El curioso caso de #Timeless: Una demanda, dos resurrecciones y un especial

 El drama de “Timeless” fue tan interesante dentro como fuera de la pantalla. La serie de la NBC fue cancelada y revivida en dos oportunidades y además, enfrentó una demanda de plagio por parte de la productora del Ministerio del Tiempo. 

"Timeless"

 Timeless: La versión americana no oficial de El Ministerio del Tiempo 

 En el 2017,  Onza Partners demandó a NBC, Sony y los cocreadores de la serie, Eric Kripke y Shawn Ryan, por plagio por las evidentes similitudes entre "Timeless" y la serie española "El Ministerio del tiempo". La defensa de la NBC y de Sony es que viajar por un tiempo es un genero establecido y que los parecidos entre las series eran genéricas. Las dos producciones tienen como premisa que un grupo de tres personas trabajan para una organización que viaja en el tiempo para preservar la historia. En la serie española, hay un ministerio secreto por el cual se puede viajar en el tiempo, mientras que en "Timeless" hay una máquina creada por una compañía privada asociada con el gobierno. Sin embargo, los personajes principales de "Timeless" son en cierta medida una calca de los del Ministerio del tiempo. Esto ya lo he dicho en un post anterior, pero lo pondré de nuevo. Lucy (Abigail Spencer) es la “Amelia” (Aura Garrido) del equipo. En el ministerio del Tiempo, Amelia es reclutada por el Ministerio del tiempo por ser una de las primeras mujeres en acudir a la universidad Barcelona y en "Timeless",  Lucy es reclutada por la agente especial Denise Christopher (Sakina Jaffrey) por sus amplios conocimientos como una profesora de historia. Tanto Lucy y Amelia son el cerebro del equipo. La primera misión de la patrulla es detener a Lola, una ex agente del Ministerio. Ella parece tener una conexión inexplicable con Amelia. En el primer episodio de timless, García Flynn (Goran Višnjić) es introducido como el nemesis principal del grupo pero que comparte una conexión fuerte con Lucy. Por su lado, Wyatt (Matt Lanter) es como la fusión de Julián (Rodolfo Sancho) y Alonso (Nacho Fresneda). La historia principal de Julian en el Ministerio del Tiempo era su lucha constante de sus ganas de cambiar el pasado para salvar a su esposa quien murió en un accidente de tránsito. El arco de la primera temporada de Wyatt es exactamente igual, excepto que en lugar de un accidente de tránsito, la esposa de Wyatt, Jessica, fue asesinada. Traumado por ese evento, Wyatt busca un modo utilizar los viajes en el tiempo para salvar a Jessica. Wyatt también tiene las características de Alonso que fue reclutado por ser el soldado perfecto. Debido a su experiencia en la Delta Force, Wyatt es un soldado especializado en combate y manejo de armas. Al igual que "El Ministerio del Tiempo", "Timeless" se nutre la de la historia real e incorpora a personajes históricos en sus episodio. En ese sentido, las dos series culturizan a través del entretenimiento. Si uno es fan del "Ministero del Tiempo" es fácil creer que "Timeless" es un copia no oficial y más teniendo en cuenta la demanda de por medio entre las productoras. El litigio legal entre Onza Parntners y la NBC y Sony terminó con un acuerdo entre ambas partes, un pacto que parece admitir que sí, “Timeless” por lo menos se “inspiró” en “El Ministerio del Tiempo”. 

Defensa legal de la NBC y Sony

 El tiempo de resurrección 

 Se dice que la NBC decidió cancelar "Timeless" tras su primera temporada debido a su baja audiencia. La decisión fue criticada por sus fieles seguidores por medio de sus cuentas sociales. Incluso la actriz de "Cazafantasmas", Leslie Jones, una gran fanática de la serie, se unió a la campaña Renueva a Timeless (#RenewTimeless). No obstante, la historia de la primera cancelación radica principalmente en los costos de la producción de la serie más que en su rating. "Timeless" era una coproducción de Sony y de Universal, que pertenece a la NBC. Según dio a conocer el portal Deadline, NBC luchó por obtener una parte del recorrido internacional de la serie y también negocio una rebaja del precio por capítulo en una posible segunda temporada antes de decidir cancelarla. Pero esas negociaciones se especula que no tuvieron un final feliz, aunque sí se llegó a un acuerdo. Si bien es muy probable que NBC decidiera renovarla debido a un asunto de intereses entre productoras, la cadena aseguró que la descancelación se debía a los fans.

