"Song to song" de Terrence Malick es un experimento, un ejercicio de improvisación, se siente como un documental, pero en realidad se trata de una poesía audiovisual estética e intima. Las imágenes nos cuentan una historia casi sin un dialogo, o al menos uno significativo, pero está bien, no necesitamos escuchar las conversaciones para conocer lo que los personajes principales sienten, sus acciones hablan por sí mismo pese a las contradicciones de lo que quieren.
Los protagonistas son BV (Ryan Gosling) y su profunda melancolía, Faye (Rooney Mara) y su búsqueda insaciable por experimentar (lo mejor y lo peor de la vida) y Cook (Michael Fassbender) y su absoluta autodestrucción que termina consumiendo a su esposa (Natalie Portman).
En el fondo "Song to Song" es un drama romántico llena de momentos, todo tipo de momentos, momentos llenos de exceso, momentos llenos de amor, momentos banales, momentos de placer, momentos de odio…. simples momentos en la vida pero desde una perspectiva artística surreal. Una vida que continúa para Faye y BV después de romper cuando le confiesa que le ha sido infiel con Cook, una vida que continúa en un espiral de sexo y alcohol para Cook que eventualmente lleva al suicidio de su esposa, una vida que continúa BV con una nueva mujer, al igual que Faye, para eventualmente reencontrarse para darse una nueva oportunidad.
En "Song to song", las actuaciones se sienten autenticas, la improvisación nos regala momentos ficticios pero reales, y el hecho que se desarrolle en la industria musical le agrega un plus, pues, además de ver cameos de artistas como Red Hot Chili Peppers, Patti Smith e Iggy Pop, la musicalización evoca sentimientos en una película donde estamos viendo estos sentimientos en pantalla. "Song to Song" no es una película convencional por lo que tomará un tiempo adecuarse al estilo, muchos lo encontrarán aburrido, pretenciosa, sin un punto, sin una dirección determina, o simplemente no lo entenderán, eso es lo mágico de "Song to Song", por eso trae a la mente la palabra poética, cada quien ve lo que quiere ver.
En su primera temporada, "Wynonna Earp" era una producción sobrenatural de Syfy que se distinguía más por sus ambiciones que por sus propias limitaciones. La renovación de la serie para una segunda entrega se dio básicamente gracias a un fandom activo en las redes sociales. Considerando que la segunda temporada es en realidad la prueba de fuego para el posible futuro de una serie; ya que es la oportunidad de arreglar lo que no funcionó, mejorar la narrativa o seguir replicando la fórmula mágica que se constituyó en primer lugar, "Wynonna Earp" le ha apostado a la filosofía; “si podemos hacerlo, hay que hacerlo”.
Pueblo chico, infierno grande y mucho corazón
Siempre he pensado que la expectativa de vida de una serie no depende de su premisa sino del elenco, mientras el elenco conecte con el público, así sea la serie mala, durará. Recién me doy cuenta que si bien el elenco es un factor, la clave del éxito de cualquier serie es la empatía y precisamente ese es el elemento que hace de "Wynonna Earp" una serie tan especial. Es fácil identificarse con los personajes de "Wynonna Earp", al margen de sus aventuras, y es esta empatía la que ha logrado que fans apasionados hagan bulla en las redes sociales, tanta bulla que medios especializados están comenzando a prestarle atención y se están dando cuenta que "Wynonna Earp" además de ser empática, es una producción fuera de lo común. En medio de la segunda temporada, Vaninty Fair le dedicó un artículo donde califica a la serie como una descendiente de Buffy, alabando el modo en el que mezcla el horror con el humor.
Aunque suene como clásico, en realidad la combinación de estos dos géneros necesita un buen balance para funcionar, una mala broma en una escena puede malograr el momento de tensión o puede minimizar un momento significativo, sin embargo, "Wynonna Earp" tiene la habilidad de burlarse de sí mismo, tanto dentro de la historia y como fuera de la misma con comentarios metas, pero en los momentos claves deja el humor de lado para abrazar su lado más sentimental y para dejar que el publico procese esos sentimientos que genera.
Y hay muchos sentimientos, demasiados. Wynonna tuvo que lidiar esta temporada con la culpa de haber matado a su hermana mayor, Willa, y con un embarazo no deseado en medio de sus batallas con demonios internos y externos literalmente hablando, sin mencionar que en el plano sentimental, Wynonna tiene algo con Doc y con Dolls. Por su parte, Waverly ha estado lidiando con una crisis de identidad y una búsqueda de un propósito mientras continúa siendo la sidekick de Wynonna.
Aunque la serie lleve como titulo "Wynonna Earp", el corazón de la serie son las hermanas Earp y como en toda familia, Wynonna y Waverly no siempre están en la misma página, no piensan igual, se pelean, pero no importa si se sacan de quicio, se necesitan, son familia y el amor es un arma más efectiva que el propio Peacemaker.
Obviamente, dentro de esa “familia” también podemos incluir a Doc, Dolls, Nicole, Jeremy (el nuevo alivio cómico) y a Rosita (la novia de Doc). En la primera temporada ya habíamos visto como Doc y Dolls se vuelven aliados por Wynonna y en la segunda entrega continúan su bizarra amistad estando conscientes de lo que sienten por Wynonna. Por su lado, Jeremy parece tener un crush por tanto Doc y Dolls. Rosita y Wynonna se llevan bien aunque Rosita sea la novia de Doc y Rosita se besó con Waverly aunque ella estaba con Nicole. No he visto a un grupo tan ortodoxo y unido, con triángulos amorosos y dramas sentimentales internos, desde "Lost Girl" que sucede que también es una producción en la que estuvo involucrada Emily Andras. Pero con "Wynnona Earp", Andras se anima apostar una locura desbordante, como ella misma lo califica se trata la serie que tiene como principal objetivo hacer que el espectador se sienta como en una montaña rusa sentimental y lo consigue, por lo menos, en la mayoría de sus episodios.
