#CelebrityDeathmatch : #StarTrekDiscovery vs. #TheOrville

“Business insider” reveló un dato extrañamente fascinante; según un estudio realizado por la firma Fizziology, a los conservadores les gustan por lo generar ver series tradicionales donde se resalta el heroismo mientras que los liberales disfrutan más de series que tengan un elenco diverso y están centrados en la vida moderna, no obstante, las dos series más populares que tienen en común los espectadores conservadores y liberales son “Star Trek Discovery” y “The Orville”. 

 “Star Trek Discovery”: La paradoja de "The Last Jedi"

La nueva serie de la franquicia de “Star Trek” tiene el mismo problema que “Star Wars Episode VII: The Last Jedi”; se aleja del canon establecido e intenta innovar la mitología de la nace. Como la franquicia de “Star Trek” es enorme, diría que “Star Trek Discovery” tiene la particularidad de sentirse como una continuación de las películas de JJ Abrams, pero se distingue por completo de la serie original de “Star Trek” aunque se aproxima a “Star Trek The New Generation”; incluso tiene un capítulo similar a “Cause – Effect”. Algunos fans acérrimos incluso han dicho que “Star Trek Discovery” no se siente como “Star Trek” en lo absoluto, que es la misma crítica que se le hizo a la última película de “Star Wars”, sin embargo, creo que “Star Trek Discovery” no ha intentado como la serie original porque estamos contando una historia nueva en una nave nueva. 

“The Orville”: Fanfiction con una carga social 

Cualquiera podría asumir que solo porque “The Orville” es creado y protagonizado por Seth MacFarlane sería una parodia de "Star Trek", pero no, aunque tiene una cuota de humor marcada, después de todo McFarlane es el creador de "Padre de Familia", va más allá ser un homenaje. "The Orville" recoge la premisa principal de "Star Trek", se desarrolla en una nave que viaja por el universo, pero varios capítulos pueden servir como un comentario y una crítica social. En ese sentido, se trata de una "dramedy" que utiliza la ciencia ficción para hacer reír y reflexionar no solo sobre la actualidad sino sobre el futuro.

Celebrity Deathmatch : #StarTrekDiscovery vs. #TheOrville

-Mejores efectos especiales: Star Trek Discovery 

A veces siento que "The Orville" ahorra el utilizar efectos especiales lo más que puede. Si puede salirse con las suyas minimizando el CGI al reemplazarlo con maquillaje o simplemente adaptar a la historia en un planeta similar a la tierra, lo hará y por eso, la mayoría de las aventuras del equipo del Capitán Mercer (Seth MacFarlane) se desarrolla en un lugar con habitantes que no se distinguen mucho de los humanos. Si lo comparamos con los efectos especiales en "Star Trek Discovery", "The Orville" sale perdiendo. Lo mejor de "Star Trek Discovery" es su estética; la serie es bella e impecable al momento de utilizar los efectos especiales. La vida en el Discovery se ve espectacular y se siente natural como si de verdad la historia se desarrollara en el futuro con tecnología altamente avanzada. 

-Mejor capitán: Ed Mercer (The Orville)

 ¿Qué es lo que hace a Ed Mercer (Seth MacFarlane) mejor capitán que Gabriel Lorca (Jason Isaac)? Bueno, para comenzar no trató de matar a su propia tripulación. Los primeros episodios revelaron que la razón por la cual la Unión Planetaria le ofreció la capitanía de "The Orville" a Mercer fue por un pedido que hizo su ex esposa Kelly Grayson. Sin embargo, Ed Mercer probó que es un excelente líder porque saca lo mejor de su equipo, conoce el potencial y los límites de sus miembros. Tal vez, Ed dudará de sí mismo, pero jamás de su propia tribulación y esa fe incondicional es la razón por la cual es un mejor líder que Gabriel Lorca, eso y el hecho de que no proviene de un universo paralelo.

