano de los gemelos). El caso es investigado y se concluye que se trató de una muerte accidental. De modo que lo que realmente sucedió es un secreto que las unirá por siempre dejando atrás las peleas ridículas que tenían entre sí. 

http://elyalovi.tumblr.com/post/162132167205/noceiling-m-hes-gonna-have-to-fight-these

El estilo de Big Little Lies 

La canción elegida como tema de cabecera, “Cold Little Heart” de Michael Kiwanuka, una canción que habla sobre un sufrimiento interno y sobre el autoengaño, ambienta el tono de la serie; la perfección solo existe en la superficie. Más allá de una bonita melodía, hay que escuchar lo que dice la letra para darnos cuenta que hay una verdad oculta. Es como “Every breathe you take”, todos creen que es una canción romántica, pero en realidad se trata de una canción de un acosador.


Según se ha revelado, David E. Kelly ha utilizado la música para complementar el humor y también para comunicar verdades de manera sutil. Por ejemplo, cuando Jane está corriendo y tiene flashbacks de su violación, la música se distorsiona hasta volverse insoportable o cuando Perry elige “Harvest Moon” para bailar con Celeste, la canción transmite una suerte de falsa esperanza. En el último capítulo “You Get what you need”, el poder de la música se intensifica y es vital para punto de cruce de las historias principales. La versión de “You can’t always get what you want” de Ituana es la última canción que se escucha y la letra más memorable es el título del último episodio a modo de lección; “no siempre puedes obtener lo que quieres, pero obtienes lo que necesitas”.

http://elyalovi.tumblr.com/post/162131936345/bllsource-but-that-would-be-the-last-time

Con una producción tan sobria y sofisticada, no solo las canciones expresan algo, los silencios también. En el intro, tenemos imágenes de las mujeres conduciendo su auto y esta es una secuencia se repetirá en la serie; pero particularmente con Jane y Celeste, los silencios están vinculados a malos recuerdos, flashbacks que se apoderan de su mente, cada vez que están haciendo algo tan común y corriente como conducir un auto, pero estas memorias no tienen sonido, por lo que en contraste con la musicalización resaltan más.



Nominaciones justas 

Big Little Lies ha logrado obtener 14 nominaciones al Emmy; siendo las más importantes; la nominación de mejor director para Jean Marc Vallée, la nominación para Nicole Kidman y Reese Witherspoon en la misma categoría como mejores actrices en una miniserie, un plato que se repite pues, Laura Dern y Shailene Woodley están también nominadas como mejores actrices de soporte en una miniserie. Por su parte, gracias a su interpretación del aterrador pero encantador Perry, Alexander Skarsgard ha sido nominado como mejor actor de soporte en una miniserie.



Kidman y Witherspoon parecen estar “en un grupo de la muerte” en los Emmys, no obstante, debo decir que si Kidman no se come Big Little Lies entera es por Witherspoon y si Witherspoon no se come la serie es por Kidman, pero si vamos a hablar de capas, dramáticamente hablando, Kidman tiene un papel mucho más complejo debido a la tóxica relación de Celeste con Perry. A través de Kidman, somos testigos del sufrimiento en silencio de Celeste y entendemos por qué no es tan fácil que se separe de Perry. Ojo que con eso no se está tratando de justificar la violencia, solo que se evidencia la dificultad que tienen las mujeres maltratadas para iniciar un desprendimiento de su abusador. En ese sentido, algunos de los aspectos más realistas que vemos reflejados en la relación de Celeste y Perry es hay una codependencia enfermiza, una humillación constante por parte de Perry, el autoengaño del “va a cambiar” y el miedo a vivir una nueva vida prejuzgada por la sociedad. La terapia ayudó a Celeste a darse cuenta del peligro al que estaba expuesta, pero no la llevó a cambiar su vida; solo el darse cuenta que cómo la vida de sus hijos estarían marcadas, la llevó a tomar la decisión definitiva de dejarlo.
 

