miércoles, 19 de julio de 2017

La gran verdad de #BigLittleLies

 Big Litttle Lies es una adaptación de la novela del mismo nombre escrita por Liane Moriarty. El nombre “grandes pequeñas mentiras” es una referencia a los secretos oscuros de cada una de las mujeres y cómo es que estos secretos podrían parecer como pequeños minucias pero en realidad son problemas profundos y asfixiantes. El primer capítulo genera intriga con el misterio principal; alguien ha sido muerto, se sospecha que es un asesinato y la conjetura inicial es que la víctima es una de estas mujeres y que la muerte se dio por algún problema entre ellas. 


Bienvenidos a Monterrey 

 La introducción de Jane (Shailene Woodley), una madre soltera que acaba de mudarse con su hijo a Monterrey, nos sirve para adentraros este nuevo mundo en donde la armonía está llena de tensión por la cortes hipocresía de quienes dicen llevarse bien. El trío principal de la serie son Madeline (Reese Witherspoon) , Jane y Celeste (Nicole Kidman), no obstante, Madeline es el pegamento que conecta todos los dramas; ella es quien se hace amiga casi de inmediato de Jane, es la que maximiza las consecuencias de un pequeño incidente que involucra al hijo de Jane, Ziggy, con la hija de Renata (Laura Dern), es la que tiene una enemistad tácita con Bonnie (Zoë Kravitz), la actual esposa de su ex esposo Nathan, y es la que impulsa a Celeste a volver a ejercer como abogada incrementando los problemas entre Celeste y su esposo Perry (Alexander Skarsgård). Todo esto no significa que Madeline monopoliza el protagonismo, pues, lo interesante es que Big Little Lies nos presenta la historia de cada una de las mujeres; incluso las que podríamos considerar como secundarias, como es el caso de Renata y Bonnie. Pero por supuesto hay que admitir que la serie le pertenece a Reese Witherspoon y a Nicole Kidman. 

 Madeline parece la versión madura de Tracy Flick de Election 

 Big Little Lies parece tener como lema “no todo lo que brilla es oro” desde su propio intro. Entonces, pese a la imagen de perfección que Madeline y Celeste buscan proyectar, la procesión se lleva por dentro. Y cada una de estas mujeres, tiene una cruz demasiado pesada en sus hombros; Jane tuvo un hijo producto de violación por lo que teme que Ziggy haya heredado un lado oscuro, Celeste es constantemente agredida por su esposo, la tendencia perfeccionista de Madeline no le permite apreciar lo que tiene, especialmente a su esposo ideal Ed, la agonía de Renata está relacionada a la impotencia que siente al no poder proteger a su hija ante el acoso escolar que sufre y por alguna razón, Bonnie quiere tener la aprobación de Madeline.



Los miniarcos que construyen el clímax 

Paralelo estas historias, tenemos dos miniarcos; y no me refiero a los arcos enfocados en los niños... de todas formas, al mismo estilo de Madeline, Ziggy (Iain Armitage) es el elemento conector de estas historias que llevan al momento clave de la gran revelación de quién es la víctima mortal. El arco de los niños comienza luego que Amabella acusó a Ziggy de intentar estrangularla en el primer día de colegio, Ziggy mantuvo su inocencia pero, aunque la hija de Madeline no tiene problemas al ser su amiga, los profesores y la mitad de los padres ya lo tenían en la mira prejuzgándolo. Una de las tareas que les dejan es hacer un árbol cronológico, lo que altera a Ziggy porque no conoce a su padre, entonces, Jane confía en Madelene y le cuenta la verdad del padre de Ziggy; era un tipo al que conoció una vez y que la violó en un hotel.  Madeline intenta buscar al tipo para que Jane tenga una especie de cierre, pero no logra encontrarlo porque el tipo había dado un nombre falso. 


Por su lado, Amabella sigue siendo acoda en el colegio, pero aunque ya no acusa a Ziggy, Renata sigue pensando que es él. Ziggy le revela a su madre que el bully de Amabella es Max, uno de los hijos de Celeste; Jane se lo cuenta a Celeste primero y después a Renata. Para Celeste, esto es como una llamada de atención, una forma de darse cuenta que sus hijos están al tanto de lo que sucede en casa y este ambiente dañino está afectándolos. Por su lado, Renata se siente realmente mal por haber juzgado a Jane y a Ziggy sin pruebas. 