-Mejor segundo al mando: Kelly Grayson (The Orville)

Sorry, Saru, pero como la segunda al mando, Kelly Grayson (Adrianne Palicki) es la mejor segunda al mando por la dinámica que tiene con el Comandante Ed Mercer. Dos exesposos trabajando juntos codo a codo puede causar fricción, y lo causa, pero también hay una confianza especial que los convierte en cómplices de aventura y compañeros incondicionales. Además, Kelly tiene un excelente sentido del humor algo que la especie de Saru carece por completo. 

-Mejor giro: Viaje a un universo paralelo (Star Trek Discovery) 

 “Star Trek Discovery” tuvo episodios autoconclusivos al igual “The Orville” durante sus primeros episodios, pero a partir de la mitad de la temporada la tribulación del Discovery viajó a un universo paralelo quedándose allí hasta el penúltimo capítulo. Este arco denominado "universo espejo", un clásico de "Star Trek", se había venido construyendo desde el primer capítulo con eventos sorpresivos como la repentina muerte de la Capitana Philippa Georgiou, la manipulación de las esporas de hongos de Stamets y el reclutamiento forzado de Michael Burnham. Sin estos momentos claves, el universo paralelo se habría sentido solo como una excusa para ver versiones diferentes de personajes ya conocidos, no obstante, obtuvimos varias retribuciones (pay off) siendo la principal fue la revelación de que Gabriel Lorca en realidad pertenecía a este universo paralelo y que se trataba del "big bad" de la temporada. 

-Mejor villano en un episodio autoconclusivo: Pria (The Orville) / Harry Mudd (Star Trek Discovery)

No es casualidad que los mejores episodios de "Star Trek Discovery" y de "The Orville" hayan tenido como antagonistas a dos actores de peso como son Rain Willson y Charlize Theron . En el caso de "Star Trek Discovery", Wilson le dio vida a un viejo conocido en el mundo de Star Trek, Harry Mudd, pero esta vez en un episodio con el clásico escenario "atrapado en un bucle temporal". "Magic to Make the Sanest Man Go Mad" es el episodio que te convence de quedarte toda la temporada y eso es gracias a Mudd y su maquiavélico plan de matar una y otra vez a Gabriel Lorca y a todos los miembros del Discovery. Por su lado, Charlize Theron hizo de una traficante que viaja en el tiempo para robar la nave "The Orville" y venderlo en futuro en el capitulo titulado "Pria" . Era obvio que la mujer iba a resultar la mala de la historia, pero igual disfrutamos de su coqueteo con Ed Mercer y si cerramos los ojos podemos imaginar a Brian de "Padre de Familia" coquetear con Theron. 

-Mejor villano de la temporada: Los Klingon (Star Trek Discovery) 

Hubo mucha crítica por la apariencia de los Klingon en "Star Trek Discovery", pero realmente no importa cómo se vean si es que tenemos un historia coherente... bueno, tan coherente como puede ser en una serie donde se viaja por el universo. Pese a que se buscaba una salida diplomática, la batalla final contra T'Kuvma se convierte el principio de la guerra en el primer episodio. Aunque el final estuvo demasiado flojito, los Klingon probaron ser los antagonistas que necesitaba la serie; tenían una ideología interesante, eran desalmados, estratégicos y vengativos. 

-Mejor pareja: Bortus y Klyden (The Orville) 

El hecho que Bortus y Klyden provengan de un planeta compuesto por un solo genero nos da una nueva visión de los problemas que puede enfrentar una pareja del mismo sexo. La mayor crisis del matrimonio se dio cuando tras el nacimiento de su hija, Klyden decide que la operen para cambiarle de sexo, pero Bortus se niega. Al final del episodio "About a girl", el Consejo de Moclan ordena operar al bebé y Bortus y Klyden acatan la orden. El capítulo es agridulce en todo sentido pero sobre todo se trató de una historia poderosa y completamente diferente a la que estamos acostumbrados. Las peleas de Bortus y Klyden se incrementaron tras la operación del bebé pero siguieron juntos tratando de resolver sus problemas. 