Leslie Jones en Twitter dijo que iba a marchar desnuda enfrente de las oficinas de la NBC si no renovaban "Timeless"

 Sin embargo, "Timeless" fue nuevamente cancelada en su segunda temporada justo cuando había dejado un enorme cliffhanger. Otra vez se inició una campaña fuerte para revivir la serie y los productores comenzaron a conversar sobre un especial de dos horas que cerraría toda la historia. El episodio especial y final de "Timeless" lleva como titulo “Un milagro de navidad” y fue emitido el 20 de diciembre del 2018 como un regalo navideño para los fans. Pese al entusiasmo de la doble resurrección, NBC volvió a cancelar a "Timeless", esta vez de manera definitiva. 

 Tiempo de cerrar el círculo 

El último capítulo no solo cierra toda la historia de manera satisfactoria sino que lo hace de una forma coherente y deja abierto un camino por si "Timeless" decide regresar algún día. En el especial de dos horas, Lucy y Waytt de un futuro distópico le dan el diario de Lucy a Lucy y Wyat del presente para salvar a Ruffus (Malcolm Barrett). Para restaurar la línea del tiempo donde Rufus sigue vivo, Wyatt deduce que Jessica necesita ser removida de la ecuación pues su misteriosa resurrección es el factor que altera la historia. Pero Wyatt jamás podría matar a Jessica por sí solo. Por eso Flynn viaja al pasado y mata a Jessica. Los dos se enfrentan y él termina mortalmente herido. Ese sacrificio es el inicio de la relación de Lucy y Wyatt. 

En la secuencia final de la serie ya es el año 2023, Lucy y Wyatt tienen dos hijas y la última misión de Lucy es viajar al pasado para darle a Flynn su diario, lo que desencadena todos los eventos del primer episodio. De modo que en realidad Flynn no era el malo de la historia, sino un héroe incomprendido. Y resulta que "Timeless" ha sido un bucle que Lucy ha cerrado con éxito. 

 ¿Por qué Lucy no salva a su hermana? 

 En el primer episodio Lucy tiene una hermana llamada Amy que desaparece del presente como consecuencia de la alteración del pasado en la primera misión del grupo. Amy es la razón por la cual Lucy decide unirse volver líder del equipo ya que su objetivo principal es encontrar un modo para salvar a su hermana, pero en el capítulo final, Emma le ofrece el chance de recuperar a su hermana y Lucy decide no aceptarlo. 

 Todos en "Timeless" tuvieron un arco de redención en su última temporada. Todos sufrieron de una u otra forma en carne propia algún tipo de pérdida que se podía enmendar alterando el pasado pero siempre había un precio que pagar. El mayor ejemplo es Rufus, salvarlo significó el sacrificio de Flynn y Jessica, pero incluso antes, Jiwa había decidido sacrificar su propio presente y vivir en el pasado para evitar su muerte. Entonces, tiene sentido que después de salvar a Rufus, Lucy finalmente aceptó que no podría recuperar a su hermana jamás aunque lo quisiera. Tras presenciar las experiencias de los demás, Lucy encuentra un modo de aceptar la desaparición de su hermana. En la secuencia final de la serie, las hijas que tiene con Wyatt llevan el nombre de Amy y Flynn honorando el sacrificio de los dos lo que le permitió tener un excelente brillante futuro.

Las historias de viajes en el tiempo poseen en su propia premisa un potencial increíble. Series como "El Ministerio del Tiempo" y "Timeless" aprovechan ese potencial al máximo por medio de sus historias combinadas con la historia real mundial.  La doble resurrección de "Timeless" les dio el chance de construir su propio final.