Todos los planes de Wynonna Earp…
Debo admitir que por momentos, la segunda temporada se sintió incoherente como si no tuviera una dirección concreta, pero eso tal vez se debe que a la mitad de temporada cambiaron su historia para incluir el embarazo real de Melanie Scrofano como un embarazo no planeado de Wynonna. Esto me causó muchas dudas, pero me sorprendí de lo bien que se manejó tanto en el plano creativo como productivo. Emily Andras pudo escoger esconder el embarazo de Scrofano, era el camino “fácil”, pero no lo hizo pero tampoco renunció a su idea principal, continúo regalándonos una badass total "Wynonna Earp" sin censura pero está vez llena de hormonas y con una panza. Claro, la idea de un bebé en un pueblo sobrenatural no tenía mucha cabida, así que al final de la temporada Wynonna renuncia a su hija para que ella pueda tener una vida normal lejos de Purgatory.
Se nota que Melanie Scrofano se divierte con "Wynonna Earp", especialmente porque significa emular a todos los emojis posibles con alguna mueca reactiva. Y tan buena como es Scrofano en la comedia, también lo es en el drama. En el episodio “Let’s Pretend We’re Strangers”, vimos el lado malicioso y cruel de "Wynonna Earp" al estar poseída por un demonio y en el episodio final de la temporada, esa escena donde se despide de su bebé nos rompió el corazón. A esto hay que sumarle que filmar embarazada no es muy cómodo que digamos y sin embargo, Scrofano le saca el jugo comiendo en cada escena o burlándose de su propia situación.
Otra cosa que hay que alabar es la reacción de Doc Holliday, el padre del bebé de Wynonna, demostrando que se puede ser un caballero progresista. Doc le dejó claro a Wynonna que la apoyaría en todas sus decisiones así no esté de acuerdo con las mismas.
La gran mayoría que le dio un chance a "Wynonna Earp" lo hizo por Wayhaught (nombre del ship compuesto por Nicole Haught y Waverly Earp) y se ha quedado por la historia. Así que no puedo culpar a Emily Andras por hacer uso del fanservice, todas las series lo hacen de un modo u otro, sin embargo, lo que hace Wynonna Earp llega a un nuevo nivel. Al mismo estilo de Oprah reglando carros, Andras regala momentos, especialmente, con Wayhaught. Esta temporada en particular parece haber sido escrita para que Dominique Provost-Chalkley deslumbre como Waverly Earp, así que la hemos visto cantando, imitando un acento inglés terrible- un guiño al hecho que la actriz es inglesa-, realizando un bailecito sexy en uniforme de animadora.
Sin embargo, aunque a la serie le gusta pretender que Nicole Haught es más que un interés amoroso de Waverly, lo cierto es que todo en su personaje prueba que no lo es, todo lo que respecta a Nicole gira alrededor de Waverly, pero Nicole es importante para el grupo porque es Nicole y no porque es la novia de Waverly. Mi crítica en la primera temporada es lo rápido que fue desarrollado Wayhaught y ahora se han tomado el tiempo de explorar esta nueva relación, las hemos visto coquetear, pelear e incluso hemos tenido un capitulo donde en una realidad alternativa vimos a Wayhaught enamorarse de nuevo. Andras ya ha establecido que tenemos una suerte de “almas gemelas”. Solo ha habido dos cosas que han causado molestia, Waverly besó a Rosita en medio de una pelea con Nicole y resulta que Nicole estaba casada. Pero vamos, en las series, una pareja necesita cierta cuota de drama y Wayhaught ha tenido su cuota, lo que importa es que han salido triunfantes de los retos que se le presentan.
Además, como punto extra podemos hasta hemos tenido una mención Wayhaught literal en la propia serie.
Del modo en el que terminó la temporada, todo parece indicar que Nicole y Dolls investigarán un culto. Hablando de una tercera temporada, los productores y el elenco le dan el mérito de la renovación a Syfy, pero sobre todo, a sus seguidores. De hecho, hasta hicieron un video y todo. Es muy chistoso seguir a los actores en el Twitter, especialmente a Emily Andras, gracias a sus memes y hasta hacía una escala de lo "gay" que era el episodio.
Syfy es reconocida por ser Syfy, la casa de "Sharknado"… pero en los últimos tiempos, Syfy se ha vuelto más progresiva, más femenina, más aventurera. Las extravagantes producciones de Syfy desde hace un tiempo está centrada en protagonistas femeninas complejas y fuertes. En la actualidad, "The Expanse", "The Mafiacian", "12 Monkeys", "Wynonna Earp", "Killjoy" y "Dark Matters", las series más reconocidas de Syfy, tiene el común denominador de tener una sólida protagonista.
Pastemagazine ha hecho una nota donde habla de la revolución de Syfy con sus protagonistas y cómo es que esta tendencia le está funcionando de maravillas gracias a sus historias. En el caso especifico de "Wynonna Earp", la publicidad de boca a boca, o mejor dicho, de tumblr a twitter, ha llevado a una serie chica a ser reconocida gracias a su locura creativa que exuda feminismo, empatía y fanservice.
The future is female... nope, the present is female in Syfy
Shonda Rhimes, la genia detrás de "Grey's Antomy, Scandal" y "How to get away with murder", acaba de firmar un jugoso megacontrato con Netflix, rompiendo (inesperadamente) palitos con ABC, una cadena que prácticamente le debe su éxito en el rating a las producciones de Shondaland. ¿Pero qué significa este fichaje y por qué se avecina un boom de los servicios de streaming?
Shonda Rhimes, la Messi de la televisión
En términos futbolísticos, lo que ha sucedido con Rhimes, ABC y Netflix es muy similar al pase de Neymar al PSG rompiendo su contrato con Barcelona. Según IndiWire ha revelado, Shonda Rhimes ganará 10 millones al año para generar nuevo contenido para Netflix y considerando su historial, Rhimes vale cada dólar, estamos hablando de la productora televisa más prodigiosa y más poderosa en las últimas dos décadas, estamos hablando de la mujer que rompió esquemas con sus dramas y la que redefinió los jueves de ABC con su #TIGT.