-Mejor protagonista: Michael Burnham (Star Trek Discovery) 

Una de las mejores decisiones de "Star Trek Discovery" fue que la protagonista de la historia no sea la capitana pero sí una líder nata. Michael Burnham (Sonequa Martin-Green) pasó de ser la primer oficial de la USS Shenzhou a la paria que inició la guerra, tuvo que reconciliarse consigo misma y comprobar su valor en el USS Discovery. Además, ella es el hilo conductor que une a la serie con la franquicia de "Star Trek", pues, es la media hermana del mítico Spock. 

 ¿Por qué "The Orville" y "Star Trek Discovery" le gusta tanto a conservadores y liberales? 

En las producciones de Shonda Rhimes es claro que la productora transmite la visión dramatizada de lo quisiera ver en el mundo. Tanto “Scandal” y “Grey’s Anatomy” han tenido episodios enfocados en las problemáticas sociales que vive Estados Unidos, pero en el caso de “Star Trek Discovery” y “The Orville” no hay una agenda liberal o conservadora, pero el trama sí incluye política. En el USS Discovery y The Orville se sigue una cadena de comando porque ambas naves son parte de un sistema galáctico donde hay un orden. Las reglas se rompen de vez en cuando pero siempre se apela a lo correcto, a lo patriótico o al trabajo en equipo. En el caso de “The Orville” se tratan de manera más directa problemáticas sociales pero sin una inclinación política; en “About a Girl” escuchamos los argumentos a favor y en contra de la operación de sexo de la bebé de Bortus y Klyden y en “Majority Rule” vemos una sociedad donde el voto mayoritario determina todo, y aunque en primera instancia esto podría parecer una democracia perfecta, la mayoría no siempre toma la decisión correcta. “The Orville” presenta estas situaciones de manera inteligente y deja que la audiencia llegue a sus propias conclusiones sin forzar que una idea es mejor que la otra.

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#AlteredCarbon: El blockbuster de Netflix

"Altered Carbon" tiene muchos puntos positivos a su favor, como un elenco diverso, una violencia desbordante, los desnudos para nada necesarios pero apreciados y la espectacularidad en los efectos especiales, y sin embargo, lo que carece es una historia que vaya a la par con su estética inspirada en "Blade Runner". 

Baso en la novela del mismo nombre de Richard K Morgan, "Altered Carbon" se desarrolla en un futuro distópico y sicodélico donde la consciencia humana puede ser trasladada de un cuerpo a otro mediante una especie de chip. La historia principal está centrado en el asesinato de Laurens Bancroft (James Purefoy), que será resuelto por Takeshi Kovac (Joel Kinnaman), un solado de élite que ha estado congelado 250 años y cuando despierta en el futuro para su mala suerte, está viviendo en una sociedad que él mismo intentaba prever cuando era parte de un grupo de rebeldes en el pasado.

Si dejamos a un lado lo vistoso de la estética y la harta violencia explicita, la historia en realidad es simple y hasta familiar. No recuerdo el nombre exacto, pero el asesinato tiene las características de un caso de Sherlock Holmes; todo apunta que se trata de un suicidio y al final, termina siendo un suicidio manipulado y orquestado por alguien cercano al pasado de Kovac. El principal problema de la serie es que parece que ha agarrado todas las ideas existentes en el mundo de la ciencia ficción y los ha incluido como parte de su mitología tratando de insertarlas en su trama como a dé lugar. De esa manera tenemos clones, inteligencias artificiales, traslado de consciencias, etc, etc... a los cuales hay que sumarle los conflictos morales y éticos que intentan darle una capa más profunda a toda la serie, pero aunque "Altered Carbon" se esfuerza en presentar dilemas y conceptos interesantes, pero solo se quedan en eso, dilemas y conceptos. Discutir temas como qué es lo que nos hace humanos o si podemos considerar a las réplicas artificiales como personas y no como copias nos quitarían demasiado tiempo y sería aburrido en comparación a las asombrosas escenas de acción que las series nos regala. No obstante, "Altered Carbon" hace el intento de explorar ideas como la identidad, las brechas en la sociedad, la propia humanidad y la vida en general. 

La serie se complica demasiado con su propio diccionario.