Top 5 de los cortos de "#LoveDeathRobots: Larga vida a los experimentos de Netflix

Hubo una época en que se decía que Netflix daba luz verde a cualquier proyecto que le presentaban. Por supuesto, no todas las ideas valen la pena pero cuando David Fincher y Tim Miller te propone hacer una serie antológica animada de ciencia ficción… simplemente hay que decir que sí, más cuando el resultado son 18 cortos que oscilan entre la brillantez, lo bizarro y lo banal. “Love Death & Robots” es un proyecto ambicioso y transgresor que no hubiera tenido un chance en la television regular, pero que encaja a la perfección con los nuevos experimentos que Netflix está dispuesto a ofrecer . Aquí mi top 5 de los mejores episodios: 

 5.- “Shape-Shifters” 

La historia está centrada en dos “cambia formas” que forman parte de la marina Americana en medio de un conflicto en el Medio Oriente. Pese a que son soldados, probablemente los mejores gracias a sus habilidades sobrenaturales, son discriminados y mirados con cierto recelo por sus compañeros y superiores. La estética del episodio hace que se sienta más como una antesala de un videojuego aunque intenta tener cierta profundidad al ser un paralelo de los "cambia formas" y los migrantes sirviendo a la fuerza por el amor que le tiene al país más que a las personas, sin embargo, el final se confirma que los prejuicios que los demás tenían de la criatura salvaje estaban en lo correcto. 

 4.- “When the yogurt took over” 

El episodio responde la pregunta inexistente de lo que hubiera pasado si el Yogurt desarrollara una inteligencia superior a la humana. Se trata de una premisa absurda y desconcertante pero que retrata a la perfección la idiosincrasia humana ante un ser omnipotente. Primero, las personas no confían en el Yogurt porque presenta la solución a los problemas y después, cuando el Yogurt toma el poder, las personas dependen por completo de él. La historia avanza tan rápidamente que cuando comenzamos a preguntarnos qué está pasando nos quedamos tan desconcertados como los humanos viendo despegar al Yogurt. 

 3.- “Ice Age” 

El único episodio que es live-acción de la antología y sigue a una pareja que descubre que en su refrigerador vive una micro-civilización. Nosotros, junto a la pareja, vemos todos los periodos de tiempo a los que la humanidad está condenada a repetir una y otra vez, en este caso, toda la evolución y destrucción dura un día para recomenzar de nuevo al día siguiente. 

 2.- “Three Robots” 

Se trata de uno de los episodios más disfrutables de toda la antología y hasta, en cierta forma, es uno de los más cómicos. El corto sigue a tres robots en una especie de tour de los últimos pasos de la humanidad. La conversación de los robots es ingeniosa y graciosa, pero sobre todo está llena de curiosidad sobre el comportamiento humano y especialmente nuestra autodestrucción así como nuestra obsesión con los gatos. Hay un giro tipo “Black Mirror”, oscuro y genial, que hace que cierra con grandeza todo el periplo de los robots. 

 1.- “Alternate Histories” 

 La pregunta de “¿Qué hubiera sucedido si Hitler hubiera____?” es increíblemente popular. En este caso, como su titulo lo adelanta, “Alternate Histories” presenta una manera peculiar e hilarante de responder esta pregunta completándola con premisas absurdas. Son cinco o seis lineas de tiempo, una más delirante que la otra, decoradas con su estilo minimalista como si fuera una aplicación que cualquiera pudiera chequear por curiosidad y de hecho, deja la incertidumbre de saber qué otras historias podría revelar. 

La polémica: ¿Nosotros somos el experimento? 

En su cuenta social de Twitter, Lukas Thomas deslizó la teoría que el orden de los capítulos cambia dependiendo de la preferencia sexual de quien lo vea. Si eres parte de la comunidad LGBT, el primer episodio que vas a ver es “Sonnie's edge” cuya trama involucra una relación lésbica, y si eres heterosexual, el corto “Beyond the Aquila Rift” comienza el nuevo orden de cortos. ¿Podría ser posible que el algoritmo de Netflix hace que nos conozca más que nosotros mismos? Bueno, la respuesta es sí y no a la vez. 

"Beyond the Aquila Rift"

“Sonnie's edge”

La plataforma streaming nos "conoce" por lo que consumimos y por eso nos recomienda series y películas con determinadas características que sabe que nos llamará la atención. Así que sí, de que Netflix nos conoce es verdad, pero no, el algoritmo de Netflix no tiene nada que ver con el orden de los cortos de esta antología. Una vez que la teoría de Thomas se hizo viral, Netflix explicó que el orden de los episodios de “Love Death & Robots” varían de forma aleatorea en los usuarios y es que al ser una producción única querían darle un plus, pero el que episodio veas primero no tiene nada ver con el género, origen étnico o identidad sexual… es más bien una prueba deliberada de la plataforma o mejor dicho un experimento aunque no sabremos nosotros, los conejillos de indias, por qué o para qué.