Y así llegamos al momento cumbre, el colegio ha organizado una fiesta temática. Esa noche, Jane consuela a Madeline en una especie de balcón porque se siente mal de que Ed sea tan bueno con ella pese a que lo ha engañado, Celeste les da el encuentro justo cuando Renata se les aproxima para pedir disculpa por su comportamiento, el momento es interrumpido por un exasperado Perry, furioso porque Celeste le acaba de decir que lo va a dejar. Basta una reacción angustiosa por parte de Jane para que Madeline se dé cuenta que ese tipo que violó a Jane es Perry y basta una mirada de terror para que todas las mujeres entiendan que Perry es el enemigo. Perry comienza agredir a Celeste y las demás intentan defenderla sin mucho éxito hasta que finalmente, Bonnie lo empuja, Perry cae por las escaleras y muere. (Y sí, Perry es el papá de Ziggy lo que significa que Ziggy es hermano de los gemelos). El caso es investigado y se concluye que se trató de una muerte accidental. De modo que lo que realmente sucedió es un secreto que las unirá por siempre dejando atrás las peleas ridículas que tenían entre sí. 

http://elyalovi.tumblr.com/post/162132167205/noceiling-m-hes-gonna-have-to-fight-these

El estilo de Big Little Lies 

La canción elegida como tema de cabecera, “Cold Little Heart” de Michael Kiwanuka, una canción que habla sobre un sufrimiento interno y sobre el autoengaño, ambienta el tono de la serie; la perfección solo existe en la superficie. Más allá de una bonita melodía, hay que escuchar lo que dice la letra para darnos cuenta que hay una verdad oculta. Es como “Every breathe you take”, todos creen que es una canción romántica, pero en realidad se trata de una canción de un acosador.


Según se ha revelado, David E. Kelly ha utilizado la música para complementar el humor y también para comunicar verdades de manera sutil. Por ejemplo, cuando Jane está corriendo y tiene flashbacks de su violación, la música se distorsiona hasta volverse insoportable o cuando Perry elige “Harvest Moon” para bailar con Celeste, la canción transmite una suerte de falsa esperanza. En el último capítulo “You Get what you need”, el poder de la música se intensifica y es vital para punto de cruce de las historias principales. La versión de “You can’t always get what you want” de Ituana es la última canción que se escucha y la letra más memorable es el título del último episodio a modo de lección; “no siempre puedes obtener lo que quieres, pero obtienes lo que necesitas”.

http://elyalovi.tumblr.com/post/162131936345/bllsource-but-that-would-be-the-last-time

Con una producción tan sobria y sofisticada, no solo las canciones expresan algo, los silencios también. En el intro, tenemos imágenes de las mujeres conduciendo su auto y esta es una secuencia se repetirá en la serie; pero particularmente con Jane y Celeste, los silencios están vinculados a malos recuerdos, flashbacks que se apoderan de su mente, cada vez que están haciendo algo tan común y corriente como conducir un auto, pero estas memorias no tienen sonido, por lo que en contraste con la musicalización resaltan más.



Nominaciones justas 

Big Little Lies ha logrado obtener 14 nominaciones al Emmy; siendo las más importantes; la nominación de mejor director para Jean Marc Vallée, la nominación para Nicole Kidman y Reese Witherspoon en la misma categoría como mejores actrices en una miniserie, un plato que se repite pues, Laura Dern y Shailene Woodley están también nominadas como mejores actrices de soporte en una miniserie. Por su parte, gracias a su interpretación del aterrador pero encantador Perry, Alexander Skarsgard ha sido nominado como mejor actor de soporte en una miniserie.



Kidman y Witherspoon parecen estar “en un grupo de la muerte” en los Emmys, no obstante, debo decir que si Kidman no se come Big Little Lies entera es por Witherspoon y si Witherspoon no se come la serie es por Kidman, pero si vamos a hablar de capas, dramáticamente hablando, Kidman tiene un papel mucho más complejo debido a la tóxica relación de Celeste con Perry. A través de Kidman, somos testigos del sufrimiento en silencio de Celeste y entendemos por qué no es tan fácil que se separe de Perry. Ojo que con eso no se está tratando de justificar la violencia, solo que se evidencia la dificultad que tienen las mujeres maltratadas para iniciar un desprendimiento de su abusador. En ese sentido, algunos de los aspectos más realistas que vemos reflejados en la relación de Celeste y Perry es hay una codependencia enfermiza, una humillación constante por parte de Perry, el autoengaño del “va a cambiar” y el miedo a vivir una nueva vida prejuzgada por la sociedad. La terapia ayudó a Celeste a darse cuenta del peligro al que estaba expuesta, pero no la llevó a cambiar su vida; solo el darse cuenta que cómo la vida de sus hijos estarían marcadas, la llevó a tomar la decisión definitiva de dejarlo.
 