 Para Kovac y para la madre de Kristin, la muerte le da sentido a la vida. Esta idea es reforzada cuando conocemos a los millonarios porque ellos han perdido su humanidad porque la muerte les es indiferente, ya que en una época donde la tecnología ha avanzado lo suficiente para desafiar la idea de la muerte, para los ricos, la vida se vuelve insignificante y aburrida. Pero el dialogo es muy flojo para ahondar en sus propios planteamientos y hasta en su propia mitología tecnológica. Entiendo que quieran introducirnos a este mundo, pero hay tantos términos y tantas definiciones que parecería que cada episodio fuera una especie de prueba del glosario de las cosas que aprendimos en el capítulo anterior. Y a esto hay que sumarle que la explicación te la dan cuando necesitan que la narrativa avance, muchas veces desafiando su propio canon sin mencionar que los guionistas parecen tener una obsesión con los comentarios "comebacks" que parecen inspirados en películas de acción de los 80's.

  Uno de los puntos débiles de la serie es la relación entre Kovac y Kristin (Martha Higareda) porque es la historia se siente forzada, es como si se hubiera querido juntar a los personajes por el clásico el "will they or won't they" sin tomar la naturaleza de los propios personajes. La razón por la que Kristin se convierte en una compañera involuntaria de Kovac es porque el cuerpo que le tocó a Kovac pertenece a su novio y esa también es la razón de su extraño coqueteo que consiste en “no me caes pero me gustas”. Los actores Joel Kinnaman y Martha Higareda aunque son atractivos tienen una química pobre. Obviamente, esto no quiere decir que ni Kinnaman ni Higareda no hacen un buen trabajo, cada uno está perfecto en su rol. Kinnaman es el prototipo de héroe silencioso que intenta hacer lo correcto y no tiene problemas dejando cuerpos por doquier para sobrevivir e Higareda está genial la detective "badass" de la serie. 

No obstante, por irónico que suene, el alma de la serie, el personaje más carismático y empático, es Poe y sucede que Poe es una inteligencia artificial, lo que deja muy mal parados a los humanos en general. De hecho, Poe es el nuevo Barb, es el favorito de quien ve el programa y lo sacrifican de la peor manera, pero no importa por él salvó a Kovac y… a la serie por completo aunque no obtenga justicia. 

 “Altered Carbon” es la primera serie blockbuster de Netflix donde el drama se va deshaciendo capitulo por capitulo y se apuesta más por la espectacularidad visual y no solo me refiero a los efectos sino también a sus propios personajes que muestran que para pelear no es necesaria la ropa.

Apuesto que en tumblr ya hay un post de todas las veces que
Joel Kinnaman muestra su trasero en #AlteredCarbon

— Ángela Luna Alarcón (@alegna301) 7 de febrero de 2018

Gracias Tumblr...

http://elyalovi.tumblr.com/post/170817545465/akamatthewmurdockyoure-welcome

#CallmeByYourName y #Carol: El amor es el trama

En su reseña, el New York Times comentó que ver la película “Call me by your name” es como enamorarse por primera vez y es que la cinta de Luca Guadagnino tiene una habilidad impresionante de conectarse con el espectador de una manera intima. Más que verse, se experimenta. Lo extraño es que experimentamos la historia más vieja del mundo; un amor de verano con una fecha de expiración que marcará la vida de los protagonistas. 

Basada en la novela de André Aciman, "Call me by your name" narra la breve pero memorable romance entre Elio de 17 años y Oliver, el investigador americano que trabaja en su doctorado y llega a Italia para ayudar al padre de Elio durante un verano en la década de los 80's. En la primera parte de la película, Elio siente una intriga por Oliver y eventualmente se descubre que más que intriga es un gusto y después un enamoramiento. Gracias a la impecable actuación de Timothee Chamalet podemos ver la escala de emociones que viven en Eli; la irritación que produce la ausencia de Oliver en las cenas, la molestia y los celos al ver a Oliver bailar con una mujer y la frustración por no controlar su impulsividad. Por su lado, el Oliver de Armie Hamer se muestra mucho más precavido y distante con consigo mismo, con sus deseos y con el propio Elio y recién evidencia su vulnerabilidad y sus temores luego de confirmar que su gusto por Elio es recíproco. 

