viernes, 13 de julio de 2018

#LukeCage T2: Todos odian a Mariah

La segunda temporada de “Luke Cage” va más allá de la típica “crisis del héroe” y explora lo que implica no solo ser un héroe, sino un símbolo de una comunidad, porque aunque “Luke Cage” no tenga una identidad secreta, sí tiene un alter ego y Luke Cage, el héroe de Harlem, parece colisionar con Luke Cage, la persona, tanto en el ojo público como en el plano emocional y moral. 



 Al ser una de las series más representativas de la comunidad afroamericana, “Luke Cage” intenta dar una mirada interna reflexiva de los problemas que afecta a este grupo de personas por medio de diálogos extensos que no terminan de cuajar cuando tratan de ahondarse en ideas políticas pero que sí funciona en forma de monólogos. De hecho, los mejores momentos de la serie son exactamente cuando los personajes revelan lo que realmente sienten y lo que son en el contexto de un mundo perjuicioso que ya los ha encasillado. La temporada arranca con un sermón de un pastor, el último rol del gran Reg E. Cathey, que cuestiona la admiración del barrio hacia Luke Cage (Mike Colter). El pastor es nada más y nada menos que el padre desaparecido de Luke y sus sermones y reflexiones marcan el camino para lo que será una entrega rica en el plano filosófico y social. En ese sentido, vemos que las acciones de cada uno de los protagonistas logran plasmar con crudeza el dilema principal de la serie; el poder como fuente de corrupción. 

Yo soy Harlem y Harlem soy yo.

 Antes de ponerse en modo full héroe, vemos cómo es que el propio Luke Cage puede cruzar la línea que separa al héroe del justiciero cuando le dio una paliza a Cockroach Hamilton al intervenir su casa cuando golpeaba a su esposa y su hijo y si no fuera por Claire (Rosario Dawson) no hubiera sido capaz de detenerse y si no fuera por Misty (Simone Missick), la policía se le iba a ir encima. Con todo lo que le pasó a Luke en el pasado, es comprensible que ya no confíe en los policías ni tampoco en el sistema y por eso opere a su propio modo. Entonces, no puede quejarse si es que otros comienzan a hacer lo mismo. De ese modo conocemos al enemigo de turno; Bushmaster (Mustafa Shakir), quien no solo pone en aprietos a Luke Cage por ser tan fuerte como él, sino también lo lleva a dudar sobre su rol en la sociedad. Sabemos que Luke es el clásico héroe que no mata y eso también significa que tiene que salvar a los malos como Mariah (Alfre Woodard), Shade (Theo Rossi) y el propio Bushmaster, no hay sorpresa allí, sin embargo, el conflicto que se presenta para Luke tiene que ver con las implicancias de proteger a estas personas ya que se tratan de las cabecillas del crimen organizado de Harlem, las personas que más daño le han hecho a la ciudad. 



Como si necesitáramos más razones para odiar a Mariah, la bronca de Bushmaster no es tanto con Luke Cage si no con ella porque es la responsable de la muerte de su familia. Y si no fuera porque Bushmaster es consumido por su vendetta contra Mariah hasta podría ser considerado el "The Pushiner" de los haitanos. Él aniquila a las cabecillas de las bandas criminales más importantes de Harlem y al rededores pero en la racha final, Bushmaster se deteriora por completo. De todas formas, lo importante es que el odio por Mariah, que termina siendo universal, lleva a alianzas inesperadas. Hasta este punto, Mariah era una política habilidosa que se consideraba a sí misma el mal menor necesario de Harlem ya que debido a sus relaciones con otras mafias mantiene una tensa calma en el barrio. Mientras va a avanzando la temporada, Mariah deja de lado la política y abraza el lado oscuro y para a ser oficialmente "La reina" de Harlem. Black Mariah es una de las villanas más gratificantes del mundo televisivo de Marvel, es mucho más brutal que Bushmaster aunque no tenga ninguna fuerza sobrenatural y tiene la habilidad de salirse con las suyas gracias a su poder. La excelencia de Alfre Woodard se adueña de la serie cada vez que aparece en pantalla. 

La Reina. Woodard goza de la extraña destreza de sexualizar sus diálogos amenazantes, una táctica inusual que logra incomodar y excitar a sus enemigos. 

Como suele suceder en todas las series, la roba escena de “Luke Cage” es Misty Knight. Luego de perder un brazo en “Defenders”, Misty comienza la temporada acomodándose a esa nueva vida, pero un encuentro con Colleen Wing (Jessica Henwick) y una pelea en el bar revive esa personalidad luchadora que tanto la caracterizó en la primera temporada. Misty Knight es la respuesta a las diatribas internas de Luke, el héroe y símbolo de Harlem. Mientras que los prejuicios y la desconfianza por un sistema corrupto hacen que Luke Cage asuma la protección de Harlem sin tener en cuenta las leyes, Misty encuentra un modo de encontrar justicia a pesar del sistema podrido. Mientras que Luke Cage cuenta con el apoyo del barrio, Misty trabaja sola en una comisaria infectada por la indiferencia y la corrupción. A pesar de la tentación, porque hay un momento en el que Misty considera plantear evidencia falsa a Cockroach, ella misma reflexiona y no lo hace, mientras que Claire es la que detiene a Luke cuando está por cruzar la línea y Luke acepta el club que es parte de la herencia que deja Mariah, y que a su vez, es la representación del poder del barrio. Así, de una forma poética, Luke asume su posición del nuevo Rey de Harlem, una suerte de nuevo Mariah, y Misty se consolida como la heroína anónima de Harlem. 