Pero a diferencia de Neymar, Rhimes no está a la sombra de nadie, Shonda Rhimes es la Messi de la televisión y era la figura más importante de ABC, ¿entonces por qué firmó con Netflix? Aunque el dinero puede ser una gran motivación (y probablemente es la razón), Rhimes ha declarado que es la libertad lo que la hizo llegar a un acuerdo con Netflix.
"I was looking for — the opportunity to build a vibrant new storytelling home for writers with the unique creative freedom and instantaneous global reach provided by Netflix’s singular sense of innovation. The future of Shondaland at Netflix has limitless possibilities.”
"Yo estaba buscando la oportunidad de construir un nuevo hogar de historias vibrantes para escritores con una libertad creativa única y alcance global instantáneo proporcionado por Netflix es un singular sentido de innovación. El futuro de Shondaland con Netflix tiene posibilidades ilimitadas."
Aunque hemos visto atrevidas escenas en "Scandal" y "HTGAWM", estas palidecen en comparación a lo que podemos encontrar en Netflix donde hemos visto cosas más violentas, escenas de sexo (casi explicitas) y muchos “fucks”. Entonces, en una mirada general, la libertad en la creatividad es el principal atractivo de Netflix y al mismo tiempo es el talón de Aquiles de las cadenas de televisión abiertas que sufren de ciertas restricciones impuestas y autoimpuestas. Lo cierto es que las cadenas de televisión es que se rehúsan a apostar por nuevas ideas mientras que Netflix hace lo contrario. Veamos la parrilla para el año 2017-2018; "Deception" se siente como el nuevo "The Mentalist", "The Good Doctor" parece una versión joven de "House MD", "Kevin (Probably) Saves The World" parece una versión masculina de "Joan of Arcadian", "Seal Team" y "The Brave" parecen compartir la misma premisa… Y si no son series genéricas, son intentos de reboot, revivals o la adaptación de una película a una serie.
Aunque suene irónico, justamente en la actualidad, Hollywood sufre de una crisis en creatividad y en lugar de crear producciones originales, se rescatan ideas que funcionaron antes para ver si puede replicar la magia. De hecho, ABC es una de las pocas cadenas que desafiaba esa tendencia gracias a las series de Shonda Rhimes. "Grey’s Anatomy" es un drama médico pero tiene como protagonista a una mujer. Todas las series de Rhimes tienen como centro a una mujer fuerte, independiente y con tonalidades complejas, pero además, las figuras principales de "Scandal" y "HTGWM" son mujeres de color. En ese sentido, una visión de género y cambiar los arquetipos de raza, esa es la innovación de Rhimes.
Hace unos meses la CBS fue criticada por tener puras series protagonizadas por hombres blancos y por su falta de diversidad y también Netflix también fue criticada por cancelar "Sense8" y "Get Down". La diferencia entre la CBS y Netflix es que Netflix acogió las críticas, le dio una película de despedida a "Sense8" y contrató a Shonda Rhimes cuyas series tienen la característica de ser diversas y representativas.
Tu crisis es mi oportunidad
Otro factor por el que Netflix se está jalando a productores de peso es que va a haber un momento en el que Netflix solo dependerá de su contenido original. Y es que Netflix ha cambiado el mundo de las series en varios aspectos y quizás el más importante sea la priorización del tiempo del usuario, eso quiere decir que el cliente puede ver su serie o su película en el momento en que quiera sin ser esclavo del horario del canal. Este característica es clave en el éxito de Netflix y también es el punto de envidia de los canales convencionales, pues, ya se han dado cuenta que generarían más ingresos creando su propio servicio de streaming que alquilando sus series de Netflix.
Netfix sigue dominando el mercado.
HBO, la CW y la CBS han lanzando este año sus servicio de streaming donde coloca sus series, actuales y antiguas. Parecería que Fox se va ir por el mismo camino porque ha anunciado que quitarán sus series de la plataforma. Del mismo modo, Disney y Netflix rompieron su idilio… y de esa forma, Netflix se va quedando sin contenido.
Hay que aclarar es que "Grey's Anatomy," "HTGAWM" y la última temporada de "Scandal" continuarán en la ABC, al igual que las nuevas series de Rhimes, "For The People" y el spin off de "Grey’s Anatomy". ABC mantiene los derechos de estas series y ya está colgando estas series en su plataforma web, aunque claro solo en Estados Unidos puede ver estas series en la web después de su emisión de manera gratuita. En Latinoamérica, las tres series más exitosas de Rhimes se pueden encontrar en Netflix.
in other news, Netflix subscriptions will now come with a free month's supply of red wine.
El tiempo dirá si es una buena o mal idea tener un boom de servicios streaming, quizás no para el bolsillo del usuario, pero definitivamente es una oportunidad que los canales han decidido aprovechar sus producciones propias golpear a Netflix donde más le duele. Sí, los servicios de streaming es una forma de hacerle la competencia en el plano del negocio, pero otro modo también es apostar a nuevas producciones originales y únicas, que es exactamente lo que le ha dado prestigio a Netflix.
"The Defenders" es la apuesta más ambiciosa en lo que a series se refiere de Marvel, es la meta de un camino que comenzó con la primera temporada de "Daredevil" y es el proyecto más esperado del año de Netflix. Y sin embargo, le faltó algo de sustancia y ritmo, pero es fácil ignorar los defectos cuando ves interactuar y pelear a tus personajes favoritos. Lo mejor de "The Defenders" es por supuesto, "Jessica Jones" y "Daredevil", el punto más débil sigue siendo "Iron Fist" y para su mala suerte, Marvel continúa teniendo problemas con los villanos.
Todos odian a "Iron Fist"
Pese a solo tener 8 episodios, "The Defenders" arranca oficialmente en los minutos finales de su segundo episodio y se comienza a disfrutar más a partir de su tercero. El primer episodio es una introducción larga e innecesaria, sobre todo cuando tenemos en cuenta que los que van a ver esta serie ya han visto "Daredevil", "Jessica Jones", "Luke Cage" e "Iron Fist" con lo que no necesitan una sobreexplicación de quiénes son estos personajes y lo que han vivido y los que no han visto esas series tampoco necesitan saber con detalle lo sucedido. Bastaba con un parte de referencias generales, pero bueno… el recuentro de los héroes se da en los últimos minutos del segundo episodio cuando los tramas personales de cada uno terminan colisionando. Después, cuando usan sus palabras en lugar de sus puños se dan cuenta que son los buenos y juntos tienen que combatir a los malos; la organización denominada “La Mano” (ya llegaremos a ellos).