#CaptainMarvel: La "Rogue One" de Marvel

Marvel escogió el Día Internacional de las Mujeres para estrenar su primera producción con un protagónico femenino, luego de 20 películas de héroes. “Captain Marvel” dirigido por Anna Boden y Ryan Fleck llegó a la pantalla grande y al igual de todas las cintas del MCU es un gran éxito en taquilla, y sin embargo, en un extraño giro sufre de los mismos problemas que las precuelas de “Star wars”. 

 En muchas formas “Captain Marvel” representa la nueva fase a la que entra Marvel tras “Avengers: Infinity War” dejando atrás su clásica fórmula de presentar historias de orígenes. Esta etapa ya no va a intentar introducir más héroes sino más bien va a juntarlos y a jugar con nuevas dinámicas. La tendencia comenzó con “Spiderman: Homecoming” con Tony Stark (Robert Downey Jr) como el mentor de Peter Parker (Tom Holland) y después Thor (Chris Hemsworth) tuvo como compañero de aventura a Bruce Banner (Mark Ruffalo) /Hulk en “Thor Ragnarok”. En el caso de “Captain Marvel”, lo que sostiene la película es la química entre Brie Larson y Samuel L. Jackson. No tengo ninguna crítica sobre este dúo. De hecho, la complicidad de los dos le da aires de “película buddy cop” a “Captain Marvel” y como se trata de uno de los géneros más populares en los noventas, década en la que se desarrolla la cinta, se siente más que apropiado.

 Los efectos especiales que se usaron para rejuvenecer a Samuel L. Jackson siguen siendo bizarros pero el carisma del actor lo compensa todo.

Aunque me haya gustado mucho “Captain Marvel” siento que por cada punto bueno que podemos encontrar también hay un contrapunto. Pese a que no se haya seguido la fórmula mágica de Marvel de presentar al protagonista que se vuelve un héroe confrontando obstáculos y aprendiendo a lidiar con sus nuevas habilidades, sí tenemos una historia de origen a modo de flashback, pero exactamente esta nueva estructura carece de contenido emocional porque no hemos vivido los momentos importantes solo los hemos visto brevemente. Un punto a favor es que, en lugar de tener un interés romántico para Carol, la película presenta una familia “no tradicional” compuesta por la amiga de Carol, Maria Rambeau (Lashana Lynch), y su hija Monica. Esta es la mejor decisión que pudo tomar Marvel porque recordemos que cuenta con un mal historial al momento de tener personajes femeninos, la mayoría de ellas son intereses amorosos de sus héroes, y la única mujer en “Los Vengadores”, Black Widow, pasó de una espía mortal a una damisela en peligro en “Age of Ultron” en un intento catastrófico de darle un romance con Bruce Banner. Que una película de héroes no presente un interés amoroso para un héroe no es nuevo, pero en el caso de “Captain Marvel” fue algo refrescante.

"Captain Marvel" también tiene una onda "Top Gun"

Pese a que “Captain Marvel” no sigue los patrones establecidos por el MCU tampoco acuña un estilo propio. Apela a la nostalgia noventenera y tiene giros interesantes, como la historia de los Skrulls que termina siendo un paralelo interesante a la tragedia de los refugiados. Tiene uno de los mejores soundtracks, inclusive está a la par de los volúmenes 1 y 2 de “Guardians of the Galaxy”, pero a los 30 segundos de escuchar el intro, la canción se corta o no aportan a la secuencia. Teniendo en cuenta que las escenas de acción son bastantes pobres, estando bien decoradas con el fondo no hubiera sido tan evidente. A esto hay que sumarle que a la película le falta un momento icónico como el de “No man’s Land” en “Wonder Woman” de Patty Jenkins y fácil hubiera habido un momento “Come as you are” solo si la canción hubiera durado toda la secuencia desde que Carol se enfrenta a la Suprema y luego a los Kree. “Come as you are” de Nirvana es el himno de “Captain Marvel” como “Immigrant” de Led Zeppelin es el de Thor. La canción de la banda más emblemática de los 90's también habla de la identidad, de la percepción de otros y de uno mismo. “Ven como eres, como eras, como quieres ser, como una amiga, como un viejo enemigo”. 