Es innegable que “Luke Cage” tiene el mejor soundtrack de todas las series de Marvel. En esa segunda temporada, aprovechando la presentación de los artistas en el club tenemos una especie de videoclips en los capítulos y la edición hace que las canciones complementen la narrativa. Otro punto a favor de “Luke Cage” es que las series de Marvel por lo general comienzan a cerrar su temporada en el capítulo 10 y se estira innecesariamente hasta el 13, pero en el décimo episodio, Danny Rant/ “Iron Fist” es el invitado especial y este “bromance" le da un nuevo impulso al trama. “Luke Cage” funciona muy bien solo, pero “Iron Fist” lo necesita para caer menos antipático. A través de Luke, se ha arreglado y nivelado varios aspectos de la personalidad de Danny que antes molestaban y lo han llamado “madurez”. La segunda temporada ha optado por pulir lo que le salió bien en su primera entrega y creo que es la primera vez que no le sobran los 13 episodios de la temporada. El giro final con Luke Cage rechazando ver a Claire después de haber despedir a Misty antes de reunirse con los líderes de las otras mafias promete una tercera temporada mucho más conflictiva.


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jueves, 5 de julio de 2018

#Legion T2 de Schrödinger: ¿Puede una serie ser buena y mala a la vez?

Desde su primera temporada, ver “Legion” es una placer para los ojos. Si Alfred Hitchcock, Wes Anderson y Stanley Kubrirck tuviera un hijo sería Noah Hawley, pues, es él quien construye la serie una narrativa que se apoya en colores, canciones, simbolismos y metáforas con los estilos que caracterizan a Hitchcock, (el suspenso y el terror), Wes Anderson, (la rareza como virtud) y Kubrick (el surrealismo lleno de colores vivos). Con esas tendencias, Hawley construye un cómic audiovisual único en su naturaleza que explora la mente de David Haller (Dan Stevens), el mutante más poderoso del mundo, y sin embargo, ese también parece ser su karma y es que por momentos, el estilo de la serie opaca su propia historia que quiere contar. 




 “Legion” tiene la mala costumbre de ser repetitiva, si avanza un paso, retrocede dos y se tarda para avanzar el trama principal dos episodios en promedio. Este problema fue mi principal crítica en la primera temporada, pero no solo se hace más evidente en la segunda sino que se acentúa porque ahora ha tenido 11 episodios en lugar de 8 por demanda de FX. Se podría decir que "este problema" no es en realidad un problema como tal, todo es a apropósito, considerando que “Legion” retrata enfermedades mentales y “la locura es seguir haciendo lo mismo esperando resultados diferentes”, entonces, que algunos de los episodios lleguen al mismo en el que comenzaron sin avanzar el trama es una decisión deliberada. No obstante, la historia de "Legion" avanza, lento pero avanza, y ni si quiera la espectacularidad audiovisual ni los pequeños cortos narrados por Jon Hanm pueden disimular los episodios rellenos y los repetitivos podemos reconocerlos al final de verlos.



 Hablemos por un momento del "Chapter 14", obviamente se trata de un episodio de relleno y a la vez, es quizás el episodio de David más importante porque vemos cómo es que lidia con el dolor de perder a su hermana. En un intento de escapar su cruel realidad, David busca otras realidades donde su hermana siga viva, pero en las otras líneas de tiempo, o es controlado por The Shadow King o es consumido por su soledad y pobreza o simplemente Syd y Amy no son felices. Independientemente de que se trate de un episodio fascinante se encuentra encapsulado y aislado del arco principal y al final del episodio terminamos en el mismo punto que el capítulo anterior. 



La segunda temporada de "Legion" prometía una batalla épica entre el mutante más poderoso del mundo, David, y Farouk (Navid Negahban), el otro mutante más poderoso de mundo que estuvo insertado como un virus en el cerebro de David desde que nació, y al menos en el plano audiovisual, cumplió, pero hay que admitir que Farouk no es tan interesante como villano o por lo menos, la persona no se siente ni la mitad de amenazante que fue The Shadow King cuando utilizaba el cuerpo de Lenny o cuando se aparecía en la imaginación de David. En ese sentido, en el juego del gato y el ratón de los héroes con el villano se hizo un doble esfuerzo por verse cool; una batalla de bailes y confrontaciones alucinantes en planos astrales, composiciones audiovisuales con bastante sustancia pero sin mucha consistencia. 



 Durante esta temporada, Noah Hawley recibió críticas por el modo en el que ha escrito a sus personajes femeninos, solo Kerry (Amber Midthunder) puede salvarse del trato de “damisela en peligro” que recibió Syd (Rachel Keller) o el “no puedo vivir porque mi hombre no está” de Melanie (Jean Smart). Ahora sabemos que por lo menos en el caso de Syd se trata de una decisión premeditada porque si David es degradado del héroe al villano, la serie necesita una heroína y esa Syd, para bien o para mal. Entonces, esta temporada nos ha presentado su historia de origen y su llamado a acción al darse cuenta que David es el malo del cuento. Ella misma ya nos había advertido que una guerra no se gana con amor. Esta idea es interesante porque presenta un contraste armonioso que comenzó con David enamorándose de Syd con “she's a rainbow” de fondo y terminó con ella desilusionándose de David rompiendo el espejismo que el enamoramiento proyecta. 


 El viraje de David se apega más a los comics y si bien la serie no es fiel a su material de origen los ha introducido en forma de "easter egg", así tenemos la imagen de David en modo "Legion" y la múltiples personalidades de David en una sola escena. 