IGN preguntó si es que "The Defenders" nos hizo odiar menos a "Iron Fist" y creo que la respuesta es no. Solo porque coloques a Danny Rant como punto de bromas y de crítica de todos, no lo hace más agradable, solo evidencia que es el menos cool del grupo. ¿Pero qué diablos tiene "Iron Fist" para considerarlo como uno de los “más odiados”? Se trata de una combinación; la serie fue acusada de whitewashing, Finn Jones tiene poca carisma, Danny Rant es un personaje demasiado melodramático y excéntrico. Voltear esa imagen antipática es difícil, pero igual lo intentaron, no obstante, "Iron Fist" fue vital en "The Defenders" no solo como uno de los pilares del equipo sino como “la llave” que necesitaba “La Mano” o sea, el elemento clave a partir del cual se mueve la historia. ¿Qué es lo que se debería hacer con un personaje impopular? Bueno; hay tres opciones; lo haces más agradable o reduces su tiempo en pantalla o lo reemplazas y obvio Marvel le apostó a lo primero (o al menos lo intentaron) rebajando esas características que hicieron a Danny Rant tan exasperante en su propia serie.
"The Defenders", todo por ellos
La razón principal para ver "The Defenders" es la interacción entre héroes tan diferentes entre sí. Con personalidades tan opuestas como los colores que los identifican; "Jessica Jones" con el morado, "Daredevil" con el rojo, "Luke Cage" con el amarillo e "Iron Fist" con el verde, comenzamos con una alianza temporal pero terminamos con un equipo de renegados, más o menos un “Guardianes” pero no de la Galaxia sino de Nueva York y sin el sentimentalismo de “somos una familia”.
Para mí lo mejor de "The Defenders" es Jessica Jones (Krysten Ritter) y su actitud “i’m so done with everybody”, la reconciliación de Matt (Charlie Cox) con "Daredevil", el llamado de acción de Colleen (Jessica Henwick) y Claire (Rosario Dawson), Stick (Scott Glenn) y su filosofía de sobrevivencia, la reconexión entre Luke (Mike Cotler) y Jessica en el plano amical, la mitología y mística de “La Mano” y todo el dilema sobrenatural de Elektra (Elodie Yung). Sin embargo, mi mayor queja es si bien Matt, Jessica, Luke y Danny son los protagonistas, Collen, Claire y Misty (Simone Missick) hicieron algo, tuvieron sus momentos de heroínas mientras que Trish (Rachel Taylor) y Karen (Deborah Ann) solo quedaron relegadas a ser damas en estrés. Y ni si quiera voy a hablar de esa conversación entre Trish y Karen porque es muy raro, aunque estoy segura que hay una explicación heterosexual.
De todas formas, si bien siento que Trish y Karen pudieron hacer más, ¿acaso se olvidaron Trish sabe pelear cuando Jessica era atacada por un dedo de “La Mano”?, entiendo que el sostén de estos héroes son ellos por encima de la propia cuidad. Los cuatro héroes dejaron todo a un lado para poner a resguardo a sus seres queridos ante la amenaza de “La Mano”. Las conversaciones entre Foggy (Elden Henson) y Matt, Trish y Jessica, Karen y Matt y Colleen y Claire son los momentos con más peso emocional de la serie, pero al mismo tiempo esas escenas cobran mayor significancia cuando recordamos lo que vivió Matt en la segunda temporada y Jessica en la primera. Jessica mató a Kilgrave después de que él manipuló a Trish y Matt vio morir a Elektra en sus manos y entró en una crisis existencial. Matt dejó de lado a Daredevil y lo hizo primordialmente para no poner en riesgo a Fogy y Karen. Del mismo modo, el amor de Luke por Harlem es su primordial motivación para ser un héroe y es reconfortante que este en una relación con Claire quien apoya esos ideales. Hablando de Claire, después de ser el pegamento de todas las series de Netflix en "The Defenders" no fue la conexión entre los mundos, lo que es un poco decepcionante, pero bueno, al menos continúa siendo la voz de la razón del grupo.
El clásico problema del villano de Marvel
Aunque la última tendencia de Marvel sea tener un “gran villano secreto”, como lo vimos en "Guardianes" y en "Spiderman", en "The Defenders", el giro de Elektra es la villana secreta no me generó ningún tipo de emoción más bien me frustró un poco. Si bien la simple presencia de Sigourney Weaver es intimidante en "The Defenders", el personaje de Alexandra no se desarrolló lo suficiente aunque se trata de uno de los dedos más importantes de “La mano” y parecía que su mayor ventaja era su ingenio, incluso durante la pequeña guerra fría dentro de la propia organización criminal. Entonces que Elektra la mate tan rápidamente y después se ponga como la cabeza de “La Mano” me hizo preguntar ¿si iban a matar a Alexandra, por qué se molestaron tanto tiempo en construirla?
Elektra al igual que Strick es uno de los personajes más geniales porque no son malos ni buenos, operan en una zona gris. Elektra resucitada se pasó al lado oscuro y logró poner en jaque a Jessica, Luke, Danny y hasta el propio Matt. El hecho que Elektra sea la “gran mala” de la temporada era una jugada necesaria para terminar con Daredevil sacrificándose porque aunque Elektra y Matt sea una relación insana y autodestructiva también es una relación muy rica que explorar. Y seamos honestos, Karen y Matt son demasiado vainilla para entretener.
Marvel Series: Fase II
Tal vez sea el hype de ver a "Jessica Jones" con "Daredevil" y con "Luke Cage" pero "The Defenders" es una experiencia disfrutable a partir de tu tercer episodio cuando encuentra su ritmo. El capitulo "Royal Dragon", donde todos se sientan a comer, es la esencia de la serie; un grupo de extraños con habilidades extraordinarias obligados a colaborar juntos para salvar a la cuidad y como equipo logran triunfar.
