martes, 20 de febrero de 2018

#AlteredCarbon: El blockbuster de Netflix

"Altered Carbon" tiene muchos puntos positivos a su favor, como un elenco diverso, una violencia desbordante, los desnudos para nada necesarios pero apreciados y la espectacularidad en los efectos especiales, y sin embargo, lo que carece es una historia que vaya a la par con su estética inspirada en Blade Runner. 



Baso en la novela del mismo nombre de Richard K Morgan, "Altered Carbon" se desarrolla en un futuro distópico y sicodélico donde la consciencia humana puede ser trasladada de un cuerpo a otro mediante una especie de chip. La historia principal está centrado en el asesinato de Laurens Bancroft (James Purefoy), que será resuelto por Takeshi Kovac (Joel Kinnaman), un solado de élite que ha estado congelado 250 años y cuando despierta en el futuro para su mala suerte, está viviendo en una sociedad que él mismo intentaba prever cuando era parte de un grupo de rebeldes en el pasado.



Si dejamos a un lado lo vistoso de la estética y la harta violencia explicita, la historia en realidad es simple y hasta familiar. No recuerdo el nombre exacto, pero el asesinato tiene las características de un caso de Sherlock Holmes; todo apunta que se trata de un suicidio y al final, termina siendo un suicidio manipulado y orquestado por alguien cercano al pasado de Kovac. El principal problema de la serie es que parece que ha agarrado todas las ideas existentes en el mundo de la ciencia ficción y los ha incluido como parte de su mitología tratando de insertarlas en su trama como a dé lugar. De esa manera tenemos clones, inteligencias artificiales, traslado de consciencias, etc, etc... a los cuales hay que sumarle los conflictos morales y éticos que intentan darle una capa más profunda a toda la serie, pero aunque "Altered Carbon" se esfuerza en presentar dilemas y conceptos interesantes, pero solo se quedan en eso, dilemas y conceptos. Discutir temas como qué es lo que nos hace humanos o si podemos considerar a las réplicas artificiales como personas y no como copias nos quitarían demasiado tiempo y sería aburrido en comparación a las asombrosas escenas de acción que las series nos regala. No obstante, "Altered Carbon" hace el intento de explorar ideas como la identidad, las brechas en la sociedad, la propia humanidad y la vida en general. 


La serie se complica demasiado con su propio diccionario.

 Para Kovac y para la madre de Kristin, la muerte le da sentido a la vida. Esta idea es reforzada cuando conocemos a los millonarios porque ellos han perdido su humanidad porque la muerte les es indiferente, ya que en una época donde la tecnología ha avanzado lo suficiente para desafiar la idea de la muerte, para los ricos, la vida se vuelve insignificante y aburrida. Pero el dialogo es muy flojo para ahondar en sus propios planteamientos y hasta en su propia mitología tecnológica. Entiendo que quieran introducirnos a este mundo, pero hay tantos términos y tantas definiciones que parecería que cada episodio fuera una especie de prueba del glosario de las cosas que aprendimos en el capítulo anterior. Y a esto hay que sumarle que la explicación te la dan cuando necesitan que la narrativa avance, muchas veces desafiando su propio canon sin mencionar que los guionistas parecen tener una obsesión con los comentarios "comebacks" que parecen inspirados en películas de acción de los 80's.



  Uno de los puntos débiles de la serie es la relación entre Kovac y Kristin (Martha Higareda) porque es la historia se siente forzada, es como si se hubiera querido juntar a los personajes por el clásico el "will they or won't they" sin tomar la naturaleza de los propios personajes. La razón por la que Kristin se convierte en una compañera involuntaria de Kovac es porque el cuerpo que le tocó a Kovac pertenece a su novio y esa también es la razón de su extraño coqueteo que consiste en “no me caes pero me gustas”. Los actores Joel Kinnaman y Martha Higareda aunque son atractivos tienen una química pobre. Obviamente, esto no quiere decir que ni Kinnaman ni Higareda no hacen un buen trabajo, cada uno está perfecto en su rol. Kinnaman es el prototipo de héroe silencioso que intenta hacer lo correcto y no tiene problemas dejando cuerpos por doquier para sobrevivir e Higareda está genial la detective "badass" de la serie. 



No obstante, por irónico que suene, el alma de la serie, el personaje más carismático y empático, es Poe y sucede que Poe es una inteligencia artificial, lo que deja muy mal parados a los humanos en general. De hecho, Poe es el nuevo Barb, es el favorito de quien ve el programa y lo sacrifican de la peor manera, pero no importa por él salvó a Kovac y… a la serie por completo aunque no obtenga justicia. 


 “Altered Carbon” es la primera serie blockbuster de Netflix donde el drama se va deshaciendo capitulo por capitulo y se apuesta más por la espectacularidad visual y no solo me refiero a los efectos sino también a sus propios personajes que muestran que para pelear no es necesaria la ropa.



Gracias Tumblr...

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miércoles, 14 de febrero de 2018

#CallmeByYourName y #Carol: El amor es el trama

En su reseña, el New York Times comentó que ver la película “Call me by your name” es como enamorarse por primera vez y es que la cinta de Luca Guadagnino tiene una habilidad impresionante de conectarse con el espectador de una manera intima. Más que verse, se experimenta. Lo extraño es que experimentamos la historia más vieja del mundo; un amor de verano con una fecha de expiración que marcará la vida de los protagonistas. 