No sé si puedo juzgar a "Legion" como buena o como mala, sí puedo admitir que después de ver algunos de los episodios de la segunda temporada me albergó una sensación agridulce, no necesariamente porque se trate de una producción mala porque no lo es, al contrario, es la serie más hipnótica en el mundo seriéfilo actual, sino porque creo que la espectacularidad visual no puede sustituir una historia, debería complementarla como lo hizo en la primera entrega. Supongo que es cuestión de gustos. "Chapter 14" sin tener una relevancia mayor de "Legion" es mi elección como el mejor capítulo de la temporada. 



Respecto a la serie siento que por momentos es muy astuta para su propio beneficio y por otros siento que se apoya demasiado en su estructura de "no se va a entender pero se ve cool". Quizás "Legion" es nuestra Lenny (Aubrey Plaza) y se divierte con nosotros, le gusta confudirnos de manera descarada y nos guiñe el ojo reemplazando el clásico “previamente” con un “aparentemente” para recordarnos que no podemos confiar en David pero tampoco en la propia serie. En “Legion”, el delirio comienza con una idea, pero la historia es un camino, no un destino, por eso, nos han llevado a diferentes viajes mentales y planos astrales, nos ha mostrado que la lucha más que externa es interna y que va más allá del bien y el mal.


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jueves, 28 de junio de 2018

#Sense8: El amor lo conquista todo

No es casualidad que el capítulo final de “Sense8” lleve como título “Amor Vincit Omnia”, que en español es "el amor lo vence todo" y es que el amor por la serie que muchos profesaron ante su injusta cancelación hizo que Netflix reflexionara y le otorgara a todo el equipo de Lana y Lily Wachowski un especial para cerrar la historia. 



En sus dos temporadas previas tuvimos tiempo para centrarnos en el trama personal de cada uno de los protagonistas y hasta gozamos de discursos sobre la aceptación, la lucha contra el prejuicio, el amor y reflexiones de la vida en general, así que el final se va directo a la acción; Sí, salvaron a Wolfie (Max Riemelt) y no, no se fueron por el triángulo amoroso innecesario; Kala (Tina Desai) no tuvo que elegir entre su esposo y Wolfie; todos participaron de una u otra forma en la lucha contra los malos y ganaron, y bueno, clásico de “Sense8”, todos terminaron en una orgía.



 “Sense8” ha sido una celebración de la humanidad y es por eso que hemos visto, el mejor lado de la naturaleza humana y la peor también. En su reseña del final, AVClub tiene una frase que me parece que es la que mejor descripción lo que significa: “Sense8” es, en cierto nivel, sobre comunidades repentinas y constantes, o incluso familias encontradas. En este gran mundo del “sensante”, los monólogos más fuertes y poderosos retratan lo difícil que es el panorama para quien forma parte de la comunidad LGTB y no es aceptado por un familiar, por amigos o por el mundo. Al ver las escenas de Nomi (Jamie Clayton) y Lito (Miguel Ángel Silvestre) en la primera temporada, cuando Lito todavía no había salido del closet, hasta nos olvidamos que se trata de una serie de ciencia ficción con conspiraciones y persecuciones. Pese a los obstáculos en los caminos de los propios personajes, la serie siempre se apostó por la conexión entre las personas antes que la destrucción, por la empatía antes de la indiferencia y por el amor antes del odio con la esperanza que su mensaje cale en el mundo y sino por lo menos para que sus fans se sientan parte de la familia de los sensate. 




 El final de “Sense8” es una carta de amor al mismo amor, a los fans, a la comunidad LGTB, a la diversidad, a la representación, a la lucha contra la adversidad y a ese grupo y elenco que no tiene nada más en común más que esa conexión que los une, al mundo en general. “Amor Vincit Omnia” es un final satisfactorio más que perfecto, también abrupto y no lo digo por la última escena, lo digo porque las productoras tenían pensado hacer por lo menos cinco temporadas, igual todo termina con más sentimiento que lógica, pero qué importa la lógica cuando el amor lo conquista todo. 

Final feliz

 El amor es multilingüe 

 No le busco mucha explicación a la organización secreta y cuál era su objetivo, porque en realidad lo genial de la conspiración es la conspiración en sí y no la explicación que se intentó dar en el especial, sin embargo, la única crítica que le he hecho a la serie era el hecho que todos hablaban inglés ya que eso mataba la mística que la serie quería crear, pero en el especial finalmente, también se habla el francés y el italiano. Esta bien que el inglés sea el idioma universal, pero tampoco tampoco...

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-8 razones para ver #Sense8 

domingo, 24 de junio de 2018

#Krypton: La tragedia shakesperiana que mejora la historia de #Superman

Krypton” inspira su estética en la composición audiovisual de Zack Snyder para “Man of Steel”, donde hay una carencia de colores para trasmitir un ambiente sombrío, y también hace canon la información expuesta por Jor- El en la misma película respecto a la crisis que dio inicio al fin de Kyrpton pero lo hace con un giro a lo “Terminator”. Adam Strange (Shaun Sipos) viaja al pasado y a otro planeta para asegurarse de la existencia de Superman, advirtiéndole al abuelo de Kal-El que Brainiac is coming



 Considerando que la primera temporada solo cuenta con 10 episodios, “Krypton” se toma su tiempo en establecer el panorama político, la importancia de las casas y el fanatismo religioso que ha dominado la sociedad y que le ha puesto freno a los avances tecnológicos. Es recién en el quinto episodio donde las cosas se ponen realmente interesantes ya que se deja de sentir como una precuela que solo introduce conceptos para sentirse como una distopia en donde ha explotado una guerra civil entre la cúpula que controla el poder en Kandor, los rebeldes, y los renegados, encabezados por Seg-El, todo esto mientras se va acentuando el peligro de la amenaza de Brainiac (Blake Ritson)