Big Little Lies es una de las mejores series del 2017 

En la superficie, Big Little Lies, creada por David E. Kelley y dirigida por Marc Vallée, podría parecer un banal ejercicio de una tragicomedia oscura llena de intrigas de un grupo de mujeres de alta sociedad que compiten entre sí, pero en realidad se trata de una serie que retrata de una forma muy realista la violencia doméstica, la supervivencia tras una violación y el complejo vinculo entre las mujeres que, aunque pueden pelearse por nimiedades, en el momento correcto, todas dejaran las diferencias a un lado para defenderse. Definitivamente, se trata de una de las mejores series del 2017.

domingo, 16 de julio de 2017

#GYPSY: El decepcionante guión de la autodestrucción

No es muy buena señala que me tome toda una vida terminar una serie, sobre todo cuando se trata de un thriller de temática oscura y psicológica con una gran cuota sexual, pero cuando una serie no te atrapa en los dos primeros capítulo, no te atrapa nunca.



 Why, Naomi, Why 

En GYPSY, Naomi Watts le da vida a Jean, una terapeuta con un alterego llamado Diane con el se mete en la vida de las personas relacionadas a sus pacientes. De modo que en teoría Jean es una especie de antiheroína a la que le gusta manipular a los demás porque está… ¿inconforme con su propia vida o simplemente porque está aburrida? No sé, según su propia protagonista, Jean busca sentirse viva mediante la autodestrucción. Okay, bueno, sigamos esa premisa, para que funcione esta idea necesitamos la intriga, necesitamos tensión, necesitamos adrenalina, momentos de peligros… necesitamos sentir algo y ese es el problema principal de la serie ya que para ser un thirller no genera ningún tipo de emoción. Los capítulos, aunque estéticos, son muy lentos, los personajes secundarios son poco interesantes y lo único que salva la serie es Naomi Watts, sin embargo, ya sabíamos que era una buena actriz, entonces, realmente no parece ser un gran mérito. 



Quizás lo único que tiene sentido es la conexión de Jean con Sydney, la ex de uno de sus pacientes. Jean no solo quiere entender por qué su paciente está obsesionado con Syndey, quiere experimentarlo y castigarla por eso. Sydney es tan nociva como Jean y de un modo retorcido, los dos aniquilan sus defensas entre sí. La atracción es tóxica, la química entre Sydney y Jean es electrizante, pero no es tan sexy como quisiera ser o como podría ser, todo gracias a la directora Sam Taylor-Johnson, la misma que dirigió Ciencuenta Sombras de Grey y quien necesita un par de lecciones para grabar escenas de sexo que logren transmitir algo, cualquier cosa. En ese sentido, lo que se convierte en lo más llamativo de la serie, el affair entre estas dos mujeres, tampoco es lo suficiente para enganchar por más turbulenta que pueda ser la relación. Y para colmo los momentos “sexy” se rompen con los ataques de ansiedad de Jean o sus exabruptos hirientes.



Tomemos por ejemplo The Affair, la atracción de Noah y Alison es tan enfermiza y ciega que los absorbe hacia un espiral autodestructivo, la lujuria se les escapa de las manos y eso hace que tomen muy malas decisiones. En GYPSY debería ser así también, pero la serie no se enfoca en una relación adultera, lo de Jean y Sydney es una subhistoria, la serie se trata de Jean y lo que sea que hace con sus pacientes y su familia. 


GYPSY sufre del mismo problema de Batman v Superman, plantea ideas e historias interesantes; la complicada relación de Jean con su madre, su tendencia de ser la salvadora para una adicta, la esposa celosa y dependiente, los deseos ocultos incontenibles, la dualidad de Jean y Diane, pero ninguna tiene un desarrollo que lleve a un punto de clímax. Quizás le hubiera ido mejor si es que fuera una película, no necesita 10 episodios para no llegar a nada y para colmo terminar en un cliffhanger. Sobre todo en este nuevo contexto donde Netflix está cancelando series (y realmente, esta es una candidata al olvido pese a los nombres de peso en su elenco). GYPSY nos deja como lección el clásico "no lo digas, muestralo", si la autodestrucción es el fuerte de la serie entonces debería reflejarse, pero la serie carece de esos sentimientos y los momentos que presenta no llegan a impactar.

#SpidermanHomecoming: El héroe imperfecto

Spiderman Homecoming del director Jon Watts no es la mejor película de Marvel, pero sí es una de las más divertida, no varía la fórmula mágica de las películas de superhéroes pero es diferente; se trata más de una mezcla de las clásicas películas de comedia de adolescentes de los 80’s con un héroe hiperactivo e imperfecto deseoso de comprobar su valor.