 Creo que la mayoría va a comparar “Captain Marvel” con “Wonder Woman”, pero a mí me parece que vale la pena compararlo con las precuelas de “Star Wars”. La trilogía de precuelas de “Star Wars” explica todo más de lo necesario y no mejora la trilogía original como lo hace “Rogue one”. Es más, destruye el mito de Darth Vader al verlo llorar a cada rato cuando era Anakin. Algo similar  me ocurrió viendo “Captain Marvel”, pero con Nick Fury. Sí, es gracioso verlo joven y como el sidekick medio tonto de Danvers, pero vamos, ese no es el Nick Fury que conocemos, el jefe de Shield, el que se pone de tú a tú con el Cap y el que entrenó a Black Widow. Entiendo que lo hayan querido humanizar, pero al hacerlo se sacrifica un poco la imagen del imponente Nick Fury y le han dado un rol bastante anti Samuel L. Jackson a Samuel L. Jackson. Y creo que era mejor dejar el misterio de cómo perdió su ojo que mostrarlo. De todas maneras, siento que en retrospectiva "Captain Marvel" es la "Rogue One" de Marvel.  “Rogue One” arregló los vacíos en el episodio 4 al explicar por qué la Estrella de Muerte pudo destruirse tan fácilmente y por su lado, "Captain Marvel" es en realidad es el punto de origen de la "Iniciativa los Vengadores" magnificando el nivel de importancia del personaje y del filme. Al ver de nuevo las películas en orden, con o sin "Captain Marvel", las líneas de Nick Fury adquieren otro significado porque provienen de la experiencia de haber tenido un contacto con Danvers y con los Skrulls.

 La conexión de “Captain Marvel” y “Star Wars” también incluye a Ben Mendelsohn que ha participado en ambas producciones 

 Si hay algo que no se puede criticar es que la elección de Brie Larson como Carol Danvers. La actriz ganadora del Oscar es también un icono feminista y en las entrevistas se nota su entusiasmo y el compromiso por el rol, especialmente, por lo que significa fuera de las pantallas; una nueva heroína en el que las niñas pueden verse reflejada. No obstante, aunque la película resalta la fortaleza de las mujeres en un mundo de hombres y de extraterrestres quien estaba un manifestó feminista de Marvel realmente no conoce a Marvel. Luego de 20 películas, “Captain Marvel” intentó una estructura diferente, pero sigue conservando esa comedia especial, sigue combinando géneros, sigue siendo Marvel, no será revolucionadora, pero ha cumplido con la misión principal, conocemos a Carol Danvers, nos encanta y queremos verla interactuar y reaccionar frente a Thor y los demás, pero sobre todo queremos verla patearle el trasero a Thanos.

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#Onedayatatime: Why, #Netflix, Why!

Netflix canceló “One Day At a Time” tras tres temporadas. La razón detrás de esta “difícil” decisión” – según el comunicado que emitieron- es su baja audiencia, esto pese a que la misma plataforma streaming no publica estos datos. Se ha reportado que Sony intentará venderla a otras cadenas pero Netflix conservará todos sus capítulos en su catálogo lo que dificultará que se pueda concretar un posible negocio. 

Representación gráfica de Netflix argumentando que la cancelación de "One day at a time" es por la baja audiencia pese a que no difunden los datos de su audiencia.

 “One Day at a time” es un remake de un clásico de 1975 que trataba sobre una madre soltera criando a sus hijos, pero en esta oportunidad, la madre soltera es una orgullosa latina y veterana que sufre estrés postraumático y que “día a día” lucha por su familia. Durante su corta vida, solo tres temporadas, los guionistas tuvieron el ingenio de insertar temas sociales, políticos y culturales en sus historias y también encontraron un modo positivo de abordar la depresión, la ansiedad, la homosexualidad, las adicciones y los traumas con los que muchos soldados regresan a su país. De la tercera temporada puedo resaltar el episodio “Anxiety” (Ansiedad) porque me ayudó en un nivel personal a controlar mi propia ansiedad al ver las técnicas que Penelope (Justina Machado) usaba para lidiar con su ataque de ansiedad. A mi mamá, a quien convencí de ver la serie, le encanta Penélope y su fortaleza para criar a sus hijos. El último capítulo de la temporada, “Ghosts” es un merecido homenaje a Penelope. La idea del romanticismo nos ha vendido la idea de que necesitamos a alguien para ser feliz, pero en “One Day at a Time”, Penelope no necesita un hombre para ser feliz, solo necesita a su familia y cumplir sus objetivos. 