Big Little Lies es una de las mejores series del 2017 

En la superficie, Big Little Lies, creada por David E. Kelley y dirigida por Marc Vallée, podría parecer un banal ejercicio de una tragicomedia oscura llena de intrigas de un grupo de mujeres de alta sociedad que compiten entre sí, pero en realidad se trata de una serie que retrata de una forma muy realista la violencia doméstica, la supervivencia tras una violación y el complejo vinculo entre las mujeres que, aunque pueden pelearse por nimiedades, en el momento correcto, todas dejaran las diferencias a un lado para defenderse. Definitivamente, se trata de una de las mejores series del 2017.

domingo, 16 de julio de 2017

#GYPSY: El decepcionante guión de la autodestrucción

No es muy buena señala que me tome toda una vida terminar una serie, sobre todo cuando se trata de un thriller de temática oscura y psicológica con una gran cuota sexual, pero cuando una serie no te atrapa en los dos primeros capítulo, no te atrapa nunca.



 Why, Naomi, Why 

En GYPSY, Naomi Watts le da vida a Jean, una terapeuta con un alterego llamado Diane con el se mete en la vida de las personas relacionadas a sus pacientes. De modo que en teoría Jean es una especie de antiheroína a la que le gusta manipular a los demás porque está… ¿inconforme con su propia vida o simplemente porque está aburrida? No sé, según su propia protagonista, Jean busca sentirse viva mediante la autodestrucción. Okay, bueno, sigamos esa premisa, para que funcione esta idea necesitamos la intriga, necesitamos tensión, necesitamos adrenalina, momentos de peligros… necesitamos sentir algo y ese es el problema principal de la serie ya que para ser un thirller no genera ningún tipo de emoción. Los capítulos, aunque estéticos, son muy lentos, los personajes secundarios son poco interesantes y lo único que salva la serie es Naomi Watts, sin embargo, ya sabíamos que era una buena actriz, entonces, realmente no parece ser un gran mérito. 



Quizás lo único que tiene sentido es la conexión de Jean con Sydney, la ex de uno de sus pacientes. Jean no solo quiere entender por qué su paciente está obsesionado con Syndey, quiere experimentarlo y castigarla por eso. Sydney es tan nociva como Jean y de un modo retorcido, los dos aniquilan sus defensas entre sí. La atracción es tóxica, la química entre Sydney y Jean es electrizante, pero no es tan sexy como quisiera ser o como podría ser, todo gracias a la directora Sam Taylor-Johnson, la misma que dirigió Ciencuenta Sombras de Grey y quien necesita un par de lecciones para grabar escenas de sexo que logren transmitir algo, cualquier cosa. En ese sentido, lo que se convierte en lo más llamativo de la serie, el affair entre estas dos mujeres, tampoco es lo suficiente para enganchar por más turbulenta que pueda ser la relación. Y para colmo los momentos “sexy” se rompen con los ataques de ansiedad de Jean o sus exabruptos hirientes.



Tomemos por ejemplo The Affair, la atracción de Noah y Alison es tan enfermiza y ciega que los absorbe hacia un espiral autodestructivo, la lujuria se les escapa de las manos y eso hace que tomen muy malas decisiones. En GYPSY debería ser así también, pero la serie no se enfoca en una relación adultera, lo de Jean y Sydney es una subhistoria, la serie se trata de Jean y lo que sea que hace con sus pacientes y su familia. 