¿Y ahora qué sigue?
Ya se ha confirmado una tercera temporada de "Daredevil", así que obvio que Matt iba a sobrevivir. En noviembre se estrenará "The Punisher" y al parecer Netflix está planeando estrenar tres series de Marvel cada año. "Jessica Jones" y "Luke Cage" han comenzado a grabar su segunda temporada, ya se anunció que Iron Fist tendrá una segunda entrega, con lo que oficialmente vamos entrando a la segunda fase de Marvel en Netflix.
El mayor problema de "The Defenders", además del villano, es Danny Rant, pero con la interacción en serie con "Luke Cage" se abre una nueva posibilidad; "Heroes for hire" con "Iron Fist" y "Luke Cage" no porque "Iron Fist" no funciona por sí solo, sino porque en una conversación Luke Cage le sacó en la cara el privilegio (sin mencionar las palabras privilegio blanco) de Danny y lo hizo reflexionar. Luke influyó en Danny y Danny también podría ayudar en su modo a Luke. En los comics se trata de uno de los dúos más memorables y podría trasladarse esa dinámica a la pantalla.
"War for the Planet of the Apes" de Matt Reeves es el fin de la trilogía de la saga del "Planeta de los Simios" que empezó con el Rise y el Dawn. Estas tres películas conservan la misma calidad, tienen historia sólida y hey, hasta puedes verlas sin necesariamente haber visto las anteriores gracias a los pequeños resúmenes al principio de la película que te ponen al día. También tienen el mismo ritmo, pero la última parece trascender por su profundidad y por su mensaje político sin necesariamente ser una película política. "War" tuvo un tono oscuro, pero sobrecogedor con una cuota de esperanza que apuesta por la humanidad, pero una humanidad en los animales, una humanidad que los simios conservan y que les permite una supervivencia en medio de una guerra absurda alentada por el miedo.
Karma poético
Esta vez, César (Andy Serkis) no tiene que enfrentarse a Koba pero sí a las ideas de Koba cuando el Coronel mata a su esposa y a su hijo. El líder de los simios se deja consumir por su ira y decide vengarse del Coronel (Woody Harrelson) pero en su camino se cruza con una niña que no puede hablar y con "bad ape", el alivio cómico de la película.
El Coronel le explica más adelante a César que el virus que hace inteligente a los simios ha mutado y ahora está afectando a los humanos básicamente quitándoles el raciocinio y uno de los primeros síntomas es quedarse mudos. La frase “cada villano lleva consigo la triste historia de un hombre que quiso ser un héroe” encaja perfecto con la historia del Coronel ya que él cambió toda su ideología cuando sacrificó a su hijo porque el virus ya lo había consumido y había saltado a las personas que estaban cerca de su hijo. Desde entonces, el Coronel y su equipo matan a quienes muestran el primer síntoma del virus. En su retorcida lógica, el Coronel cree que está salvando a la raza humana y aunque es una lógica con la que no estoy de acuerdo, es una lógica que se entiende en ese contexto.
El Coronel es un extremista que tomó una drástica decisión y lo trágicamente glorioso es que esa decisión también les creó enemigos. El ejército del Coronel es el blanco de otro ejército que busca derrocarlos porque no está de acuerdo con sus métodos.
Antes de este encuentro, mientras César y su pequeño grupo se embarcan en la cacería del Coronel, el grupo de simios que se estaba dirigiendo a un lugar seguro es capturado por el Coronel quien los obliga a construir un muro para impedir el ataque del otro ejército. Entonces, César también es capturado y al ser colocado en una jaula, los simios en primera instancia están decepcionados de su líder porque lo responsabilizan de lo sucedido, y después César es obligado a trabajar en el muro que están construyendo pero poco a poco el liderazgo de César vuelve a aparecer aunque nunca deja de lado su plan original de matar al Coronel. Tengo
que admitir que cada vez que escuchaba "the wall" pensaba en Donald
Trump, no sé si es una alusión o un mensaje subliminal, pero no se logró
construir "the wall" y en realidad, tampoco es que hubiera servido de
mucho. Finalmente, los simios con ayuda del pequeño grupo que está
afuera y de la niña, logran escapar. Y todos tienen el chance de ser
finalmente libres, todos excepto César porque, obvio, aun quiere matar
al Coronel.
Pese a ser protagonizados por simios, está película apunta siempre a la naturaleza humana que está llena de matices e imperfecciones. El extremismo y el egoísmo que vemos en el Coronel es un rasgo oscuro pero es nato de cualquier ser, la ira y las ansias de venganza que vemos en César son también características muy humanas luego que te arrebatan violentamente a tu familia. Uno de los aspectos más fascinantes de "War of the Planet of The Apes" es que explora estas matices y nos lleva a una conclusión también muy humana; César no mata al Coronel aunque sea el mismo Coronel quien le pide que lo haga porque ha sido contagiado por el virus y ya no puede hablar. Es una de las escenas más intensas, el Coronel perdió su humanidad cuando perdió a su hijo del mismo modo en el que César también perdió la suya cuando el Coronel mató a su hijo y a su esposa, pero César recobró su humanidad gracias a su colonia, a la niña que rescató y al ver al Coronel en esa posición se dio cuenta que de disparar, la oscuridad lo absorberá por completo. Así que César se quita y el Coronel agarra el arma y se suicida para no sufrir.
Realmente una guerra-guerra no vimos, pero sí hay una gran secuencia de acción al final que es básicamente humanos vs. humanos y los simios solo quieren ser libres y ponerse a resguardo. Al final, los simios sobreviven la estúpida destrucción del enfrentamiento entre los ejércitos. Y un karma poético, una gran avalancha destruye al nuevo ejército mientras los simios se salvan subiendo a los árboles. El final es nostálgico pero perfecto, Cesar muere una vez que la colonia de simios ha llegado a un lugar seguro, muere observando a los simios disfrutar ese nuevo hogar.