En una época donde se impulsa la representación, no hay serie más representativa que “One Day at a time” tanto para la comunidad latina migrante como para la comunidad LGTB. Es claro que esta comedia tiene una agenda liberal, pero también es evidente que su primer objetivo es divertir a través de un mensaje de tolerancia y de amor propio por nosotros y por nuestras raíces. Y no hay nadie más  orgulloso de su herencia cultural que Rita Moreno.

La serie estuvo en la cuerda floja en sus dos temporadas previas. Se comentaba que no sería renovada y después Netflix decidía que sí, pero esta vez no. Netflix ha emitido un comunicado oficial donde lo que duele no es la cancelación por sí sola, sino la absurda excusa sobre su baja audiencia porque no sabemos si es verdad. Según la aplicación TvTime en la semana del 4 al 10 de febrero, la serie ocupó el cuarto lugar de las series más vistas, dos puestos por debajo de la renovada “Sex Education” y tres puestos por debajo de la numero uno “Russian Doll” y la semana del 18 al 24 de febrero continuó entre las diez series más vistas. 

(Información tomada de la cuenta @seriepolis)

 Lo cierto es que al ser una sitcom simple, “One Day a Time” no generaba un gasto millonario, argumento por el cual se especula que fue cancelado “Sense8”. Además, para una empresa que invierte en 8 000 millones anuales para producciones originales y que la mayoría de ellas pasa ahora desapercibida, “One day at a time” tenía un mérito que Netflix parece pasar por alto, es aclamada por la crítica logrando un 100% en sus últimas dos temporadas y un 94% en su primer en Rotten Tomatoes. 

Asimismo, no sabremos el número exacto de fans, pero ayer tras la noticia, “#Saveodaat” se hizo tendencia el mismo día que se estrenó el trailer de “Avengers Endgame”. ¿Y ahora qué queda? Bueno, la showrunner Gloria Calderon Kellett ha anunciado en Twitter que está dispuesta luchar por salvar la serie y no es la única, Lin-Manuel Miranda también en Twitter ha aconsejado a NBC darle un nuevo hogar a ODAAT. Recordemos que el actor ya antes hizo campaña por revivir "Brooklyn Nine Nine" y NBC no solo los salvo de la cancelación sino que también los renovó para una nueva entrega. 

Good morning networks. I’ve met with you in the past & you’ve said “If only we had @OneDayAtATime” Good news.... we can be yours! We can easily do a reset so that those not familiar with the show will get all the info they need. Call Sony. The fight continues. #saveodaat 👍🏽

— Gloria Calderón Kellett (@everythingloria) 15 de marzo de 2019

Entonces, en realidad “#saveodaat” no es una idea descabellada y ya antes ha funcionado para otras series. “Timeless” fue descancelada en dos oportunidades y Netflix le dio a ” “Sense8” un especial después de las múltiples quejas que recibieron en las redes sociales por cancelarla, por lo que siempre queda la esperanza de que se pueda rescatar “One Day a at time”, pero si no es así, nos queda el consuelo de volver a la serie de vez en cuando y contagiarnos de esa energía positiva que transmite el elenco y la fortaleza de la irresistible familia Alvarez.

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#TheUmbrellaAcademy: El ritmo del apocalipsis

La historia de “The Umbrella Academy” – muy complicada para resumir – gira alrededor de una familia disfuncional compuestas por “hermanos” que cuentan con poderes especiales y que han sido criados para detener un inminente fin del mundo. La serie conjuga diferentes géneros en una sola producción; suspenso, drama, acción, comedia accidental y viajes en el tiempo, pero lo que más me gustó es su extraordinario soundtrack y su ingenioso modo de utilizarlo en montajes espectaculares.

Tras la muerte de su padre, los hermanos se han vuelto a reencontrar pero no están juntos, es más ni si quiera se soportan, cada uno está por su lado en una enorme caserón. Entonces, suena "Think We’re Alone Now" de Tiffany y contagiados por el ritmo se ponen a bailar. A los actores les dieron la libertad de bailar como se imaginan lo harían sus propios personajes. No hay un propósito de la escena ni tampoco un mensaje oculto de la elección de la canción, pero instantáneamente se vuelve una secuencia que icónica, la más memorable de la serie. La toma abierta de la casa mostrando a los hermanos en su propio rincón realizando movimientos extravagantes, casi tontos en algunos casos, teniendo como telón de fondo una canción ochentera funciona como una representación visual de un estilo marcado por ser extraño, pero en el buen sentido de la palabra. 