Basada en la novela de André Aciman, "Call me by your name" narra la breve pero memorable romance entre Elio de 17 años y Oliver, el investigador americano que trabaja en su doctorado y llega a Italia para ayudar al padre de Elio durante un verano en la década de los 80's. En la primera parte de la película, Elio siente una intriga por Oliver y eventualmente se descubre que más que intriga es un gusto y después un enamoramiento. Gracias a la impecable actuación de Timothee Chamalet podemos ver la escala de emociones que viven en Eli; la irritación que produce la ausencia de Oliver en las cenas, la molestia y los celos al ver a Oliver bailar con una mujer y la frustración por no controlar su impulsividad. Por su lado, el Oliver de Armie Hamer se muestra mucho más precavido y distante con consigo mismo, con sus deseos y con el propio Elio y recién evidencia su vulnerabilidad y sus temores luego de confirmar que su gusto por Elio es recíproco. 


"Call me by your name" is the new "Carol"

 Hay una sutilidad en el cortejo Oliver y Elio que me recordó la complicidad coqueta entre Carol y Therese en la película de "Carol" del director Todd Haynes. La narración en ambas producciones toma su tiempo; los protagonistas no reconocen de inmediato la atracción inicial que sienten, no es que no la acepten, solo la reprimen, hay una lucha interna que finalmente sucumben al deseo, pero hasta entonces, las escenas que comparten se llenan de un subtexto por lo que no se dicen pero es obvio que se sienten. Se trata de una danza lenta de seducción que se centra en los detalles de manera delicada y paciente. Nos embarcamos una travesía que comienza en un camino lleno de dudas y pasa por todas las emociones posibles hasta tener su clímax en la absoluta felicidad e inevitablemente terminar con el corazón roto. 



 Así como Carol estaba interesada en Therese, Oliver está interesado en Elio pero para no dar un paso en falso, ambos contienen sus sentimientos y esperan que el otro evidencie su interés. Tanto Elio como Therese toman la iniciativa en el primer beso y se entregan por completo a sus deseos explorando su sexualidad sin tapujos, pero ante todo disfrutando el simple la compañía del otro. Quizás el hecho de que ambas relaciones estén encapsuladas en momentos y se desarrollan a espaldas de un mundo lleno de prejuicios hace que estas parejas se sientan tan especial. El amor es amor sin importar la orientación sexual, no obstante, hay que admitir que porque se trata de romances homosexuales tienen un elemento que los aparta de los demás porque la historia implica también la aceptación interior y en algunos casos una lucha con el exterior.




 El año pasado, “Moonlight” del director Barry Jenkins se llevó el Oscar a mejor película porque logró tocar fibras sensibles al contarnos la trágica historia de Chiron, un niño que en búsqueda de su propia identidad se encuentra con una sociedad que lo margina por ser diferente. “Carol” además de contarnos la historia de amor de Carol y Therese también es una fascinante exploración por la condición femenina, una muestra de lo que significó ser una mujer independiente y liberal en un sociedad represiva y machista. En “Call me by your name”, el romance de Elio y Oliver es un secreto a voces. Las personas cercanas a Elio reconocen que hay algo entre ellos, pero jamás se meten en sus asuntos. Uno de los momentos más emotivos de la película es el monologo del padre de Elio luego de que Oliver ya ha regresado a Estados Unidos. En el discurso, el Señor Perlman hace hincapié en la importancia de sentir incluso aunque en ese momento, Elio no preferiría no sentir nada.

http://elioeoliver.tumblr.com/post/168836793462/ingu-how-you-live-your-life-is-your-business


En la mayoría de filmes de temática LGTB, el amor parece estar destinado a no sobrevivir en el tiempo. El final feliz es reemplazado por la ambigüedad de tener una conclusión simbólica o abierta. En “Moonlight”, Chiron se reencuentra con el hombre que marcó su vida y en los últimos segundos de la película, Kevin le acaricia la cabeza y entonces volvemos a ver Chiron cuando era pequeño en la playa, en ese único lugar en donde de ser feliz, se sintió seguro, una imagen y una emoción mucho más poderosa que un simple beso.



 La primera escena en “Carol” se desarrolla en un restaurante donde Carol y Therese se reencuentran después de haber estado separadas por un tiempo y la escena final es la continuación de ese reencuentro luego que Carol le declarara su amor, le propusiera vivir juntas y Therese respondiera que no. En los segundos finales, las miradas de Carol y Therese se vuelven a encontrar. No sabemos a ciencia cierta lo que significa las prologadas miradas, pero lo intuimos; es la proyección de un sí. El guion ratifica esta idea con estas líneas.



Un elemento poderoso "Call me by your name" es el uso de la música que opera como un narrador emocional y complementa la hermosa cinematografía y composición que que genera la sensación que estamos experimentando un recuerdo… de hecho, la película por sí misma es el recuerdo del primer amor de Elio. En la última escena, mientras suena "Visions of Gideon" de Sufjan Stevens, Elio está sentado frente al fuego de la chimenea tratando de racionalizar y procesar el dolor que siente luego de recibir la llamada de Oliver en donde le dice que se va a casar, las lágrimas se deslizan por su rostro y por un breve momento, Elio mira fijamente a la cámara rompiendo la cuarta pared y ese es el segundo donde sentimos por y con Elio.