 La vida secreta de Peter Parker 

La mala publicidad de Marvel me rebajo las expectativas porque creía que Robert Downey Jr. no iba a dejar brillar a Tom Holland en su propia película, pero no fue así. El Tony Stark de RBJ estuvo en los momentos necesarios y Tom Holland nos regala a una nueva versión de Spiderman donde ser el héroe de la historia no es “una bendición y una maldición”. Mientras que las películas de Toby MaGuire y Andrew Garfield eran más una combinación de drama y acción, la versión de protagonizada por Holland es una comedia disfrazada de una película de acción. De hecho, las secuencias de acción son los puntos más débiles del film, pero es compensado por priorización del lado humano del personaje.

 
Debo mencionar que la dinámica entre la tía May y Peter Parker es adorable 

Aquí está lo refrescante de esta versión, este Peter Parker no carga sobre sus hombros la culpa del mundo, aunque lleva la cruz de ser un héroe, lo carga con orgullo. Es un adolescente que disfruta siendo un adolescente, mete la pata, le gusta llamar la atención, se emociona ante una nueva experiencia, es incomodo cuando está frente a la chica que le gusta, tiene buenas intensiones pero aun necesita aprender. Parker quiere probar su valor y busca impresionar a Tony y a Happy a como dé lugar y típico de un adolescente no escucha a los adultos, necesita aprender la lección por experiencia propia. Sin embargo, en el momento más crítico, ese momento después de que el buitre le tira el techo encima y Peter grita por ayuda, sufrimos con él, queremos que Ironman vaya ayudarlo, porque después de todo sigue siendo un niño. La priorización del lado humano del personaje ha logrado una conexión tan intensa con quien ve la película que nosotros también le damos ánimos, como él mismo lo hace en la película, para salir de esta situación solo.



El niño se convierte en un héroe

Un homenaje a lo clásico de los 80’s 

Esta película se siente como un homenaje a las películas de John Hughes, tenemos la clásica la chica perfecta Liz Allan (Laura Harrier), el mejor amigo cómplice Ned (Jacob Batalon), el bully Flash (Tony Revolori), la chica irónica Michelle (Zendaya) y los profesores. Se tiene un elenco que ha dejado de lado los cánones del perfeccionismo del adolescente ficticio donde todos parecen sacados de una revista de Cosmopolitan, ninguno sufre de acné y usan un léxico adulto. Aquí todo es “cool” y “awesome”, el bully del colegio no es un deportista de otro nivel, solo es un idiota por el simple hecho de ser un idiota.


Creo que otro error de la publicidad de Spiderman es hacerle el hype a Zendaya como la co-protagonista porque aparece muy poco, pero está bien porque es memorable como “Michelle” y sabemos que ella está en camino a ser la futura novia de Peter pese a la actual dinámica de “indiferencia” de su parte, porque para alguien a quien no le importa lo que le pasa a Peter Parker realmente pasa mucho tiempo percatándose de su ausencia. Aunque el espíritu de los 80’s estuvo muy presente, la palabra realista se viene a mi mente porque Peter Parker no logró tener nada con la chica de sus sueños porque al mismo estilo Bad Luck Peter, Peter hace lo correcto y es responsable de que el padre de Liz vaya a la cárcel. Ahora para ser justos, en los comics, Peter tiene muy mala suerte. No sé por qué la sala se sorprendió de que el padre de Liz sea el buitre cuando es un clásico de Spiderman que sus enemigos terminen siendo personajes cercanos a su vida cotidiana. Esa escena de Peter y el Buitre en el auto me recordó la cena de Peter con James Olson y su padre cuando ambos ya saben quién es quién, claro que para este Peter es más incomodo por Liz.



El mejor enemigo de Marvel

Uno de los episodios de Agents of Shields de la primera temporada desarrolló lo que sucedía después de la segunda película de Thor. En cierto modo, el capitulo respondía “¿quién se ocupa de arreglar todo el caos que dejan los Vengadores tras salvar el mundo?” Suena muy aburrido y en Agents of Shields lo fue, sin embargo, en Spiderman, el caos dejado por los Vengadores tras el ataque de alienígenas en Nueva York significaba trabajo para un grupo de hombres liderados por Adrian Toomes (Michael Keaton), pero porque Tony Stark creó “Damage Control”, él se queda sin trabajo y así comienza la historia de origen del villano de turno.


Finalmente, un malo que utiliza el discurso del villano para distraer al héroe 

El Buitre no quiere abrir un hueco en el cielo y conquistar el mundo, no ha elaborado un plan estratégico para que Tony se pelee con Cap, nada de eso, el Buitre solo quiere robar cosas para convertirlas en armas y vendérselas a personas muy malas para así mantener a su familia. Su historia es tan humana y sus motivos tan claros, entendibles y hasta empáticos que se aleja de todos los villanos genéricos que ha tenido el universo cinematográfico de Marvel lo que lo hace el mejor villano de las películas. El tener un nemesis de talla le da pero realista más créditos al filme y al mismo tiempo conserva a Spiderman con los pies en la tierra. Spiderman, aunque es parte de los Vengadores, es después de todo un héroe "callejero" que protege a su ciudad del mismo modo que Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage y Iron Fist.