"Call me by your name" is the new "Carol"

 Hay una sutilidad en el cortejo Oliver y Elio que me recordó la complicidad coqueta entre Carol y Therese en la película de "Carol" del director Todd Haynes. La narración en ambas producciones toma su tiempo; los protagonistas no reconocen de inmediato la atracción inicial que sienten, no es que no la acepten, solo la reprimen, hay una lucha interna que finalmente sucumben al deseo, pero hasta entonces, las escenas que comparten se llenan de un subtexto por lo que no se dicen pero es obvio que se sienten. Se trata de una danza lenta de seducción que se centra en los detalles de manera delicada y paciente. Nos embarcamos una travesía que comienza en un camino lleno de dudas y pasa por todas las emociones posibles hasta tener su clímax en la absoluta felicidad e inevitablemente terminar con el corazón roto. 

 Así como Carol estaba interesada en Therese, Oliver está interesado en Elio pero para no dar un paso en falso, ambos contienen sus sentimientos y esperan que el otro evidencie su interés. Tanto Elio como Therese toman la iniciativa en el primer beso y se entregan por completo a sus deseos explorando su sexualidad sin tapujos, pero ante todo disfrutando el simple la compañía del otro. Quizás el hecho de que ambas relaciones estén encapsuladas en momentos y se desarrollan a espaldas de un mundo lleno de prejuicios hace que estas parejas se sientan tan especial. El amor es amor sin importar la orientación sexual, no obstante, hay que admitir que porque se trata de romances homosexuales tienen un elemento que los aparta de los demás porque la historia implica también la aceptación interior y en algunos casos una lucha con el exterior.

 El año pasado, “Moonlight” del director Barry Jenkins se llevó el Oscar a mejor película porque logró tocar fibras sensibles al contarnos la trágica historia de Chiron, un niño que en búsqueda de su propia identidad se encuentra con una sociedad que lo margina por ser diferente. “Carol” además de contarnos la historia de amor de Carol y Therese también es una fascinante exploración por la condición femenina, una muestra de lo que significó ser una mujer independiente y liberal en un sociedad represiva y machista. En “Call me by your name”, el romance de Elio y Oliver es un secreto a voces. Las personas cercanas a Elio reconocen que hay algo entre ellos, pero jamás se meten en sus asuntos. Uno de los momentos más emotivos de la película es el monologo del padre de Elio luego de que Oliver ya ha regresado a Estados Unidos. En el discurso, el Señor Perlman hace hincapié en la importancia de sentir incluso aunque en ese momento, Elio no preferiría no sentir nada.

http://elioeoliver.tumblr.com/post/168836793462/ingu-how-you-live-your-life-is-your-business

En la mayoría de filmes de temática LGTB, el amor parece estar destinado a no sobrevivir en el tiempo. El final feliz es reemplazado por la ambigüedad de tener una conclusión simbólica o abierta. En “Moonlight”, Chiron se reencuentra con el hombre que marcó su vida y en los últimos segundos de la película, Kevin le acaricia la cabeza y entonces volvemos a ver Chiron cuando era pequeño en la playa, en ese único lugar en donde de ser feliz, se sintió seguro, una imagen y una emoción mucho más poderosa que un simple beso.

 La primera escena en “Carol” se desarrolla en un restaurante donde Carol y Therese se reencuentran después de haber estado separadas por un tiempo y la escena final es la continuación de ese reencuentro luego que Carol le declarara su amor, le propusiera vivir juntas y Therese respondiera que no. En los segundos finales, las miradas de Carol y Therese se vuelven a encontrar. No sabemos a ciencia cierta lo que significa las prologadas miradas, pero lo intuimos; es la proyección de un sí. El guion ratifica esta idea con estas líneas.

Un elemento poderoso "Call me by your name" es el uso de la música que opera como un narrador emocional que complementa la hermosa cinematografía y composición que genera la sensación que estamos experimentando un recuerdo… de hecho, la película por sí misma es el recuerdo del primer amor de Elio. En la última escena, mientras suena "Visions of Gideon" de Sufjan Stevens, Elio está sentado frente al fuego de la chimenea tratando de racionalizar y procesar el dolor que siente luego de recibir la llamada de Oliver en donde le dice que se va a casar, las lágrimas se deslizan por su rostro y por un breve momento, Elio mira fijamente a la cámara rompiendo la cuarta pared y ese es el segundo donde sentimos por y con Elio.