Romeo y Julieta de Krypton

 El valor de “Krypton” está en el hecho que sin ser parte de ningún universo cinematográfico le da un halo legendario a la estirpe del héroe más grande que universo haya visto; Superman. Tal vez inspirándose en la tragedia shakesperiana, Seg-El (Cameron Cuffe), el abuelo de Kal-El, y Lyta-Zod (Georgina Campbell), la madre del General Zod, son una suerte de Romeo y Julieta al revés porque no son ellos los mueren como resultado de su romance condenado, sino sus familias. La madre de Lyta es responsable directa de la muerte de los padres de Seg-El y más adelante, Kal-El se enfrentaría con el General Zod sellando el destino de las dos casas como dos enemigos acérrimos.



 Esta dirección, que eventualmente lleva a la revelación que el General Zod es hijo de Seg, le añade una nueva capa de complejidad a la disputa entre los Zod y los El y al volver a ver todas las producciones donde Superman se enfrenta a Zod tenemos una nueva perspectiva que sorbrepasa el confrontación del bien sobre el mal. Así, "Krypton" nos da la oportunidad de conocer también la historia de la Casa-Zod, un abolengo del destacado gremio militar kryptoniano, dispuestos a sacrificarse ellos mismos con tal de proteger a Kandor, En primera instancia, el general Zod pareciera que continúa el legado de su familia, sin embargo, después se descubre que su viaje al pasado no solo es para detener a Brainiac sino para aprovecharse de las pugnas por el poder e imponer su dictadura. Particularmente, me encanta cómo es que a Zod no le importa revelar su futuro de inmediato y el modo en el que utiliza su inteligencia para manipular de una manera muy indiscreta a Lyta para que le haga caso y traicione a Seg. 



 El cliffhanger de la primera temporada cumple el sueño de General Zod que ha logrado cambiar la línea del tiempo y apoderarse de la tierra mientras que Seg se ha quedado atrapado en la zona fantasma junto a Brainiac en su último intento de salvar a su mundo. De ese modo, la primera temporada de "Krypton" me hace usar las palabras del dialogo más famoso de Leonardo Dicaprio en Django; "tenías mi curiosidad, pero ahora tienes mi atención", pese a tener también momentos muy a lo CW con protagonistas sexies que están entrampados en un triangulo amoroso innecesario, aunque debo admitir que después del sexto episodio me decepcioné bastante de Lyta y ahora soy del Team Nyssa (Wallis Day). No obstante, vale la pena destacar ante todo que "Krypton" es el perfecto ejemplo de cómo hacer una precuela sin el héroe principal sin desperdiciar ni caricaturizar a los enemigos clásicos (indirecta directa para Gotham) pero además, contribuye a la mitología con un plus que enriquece la historia de Superman aun si no hay una conexión directa.


Tú cuando sabes que la pareja que odias no va a terminar junta

lunes, 18 de junio de 2018

#Timeless: De cómo los “Tv Trophes” mejoran la serie

Me es un poco difícil separar a “Timeless” de “El Ministerio del Tiempo”  porque soy fan de la serie española y porque en cierta forma "Timeless" se trata de la versión americana no oficial de la serie española, por no decir un plagio. Como se recuerda, el año pasado, la productora Onza Partners demandó a NBC, Sony y los cocreadores de la serie, Eric Kripke y Shawn Ryan, por crear una producción que tenía la misma premisa de “El Ministerio del Tiempo” y cuyos personajes parecían una calca de los protagonistas de la serie española, razón por la cual al ver "Timeless" no puedo evitar compararla con "El Ministerio del Tiempo". El litigio legal terminó con un acuerdo entre ambas partes, un pacto que parece admitir que sí, “Timeless” se “inspiró” en “El Ministerio del Tiempo”. 



 En su primera temporada, “Timeless” me pareció demasiada genérica a pesar de tener un enorme potencial. Especialmente, cuando en su piloto había establecido que no le importaba cambiar el pasado, desafiando y rompiendo la regla más sagrada de los viajes en el tiempo. Sin embargo, “El Ministerio del tiempo” goza de una gracia única que “Timeless” jamás fue capaz de replicar. Parece una paradoja porque lo que necesitaba “Timeless” para alejarse por completo de “El Ministeiro del Tiempo” era americanizarse a través de los “Tv Tropes”, sobre todo porque la serie española prefería evitar los clichés televisivos. En ese sentido, "El Ministerio del Tiempo" siempre fue bien ambivalente respecto a los conflictos románticos. Coqueteó con la idea de Julián (Rodolfo Sancho) y Amalia (Aura Garrido) durante la primera temporada y al final no llegó a nada. Del mismo modo, hubo un romance fugaz entre Pacino (Hugo Silva) y Amelia; ambos se acostaron, se separaron, se reencontraron y jamás volvieron a hablar sobre el tema. En su tercera temporada, “El Ministerio del Tiempo” se centró más en las aventuras y en los personajes históricos que en su propio elenco y de ese modo, sacrificó lo más importante; la evolución personal de sus protagonistas. Por su lado, en su segunda temporada, “Timeless” hizo lo contrario; manejó mejor el drama personal incluyendo el plano amoroso. De ese modo, decidió concretizar ese “will they or won’t they” entre Wyatt (Matt Lanter) y Lucy (Abigail Spencer), quienes serían el Julián y la Amalia en la serie americana, pero, y como es un clásico cliché, regresó la desaparecida esposa de Wyatt, Jessica (Tonya Glanz), para malograr el momento de felicidad. A la par, tuvimos las visiones de Jiya (Claudia Duomit) que introdujo una onda paranormal que advertía la muerte del personaje más original de la serie y por lo tanto más querido: Rufus (Malcolm Barrett). Sus comentarios sarcásticos, sus referencias culturales, su entusiasmo y su simple presencia convierten a Rufus en el corazón de la serie, por lo que su posible muerte era una apuesta riesgosa . 