El tener un buen enemigo no hace la película pero la mejora.

Un buen arranque 

Marvel y Sony se han centrado en los personajes en Spiderman Homecoming y al hacerlo nos ha regalado una historia mucho más personal, más sincera, aunque debo sentir que sí se sintió 2 horas y 20 minutos. A veces, no necesitas tanto tiempo para llegar a un punto. Creo que el momento sorpresa ha sido el inesperado cameo de Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) porque nadie lo esperaba, yo esperaba algún cameo de otro vengador además de Stark y Cap, sin embargo, llama la atención la presencia de Potts. ¿Por qué específicamente ella? Bueno, el tiempo lo dirá…



Hablando específicamente de la franquicia de Spiderman por el lado de Sony, esta película ha insertado varias historias que podrían desarrollarse a modo de spin off. Aaron Davis (Donald Glover) mencionó que tiene un sobrino que según las teorías podría ser Miles Morales y la escena post crédito donde el Buitre se encuentra con uno de los malos es como el génesis de la galería de enemigos del hombre araña. Y la otra escena post crédito simplemente es una trolleada de Marvel.



Lo más importante es que Spiderman es vital para el universo de Marvel. ¿Por qué? Porque tenemos una nueva visión de un héroe adolescente en construcción que se caracteriza por su optimismo y entusiasmo. Y solo podemos imaginar su reacción ante otros Vengadores. Aunque claro, siempre tendrá una relación especial con Tony. Además, ya damos por hecho que ese traje modernizado que le regaló Tony a Peter será estrenado en Infinity War. Finalmente, Spiderman Homecoming es un gran arranque y todo parece indicar que el futuro será brillante.

martes, 11 de julio de 2017

#TheDiscovery: La tragedia de la mala ejecución

La idea de la muerte es sumamente rica, oscura y depresiva, pero rica, y que la película de Charlie McDowell tenga como base el "descubrimiento" científico que hay algo después de la muerte es un diamante en bruto creativamente hablando, pero "The Discovery" se queda en la superficie de sus principales atributos y deja de lado su potencial de ser una producción de ciencia ficción con influencias espirituales para ser un gran drama familiar y romántico. 




¿En qué falló The Discovery?

 Lamentablemente, Jason Segel no funciona, por lo menos en esta película, como un protagonista fuerte. Con eso no quiero decir que Segel no sirve para el drama, para nada, sino veamos los capítulos centrados en el arco de la muerte del papá de Marshal de How I met your mother, solo que su fuerte es la comedia y creo que podría hacer la transición al drama a lo Jim Carrey con una mejor historia. Pero Segel no es el problema principal de la película, lo peor de The Discovery tiene que ver más con los huecos en su guión y para su mala suerte el tono sombrío y su ambiente pesado dificulta que el enganche con la historia y si una producción no te atrapa en los primeros 5 minutos, entonces, realmente no vale la pena. En otros casos, puede ser que veas una película con un celular en la mano, pero esta es una de esas películas que necesitas tener todos tus sentidos en la pantalla para poder armarla mentalmente después del giro. ¿Y cuál es el giro? Para entender el giro primero tenemos que hablar del "descubrimiento". 



Cuando era niño, Will (Jason Segel) murió durante 5 minutos y durante ese tiempo vio algo, esa cosa extraña que vio se lo contó a su papá el Dr. Thomas Harber (Robert Redford) que se obsesiona con la idea de probar qué hay vida después de la muerte. Trabajando día y noche en su investigación, Harber deja de lado a su familia y como consecuencia, la madre de Will se suicida el día de su aniversario. Pese a esto, Harber siguió trabajando para confirmar su teoría hasta que con ayuda de Will descubren que "lo que hay más allá" es una realidad alterna en donde regresas a un momento esencial en tu vida para tomar la decisión correcta, una suerte de segunda oportunidad. En un momento cercano a su muerte, Thomas ratifica ese descubrimiento ya que en lugar de seguir trabajando, decide ir a cenar con su esposa evitando así que ella se suicide y en el caso de Will (este es el gran plot twist) es el hecho de que pudo rescatar a Isla (Rooney Mara) cuando fue a visitar a su padre, puesto que en verdad el día que Will visita a su papá no conoce a Isla, solo se trata de una mujer que estaba en el mismo ferry que él y al día siguiente ve en las noticias que ella se ha suicidado. Este momento se queda en la mente de Will hasta que finalmente muere. Y una vez muerto, está en una nueva realidad donde logra salvar a Isla, quien quería morirse porque su hijo se ahogó, Will le enseña que quitarse la vida no es la solución. Will e Isla se enamoran hasta que una chica la mata... 