GYPSY sufre del mismo problema de Batman v Superman, plantea ideas e historias interesantes; la complicada relación de Jean con su madre, su tendencia de ser la salvadora para una adicta, la esposa celosa y dependiente, los deseos ocultos incontenibles, la dualidad de Jean y Diane, pero ninguna tiene un desarrollo que lleve a un punto de clímax. Quizás le hubiera ido mejor si es que fuera una película, no necesita 10 episodios para no llegar a nada y para colmo terminar en un cliffhanger. Sobre todo en este nuevo contexto donde Netflix está cancelando series (y realmente, esta es una candidata al olvido pese a los nombres de peso en su elenco). GYPSY nos deja como lección el clásico "no lo digas, muestralo", si la autodestrucción es el fuerte de la serie entonces debería reflejarse, pero la serie carece de esos sentimientos y los momentos que presenta no llegan a impactar.

#SpidermanHomecoming: El héroe imperfecto

Spiderman Homecoming del director Jon Watts no es la mejor película de Marvel, pero sí es una de las más divertida, no varía la fórmula mágica de las películas de superhéroes pero es diferente; se trata más de una mezcla de las clásicas películas de comedia de adolescentes de los 80’s con un héroe hiperactivo e imperfecto deseoso de comprobar su valor.



 La vida secreta de Peter Parker 

La mala publicidad de Marvel me rebajo las expectativas porque creía que Robert Downey Jr. no iba a dejar brillar a Tom Holland en su propia película, pero no fue así. El Tony Stark de RBJ estuvo en los momentos necesarios y Tom Holland nos regala a una nueva versión de Spiderman donde ser el héroe de la historia no es “una bendición y una maldición”. Mientras que las películas de Toby MaGuire y Andrew Garfield eran más una combinación de drama y acción, la versión de protagonizada por Holland es una comedia disfrazada de una película de acción. De hecho, las secuencias de acción son los puntos más débiles del film, pero es compensado por priorización del lado humano del personaje.

 
Debo mencionar que la dinámica entre la tía May y Peter Parker es adorable 

Aquí está lo refrescante de esta versión, este Peter Parker no carga sobre sus hombros la culpa del mundo, aunque lleva la cruz de ser un héroe, lo carga con orgullo. Es un adolescente que disfruta siendo un adolescente, mete la pata, le gusta llamar la atención, se emociona ante una nueva experiencia, es incomodo cuando está frente a la chica que le gusta, tiene buenas intensiones pero aun necesita aprender. Parker quiere probar su valor y busca impresionar a Tony y a Happy a como dé lugar y típico de un adolescente no escucha a los adultos, necesita aprender la lección por experiencia propia. Sin embargo, en el momento más crítico, ese momento después de que el buitre le tira el techo encima y Peter grita por ayuda, sufrimos con él, queremos que Ironman vaya ayudarlo, porque después de todo sigue siendo un niño. La priorización del lado humano del personaje ha logrado una conexión tan intensa con quien ve la película que nosotros también le damos ánimos, como él mismo lo hace en la película, para salir de esta situación solo.



El niño se convierte en un héroe

Un homenaje a lo clásico de los 80’s 

Esta película se siente como un homenaje a las películas de John Hughes, tenemos la clásica la chica perfecta Liz Allan (Laura Harrier), el mejor amigo cómplice Ned (Jacob Batalon), el bully Flash (Tony Revolori), la chica irónica Michelle (Zendaya) y los profesores. Se tiene un elenco que ha dejado de lado los cánones del perfeccionismo del adolescente ficticio donde todos parecen sacados de una revista de Cosmopolitan, ninguno sufre de acné y usan un léxico adulto. Aquí todo es “cool” y “awesome”, el bully del colegio no es un deportista de otro nivel, solo es un idiota por el simple hecho de ser un idiota.