Películas como "Call me by your name" y "Carol" no solo tocan tema universal como el amor sino que lo abordan de una perspectiva cercana que va repasando las etapas del enamoramiento en donde la decepción y desilusión también cumple un rol importante. A diferencia de las películas románticas que tienen una estructura definida en donde el amor pone en marcha la trama o el amor es parte del conflicto, en "Carol" y en "Call me by your name", el trama es el amor; una simple historia de amor por la cual todos hemos pasado, una historia de amor que el que menos ha experimentado alguna vez en su vida.

viernes, 9 de febrero de 2018

#GranceAndFrankie: La edad no es solo un número, es un peso

Por lo general “Grace and Frankie” promueven una mirada diferente y cínicamente optimista sobre la vida de los adultos mayores. Las dos protagonistas, Grace (Jane Fonda) y Frankie (Lily Tomlin) abrazan esta nueva etapa que les toca vivir, disfrutan de su amistad, de su familia y de la oportunidad de tener otro tipo de experiencias. Frankie con su excentricidad y su espíritu libre prueba que la edad es solo un numero y Grace con su porte elegante evidencia que se puede ser sexy rozando los 80, sin embargo, pese a la energía que este dúo nos ha regalado por tres temporadas, la cuarta temporada se puso “real”, más real que sus antiguas entregas, y esta vez a punta a cuestionar el futuro, los males de la edad y enfrentar la muerte con una gran cuota de humor.



La historia de Sheree (Lisa Kudrow), la estilista de Grace que se va a vivir con ella luego de que la botaran de su casa, como que nos advertía que el peso que tendrían los hijos en la temporada. Los hijastros de Sheree le quitan su departamento y al final de la temporada, los hijos de Grace y Frankie hacen lo propio aunque sean diferentes circunstancias. 


Comentario aparte: En serio, ¿tienes a alguien como Lisa Kudrow junto a dos estrellas como Fonda y Tomlin y solo le das un par de episodios? 

 La edad comenzó a pesarle demasiado a Grace tanto en el plano físico como emotivo o mejor dicho, el plano físico afectó el emotivo. El desgaste en sus rodillas era un constante recuerdo que ya no podía seguir con Nick (Peter Gallagher) porque era demasiado el esfuerzo de arreglarse en la madrugada y pretender disfrutar el juego de quién tiene el control en la relación. Siendo el personaje más sensato de la serie, Grace acepta que no tiene un futuro con él y lo corta, pero siendo el personaje más orgulloso de la serie, Grace se avergüenza de sus propios pesares hasta el punto de ocultar su sufrimiento y sus fracasos de sus propios hijos. En la misma línea, el hijo de Frankie, Bud (Baron Vaughn) da entender que la excentricidad de Frankie, sus locuras, hiperactividad y sus distracciones, antes podían ser adorables pero ahora son preocupantes, especialmente, porque ya es abuela y sus acciones ponen en peligro a su nieta. 



Los hijos orquestan una intervención preocupados por el bienestar de sus madres, lo que, por supuesto, ofende a Grace pues ella aborrece que pueda ser vista como alguien que necesita ayuda y ni si quiera quiere pensar en la posibilidad de ir a vivir a un asilo. No puedo decir que los hijos sean los "malos" en esta escena, pero tampoco son los buenos ya que no están escuchando a sus propias madres. No escuchan a Grace cuando dice que cuidará a Frankie, como ya lo ha hecho antes, y no quieren creer que Frankie cuidará a Grace, la pregunta que quieren responder es quién las cuidará a las dos. Ese es el quid del asunto y la razón por la que la temporada entera se sintió un poco injusta con sus propias protagonistas. Lo que le sucede a Grace y a Frankie plantea una conversación necesaria donde no hay una respuesta correcta, solo una cruel realidad, la edad no es un número, es un peso y Grace y Frankie ya están cargando ese peso y no deberían cargarlo solas si no pueden, pero la cuestión es que no quieren. 



Si bien la serie es una comedia, se trata de una comedia que no solo nos está mostrando la vida de una persona mayor desde una perspectiva risueña sino también el lado "feo" y lo hace de tal modo de que nos de risa lo que se supone nos debe dar miedo. Grace tiene un teléfono rojo que sirve específicamente para recibir llamadas que anuncian la muerte de alguien, el sistema "mató" a Frankie, una de las clientas de Grace y Frankie murió accidentalmente mientras se masturbaba con su vibrador y la propia la intervención que los hijos de Grace y Frankie son escenas que están llenas de humor y lo gracioso hace más digerible tramas que básicamente tienen que ver las necesidades y el cuidado que requieren las personas mayores. 


http://dollsome-does-tumblr.tumblr.com/post/169907779893/413-the-home


 Los hijos de Frankie conversan con Grace y las hijas de Grace conversan con Frankie y ambas terminan en una casa de reposo pensando que cada una está ayudando a la otra… y para el final de la temporada, se escapan cuando se dan cuenta del “engaño” de sus propios hijos.



¿Por qué le tocó esta historia a Grace y Frankie? Quizás tiene que ver el hecho con que son mujeres y como tales podrían ser vistas y consideradas como más “vulnerables”. La tercera temporada jugó con esa idea; Grace y Frankie viven solas y están expuestas a todo tipo de peligro, pero también es posible que haya un doble estándar respecto a las mujeres adultas mayores y a los hombres adultos mayores. Sol (Sam Waterson) y Robert (Martin Sheen) tienen la misma edad que Grace y Frankie y los mismos males pero sus hijos no les piden que se vayan a un asilo. No. La historia de los esposos giró alrededor de una absurda crisis matrimonial. Grace y Frankie no pueden tener ese tipo de crisis o cualquier otra porque ya tuvimos tres temporadas confirmando que no importa que es lo que suceda, ellas se quieren y se necesitan. No es un amor de pareja pero es uno definitivo y fuerte; Grace apoyó a Frankie para que se mude pese a que sabía que no la tendría cerca y Frankie es la única que logró que Grace se pusiera de pie después de su operación a la rodilla. Entonces, la historia de Grace y Frankie también nos muestran un tratamiento injusto de los padres y de las madres a cierta edad. La misma escena final ratifica esta idea, Grace tiene a Frankie como su soporte y viceversa, en las buenas y en las malas… sin importar lo que el futuro (o Netflix) les repare.