No te suicides, enamórate

El final de la película intenta se hace más confuso porque Will utiliza la máquina, con la cual confirmaron que hay una vida en el más allá, y tiene una conversación con su subconsciente, que se ve como Isla, revelándole que él está muerto y va a morir una vez más pero esta vez no se encontrará con Isla en el ferry ya que al rescatar a Isla la ayudó a seguir adelante. Will muere y pasa a otra nueva realidad donde se encuentra en una playa donde salva al hijo de Isla y así se conocen de nuevo. 



 Según Cinemascomics, "la premisa del suicidio parece más una excusa para contar una historia de amor con un telón de fondo apocalíptico" y tiene toda la razón. No pueden tener una idea tan atractiva y desperdiciarla de ese modo, dejando al aire preguntas como; ¿por qué la gran mayoría querrían matarse? ¿El simple hecho de saber que hay algo más allá de la muerte es suficiente para suicidarte? ¿Qué clase de apocalipsis se está desarrollando en ese momento? ¿El ser humano es tan autodestructivo que prefiere morir que enfrentar sus propias consecuencias? Y si quieren tener como base el amor, ¿Qué hay del amor de familia? Hay que recordar que el hermano de Will se queda con su padre pese a que no se trata del mejor padre del mundo. De todas formas, "The Discovery" es una apuesta rara que en teoría parece tenerlo todo, un buen elenco, una idea atractiva y un potencial de ser el "nuevo Eternal Sunshine of the Spotless Mind" pero que en la ejecución no logra acertar, bueno, el twist final "salva" la película si es que no te has quedado dormido antes.



martes, 4 de julio de 2017

#Predestination: Hermoso y perfecto bucle temporal

Tengo una fascinación extraña por los viajes en el tiempo, así que tan pronto leí el pequeño resumen de Predestination, escrito y dirigido por Peter Spierig, Michael Spierig, en Netflix, pensé que era la típica película del agente del tiempo que viaja al pasado y atrapa al malo para arreglar el futuro del mundo, pero lo que me encontré fue una de las paradojas temporal más confusas y enigmáticas del cine.



 Con Ethan Hawke como protagonista, la historia sigue a un agente del Buró Temporal que tiene que perseguir a un terrorista. En la primera parte de la película, nuestro héroe se la pasa hablando con John a quien tiene que convencer para que viaje al pasado. John le revela su trágica historia, le cuenta cómo antes de ser John era Jane (Sarah Snook). Ella quería ser una agente especial, de hecho, era la más calificada para serlo, pero debido a su condición médica no podía. Ella sufría de una extraña condición donde básicamente tenía los dos sexos dentro de ella. Después de que la rechazan en la agencia, intenta continuar con su vida hasta que conoce a un misterioso hombre que la embaraza y la abandona. Las complicaciones al momento de dar a luz hacen que los doctores decidan extirparle los órganos femeninos a Jane y así es como se convierte en John, pero como si eso no fuera suficientemente malo, su hija termina siendo secuestrada. Y así comienza la desdicha de Jane/John, una desdicha que continúa hasta que conoce al agente que en ese momento se está haciendo pasar como un cantinero. 



El cantinero le propone a John viajar al pasado y vengarse de ese misterioso hombre que le arruinó la vida. John acepta y allí se da el giro más importante de la historia; un giro tan fenomenal que me destruyó emocionalmente hablando; John es ese hombre misterioso que deja embarazada de Jane. Desde esa revelación y aunque los demás giros siguen ese mismo giro no deja de ser igual de impactantes, Jane se convierte en John, John se convierte en el Cantinero y el Cantinero se convierte en el terrorista y el bebé de Jane en realidad es Jane. Todo es un hermoso y perfecto bucle temporal dentro de un universo inalterable. 



Predestination llevando el amor propio a un nuevo nivel...

 La forma en el que la historia está plasmada es minuciosa; todos los cabos están atados. Si volvemos a ver la película sabiendo a donde va, podemos ver todas las pistas y los detalles advirtiéndonos su gran giro a la mitad de la película. Por lo general, el manejo de los viajes en el tiempo trata de descomplicarse para propósitos de entretenimiento, como lo hemos visto en El Ministerio del Tiempo y Legends of Tomorrow, pero tras ver Predestination nos quedamos con una sensación extraña de quererle buscar una explicación lógica, pese a que es probable que no exista una respuesta adecuada. Esta película, aunque no es muy conocida, es muy ingeniosa y coherente dentro de su propia lógica, esta historia comienza en Jane y termina en Jane y todo lo que ocurre es una jodida paradoja de la predestinación.

http://goink.tumblr.com/post/157722832567/movies-i-always-forget-are-good-13

sábado, 1 de julio de 2017

#MelrosePlace: El placer culposo de los 90's cumple 25 años

Recientemente Melrose Place cumplió 25 años desde su estreno. Esta serie creada por Darren Star y producida por Aaron Spelling y E. Duke Vincent se convirtió un fenómeno surreal y pasó a ser una de las series más emblemáticas y ridículas de los 90's gracias a su sex-appeal. 