Un aplauso para Wood y Andy
Woody Harrison es uno de esos actores que tiene un amplio rango actoral, puede hacer drama, comedia y puede ser terrorífico también. Lo que hace memorable al Coronel no son sus crueles acciones sino su retorcida lógica y su final karmático. Por su parte, Andy Serkis es de esos actores que transmite tanto con una sola mirada que podemos reconocer incluso debajo de los efectos especiales utilizados para construir a sus personajes.
Recapitular "Orphan Black" es todo un reto. Supongo que la explicación más sencilla para la serie es que se trata de un grupo de clones que lucha por su libertad. Durante sus cinco temporadas hemos tenido una historia demasiado enredada, llena de conspiraciones, de aventuras y de “una ciencia loca”. La última temporada de "Orphan Black" fue satisfactoria en todos los sentidos; no pecó en el fanservice y tampoco estuvo a un paso de ser una tragedia griega, sobre todo en una temporada donde se bajaron a varios (muchos de ellos ni si quiera me caían pero igual sufrí), pero lo más impresionante de "Orphan Black" no es su complicada historia, sino su protagonista; Tatiana Maslany.
Las muchas vidas de Tatiana Maslanay
Desde un punto de vista técnico, grabar una serie como Orphan Black es un desafío único gracias a los efectos especiales que se aprecian en su totalidad cuando vemos a las clones interactuar en una misma escena. Rápidamente pasamos del asombro audiovisual a la proeza actoral cuando nos damos cuenta que Tatiana Maslany le ha dado vida a todos los clones, lo que quiere decir que al momento de grabar, Maslany ha tenido que intercalar los personajes y memorizar la misma escena desde dos o más perspectivas. A esto hay que sumar que los clones no son diferentes versiones de un mismo personaje, son personalidades independientes con una esencia particular completamente distintas entre sí.
La magia de Maslany con cada uno de los personajes que ha interpretado es que logra poner algo único en cada una de ellas y nosotros podemos notar la diferencia más allá de las pelucas y los vestuarios.
Gracias a la existencia de los diferentes clones que hemos tenidos, además, hemos podido apreciar los rangos dramáticos y cómicos que nacen de Maslany, lo que ha significado un trabajo meticuloso considerando el cuidado que ha habido en cada detalle, por ejemplo, los acentos, Helena tiene un acento ucraniano muy marcado mientras que Sarah y Alison tienen hablan un inglés canadiense, Cosima, uno estadounidense y Camila Torres habla español. Y como el sundae del gran performance de Maslany, en el curso de la serie hemos visto a Maslany como Sarah Maning, Cosima Niehaus, Alison Hendrix, Helena, Rachel Duncan, pero también hemos visto a Sarah pretender ser Rachel y Alison, a Cosima pretender ser Alison, a Helena pretender ser Sarah... Además, también le ha dado vida a otros clones como Krystal, Tony, Jennifer Fitzsimmons, Vera, Katja, Mika... etc, etc, etc... Paradógicamente, Maslany logró adueñarse de su primer Emmy gracias a Beth, cuyo suicidio en pantalla es el principio de una complicada historia. La verdad es que no siempre quien gana un Emmy o un Oscar es porque sea el mejor, a veces existen otro tipo de factores, pero en este caso, cuando se tiene en cuenta el esfuerzo físico y emocional que Maslany logra impregnar en Orphan Black, entonces, la actriz merece una medalla de reconocimiento y para muchos, el hecho de que ganara el Emmy era el reconocimiento público del extraordinario talento de Maslany porque lo cierto es que jamás en la historia hemos visto a una misma actriz haciendo de tantos personajes en una misma serie.
Así que cuando cuando Tatiana Maslany agradece al elenco después de ganar el Emmy lo hace de forma sutil porque ella es la mitad del elenco en pantalla.
El episodio final "The Right the Wrongs of Many" es un buen ejemplo de "cómo concluir una serie y no fracasar en el intento", pues, el club de Clones encabezado por Sarah logró matar a los malos y los buenos y los clones, disfrutamos de una melancólica conclusión feliz con la posibilidad de una película en un futuro. Los productores de "Orphan Black", John Fawcett y Graeme Manson, han revelado que les encanta la idea de hacer una película sobre la serie y considerando como terminó la serie, con Cosima y Delphine localizando al resto de las clones de la lista del proyecto Leda, ese podría ser un buen punto de partida para explicar ese mundo, pero bueno, solo el tiempo dirá si es que un proyecto así se llega a concretar.
Mientras tanto, cualquiera que sea el futuro de Maslany tras el fin de "Orphan Black" será interesante verla interpretar a un solo personaje en la pantalla grande con Jake Gyllenhall en “Stronger”. Mentira. De hecho, esta película es un drama fuerte que sigue la vida de un sobreviviente del atentado de Boston. De todas formas, Orphan Black nos ha mostrado lo que el talento de Maslany es capaz de ofrecer y por lo visto, es mucho.
Iba a esperar que se emita toda la tercera temporada del "Ministerio del Tiempo", pero como la primera parte no ha satisfecho mis expectativas, necesito liberarme de estas ideas. Creo que el principal problema de "El Ministerio del Tiempo" es el hecho de que se haya convertido en un fenómeno y sin querer, esa presión les ha afectado pues, además de la serie, también se están ocupando en hacer dinero con el merchandisings, hay libros, cómics y juegos de la serie que pueden considerarse canon. No me malinterpreten, "El Ministerio del Tiempo" merece todos los premios que pueda ganar, merece toda la atención que puede tener porque ha apostado por hacer de la cultura general un producto de entretenimiento, pero ahora su popularidad lo ha llevado a un nuevo nivel, El Ministerio del Tiempo tiene una adaptación (legal) en Portugal, y según tengo entendido los productores de la serie asistieron en la creación de esta versión y también tiene una adaptación no oficial -por no decir una copia - con "Timeless". De hecho, los creadores de la serie, los hermanos Olivares, y la productora Onza Entertainment demandaron a Sony por plagio, eventualmente llegaron a un acuerdo, todo esto más el interés de Netflix quizás explica porque la tercera temporada se siente tan inconsistente.