Estados Unidos tiene una historia muy interesante que es aprovechada al máximo por “Timeless” no solo presentando personajes icónicos sino también momentos que marcaron un hito, pero además, a esto hay que sumarle que los conflictos emocionales enriquecen las aventuras de los viajes. Esto es exactamente lo que palidecía la primera temporada y también parte de "El Ministerio del Tiempo". En el episodio "The Kennedy Curse" se sintió el impacto del retorno de Jessica porque ella fue parte de la búsqueda de un joven John F. Kenedy en un capítulo que se desarrolló todo en el presente. Asimismo, la reconciliación entre Jessica y Wyatt ocasionó molestias para Lucy y la incomodidad entre los dos era evidentes para extraños, especialmente para Grace Humiston, quien involuntariamente se vuelve una figura representativa del movimiento feminista. Por supuesto, el giro predecible era que Jessica era parte de Rittenhouse, pero lo que hay que destacar no es la dirección sino el efecto; la tercera en discordia siempre va a aportar drama y en este caso, el drama fue bueno porque no hubo TeamLucy o TeamJessica, Jessica solo supuso un obstáculo para Wyatt y Lucy. 



Una de las cosas que más me gusta de “Timeless” es que se toma su tiempo para construir un arco personal para todos sus personajes. Hemos tenido episodios centrados en Connor Mason (Paterson Joseph) y Denise Cristopher (Sakina Jaffrey) y hasta nos revelaron un poco del pasado de Emma Whitmore (Annie Wersching). En “The King of the Delta Blues”, Mason acompañó al equipo a salvar el rey de los blues y de paso se va sobreponiendo tras haber perdido a su compañía. El mejor episodio de la temporada fue “The Day Reagan Was Shot” donde pudimos ver a una joven Denise Cristopher resolviendo con ayuda de Lucy y Jiya el atentado contra el presidente Reagan y en paralelo, Christopher se enfrentó a la posibilidad de que su presente desapareciera. En el episodio “Mrs. Sherlock Holmes”, Emma se alía temporalmente con el equipo porque no quiere que Rittenhouse altere la historia ya que eso implicaría dejar sin derecho a las mujeres. 



 En esta temporada, “Timeless” decidió incorporar un nuevo asiento a su máquina del tiempo con lo que ahora cuatro personas podían viajar. Entonces, el grupo tuvo una alianza particular; Flynn García (Goran Višnjić) y justo él es ese personaje impredecible que todas las series necesitan porque nunca sabes lo que va a hacer y siempre estás pendiente si es que va a sacar el puñal de la mano para clavarlo en la espalda de alguien. Por el momento, Flynn parece tener una conexión sincera con Lucy. Énfasis en "por el momento". 



 La segunda temporada de “Timeless” ha mejorado por completo y ha terminado con un cliffhanger monumental. El equipo no pudo evitar la muerte de Rufus, pero justo cuando están lamentándose una máquina del tiempo se hace presente en el bunker y Lucy y Wyatt del futuro se presentan ante el equipo del presente. Los productores de la serie lucharon para que se le otorgaran una segunda entrega y ahora están luchando por una tercera. ¿La merecen? Absolutamente, “Timeless” ha ido de menos para más y ahora nos deja con ansias de saber cómo diablos van a hacer para salvar a Rufus.

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-#Timeless y #Frequency: Jodamos con las líneas de tiempo (que a #Flash le funcionó muy bien)

jueves, 14 de junio de 2018

Lo bueno (#Arrow), lo repetitivo (#TheFlash) y lo adorable (#LegendsofTomorrow) del #Arrowverse

Un nuevo año y un nuevo balance de las series del Arrowverse, excepto de "Supergirl", porque ya tiré la toalla con "Supergirl", #sorrynotsorry. 

"Arrow" continúa por buen camino 

"Arrow" recuperó calidad gracias a una fantástica quinta temporada y la sexta intentó seguir por el mismo camino. La temporada comenzó con algo obvio; los sobrevivientes de la explosión en la isla iban a ser los invitados especiales y no los actores regulares. De allí en adelante lo que vimos fue hasta cierto punto bastante predecible incluyendo la propia resolución; los temblores de Diggle (David Ramsey) se iban a curar, Thea (Willa Holland) iba a despertar del coma, Oliver (Stephen Amell) renunciaría a ser el Green Arrow para tratar de ser un mejor padre para William y luego volvería a ser el Green Arrow. 


Creo que lo impredecible llegó de la mano de Cayden James (Michael Emerson), más conocido como “Evil Finch”, y es que ya imposible separar a Emerson del personaje que hizo en “Person of Interest”, aunque esta vez le tocó hacer de un hacker que buscaba venganza por la muerte de su hijo. En el plano intelectual, Cayden James tuvo una estrategia maquiavelista que funcionó; unió a los enemigos de Arrow, sembró la desconfianza en el equipo Arrow y le complicó la vida a Oliver como alcalde al exponer su identidad. Sin embargo, Cayden James fue asesinado poco después del midseason finale para revelarse que el verdadero villano de la temporada es Ricardo Diaz/Dragon (Kirk Acevedo). 