El sexo vende 

En 1992, Fox decidió extender el éxito de 90210 con un spin off. Melrose Place aprovecharía el mercado del público juvenil de 90210, pero también se dirigiría a una audiencia adulta. En su primera temporada, Melrose Place era una serie que seguía la vida de vecinos que se convertían en amigos por vivir en un mismo condominio con problemas profesionales y sentimentales. Un producto demasiado vainilla que seguía la misma honda de 90210 con la única diferencia de que en vez de jóvenes-adolescente, teníamos veinteañeros que en teoría tenían carta abierta para tocar temas más complejos y simplemente apelaban al clásico melodrama donde cosas malas les pasa a gente buena, pero todo cambió con la introducción de Amanda Woodward. 

"Los lunes son una perra"; perfecto campaña publicitaria de Melrose Place

 Melrose Place no solo encontró su dirección con Amanda Woodward, que inmediatamente se convirtió en la mala que amamos odiar, sino también se percató de ese diamante en bruto que tenían pero que no habían explotado; el sex-appeal de su elenco. Desde que los productores se dieron cuenta que el sexo vendía comenzó su metamorfosis hacia un placer culposo con historias absurdas y exageradas que involucraban personajes psicóticos, asesinatos, intentos de asesinatos, venganzas y sexo, mucho sexo. La serie llegó a tener un nivel de ridiculez con cada nuevo capítulo que realmente no importaba por qué se estaban peleando, el tema de fondo era quién se acostaba con quién o quien engañaba a quién y todo estaban de acuerdos que Amanda era una bitch pero igual nos encantaba ver cómo le hacía la vida imposible a sus inquilinos. 

Los galanes de la historia

 Todo tiempo pasado es mejor 

 En el 2008, la CW trajo de vuelta 90210 mezclando la vieja generación con una nueva y eventualmente siguiendo a esa nueva generación por un par de temporadas más. Se intentó hacer lo mismo con Melrose Place en 2009, e incluso trajo de vuelta a varios miembros de la serie original para que revivan a sus personajes, pero a la gente ya no le llamó la atención volver a ver una serie donde todos se pueden acostar con todos porque es ya es una práctica común en las producciones actuales. 


Lo que no quiere decir que el sexo ya no vende, el sexo sigue vendiendo... solo que en el caso del reboot de Melrose Place se apeló a la misma fórmula olvidándose que el Melrose Place original funcionó porque sus escenas de cama en su momento eran pioneras. El show era la excepción, no la regla y su emisión causaba polémica porque se atrevía a ser algo que no habíamos visto antes. 


 El reboot de 90210 duró 5 temporadas porque a diferencia de Melrose Place, se adaptó a la época de su emisión 

 El legado de Melrose Place 

 Durante sus 7 temporadas, Melrose Place sirvió como un trampolín a la fama para actores como Thomas Calabro, Marcia Cross, Kristin Davis, Laure Leighton, Grant Show, Courtney Thorne-Smith, Daphne Zuniga y acentúo la transición de niña inocente a una mujer hecha y derecha de Alyssa Milano. Sin embargo, el legado que Melrose Place deja, además de haber inmortalizado a Heather Lockhart como una de las mejores villanas de la televisión, es que la clave del éxito no necesariamente recae en un buen guion, sino en sacarle provecho a tu mejor atributo y aunque esto suene como una formula fácil de replicar, en realidad, es muy no lo es.


miércoles, 28 de junio de 2017

#GLOW: 40% Comedia, 40% Drama, 20% Acción

Particularmente, no soy una fan de la lucha libre, pero aun así creo que GLOW ha logrado captar mi atención. Esta serie original de Netflix se enfoca en la formación de GLOW – Gorgeous Ladies of Wrestling, un programa que realmente existió pero para fines comerciales, la mayoría de sucesos en la serie son ficticios. 



 Glow NO es la nueva OITNB 

 BuddyTv ha considerado que GLOW es una de las series más originales de la televisión en la actualidad, sin embargo, no puedo decir que estoy de acuerdo. GLOW se siente un poco más fresco que Orange is the New Black, pero sigue la misma línea; no es exactamente una comedia pero tampoco un drama -aunque quizás por su formato de 30 minutos entra en la categoría de “comedia” - cuenta con un cast diverso y por momentos amas y odias a la protagonista Ruth (Alison Brie). El show se vale de los estereotipos para incursionar en el mundo de la lucha libre que es dominado por hombres. En ese sentido, utiliza un cliché negativo para volverlo un atributo. 