Creo que otro error de la publicidad de Spiderman es hacerle el hype a Zendaya como la co-protagonista porque aparece muy poco, pero está bien porque es memorable como “Michelle” y sabemos que ella está en camino a ser la futura novia de Peter pese a la actual dinámica de “indiferencia” de su parte, porque para alguien a quien no le importa lo que le pasa a Peter Parker realmente pasa mucho tiempo percatándose de su ausencia. Aunque el espíritu de los 80’s estuvo muy presente, la palabra realista se viene a mi mente porque Peter Parker no logró tener nada con la chica de sus sueños porque al mismo estilo Bad Luck Peter, Peter hace lo correcto y es responsable de que el padre de Liz vaya a la cárcel. Ahora para ser justos, en los comics, Peter tiene muy mala suerte. No sé por qué la sala se sorprendió de que el padre de Liz sea el buitre cuando es un clásico de Spiderman que sus enemigos terminen siendo personajes cercanos a su vida cotidiana. Esa escena de Peter y el Buitre en el auto me recordó la cena de Peter con James Olson y su padre cuando ambos ya saben quién es quién, claro que para este Peter es más incomodo por Liz.



El mejor enemigo de Marvel

Uno de los episodios de Agents of Shields de la primera temporada desarrolló lo que sucedía después de la segunda película de Thor. En cierto modo, el capitulo respondía “¿quién se ocupa de arreglar todo el caos que dejan los Vengadores tras salvar el mundo?” Suena muy aburrido y en Agents of Shields lo fue, sin embargo, en Spiderman, el caos dejado por los Vengadores tras el ataque de alienígenas en Nueva York significaba trabajo para un grupo de hombres liderados por Adrian Toomes (Michael Keaton), pero porque Tony Stark creó “Damage Control”, él se queda sin trabajo y así comienza la historia de origen del villano de turno.


Finalmente, un malo que utiliza el discurso del villano para distraer al héroe 

El Buitre no quiere abrir un hueco en el cielo y conquistar el mundo, no ha elaborado un plan estratégico para que Tony se pelee con Cap, nada de eso, el Buitre solo quiere robar cosas para convertirlas en armas y vendérselas a personas muy malas para así mantener a su familia. Su historia es tan humana y sus motivos tan claros, entendibles y hasta empáticos que se aleja de todos los villanos genéricos que ha tenido el universo cinematográfico de Marvel lo que lo hace el mejor villano de las películas. El tener un nemesis de talla le da pero realista más créditos al filme y al mismo tiempo conserva a Spiderman con los pies en la tierra. Spiderman, aunque es parte de los Vengadores, es después de todo un héroe "callejero" que protege a su ciudad del mismo modo que Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage y Iron Fist.

El tener un buen enemigo no hace la película pero la mejora.

Un buen arranque 

Marvel y Sony se han centrado en los personajes en Spiderman Homecoming y al hacerlo nos ha regalado una historia mucho más personal, más sincera, aunque debo sentir que sí se sintió 2 horas y 20 minutos. A veces, no necesitas tanto tiempo para llegar a un punto. Creo que el momento sorpresa ha sido el inesperado cameo de Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) porque nadie lo esperaba, yo esperaba algún cameo de otro vengador además de Stark y Cap, sin embargo, llama la atención la presencia de Potts. ¿Por qué específicamente ella? Bueno, el tiempo lo dirá…



Hablando específicamente de la franquicia de Spiderman por el lado de Sony, esta película ha insertado varias historias que podrían desarrollarse a modo de spin off. Aaron Davis (Donald Glover) mencionó que tiene un sobrino que según las teorías podría ser Miles Morales y la escena post crédito donde el Buitre se encuentra con uno de los malos es como el génesis de la galería de enemigos del hombre araña. Y la otra escena post crédito simplemente es una trolleada de Marvel.



Lo más importante es que Spiderman es vital para el universo de Marvel. ¿Por qué? Porque tenemos una nueva visión de un héroe adolescente en construcción que se caracteriza por su optimismo y entusiasmo. Y solo podemos imaginar su reacción ante otros Vengadores. Aunque claro, siempre tendrá una relación especial con Tony. Además, ya damos por hecho que ese traje modernizado que le regaló Tony a Peter será estrenado en Infinity War. Finalmente, Spiderman Homecoming es un gran arranque y todo parece indicar que el futuro será brillante.