 Sin embargo, a diferencia de la película "Baby Driver" de Edgar Wright, donde la música hacía del hilo conductor de la historia y la edición encajaba a la perfección con el beat de la batería, la música en "The Umbrella Academy" no necesariamente está para complementar la historia, pero ciertamente le aporta una personalidad sinestésica. El opening de la mayoría de los episodios es una especie de videoclip semiexplicativo para ponernos al día de lo que sucede. En el primer episodio “We only see each other at weddings and Funerals”, “Phantom of the opera medley” de Lindsey Sirling se presta para la introducción de los personajes principales. El segundo episodio “Run Boy Run” lleva como título la canción de Woodkid que suena en la primera secuencia donde Cinco (Aidan Gallagher) desaparece tras viajar en el tiempo a un futuro desértico post apocalipsis. Cinco es el mayor privilegiado de la melomanía de los productores y es que las canciones elegidas para sus escenas de acción son considerados clásicos. Desde “Dont stop me now” de Queen, pasando por “Never Tear Us Apart” en forma de cover de Paloma Faith, hasta “Istanbul” de They Might be Giants y “Kill of the Night” de Gin Wigmore son algunas de las melodías que podemos escuchar en las batallas de un anciano atrapado en un cuerpo de un niño. Y vaya que peleas para más violentas y sangrientas. 

 Desde hace un tiempo se ha solidificado la tendencia de hacer de la música la mantra de ciertas producciones. Gracias a series como “Chuck”, “One Tree Hill” y “Gilmore Girls”, diversas bandas indies se hicieron conocidas, pese a que solo fueron utilizadas como un fondo. En el caso de “One Tree Hill”, la serie también sirvió como una plataforma para varios cantantes y grupos que se presentaban en el club de Peyton. Las últimas temporadas de “Grey’s Anatomy” ha apostado por los covers nostálgicos de los propios temas que se hicieron populares en varios de sus capítulos previo y esa música sirven para intensificar el sentimentalismo al máximo. Mientras que “Scandal” tenía una predilección por el clásico soul de los 60’s y 70’s ratificando el empoderamiento de su figura principal la elegante Olivia Pope. Por su lado, Luke Cage con sus blues y su ritmo añade a su estilo particular que le hace honores a su comunidad afroamericana a través de su música. Y ahora podemos incluir en esta lista a “The Umbrella Academy” y su decisión de utilizar piezas conocidas que deambulan entre la familiaridad, la nostalgia y la diversión.

 El crédito de la selección de la música de la serie es una colaboración entre el productor ejecutivo Steve Blackman, la supervisora de música, Maggie Phillips, y el compositor Jeff Russo. Pero más allá de volver a poner de moda hits noventeros y ochenteros, las canciones ayudar a crear un ambiente fenomenal que hace que todo sea mucho más cool. Inclusive cuando sacan un numerito musical de la nada como cuando Luther (Tom Hopper) y Alison (Emmy Raver-Lampman) se ponen a poner a bailar "Dancing in the moonlight" con una coreografía digna de un reality.

 Vale la pena destacar que Jeff Russo compuso “Vanyas Orchestra”, un tema original y primordial ya que desencadena el fin del mundo. Era obvio que una actriz de la talla de Ellen Page no iba a interpretar simplemente a la hermana ordinaria que solo tocaba su violín, así que era fácil predecir que ella terminaría siendo parte esencial del acabose de los tiempos, por no decir que lo terminaría ocasionando. Pero está bien porque al final Cinco logra saltar en el tiempo con todos sus hermanos mientras el mundo es fulminado en llamas. Y nosotros nos quedamos con un playlist para disfrutar el fin del mundo…

#SorryforYourLoss: El infinito ciclo duelo

El “Hallmark Channel”, acostumbrado tener una visión más romántica y esperanzadora sobre la vida, generalmente, presenta a las viudas ante una nueva oportunidad en la vida o el chance para conocer a alguien nuevo porque “todo sucede por una razón”. La muerte entonces cobra algún tipo de significado divino que mengua el dolor de la pérdida y más adelante alguien nuevo viene a rescatar a la viuda de su soledad. La serie de Facebook Watch, “Sorry for Your Loss”, es la antítesis de este tipo de producciones brindando una mirada sincera y desoladora del infinito ciclo del duelo de una joven viuda.