Y justo cuando pensábamos que el drama de la expansión internacional y los coqueteos con Netfix sería suficiente, cuando empezaba las grabaciones de la tercera temporada se dio a conocer la abrupta salida de Rodolfo Sancho. Muchos dirán que era predecible porque en su segunda temporada, el Ministerio del Tiempo añadió a Hugo Silva como Pacino porque Sancho no podía grabar por otros compromisos. Para mala suerte de Sancho, Silva se adueñó del show ya que le agregó ese elemento pícaro y sexy que le faltaba a la serie -una jugada parecida hizo "Legends of Tomorrow" con la inclusión de Nick Zano -. El regreso de Sancho en los últimos episodios de la segunda temporada significo el retiro temporal de Pacino, de modo que la salida permanente de Sancho significaría el regreso permanente de Pacino. Aunque es cruel, la muerte de Julian sirvió como excusa perfecta para la recomposición de la patrulla con Amelia, Pacino y Alonso, una dinámica que hizo de la segunda temporada la mejor de la serie.
Sorry, bro
La segunda entrega terminó en una nota alta con posibilidades infinitas, entonces, el gran reto de esta nueva entrega era seguir seduciendo a sus admiradores, seguir innovando combinando y perfeccionando su estilo meta y bizarro. En este sentido, la introducción de una joven Lola más que intrigarnos nos confundió pese a que estamos en una serie de viajes en el tiempo. Si necesitas una explicación semisatisfactoria mi teoría es que estamos en una nueva línea del tiempo luego del final de la segunda temporada. Sin embargo, así como sucedió con Pacino, el hecho que la joven Lola entre al equipo significa que alguien tenía que salir y esa fue Amelia (Aura Garrido). Y si bien se ha dejado la puerta abierta para el regreso de Amelia, su ausencia deja una hueco enorme sobre todo porque no se avanzó en su historia con Julián o con el mismo Pacino ni tampoco se resolvió el misterio de su extraña relación con Lola.
Además, toda la temporada han rodeado rumores sobre su posible embarazo (¿?)
Para mí, la primera parte de la tercera temporada peca un poco de soberbia, quiere poner personajes históricos llamativos pero se olvida de lo importante. De los 6 episodios emitidos, 3 de ellos han estado bien flojos, especialmente el de Becker, y 3 de ellos espectaculares. Si bien es genial buscar los ester eggs y los datos históricos de cada capítulo, en los tres episodios menos chéveres, por así decirlo, el problema ha radicado en que se ha priorizado esos datos históricos y los personajes históricos en lugar de acoplarlos el trama principal. La razón por la que el episodio “Con el tiempo en los talones” es épico es porque a través de la historia de Pacino se homenajea el estilo de Hitchcock. Mientras que en “Tiempos de Ilustrados” y “Tiempo de esplendor” tuvimos subplots con Simón Bolivar y otro con Cervantes y Lope de Vega peleándose por conocer a Shakeaspeare, respectivamente, pero en la historia más se sintió como un fanservice y en cierto punto no aportó mucho más que la simple emoción de ver a estos personajes. Pero esto tiene una explicación, cada episodio dura una hora y 10 minutos, así que tienen tiempo de sobra para poner todo lo que quieren, aunque a veces, ni si quiera los cameos y los subplot hacen que los episodios se sientan menos largos.
Recordemos que el corazón de la serie es la patrulla y sucede que los mejores episodios han estado centrado en Pacino, Amelia y Lola, respectivamente, y esto es porque no solo estamos viendo buenos cameos de personajes históricos, tenemos la carnecita del trama personal de cada uno de ellos. El mid season finale fue “Tiempo de esclavos” y ha sido la despedida (con suerte temporal) de Amelia revelándonos momentos vitales de su pasado. Amelia es quien es gracias a su tío y es entendible que tras la traición de su tío, necesite dejar el ministerio. ¿Pero la serie puede funcionar sin Amelia?
La serie sobrevivió y mejoró bastante sin Julián, pero la salida de Amelia Folch tiene consecuencias mucho más profundas porque se trata de una de las favoritas del grupo y es la lideresa de la patrulla. En esta nueva etapa sin Amelia, es obvio que Lola será parte de la patrulla pero Lola no es un reemplazo de Amelia. Nadie podrá reemplazar a Amelia, no obstante, sí tendremos una nueva dinámica, aunque se sienta demasiado pronto porque la dinámica de la segunda temporada también tuvimos una nueva dinámica que funcionó casi a la perfección. La segunda parte de la tercera temporada tiene el reto de mostrarse fresca pero aun conservando su esencia.
La crisis de la sobre expectativa
Uno de los mayores problemas para el equipo creativo para cualquier serie son las expectativas a rededor de sus proyectos. Dan Harmon y Justin Roiland reconocieron que la tercera temporada de "Rick and Morty" tomó mucho tiempo en producción porque ellos mismos se presionaron demasiado para tener buenos episodios hasta que se dieron cuenta que no necesitaban cargar todo ese peso sobre sus hombros, solo tenían que seguir con su propia visión y los resultados muestran que esa esa la decisión correcta. La tercera temporada de "Rick and Morty" ha sido gloriosa. Volviendo al ministerio, esta temporada, la serie ha presentado un misterioso grupo que sí representa una amenaza real para el propio ministerio y para toda la historia. De modo que este arco podría convertirse en el motor para nuevas aventuras y locuras. De hecho, el teaser de la segunda parte de la temporada está lleno de momentos WTF así que solo podemos esperar que la temporada en una mirada general este al mismo nivel en calidad que en popularidad.
Mientras que "The Man in the High Castle" nos ofrece una visión de la peor línea de tiempo que hubiera podido suceder si es que los Nazis ganaban la Segunda Guerra Mundial, "The Handmaid's Tale" nos regala una pesadilla que aunque es ficción, podría suceder en cualquier lugar del mundo (si es que ya no lo está haciendo). Esta serie de Hulu adapta la novela de Margaret Atwood cuya premisa se centra en un futuro no muy lejano donde un grupo extremista religioso llega al poder y priva a las mujeres de cualquier tipo de derecho hasta el punto que el único rol que ejercen en la sociedad es el de procrear.