Películas como "Call me by your name" y "Carol" no solo tocan tema universal como el amor sino que lo abordan de una perspectiva cercana que va repasando las etapas del enamoramiento en donde la decepción y desilusión también cumple un rol importante. A diferencia de las películas románticas que tienen una estructura definida en donde el amor pone en marcha la trama o el amor es parte del conflicto, en "Carol" y en "Call me by your name", el trama es el amor; una simple historia de amor por la cual todos hemos pasado, una historia de amor que el que menos ha experimentado alguna vez en la vida.

#GranceAndFrankie: La edad no es solo un número, es un peso

Por lo general “Grace and Frankie” promueven una mirada diferente y cínicamente optimista sobre la vida de los adultos mayores. Las dos protagonistas, Grace (Jane Fonda) y Frankie (Lily Tomlin) abrazan esta nueva etapa que les toca vivir, disfrutan de su amistad, de su familia y de la oportunidad de tener otro tipo de experiencias. Frankie con su excentricidad y su espíritu libre prueba que la edad es solo un numero y Grace con su porte elegante evidencia que se puede ser sexy rozando los 80, sin embargo, pese a la energía que este dúo nos ha regalado por tres temporadas, la cuarta temporada se puso “real”, más real que sus antiguas entregas, y esta vez a punta a cuestionar el futuro, los males de la edad y enfrentar la muerte con una gran cuota de humor.

La historia de Sheree (Lisa Kudrow), la estilista de Grace que se va a vivir con ella luego de que la botaran de su casa, como que nos advertía que el peso que tendrían los hijos en la temporada. Los hijastros de Sheree le quitan su departamento y al final de la temporada, los hijos de Grace y Frankie hacen lo propio aunque sean diferentes circunstancias. 

Comentario aparte: En serio, ¿tienes a alguien como Lisa Kudrow junto a dos estrellas como Fonda y Tomlin y solo le das un par de episodios? 

 La edad comenzó a pesarle demasiado a Grace tanto en el plano físico como emotivo o mejor dicho, el plano físico afectó el emotivo. El desgaste en sus rodillas era un constante recuerdo que ya no podía seguir con Nick (Peter Gallagher) porque era demasiado el esfuerzo de arreglarse en la madrugada y pretender disfrutar el juego de quién tiene el control en la relación. Siendo el personaje más sensato de la serie, Grace acepta que no tiene un futuro con él y lo corta, pero siendo el personaje más orgulloso de la serie, Grace se avergüenza de sus propios pesares hasta el punto de ocultar su sufrimiento y sus fracasos de sus propios hijos. En la misma línea, el hijo de Frankie, Bud (Baron Vaughn) da entender que la excentricidad de Frankie, sus locuras, hiperactividad y sus distracciones, antes podían ser adorables pero ahora son preocupantes, especialmente, porque ya es abuela y sus acciones ponen en peligro a su nieta. 

Los hijos orquestan una intervención preocupados por el bienestar de sus madres, lo que, por supuesto, ofende a Grace pues ella aborrece que pueda ser vista como alguien que necesita ayuda y ni si quiera quiere pensar en la posibilidad de ir a vivir a un asilo. No puedo decir que los hijos sean los "malos" en esta escena, pero tampoco son los buenos ya que no están escuchando a sus propias madres. No escuchan a Grace cuando dice que cuidará a Frankie, como ya lo ha hecho antes, y no quieren creer que Frankie cuidará a Grace, la pregunta que quieren responder es quién las cuidará a las dos. Ese es el quid del asunto y la razón por la que la temporada entera se sintió un poco injusta con sus propias protagonistas. Lo que le sucede a Grace y a Frankie plantea una conversación necesaria donde no hay una respuesta correcta, solo una cruel realidad, la edad no es un número, es un peso y Grace y Frankie ya están cargando ese peso y no deberían cargarlo solas si no pueden, pero la cuestión es que no quieren. 