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sábado, 3 de febrero de 2018

#OneDayAtATime: Una de las comedias más sensibles de Netflix

 En una época donde algunas series autodenominadas comedias en realidad son dramas fuertes, "One Day at a Time" se distingue por evocar el viejo sabor de series como "All in the Family" y "The Jefferson” y hasta "The Bill Cosby Show", pero por la temática que aborda, en donde encontramos problemáticas como el racismo, el estrés post traumatico, la depresión, la homofobia, la adicción y el suicidio, también podría ser un drama fuerte desde una perspectiva entusiasta que contagia una energía esperanzadora. Está claro que los problemas no se pueden solucionar en menos de 30 minutos, sin embargo, “One day at a time” te dejan con el guiño que aunque no se ha arreglado el problema de fondo, por lo menos se está en el camino y eso es lo importante. 



 En mi crítica de la primera temporada de "One day at a time" escribí que la serie tiene el formato de una clásica una comedia de situación y que debido a los temas complejos que aborda se trataba de una comedia moderna y progresiva, ahora le quiero agregar que además de todo eso, podemos calificarla como una comedia sensible... o por lo menos la comedia más sensible de Netflix y con esto no estoy minimizando la melancólica sensibilidad de "Bojack Horseman" - que es una de mis series favoritas-, las dos son sensibles pero en su propio modo. De hecho, creo que pese a que "Bojack” es una serie animada se parece a "One day at a time" al momento de retratar enfermedades mentales, pero mientras "Bojack Horseman" toma una aproximación más cínica de problemas reales en un mundo fantasioso, "One Day at a time" toca temas serios de una forma más realista pero con cierto grado optimismo. En ese sentido, aprovecha su historia para hacer un comentario social del país donde se desarrolla y también se burla de los estereotipos latinoamericanos sin avergonzarse de su propia cultura. Las raíces de la familia Álvarez, representada en toda su excentricidad en Lydia (Rita Moreno), es el corazón y el motor de la serie. La familia entera está compuesta por personajes adorables cuyo superpoder es alcanzar un nivel de empatía potente que te toca directamente. De esta forma, esta serie te hace reír, pero también llorar… 


 Netflix: La plataforma donde las comedias te hacen llorar 

 Al igual que con “Bojack Horseman”, los mejores capítulos de "One day at a time" no son necesariamente los más graciosos, pero sí los más sentimentales. En "What Happened" vimos cómo el atentado del 11 de setiembre cambió los planes de Penelope (Justina Machado) y Víctor (James Martinez) quienes se volvieron a enlistar en el ejército cuando Elena (Isabella Gomez) apenas tenía un par de días de nacida y en paralelo, vemos la tensa reunión de Víctor con Elena luego de él reaccionara mal cuando ella reveló que era gay. Uno podría preguntarse qué tienen en común estas dos historias, bueno, la respuesta es simple; el amor. El amor que Victor y Elena sienten por su hija y por Estados Unidos es la razón por la que se fueron a la guerra y es ese mismo amor es el que hace que Víctor vea su error frente a Elena y se inicie un camino de reconciliación. 



El mejor episodio de la temporada es "Hello, Penelope", un capítulo que aborda la crisis de la depresión y la ansiedad similar al " Stupid Piece of Shit" de “Bojack Horseman”. A Penelope le costó admitir comenzar a tomar antidepresivos por la ansiedad que sufría y por el cuadro post traumatico con el que tiene que convivir, ya en la segunda temporada, ella misma cree que su vida está lo suficientemente estable para dejar de tomar sus medicinas y esto desata a una Penelope maniática y depresiva. La actuación de Machado es desgarradora, pues, logra plasmar de una manera inquietante la agonía y frustración de una persona que sufre de una depresión constante. 



Por su lado, la visión de Lydia sobre la depresión y la ansiedad es de la vieja escuela que cree que la solución para estos problemas es buena comida, ejercicio y tener fe. Por lo general, las visiones de Penelope y Lydia colisionan, pero en este episodio, la discusión no la gana nadie. Al momento de hablar con el sacerdote de su iglesia podemos ver que la propia Lydia también está angustiada y que incluso quisiera absorber el dolor que Penelope siente para no verla sufrir, revelando de esa manera que también sufre de ansiedad, pero se trata de una ansiedad paternal. Al final del episodio, Penelope misma se levanta de nuevo y recurre a Scheneider (Todd Grinnell), su vecino/amigo/ un adicto en recuperación que la escucha y le recuerda lo más importante; Penelope no está sola. Este tipo de crisis son comunes en las personas que sufren ansiedad y depresión por eso es importante que hacerle caso a lo que sugiere el mismo título de la propia serie y tomarlo todo “un día a la vez”. 



La temporada concluye con “Not yet” en donde se remarca la importancia de Lydia como la matriarca de la familia y la influencia de su poderosa personalidad en cada una de las personas que la rodean. Cada “no despedida” de la familia Alvarez es un ventarrón de emociones; casi un maltrato al corazón para después consolarlo con la decisión de Lydia de quedarse y no irse todavía al más allá con su adorado Berto. 