Una serie sensorial
Ver "The Handmaid's Tale" es una experiencia angustiosa, indignante e incómoda por el mundo donde se desarrolla, pero es satisfactoria en el plano actoral y audiovisual. La cinematografía de la serie es siniestramente hermosa. Al igual que en "Legion" y "The Man in the High Castle", los colores adquieren una relevancia mayor dentro de la historia, el rojo de los uniformes de las criadas representan fertilidad, las señoras de una posición más alta utilizan un vestido de color azul verdoso que trata de evocar la figura de la Virgen María y también se utiliza mucho el blanco, por medio de la iluminación, para transmitir la pureza que esta sociedad pretende imponer. El tono parco de la fotografía hace que determinados colores resalten a la vista, esto en combinación con el uso de close up en escenas claves, llevan a la serie a un nuevo nivel sensorial, es decir, ya no solo estamos presenciando algún evento o secuencia, ahora lo sentimos. Para reforzar esta idea, la producción ha escogido canciones populares que evocan emociones y que colocadas en ciertas escenas elevan las expectativas y la ansiedad de lo que va a suceder después.
La narrativa se desarrolla con un ritmo pausado enfocándose más en el pasado y en el presente a modo de contraste. Los flashbacks son utilizados de tres maneras; tenemos un episodio completo que nos cuenta la historia del Luke Bankole (O.T, Fagbenle), el esposo de June, y su travesía a Canadá luego de separarse de June y Hannah cuando intentaban escaparse del país, también tenemos constantes flashbacks que sirven para revelarnos la historia de los personajes principales junto al contexto en el que Los Hijos de Jacob tomaron el poder, pero los flashbacks más distintivos son los que se sienten como recuerdos reales los cuales son interrumpidos abruptamente para continuar una escena. Pese a solo contar con 10 episodios, la historia avanza a cuenta gotas pero para el final de la primera temporada ya conocemos el gran parte del pasado de los personajes más importantes.
El 1x07 "The Other Side" junto al 1x03 "Late" son los mejores episodios de la serie.
Con una historia tan siniestra, los actores se aprovechan de su material para lucirse en su drama. Yvonne Strahovski y Joseph Fiennes más están espeluznantes como el matrimonio Waterford. La popular "Sara" de Chuck es la antagonista principal que por momentos intenta sentirse "humana" pero que por dentro está llena de envidia y resentimiento por todos y por todo. En su caso, el dicho "el infierno está lleno de buenas intensiones" cae como anillo al dedo ya que fue la propia Serena Joy la que dio la idea para la solucionar la crisis de infertilidad, pero esa idea fue distorsionada por su propio marido y terminó siendo utilizada como excusa para reducir cada vez más los derechos de las mujeres, incluyéndola a ella misma. Por su lado, a Ann Dowd parece gozar con personajes perturbadores pues tras darle vida a la torturadora de espiritual de Kevin Garey, Patty, ahora hace de la Tía Lydia, la cruel guardiana y guía espiritual de las criadas. Sin duda, Elisabeth Moss como Offred/June es el cargamontón emocional que nos lleva de la mano para transmitirnos su impotencia y sufrimiento ante su nueva realidad como una criada mientras trata de albergar una mínima esperanza. Por supuesto, la "Emily/OfGlen" de Alexis Bledel merece una mención aparte porque es un todo un reto para un actor ser capaz de transmitir tanto usando solo sus ojos. Del mismo modo, pese al panorama pesimista, Samira Wiley nos logra transmitir un optimismo realista con Moira, quien en dos oportunidades logró escaparse de este infierno. De hecho, ella es la "mínima esperanza" que más celebramos en la primera temporada, especialmente al final cuando logró llegar a Canadá para ponerse a salvo y reencontrarse con Luke.
Terminamos la temporada con una June embarazada siendo traslada a un lugar desconocido. Ella está embarazada, pero el hijo no es del comandante sino del chofer Nick que a su vez es un informante del "Ojo". Antes de que esto sucediera, una reflexión de Offred nos advierte lo que podría está por venir "Es su propia culpa, nunca debieron darnos uniformes si es que no queríamos que seamos un ejercito"
'it's there own fault they should never of given us uniforms if they never wanted us to be an army. ¿Acaso presenciamos el momento en el que se inició una rebelión o una suerte de resistencia para luchar contra el sistema? Solo el tiempo lo dirá y parece que esta serie tiene cuerda para rato; la crítica se ha rendidos a sus pies y la serie está nominada al Emmy en varias categorías. Además, a penas se estrenó y Hulu la renovó para una segunda temporada.
¿Cuál es la agenda de "The Handmaind’s Tale"?
Pese a que la serie está siendo catalogada como una de las más relevantes en esta convulsionada "Era Trump", el proyecto no nació porque Donald Trump fue elegido presidente de los Estados Unidos, sin embargo, de "The Handmaid's Tale" se siente increíblemente realista porque aprovechándose de una crisis mundial, como la tasa de natalidad en la serie, un grupo de extrema derecha logró alcanzar el poder y concretar su agenda antiaborto imponiendo su religión, sus propias reglas y sus brutales castigos para quienes luchen contra esta sociedad autoritaria. En este peor escenario, las mujeres se ven afectadas en sus derechos y en sus propias libertades, pues, Los hijos de Jacob las someten a un lavado de cerebro para que aprendan sus nuevas funciones como criadas y castigan a las "traidores del género" mutilandolas y matándolas en el peor de los casos.
Pero lo más inquietante es que este grupo instauró la Ley Marcial con el pretexto de luchar contra el terrorismo... otro argumento demasiado familiar en esta época. En ese sentido, los monólogos mentales de June más que reflexiones parecen advertencia.
“That’s how we let it happen. When they slaughtered Congress, we didn’t wake up. When they blamed terrorists and suspended the Constitution, we didn’t wake up then either. They said it would be temporary. Nothing changes instantaneously. In a gradually heating bathtub, you’d be boiled to death before you knew it.”
Lo cierto es que del mismo modo que "The man in the high Castle" hace que apreciemos la democracia, pese a sus imperfecciones, "The Handmaind's Tale" más que una propaganda feminista (que no lo es) se siente como una pesadilla que podría hacerse realidad en cualquier momento.