Mejor episodio de la temporada: "Fundamentals" - el "Kapiushon" de esta entrega.

Particularmente, Díaz me pareció un enemigo promedio, pero su fuerte fue apelar a la extorsión y a la corrupción que regresó para adueñarse de la ciudad mientras los héroes estaban demasiados ocupados peleándose entre sí. No soy muy fan del nuevo equipo Arrow, es más, siento que la serie palidece cuando se enfoca mucho en ellos ya que eso les resta tiempo a personajes favoritos como Diggle, Felicity (Emily Brett Rickards) y Thea, pero sí debo reconocer que el arco que le tocó a Dinah Drake (Juliana Harkavy) fue uno de los más satisfactorios de la temporada. Resulta que el "Vigilante" terminó siendo su ex novio y fue asesinado por Black Canary (Kate Cassidy). De modo que esta historia brindó la perfecta oportunidad para ahondar en ese "Black Siren vs. Black Canary", una bronca que rogaba por ser materializada desde que regresó Kate Cassidy, y también Drake se dejó consumir por su lado oscuro hasta ponerse, por momentos, como en una enemiga del propio equipo Arrow y fue la más sensata al cuestionar las decisiones de Oliver.


  Episodio que vale la pena saltar: The Dragon 

Uno de los puntos más débiles de “Arrow” es que siempre se tira más para el melodrama. Ojo que el drama es necesario para cualquier serie, pero el melodrama es la exageración a niveles novelescos del drama. “Arrow” sufre por su propio melodrama y también por fanservice que por sí mismo tampoco es malo, pero cuando se abusa del mismo irrita. Está bien que hayamos tenido la boda de Felicity y Oliver en el crossover, pero no está bien que el siguiente capítulo hayamos pasado más de 10 minutos en la recepción del matrimonio. Un buen ejemplo del fanservice de un ship popular es el episodio "Fundamentals" donde Felicity es la que devuelve a la realidad a un Oliver drogado que se está enfrentando a sus propios demonios internos. Asimismo, otro fanservice que también enriqueció el drama lo vimos con el retorno de Slade (Manu Bennett), Tommy (Colin Donnell), Roy (Colton Haynes) y Nyssa (Katrina Law) .

Mejor comeback momento fanservice... el regreso de Tommy

 Pese a que algunos giros que tuvo "Arrow" fueron similares a los de "The Flash", la sexta temporada ha estado bastante sólida y el cliffhanger representa un cambio de juego. Ya sabemos que Oliver no se quedará en prisión por mucho tiempo, antes del crossover ya estará afuera, pero lo más importante es que toda la serie estuvo construyendo su momento "Soy Iron-man" y ahora que ya todos saben que Oliver es "Green Arrow", la propia serie tiene para arreglarse, reconstruirse o presionar el botón de reset y comenzar de nuevo.

Tantas veces “The Flash”

Lamentablemente, "The Flash" ya venía de una tercera temporada decepcionante y si bien de la cuarta temporada podemos rescatar algunos episodios, en general se sintió repetitiva y sobre expuesta. Comencemos por esto último, cuando digo la serie ha pecado de sobre exposición no me refiero a las explicaciones de exposición para ubicar al espectador causal, estoy hablando específicamente de todo el arco "Iris es la líder del equipo Flash" porque no tiene sentido. Aun sin Flash, cada miembro del equipo tiene un alto coeficiente intelectual por lo que aportan algo más que su carisma al momento de enfrentar al malo de la semana. En la cuarta temporada, se le asignado el rol de líder a Iris West (Candice Patton) sin explicarnos el cómo o el por qué y lo peor de todo, es que en su afán de darle más importancia a Iris se "atonta" a los demás o simplemente se le da la frase final luego que los demás han armado el plan. Esto no es una crítica a la actriz Candice Patton, ella solo le da vida a Iris, pero sufre las consecuencias directas de las decisiones de los productores que no saben muy bien qué hacer con Iris, pero solo porque repites constantemente que ella es la líder no se convierte automáticamente en la líder del grupo. En uno de los capítulos finales, Iris vuelve a publicar en su blog y pide ayuda a la ciudad para encontrar a The Thinker (Neil Sandilands), así es como reafirmas la importancia de Iris con una idea que solo podía nacer de ella y que aporta al grupo de un modo único.



 El otro problema que ha tenido "The Flash" es uno que también tuvo "Arrow" en su momento, cada vez que hay un nuevo miembro se deja a un lado a los personajes favoritos. La presencia de Ralph Dibny (Hartley Sawyer), la última incorporación del equipo Flash, afectó sobre todo a Cisco (Carlos Valdes) y a Caitlin (Danielle Panabaker), y para mala suerte del mismo Ralph, el arco que le tocó lo vimos una y otra vez. Parecía que estábamos en loop, de un tiempo a una parte, “The Flash” se ha volvió el show de Ralph, Elongated Man y siempre teníamos el mismo trama, siempre era la misma crisis y la dudas por ser un héroe para avanzar y luego retroceder en la evolución de idiota del grupo al héroe sacrificado.