 La aproximación que tiene Elizabeth Olsen de Leigh, la protagonista de “Sorry for Your Loss”, se asemeja bastante a la de Carrie Coon con Nora de “The Leftovers” mostrándonos el lado más voluble e intenso del luto. A diferencia de las viudas del “Hallmark Channel”, en donde se reemplaza el sufrimiento con la abnegación familiar -lo que las hace más simpáticas ante el público-, Leigh y Nora no son personajes carismáticos, son difíciles y están completamente alejadas del prototipo de viuda sensible. 

 En “Sorry for your loss” no solo vemos el duelo de Leigh sino también el de su familia, incluyendo al hermano de Matt, Danny (Jovan Adepo), revelando las diversas matices del duelo. Y es que si bien es cierto existen etapas principales del duelo -negación, enfado, negociación, depresión y aceptación –, eso no significa que tras sentir esas emociones ya has “superado” una pérdida. En el caso de Leigh vemos un rango impresionante de emociones negativas, como la ira y la amargura, mientras que por el lado de Danny hay una resignación forzada y la mamá de Leigh, Amy (Janet McTeer) tiene una fachada de fortaleza frente a su hija ocultando su tristeza para poder apoyarla, acompañarla y soportarla. Sin embargo, la fortaleza de la serie es la forma en la que retrata la salud mental de sus protagonistas más allá del proceso del duelo. En los primeros episodios hay un contraste fuerte de la vida feliz de Leigh con Matt y la vida miserable de Leigh sin Matt, pero conforme avanza la historia nos damos cuenta que Matt era mucho más que el esposo perfecto y el hermano comprensivo.

(Imagen:  Sorry for Your Loss - Facebook Watch)

 El episodio "17 Unheard Messages" incorpora los mensajes de voz que Leigh y Danny dejaron en el celular de Matt (Mamoudou Athie) en una narrativa centrada enfocada en sus últimos días. Ya previamente, Matt le había confesado a Leigh que sufría de ansiedad y depresión, pero ella realmente no comprendía la condición de su esposo. Para batallar los altibajos de esta enfermedad, Matt llevaba una rutina saludable: salía a correr, comía saludable e iba continuamente a una terapia. Sin embargo, después de recibir la buena noticia de que su historieta se iba a publicar si es que lograba completar el final, la presión y las expectativas intensifican los sentimientos negativos de Matt. En la última sesión terapéutica, las palabras de Matt sobre lo peligrosa que es la enfermedad porque le dice la “verdad” de un mundo feo y sin esperanza es una indicación que su depresión está entrando a una fase crónica. La serie no brinda una certeza si la muerte de Matt fue un accidente o algo intencional. Uno puede intenta deducirlo; Danny sospecha que se suicidó pero jamás tendrá una confirmación.

El mejor episodio de la primera temporada "17 Unheard Messages"

(Imagen:  Sorry for Your Loss - Facebook Watch)

Además de la lucha de Matt contra la depresión, “Sorry for your loss” también presenta las diferentes aristas y dificultades en la vida de la hermana de Leigh, Jules (Kelly Marie Tran), una adicta en recuperación. La falta de confianza por parte de su familia es una constante en la batalla que Jules tiene que enfrentar,  está decidida a mantenerse sobria incluso en un periodo de inestabilidad emocional como es la pérdida de su cuñado. 

(Imagen:  Sorry for Your Loss - Facebook Watch)

 En resumen, “Sorry for Your Loss” es una serie que se deja ver y sentir. Los capítulos son cortos, no duran más de 30 minutos, no hay un abuso del dramatismo -no lo necesitan tampoco porque la historia de por sí es trágica -, no trata de contestar cuánto tiempo lleva superar (aceptar) la muerte de alguien o cuándo es correcto seguir adelante… y aunque suene extraño por su temática, la serie ofrece cierta luz de esperanza y de compañía. “Sorry for your loss” se puede ver a través de Facebook y el feedback que recibe la serie es positiva. En varios de los comentarios hay historias personales de quienes perdieron a alguien cercano y resaltan el trabajo en la serie. Lo único malo de la serie es que no cuenta con subtítulos por el momento.