Si bien la serie es una comedia, se trata de una comedia que no solo nos está mostrando la vida de una persona mayor desde una perspectiva risueña sino también el lado "feo" y lo hace de tal modo de que nos de risa lo que se supone nos debe dar miedo. Grace tiene un teléfono rojo que sirve específicamente para recibir llamadas que anuncian la muerte de alguien, el sistema "mató" a Frankie, una de las clientas de Grace y Frankie murió accidentalmente mientras se masturbaba con su vibrador y la propia la intervención que los hijos de Grace y Frankie son escenas que están llenas de humor y lo gracioso hace más digerible tramas que básicamente tienen que ver las necesidades y el cuidado que requieren las personas mayores. 

http://dollsome-does-tumblr.tumblr.com/post/169907779893/413-the-home

 Los hijos de Frankie conversan con Grace y las hijas de Grace conversan con Frankie y ambas terminan en una casa de reposo pensando que cada una está ayudando a la otra… y para el final de la temporada, se escapan cuando se dan cuenta del “engaño” de sus propios hijos.

¿Por qué le tocó esta historia a Grace y Frankie? Quizás tiene que ver el hecho con que son mujeres y como tales podrían ser vistas y consideradas como más “vulnerables”. La tercera temporada jugó con esa idea; Grace y Frankie viven solas y están expuestas a todo tipo de peligro, pero también es posible que haya un doble estándar respecto a las mujeres adultas mayores y a los hombres adultos mayores. Sol (Sam Waterson) y Robert (Martin Sheen) tienen la misma edad que Grace y Frankie y los mismos males pero sus hijos no les piden que se vayan a un asilo. No. La historia de los esposos giró alrededor de una absurda crisis matrimonial. Grace y Frankie no pueden tener ese tipo de crisis o cualquier otra porque ya tuvimos tres temporadas confirmando que no importa que es lo que suceda, ellas se quieren y se necesitan. No es un amor de pareja pero es uno definitivo y fuerte; Grace apoyó a Frankie para que se mude pese a que sabía que no la tendría cerca y Frankie es la única que logró que Grace se pusiera de pie después de su operación a la rodilla. Entonces, la historia de Grace y Frankie también nos muestran un tratamiento injusto de los padres y de las madres a cierta edad. La misma escena final ratifica esta idea, Grace tiene a Frankie como su soporte y viceversa, en las buenas y en las malas… sin importar lo que el futuro (o Netflix) les repare.

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#OneDayAtATime: Una de las comedias más sensibles de Netflix

 En una época donde algunas series autodenominadas comedias en realidad son dramas fuertes, "One Day at a Time" se distingue por evocar el viejo sabor de series como "All in the Family" y "The Jefferson” y hasta "The Bill Cosby Show", pero por la temática que aborda, en donde encontramos problemáticas como el racismo, el estrés post traumatico, la depresión, la homofobia, la adicción y el suicidio, también podría ser un drama fuerte desde una perspectiva entusiasta que contagia una energía esperanzadora. Está claro que los problemas no se pueden solucionar en menos de 30 minutos, sin embargo, “One day at a time” te dejan con el guiño que aunque no se ha arreglado el problema de fondo, por lo menos se está en el camino y eso es lo importante. 

 En mi crítica de la primera temporada de "One day at a time" escribí que la serie tiene el formato de una clásica una comedia de situación y que debido a los temas complejos que aborda se trataba de una comedia moderna y progresiva, ahora le quiero agregar que además de todo eso, podemos calificarla como una comedia sensible... o por lo menos la comedia más sensible de Netflix y con esto no estoy minimizando la melancólica sensibilidad de "Bojack Horseman" - que es una de mis series favoritas-, las dos son sensibles pero en su propio modo. De hecho, creo que pese a que "Bojack” es una serie animada se parece a "One day at a time" al momento de retratar enfermedades mentales, pero mientras "Bojack Horseman" toma una aproximación más cínica de problemas reales en un mundo fantasioso, "One Day at a time" toca temas serios de una forma más realista pero con cierto grado optimismo. En ese sentido, aprovecha su historia para hacer un comentario social del país donde se desarrolla y también se burla de los estereotipos latinoamericanos sin avergonzarse de su propia cultura. Las raíces de la familia Álvarez, representada en toda su excentricidad en Lydia (Rita Moreno), es el corazón y el motor de la serie. La familia entera está compuesta por personajes adorables cuyo superpoder es alcanzar un nivel de empatía potente que te toca directamente. De esta forma, esta serie te hace reír, pero también llorar… 