Mejor episodio de la temporada: "Enter Flashtime"

El principal punto crítico de "The Flash" se encuentra en Killer Frost. Los productores no quieren tener que elegir entre Caitlin o Killer Frost, entonces, simplemente lo dejan al aire. Por lo menos, se ha explicado que ambas tiene una relación tipo Hulk - Banner. Pero no todo es malo en "The Flash". Después de tantos enemigos velocistas, The Thinker ha sido un viraje apropiado que desafía a Barry y compañía y los obliga a pensar en una solución más intelectual que el clásico “Corre, Barry, Corre”. La mayor parte del "The Thinker vs el equipo Flash" ha sido planes estratégicos donde The Thinker estaba dos pasos adelante de los demás y eso que a Cecil, (Danielle Nicolet) convenientemente, le dieron poderes que ayudaron a avanzar el trama.


  Episodio que vale la pena saltar: "Run, Iris, Run"


 Esta temporada hemos tenido episodios experimentales como “The Trial of The Flash”, un episodio tipo “Law and Order”, “Enter Flashtime”, que profundizó en la mitología del “Speed Force”, y “When Harry met Harry” /“Harry and The Harrisons”, dos episodios de sirvieron para ue Tom Cavanght se luzca son su propia versión de “Council of the Rick” pero con Harry, y “We are The Flash”, un final de temporada muy a los “Inception” que si bien no reivindica la temporada, la salva a un poco.


Mejor momento fanservice... The Council of the Harry

La cuarta temporada también se interesó en dejar pistas para el futuro, por eso no se vio una resolución concreta a las frases que dijo Barry una vez que salió del "Speedforce" y la chica misteriosa del café confirmó su identidad -que ya todos habíamos adivinado - al final de la temporada. De ese modo, lo único que nos queda es la expectativa de una quinta temporada que puede ser prometedora y que definitivamente tiene que ser mejor que la cuarta que ha sido demasiado repetitiva para mi gusto.

 “Legends of tomorrow”, leyendas del meta 

 Desde su segunda temporada, "Legends Of Tomorrow" encontró su mayor fortaleza en la comedia apelando a un humor meta y referencial como un complemento a las locas aventura de los viajes en el tiempo. Ya en su tercera temporada,"Legends of Tomorrow" es ante todo la producción más divertida del Arrowverso, pero además, se introduce nuevos conceptos, instituciones y personajes que enriquecen la extravagancia de su propio estilo. Ahora tenemos el Buró del Tiempo, una especie del Ministerio del Tiempo, creado por fucking Rip Hunter (Arthur Darvill) para arreglar los acronismos ocasionados por las "leyendas" luego que rompieran las reglas del tiempo para auto salvarse al final de la segunda temporada. Con la idea del Buró del Tiempo no solamente se crea una nueva institución que intenta conservar el tiempo sino que también se ocupa el lugar que originalmente le pertenecía a los Maestros del Tiempo. Asimismo, el Buró del Tiempo se contrapone a las leyendas en todos los aspectos, es algo así como su frenemy. Mientras el Buró del Tiempo es ordenado y burocrático, las leyendas no siguen las reglas y se salen con las suyas gracias a sus locuras. La encargada del Buró del Tiempo es Ava Sharpe (Jes Macallan), reclutada y entrenada por Rip, una mujer que apegada a las normas y a los protocolos, todo lo opuesto a la cabeza de las leyendas, Sara Lance (Caity Lotz). La aversión que estas dos mujeres evidencian tras conocerse adelantaba que obviamente se involucrarían después porque opuestos se atraen/tensión sexual/ y porque no es una mala idea darle una relación seria a Sara pero tampoco es una prioridad.



 Parece que "Legends of Tomorrow" se siente cómodo haciendo uso del "McGuffin" y lo hace conscientes de que se trata de un "McGuffin". El “McGuffin” de la temporada son los tótem. Teniendo a un organismo como el Buró del Tiempo para arreglar los acronismos, las leyendas necesitaban tener algo que buscar para poder luchar contra el malo de la temporada. Antes de luchar oficialmente contra el big bad de la temporada, el demonio Mallus, las leyendas se enfrentaron a Damien Darhk (Neal McDonough). Con Darhk pasa algo sumamente curioso porque Darhk desentonaba por completo en "Arrow" y su participación como villano fue para el olvido en "Arrow", pero en "Legends of Tomorrow" es como el villano recurrente que se presta para la acción, la exageración y hasta el humor. Hemos tenido dos episodios donde se alía con las leyendas para salvar a su hija porque es la única que le importa.


Mejor episodio de la temporada: "´Here I go again" (y eso que se trata de un episodio relleno)


 Esta temporada “Legends of Tomorrow” se ha llenado de comentarios metas y hasta actuaciones meta. La hija de Damien Darhk es interpretada por Courtney Ford, la esposa de Brandon Routh, quien le da vida a Ray Palmer, y por supuesto, los dos han compartido varias escenas haciendo del héroe y la mala a la que le saca de quicio el bueno inocentón y con ello, una simple escena de Nora y Ray peleando se vuelve inmensamente hilarante. Uno de los aspectos más positivos de las leyendas es la rotación de su equipo porque eso permite explorar nuevas dinámicas. La primera adhesión al aquí fue Zari (Tala Ashe), quien fue reclutada por Amaya (Maise Richardson-Sellers) y así le sumamos un poco más de estrógenos a "Legends of Tomorrow". Aprovechando el crossover, nos despedimos a lo grande de Victor Garber, lamentablemente eso significo la muerte de Martin Stein y tras él se fue Jax (Franz Drameh). Luego Wally West (Keiynan Lonsdale) se integró al grupo y por supuesto, congenió con Nathan y Ray. Es justo decir que Wally funciona mejor en “Legends” que en “The Flash" porque por alguna razón en “The Flash” nos llenan de velocistas pero no saben exactamente qué hacer de ellos y la personalidad optimista de Wally se ahogaba bajo la sombra de Barry, mientras que “Legends of Tomorrow”, Wally tiene la libertad de ser un arcoíris andando. Sin embargo, esa también podría ser una crítica a “Legends” que se sigue llenando de personales “reciclados” que ya no tienen cabida en “Arrow” o “The Flash”, pero a mi me gusta pensar que es una forma de aprovechar la potencialidad del personaje en una serie que tiene carta abierta para todo tipo de aventuras.