En su conjunto “One day at a time” es una comedia fresca que no tiene miedo de tratar temas pesados – a diferencia de “Fuller House” que parece vivir en una burbuja y en donde se apela a lo ridículo para hacer reír-.One day at a time” junto a “Black-ish” están innovando el formato de la comedia familiar agregándole una crítica social sin dejar de lado su comedia y al igual que "Bojack", "One day at a time" le da una mirada genuina a las enfermedades mentales de sus protagonistas. Finalmente, "One day at a time" funciona por su elenco que engloba la energía latina y convierte el melodrama en gracia y el drama en un momento de reflexión.

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jueves, 25 de enero de 2018

Celebrity Deathmatch : #ER vs. #GreysAnatomy

La actriz que le da vida Meredith Grey, Ellen Pompeo, ha renovado su contrato con ABC por dos años más. Actualmente, "Grey's Anatomy" está en su décimo cuarta temporada y con la confirmación de una quinceava y décimo sexta entrega, es oficial, superará a "ER" como la serie médica más longeva en la historia reciente. ¿Pero eso quiere decir que "Grey's Anatomy" es mejor que "ER"? No necesariamente, no obstante, debido a su larga data, hay cosas que ha hecho "ER" que son mejores que "Grey's Anatomy" y también hay cosas que ha hecho "Grey's Anatomy" que son mejores que lo que hizo "ER" en su momento y siempre podremos volver a chequearlo ya que todos los capítulos de "ER" estará disponibles en Hulu. 



 Mejor piloto: "24 hours" (ER)
Mientras que la primera toma en el primer episodio de "Grey's Anatomy" fue el trasero de Derek Shepherd (Patrick Dempsey), el piloto de "ER", "24 hours", inició con una enfermera despertando a Mark Green (Anthony Edwards) porque la sala de emergencia se estaba llenando de pacientes. Alejándose de otros dramas médicos, desde su primer episodio "ER" utilizó recursos antes no vistos en este tipo de producciones y se concentró en la "acción". En ese sentido, la combinación de una ambientación apropiada con secuencias largas (long Steadicam shots) que se trasladaban de trauma a trauma más un lenguaje técnico hacían que esta sala de emergencias ficticia se sintiera real... hasta el punto que cuando se estrenó, la gente pensó que estaba viendo un reality show que seguía a doctores reales que trabajaban en una sala de emergencias. 



 Mejor cabello: Derek Shepherd (Grey's Anatomy) 
George Clooney es increíblemente guapo y carismático, sin embargo, su cabello nunca llamó la atención en “ER”. Desde el peinado de Rachel Green (Jennifer Aniston) de Friends, pasando por el polémico corte de cabello de Felicity (Keri Russell), no se ha había puesto tanto atención en el cuero cabelludo como cuando Patrick Dampsey mientras le dio vida a Derek Shepherd. 



 Mejor "jump the shark": “Grey’s Anatomy” – “ER” 
 Aceptémoslo, en algún momento entre los secuestros, los desastres naturales, los accidentes de avión, los virus desatados y las enfermedades paradójicas que afectaron a diversos doctores, "ER" y "Grey's Anatomy" saltaron el tiburón. En realidad, es el tiempo el que va incrementado la ridiculez de algunos tramas y lo repetitivo en ciertas historias, no obstante, ambas series sobrevivieron el salto y continuaron. 



 Mejor representación LGTB: Callie Torres (Grey's Anatomy) 
 Si bien es cierto la trágica historia de Kerry Weaver (Laura Innes), la jefa de emergencia que ocultó su orientación sexual durante varias temporadas y que después perdió a su pareja tras un incendio, es sumamente conmovedora y sirvió para cambiar la noción que teníamos sobre la antipática Dra. Weaver, no hay nadie como Callie Torres. A partir de la cuarta temporada, Calie Torres se volvió un icono al ser una de las pioneras en declararse con orgullo bisexual y la actriz Sara Ramírez se convirtió en una gran defensora de la comunidad LGTB. 



Mejor triángulo amoroso: Luka-Abby-Carter (ER) 
 Tanto "Grey's Anatomy" como "ER" han tenido su cuota de triángulos amorosos, pero creo que el triángulo más sufrido fue el de Luka-Abby-Carter. En "Grey's Anatomy" como que ya sabemos qué pareja será endgame sin importar con quienes se relacionen pero en el caso de Luka-Abby-Carter era difícil presidir algo. Abby (Maura Tierney) bien podía haber terminado con Carter (Noah Wyle), con Luka (Goran Višnjić), sola o con alguien nuevo. Y es que este triángulo se desarrolló en la época más oscura de "ER" donde parecía que ninguno de sus personajes podía ser simplemente feliz o siquiera tener un momento de tranquilidad. La relación de Abby y Carter y de Luka y Abby estuvo llena de obstáculos y dificultades. Para el final de la serie, Luka y Abby se reconcilian luego que ella le fue infiel con otro y terminan mudándose juntos... aunque nadie sabe si en realidad fueron "felices para siempre". 



Mejor soundtrack: Grey's Anatomy
 "ER" realmente nunca le prestó mayor importancia a su banda sonora a diferencia de "Grey's Anatomy" en donde la música es de vital importancia. Si hay algo que caracteriza a "Grey's Anatomy" es su excelente gusto musical y la devoción por la música es evidente; cada episodio de la serie lleva como título el nombre de una canción. Desde hace un par de temporadas, Shonda Rhimes se volvió fanática de los covers y los ha insertado en varias escenas en la serie, pero además de hacer uso de los clásicos también ha logrado que la música utilizada en sus primeras temporadas como "Chasing Cars" y "How to save a life" se vuelvan clásicos. Sin mencionar que tuvieron su propio episodio musical.