No sé si podemos considerar a GLOW como feminista pero ciertamente es progresista. 

 La serie se desarrolla en la década de los 80’s pero no se apoyan en la nostalgia de la época ni en los chistes de de la cultura pop, se enfocan en el Wrestling en todos sus aspectos. La lucha es un espectáculo; en la serie este espectáculo es comparado a una telenovela gracias a su composición: tiene buenos y malos, y allí es donde entre los estereotipos dentro del contexto histórico; las buenas son las americanas, particularmente la estrella del show es Debbie "Liberty Belle" Eagan y la "mala" es la rusa Ruth "Zoya the Destroya" Wilde. En lo que se refiere a la acción, las luchas están bien coordinadas, literalmente, vemos el entrenamiento de las chicas y los "trucos" para simular una pelea. De modo que vemos la construcción de los personajes de cada luchadora. 

"Machu Picchu": Ella es mi favorita. 

 Todos los personajes son gloriosamente imperfectos 

 Marc Maron interpreta a Sam, el director de GLOW. Y vaya que es un hijo de puta. No tiene respeto por nadie, insulta a las mujeres y las trata como basura. La única razón por la que aceptó hacer GLOW es para financiar su propia película. Sam es un completo idiota, un narcisista en un espiral autodestructivo, en pocas palabras, es una terrible persona y no trata de enmendarse. De hecho, todos son así, no se disculpan por sus imperfecciones porque es esa sinvergüencería lo que los hace tan empáticos, más reales. Sam no es un sujeto que cause miedo entre todas las mujeres que están bajo su responsabilidad. Estas mujeres devuelven el insulto y el golpe emocional no solo contra Sam, sino entre ellas mismas. 



La competitividad entre las mujeres no es retratado como un punto negativo, cada una de esas mujeres es parte del espectáculo y por eso quieren brillar en el momento en que las luces estén sobre ellas, eso es normal, es humano y todas tienen su momento. Hay una suerte de solidaridad entre las mujeres que se va generando que pasa de la enemistad hasta la complicidad no sin antes pasar por ciertos momentos desastrosos. Y si vamos a hablar de desastres encantadores no puedo dejar de mencionar a Chris Lowell. A él siempre le ha tocado hacer del “buen tipo”, a veces, un poco sarcástico pero siempre un “buen tipo”. Aquí también es el engreído, hiperactivo y obsesivo productor Sebastian Bash Howard, básicamente, el que pone la plata. Bash le aporta una locura divertida desde su aparición en el tercer episodio y aunque se roba la atención con su sobredimensionado entusiasmo, el show nunca deja de pertenecerles a las chicas encabezadas por Ruth.  A diferencia de OITNB, las subhistorias dentro de GLOW no pierden el hilo del objetivo principal que es realizar el programa de lucha, no obstante, sí presenta tramas fuertes como el aborto, por decisión propia y por accidente, y como la infidelidad. 



Debo aclarar que Ruth no es "la nueva Piper", es la protagonista y una excelente representación de lo que es la serie en general; es la mezcla perfecta de la drama y comedia. Pese a que la vida de Ruth se equivoca y es tan absolutamente desastrosa, tiene la habilidad de poseer un optimismo contagioso. Gracias a ellas todos se suben al tren de "hacer genial a GLOW" y hasta hacen lo correcto en los momentos que importan. Mi única critica es que Alison Brie nunca será una "chica común" por mucho que este sin maquillaje y tenga hondas en el pelo, sin embargo, Brie carga la serie con orgullo.  


La primera temporada de GLOW terminó con la grabación de la primera lucha de las mujeres y nos ofrece justamente lo que la serie es... un glorioso espectáculo.

PD: Tengo que reconocer que tiene un excelente soundtrack, lo que le da puntos extras a la serie. 
Estas son las canciones que aparecen en GLOW; "The Warrior" by Scandal "You Make Me Feel (Mighty Real)" de Sylvester, "Separate Ways (Worlds Apart)" de Journey, "Stir It Up" de Patti LaBelle, "The Look" de Roxette, "We Don't Get Along" de The Go-Go's, "Life in a Northern Town" de The Dream Academy, "Movin' Out (Anthony's Song)" de Billy Joel, "Head Over Heels" de Tears for Fears, "Rock You Like a Hurricane" de Scorpions, "Ready Steady Go" de Generation X "Dare" de Stan Bush, "Theme of Exodus" de Ernest Gold, "Angel" de The Jetzons, "Magic Moments" de Perry Como, "Things Can Only Get Better" de Howard Jones e  "Invincible" de Pat Benatar