  Episodio que vale la pena saltar: Ninguno. Bueno, quizás "Freakshow" que no es el peor episodio pero sí uno de los más débiles


 La debilidad de "Legends" continúa siendo la relación de Nate (Nick Zano) con Amaya. No veo la química entre los actores, pero esto no significa que los personajes estén de más. Cada uno contribuye con lo suyo, pero bueno, todas las series pecan de tener una pareja que no les agrada a muchos. No puedo dejar de mencionar a Constante (Matt Ryan). Todos somos Gary entusiasmados e impresionados por Constante. Los dos episodios donde apareció más su pequeño cameo final han sido los mejores momentos de la serie y su sola presencia implanta el elemento sobrenatural que parece que será vital en la próxima temporada.


Mejor momento fanservice... Gary, la viva representación del fandom


 Las críticas que he visto en las redes sociales en contra de “Legends of tomorrow” se enfocan en su tono. Hay a quienes no les gusta el humor meta porque a veces, exagera. “Legends” puede sobre pasar lo ridículo de una forma impresionante. Mientras las otras series, los héroes tienen una batalla final con sus enemigos, "Legends of Tomorrow" convirtió a sus héroes en un adorable Beebo para enfrentarse con Mallus en una batalla que fue tan épica como hilarante. Y sí, hay a quienes les pareció que eso estuvo por encima de lo absurdo, pero ya tenemos muchas series de héroes que se toman demasiado en serio y en medio de ese universo, "Legends of Tomorrow" se distingue por hacer lo opuesto.

¿Y qué depara el futuro para el Arrowverso?

Bueno, según se ha informado Batwoman será parte del crossover esta temporada. 

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lunes, 11 de junio de 2018

#Oceans8: Un robo con aroma de mujer

Seamos honestos, el talento de las ocho protagonistas es más que suficiente para disfrutar la película. Para quienes vimos “Ocean’s Eleven” y sus secuelas, ya sabemos más o menos lo que va a pasar, solo que ahora estamos viendo a ocho mujeres en lugar de once hombres. A pesar de lo familiar, “Ocean’s 8” resalta en su propio ingenio jugando con el prejuicio de sus propias protagonistas pero también nos deja deseando algo más. 



 Lo bueno 

 Sandra Bullock, Cate Blanchett, Rihanna, Mindy Kaling, Awkwafina, Helena Bonham Carter, Anne Hathaway y Sarah Paulson. Por supuesto. Ellas son la cinta. Son tan buenas en lo que hacen que podrían hacer interesante hasta un comercial del producto más aburrido, pero además de eso, hay magia. Antes que si quiera se estrenara la película “ScreenPrism” publicó un video ensayo donde se destacan que básicamente el elenco es una contraparte –y hasta la combinación- de los actores y personajes que hemos visto en “Ocean’s Eleven”.



Y a sí mismo, especialmente con los personajes de Rihanna y Hathaway se desafía y se divierten, respectivamente, con su propia imagen pública. Rihanna es un icono pop que podría ser vista como superficial y en la cinta hace de una habilidosa hacker que soluciona todos los problemas, mientras que Hathaway interpreta una versión meta que los “haters” se imagen tras ser considerada como una de las actrices más odiadas de su generación. 



 La misma película está consciente que su elenco será punto de comparaciones y críticas por el simple hecho de tener un elenco conformado por puras mujeres, pero se enfrenta a esa polémica con una sola línea en su dialogo. El personaje de Bullock, Debbie Ocean, explica en una escena que no quiere hombres en el grupo porque al ser mujeres todas pasaran desapercibidas y eso es exactamente lo que quieren. No es una indirecta ni una forma de incitar una guerra entre sexos, simplemente, es aprovechar el estatus quo, que en este caso, las beneficia y que hace que se salgan con la suya. 



 Lo malo 

 La película pasa el Test Bechdel con honores y si bien es cierto vemos un robo a gran escala, lo que le resta un poco la espectacularidad es que parte del motivo de todo el plan sea una venganza que nace de un drama amoroso. La historia de Claude y Debbie no es la principal de la película y por supuesto, es la parte que más difiere o mejor dicho invierte lo que hemos visto “Ocean’s Eleven” con la relación de Danny Ocean (George Clooney) y Tess Ocean (Julia Roberts) o con la persecución a modo de coqueteo entre Rusty Ryan (Brad Pitt) e Isabel Lahiri (Catherine Zeta Jones). En ese sentido, es un poco decepcionante que la mente detrás del robo de la Gala del Met tenga como un motivo alterno una venganza, aunque esta sea justificada. Como dice el propio New York Times en su crítica al filme, “es divertido verlo, sí, pero sería aún más divertido si la película aprovechara más a su género femenil como lo hace el género de aventuras” y obviamente, sabemos que puede hacerlo porque lo ha hecho con todas menos el personaje de Bullock. Todas se adhieren al plan por el dinero y de ese modo están diciendo “hey, las mujeres también pueden ser ambiciosas, también gozan de la adrenalina y tienen más deseos que el amor de un hombre”. Quizás esto le reste un punto a una película que por sí misma le apuesta a la diversidad y a la astucia de la mujer.