 Mejor muerte: Lucy Knight (ER) 
Si piensas que "Grey's Anatomy" era cruel al momento de matar a sus doctores, "ER" era macabro y brutal. ¿Pero cómo podemos calificar una muerte de ser la "mejor" o mejor dicho qué es lo que hace la muerte de Lucy Knight la "mejor" en las series médicas? Bueno, tiene que ver con el impacto y las repercusiones. Mientras que las muertes por lo generar implican un cierre, la muerte de Lucy Knight significó el ingreso a una nueva etapa en "ER". Por supuesto, la muerte de George O'Malley (TR Knight) fue triste, la muerte de Mark Sloan (Eric Dane) y Lexie Grey (Chyler Leigh) fue trágica y la muerte de Derek Shepherd (Patrick Dempsey) marcó un antes y después, pero la muerte de Lucy Knight (Kellie Martin) a manos de un paciente esquizofrenia fue absolutamente chocante y las consecuencias de esta desgracia cambió la seguridad del hospital y afectó la vida de todos los doctores, especialmente de John Carter quien se volvió adicto porque él también fue acuchillado.


Mejor personaje insorportable: Maggie Pierce (Grey's Anatomy) 
No puedo recordar personajes insoportables en "ER", quizás los internos por lo general son molestosos, pero eventualmente aportan algo en la historia... sin embargo, desde su aparición Maggie Pierce (Kelly McCreary) es ahhhh! Cada vez que aparece en pantalla... AHHH! Y peor ahora que intentan vendernos un romance con Jackson. AHHH!



 Mejor intro: ER 
A pesar de los muchos cambios en su elenco, "ER" se tomó la delicadeza de poner en la mayoría de episodios su propia cabecera en vez de solo una claqueta con el nombre de la serie como "Grey's Anatomy" lo hace en la actualidad. 



 Mejor karma: Dr. Romano (ER)
 "Grey's Anatomy" ha sido muy irónico y karmático en ciertas historias; por ejemplo, Callie es una cirujana ortopédica y no le pudo salvar la pierna a Arizona, Amelia es neuróloga, tuvo un tumor cerebral y su bebé nació sin cerebro, cosas así... pero sin duda lo que le pasó al Dr. Robert Romano (Paul McCrane) fue uno de los mejores momentos WTF en la historia de "ER". Todos amábamos odiar al Dr. Romano porque era un cretino y realmente, nunca dejó de serlo incluso tras perder su brazo luego que una hélice de un helicóptero se lo amputara. Un par de temporadas después, otro helicóptero le caería encima aplastándolo y acabando con su vida en el acto. Lo que hace este momento tan satisfactorio y extraño es que para entonces, Dr. Romano era el villano consolidado del hospital y su cuerpo médico ni si quiera se dio cuenta que murió hasta después que limpiaran la zona del accidente. 



 Mejor pareja extra slow burn: Ray y Neela (ER) 
Si bien hay bastante tensión sexual en "Grey's Anatomy", los romances épicos no se demoran mucho en concretarse. Digamos que para "Grey's", un slow burn es un par de episodios dentro de la temporada. Si te molestó esperar casi una temporada para que Meredith y Nathan estén juntos, imagina los que vivimos con Ray (Shane West) y Neela (Parminder Nagra). Literalmente, fueron años y temporadas completas en que tuvimos que verlos ir en círculos. Parecía que siempre había una excusa para que Ray no esté con Neela, o era el mal tiempo o eran otras personas. El momento más dramático de la pareja es cuando Ray perdió las piernas luego que un camión lo atropellara por escuchar borracho un mensaje de Neela. No fue hasta la última temporada de "ER" cuando Ray y Neela finalmente estuvieron en la misma página y decidieron darse una oportunidad lejos del drama de Chicago. 



Mejor consejero: Mark Sloan (Grey's Anatomy) 
Los diálogos en "Grey's Anatomy" son como reflexiones de la vida en general. Todos los personajes han tenido excelentes discursos, pero particularmente soy fan de Mark Sloan, especialmente, de los sabios consejos que le dio a Callie Torres y Jackson Avery. 




 Mejor mujer más complicada del mundo: Meredith Grey - Abby Lockhart 
Meredith Grey (Ellen Pompeo) y Abby Lockhart (Maura Tierney) son similares en ciertos aspectos y completamente diferentes en otros. Ambas tienen en común que comparten traumas producto de su mala relación con sus respectivas madres, aunque cada una tiene un mecanismo de defensa propio. Mientras Meredith Grey tuvo que lidiar con el Alzheimer de Ellis Grey, Abby tuvo que lidiar con la bipolaridad de su madre Maggie Wyczenski… Pese a la adversidad, tanto Meredith y Abby son sinónimo de fortaleza y su complejidad es un atributo que las ayuda a ser mejores profesionales. Shonda Rhimes ha dicho que “Grey’s Anatomy” seguirá al aire hasta cuando Ellen Pompeo lo quiera y es que Meredith Grey es la estrella del show y aunque esto podría darle una ventaja a Meredith Grey, recordemos que en su momento, Abby cargó "ER" sola tras la salida de Noah Wyle y la salida temporal de Goran Višnjić, pero incluso antes, gran parte del drama no médico provenía a partir ella.