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 Al igual que con “Bojack Horseman”, los mejores capítulos de "One day at a time" no son necesariamente los más graciosos, pero sí los más sentimentales. En "What Happened" vimos cómo el atentado del 11 de setiembre cambió los planes de Penelope (Justina Machado) y Víctor (James Martinez) quienes se volvieron a enlistar en el ejército cuando Elena (Isabella Gomez) apenas tenía un par de días de nacida y en paralelo, vemos la tensa reunión de Víctor con Elena luego de él reaccionara mal cuando ella reveló que era gay. Uno podría preguntarse qué tienen en común estas dos historias, bueno, la respuesta es simple; el amor. El amor que Victor y Elena sienten por su hija y por Estados Unidos es la razón por la que se fueron a la guerra y es ese mismo amor es el que hace que Víctor vea su error frente a Elena y se inicie un camino de reconciliación. 

El mejor episodio de la temporada es "Hello, Penelope", un capítulo que aborda la crisis de la depresión y la ansiedad similar al " Stupid Piece of Shit" de “Bojack Horseman”. A Penelope le costó admitir comenzar a tomar antidepresivos por la ansiedad que sufría y por el cuadro post traumatico con el que tiene que convivir, ya en la segunda temporada, ella misma cree que su vida está lo suficientemente estable para dejar de tomar sus medicinas y esto desata a una Penelope maniática y depresiva. La actuación de Machado es desgarradora, pues, logra plasmar de una manera inquietante la agonía y frustración de una persona que sufre de una depresión constante. 

Por su lado, la visión de Lydia sobre la depresión y la ansiedad es de la vieja escuela que cree que la solución para estos problemas es buena comida, ejercicio y tener fe. Por lo general, las visiones de Penelope y Lydia colisionan, pero en este episodio, la discusión no la gana nadie. Al momento de hablar con el sacerdote de su iglesia podemos ver que la propia Lydia también está angustiada y que incluso quisiera absorber el dolor que Penelope siente para no verla sufrir, revelando de esa manera que también sufre de ansiedad, pero se trata de una ansiedad paternal. Al final del episodio, Penelope misma se levanta de nuevo y recurre a Scheneider (Todd Grinnell), su vecino/amigo/ un adicto en recuperación que la escucha y le recuerda lo más importante; Penelope no está sola. Este tipo de crisis son comunes en las personas que sufren ansiedad y depresión por eso es importante que hacerle caso a lo que sugiere el mismo título de la propia serie y tomarlo todo “un día a la vez”. 

La temporada concluye con “Not yet” en donde se remarca la importancia de Lydia como la matriarca de la familia y la influencia de su poderosa personalidad en cada una de las personas que la rodean. Cada “no despedida” de la familia Alvarez es un ventarrón de emociones; casi un maltrato al corazón para después consolarlo con la decisión de Lydia de quedarse y no irse todavía al más allá con su adorado Berto. 

En su conjunto “One day at a time” es una comedia fresca que no tiene miedo de tratar temas pesados – a diferencia de “Fuller House” que parece vivir en una burbuja y en donde se apela a lo ridículo para hacer reír-. “One day at a time” junto a “Black-ish” están innovando el formato de la comedia familiar agregándole una crítica social sin dejar de lado su comedia y al igual que "Bojack", "One day at a time" le da una mirada genuina a las enfermedades mentales de sus protagonistas. Finalmente, "One day at a time" funciona por su elenco que engloba la energía latina y convierte el melodrama en gracia y el drama en un momento de reflexión.

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