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martes, 16 de enero de 2018

En defensa de #Friends

Friends una de las comedias más populares de la televisión se convirtió en un fenómeno mundial gracias a la química del grupo y el carisma de los actores. A más de 20 años de su estreno, podemos considerar a esta serie como un clásico televisivo, pero hasta un clásico tiene sus críticos. El periódico británico The Independent publicó recientemente que algunos millennials calificaron a la serie de los amigos como sexista y homofóbica. Estas críticas están enfocadas principalmente en el comportamiento de Chandler y Ross. Siendo Friends una de mis series favoritas mi primera reacción fue decir “no” pero después de leer el artículo estoy intentando comprender las críticas para defender la serie. 



ScreenPrism realizó un videoensayo denominado "Friends: el romance de la amistad". En un resumen rápido, la serie retrató a los amigos como amantes y a la amistad como el gran amor de la vida de cada uno de los amigos. Gran parte del humor proviene de las escenas donde dos amigos sin vinculación romántica conversaban como si fueran una pareja. Cuando Rachel (Jennifer Aniston) descubre que Mónica (Courtney Cox) fue a comer con Jules, la novia de Ross (David Schwimmer), la escena que vimos fue la típica conversación de alguien que descubre una infidelidad, cuando Joey (Matt LeBlanc) se muda del departamento, básicamente es una forma de romper con Chandler (Matthew Perry) y cuando regresa, es una manera de “volver” con él…. La intención de estas escenas es que te rías porque estas personas heterosexuales tienen actitudes de pareja, pero no tienen una relación sexual. 



El problema es que en la ejecución vemos la paranoia de Chandler cada vez que alguien asume que es homosexual y esta reacción exagerada se convierte en un punto de burla recurrente en la serie. Una posible explicación - y digo explicación no justificación - de este comportamiento infantil de Chandler es el hecho que tuvo una adolescencia traumática debido a que la complicada relación de sus padres y es que su padre era homosexual y un drag queen. Y si bien esto podría explicar por qué Chandler se altera cuando alguien cuestiona su sexualidad, este mismo comportamiento lo vemos en la mayoría de los personajes excepto con Phoebe (Lisa Kudrow). 


 *Phoebe es la más cool y tolerante del grupo*. 

 Teniendo en cuenta que la serie se desarrolla en los 90’s, donde existían todo tipo de prejuicios sobre la comunidad LGTB, en la serie, el ser gay es tomado como un insulto o como un sinónimo de rareza y de falta de masculinidad. Dejando de lado a Joey, Chandler y Ross no son exactamente el prototipo de hombres alfa, pero siempre intentan entrar en esa categoría. Ross se enfrenta a los amigos de Emily pese a que no es bueno en deportes solo para tratar impresionarla, Ross no quiere que el niñero de su hija sea un hombre porque le parece extraño que un hombre esté tan conectado con sus sentimientos, Ross no quiere que su hijo juegue con una barbie… por esto y por muchas cosas más, Ross es el personaje más vapuleado por las criticas ya que además de acusarlo de ser homofóbico se le califica como sexista por el control que quiere ejercer en sus relaciones, especialmente, con Rachel. No obstante, quizás esta representación de Ross es intencional. Las inseguridades de Ross provienen del hecho que su esposa, la única mujer con la que había estado, lo engañó con otra mujer mientras estaban casados y él no solo tiene que lidiar con esta situación sino que también tiene que interactuar constantemente con la persona que rompió su matrimonio. Ross no es perfecto, es engreído, egocéntrico y su actitud de sabelotodo es una de las razones por las que a veces cae mal por eso en las confrontaciones que tiene con Susan, sale mal parado, pues, simplemente se evidencia lo cuadriculado de su forma de pensar. 



En ese sentido, las críticas son válidas, aunque un tanto exageradas, porque la intención de la serie no es ofender sino destacar las inseguridad, contradicciones y comportamientos infantiles del grupo. En otro episodio, Rachel quería probar que de joven fue aventurera y se besó con una de sus amigas, Phoebe no le cree así que ella invita a su amiga para probarle a Phoebe que está diciendo la verdad y sin querer reaviva los viejos sentimientos de su amiga. De nuevo el problema está en la ejecución pues la intención de la gracia es que Phoebe no considerara a Rachel como una aventurera, pero la situación que desarrolla es incomoda porque hay una tercera persona que aparentemente siempre ha estado enamorada de Rachel y solo ha reprimido sus sentimientos, pero lo único que le importa a Rachel es comprobar que tiene razón. 



La mayoría de bromas (gags) no son a expensas de los gays por ser gays o de las lesbianas por ser lesbianas, lo gracioso está en el grupo y sus comportamientos inapropiados que en combinación con el prejuicio de la época nos deja con escenas que pueden ser consideradas ofensivas pero al mismo tiempo es a través del humor que se desafía esos prejuicios y se evidencia lo ridículo de las reacciones de sus propios protagonistas. Un ejemplo de esta idea es que el mujeriego Joey Tribiani ha besado a Chandler y a Ross en distintas oportunidades. Tenemos un episodio donde no deja de utilizar un bolso porque se siente cómodo con él pese a las burlas de sus amigos, también ha utilizado ropa interior de mujer y en otro episodio duerme con Ross y ambos admiten que es la mejor siesta que han tenido. Por supuesto, a él se le tilda de sexista por el modo en el que aborda a las mujeres, se acuesta con ellas y luego las olvida pero la misma serie hace hincapié que es su comportamiento sinvergüenza el motivo de risa más no las mujeres que caen en sus redes. 



Friends es un clásico televisivo pero también es un reflejo de un tiempo que ahora se siente desfasado. El mundo ha cambiado desde los 90’s y algunas de las tramas de Friends no funcionan en la actualidad. La serie estaba compuesta para un contexto determinado y sobrevive en el tiempo porque el centro de la historia es la amistad. Cualquiera podía identificarse con los seis amigos por sus problemas financieros, por sus problemas amorosos y por imperfección en general. Como una clásica comedia de situación, Friends siguió una fórmula simple; la evolución personal a través de la amistad y al final de cada episodio terminan con los personajes aprendiendo y aceptando lo que no entendían, y muchas de los televidentes de la serie aprendieron junto a ellos y por ellos.



jueves, 11 de enero de 2018

#LasChicasDelCable T2: Un paso adelante, dos para atrás

El problema de la primera temporada de “Las Chicas del Cable” es que Netflix vendió la serie como su fuera “la serie feminista”, pero –y no puedo enfatizar esto lo suficiente - que un show tenga a cuatro protagonistas mujeres no significa que sea feminista o progresiva. Dejando ese falso mérito de lado, “Las Chicas del Cable” no tiene otra distinción más que ser la primera seria melodramática de España producida exclusivamente para Netflix. No es que “Las Chicas del Cable” debería de avergonzarse de su sobre carga emocional /sentimental, al contrario ese es su mayor fuerte, además vamos que la gente no ve “Grey’s Anatomy” por los casos médicos, lo ve por el drama y resuelta que “Las Chicas del Cable” tienen harto drama… un drama exagerado incluso para los propios estándares españoles. 


Una de mis series favoritas españolas es “Los Hombres de Paco” cuya combinación del drama romántico con la comedia policial junto a personajes carismáticos hacían que uno no solo se enganchara si no que sintiera con cada una de las historias que vimos. Vale la pena resaltar que los monólogos al inicio y final de cada episodio de “Los Hombres de Paco” podrían hacerle la competencia a las reflexiones de Meredith Grey en “Grey’s Anatomy”. Hace un tiempo le di un chance a “Tierra de Lobos”, un drama centrado en el siglo XIX que resaltaba por su ambientación y por contar la historia de tres hermanas que desafiaban el prototipo de la mujer en su época. Menciono estas dos series es porque “Las chicas del Cable” pudo haber sido la perfecta combinación de ambas producciones; podría haberse ido por el camino de ser un drama sentimental que se desarrolla en la década de 1920 y que conjuga un humor inocente mientras va evidenciando la problemática social de la época, pero no. “Las chicas del Cable” se llena de un melodrama sentimental en donde cada dos escenas nuestras protagonistas cambian de idea o de plan… o de lo que sea para prologar el drama y para colmo las historias de cada una de las cuatro amigas son archiconocidas. 


 Cualquier excusa es buena para recordar y mencionar a “Los hombres de Paco”. 

 La temporada empezó con la muerte de Mario Pérez (Sergio Mur), el esposo de Angeles (Maggie Civantos) a manos de ella misma y todas sus amigas la ayudan a ocultar el crimen. Si suena familiar es porque una trama parecida lo vimos el año pasado en “Big Little Lies”. Además, Lidia (Blanca Suárez) es el cerebro detrás del “encubrimiento” pese a que ninguno de los planes originales que tuvo en la primera temporada funcionaron y para sorpresa de todos, sus planes tampoco funcionan en la segunda temporada. El triángulo principal, Carlos (Martiño Rivas) / Lidia / Francisco (Yon González) ya se había resuelto al final de la primera temporada pero para insertarle más drama Carlos ahora odia a Lidia, por lo menos por un par de episodios cuando por fin admite que la sigue amando y Lidia está embarazada pero la familia de Carlos no la acepta. Angeles termina enredada con el policía que investiga la muerte de su esposo, él le dice que no se volverá acostar con ella y dos escenas más después se están acostando de nuevo. Y esta tendencia repetitiva también se ve con Marga (Nadia de Santiago) que se quiere casar con Pablo (Nico Romero) pero después no se quiere casar y luego sí se quiere casar. 

Ya le tocaba a Martiño Rivas quedarse cn Blanca Suárez en una serie

La única historia moderadamente diferente - por su intención y no tanto por su ejecución - es la de Sara (Ana Polvorosa) y Carlota (Ana Fernández). Sara le revela a Carlota que le gusta vestirse como hombre… lo que abre la puerta a un interesante dilema pero en su ejecución esta idea se pierde. Sara se interna a sí misma en un hospital que termina ser un manicomio y Carlota la rescata con ayuda de las chicas en una escena similar a la de Isabel siendo rescatada por Cristina en “Tierra de Lobos”, el padre de Isabel la había encerrado con las monjas por ser lesbiana y tener una relación con Cristina. 


Regresando a las “Chicas del Cable”, a lo Terminator style, Carlota se venga del doctor que quiso tratar a Sara. El gran cliffhanger de la temporada deja a Lidia posiblemente perdiendo el hijo de Carlos luego de casi ser obligada a abortar por culpa de la madre de Carlos y a Angeles confesando que ella mató a su esposo. 



 Pese a que Netflix ya está cancelando series, creo que “Las Chicas del Cable” será renovada porque a quién no le gusta el melodrama y el acento español. Y teniendo en cuenta eso, la serie excede su cuota de melodrama lo que lo convierte en un placer culposo, pero “Las Chicas del Cable” es un paso adelante por la implicancia de ser la primera producción de España de realización exclusiva para Netflix, pero es dos pasos atrás porque España ha tenido mejores series y realmente este melodrama no le aporta nada nuevo o innovador a lo que ya tiene Netflix. 

El soundtrack sigue fuera de época

Aun me sigue molestando la musicalización de “Las Chicas de Cable”. Ni si quiera “El Escuadrón Suicida” fue tan desatinado.

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