Celebrity Deathmatch : #ER vs. #GreysAnatomy

La actriz que le da vida Meredith Grey, Ellen Pompeo, ha renovado su contrato con ABC por dos años más. Actualmente, "Grey's Anatomy" está en su décimo cuarta temporada y con la confirmación de una quinceava y décimo sexta entrega, es oficial, superará a "ER" como la serie médica más longeva en la historia reciente. ¿Pero eso quiere decir que "Grey's Anatomy" es mejor que "ER"? No necesariamente, no obstante, debido a su larga data, hay cosas que ha hecho "ER" que son mejores que "Grey's Anatomy" y también hay cosas que ha hecho "Grey's Anatomy" que son mejores que lo que hizo "ER" en su momento y siempre podremos volver a chequearlo ya que todos los capítulos de "ER" estará disponibles en Hulu. 

-Mejor piloto: "24 hours" (ER)

Mientras que la primera toma en el primer episodio de "Grey's Anatomy" fue el trasero de Derek Shepherd (Patrick Dempsey), el piloto de "ER", "24 hours", inició con una enfermera despertando a Mark Green (Anthony Edwards) porque la sala de emergencia se estaba llenando de pacientes. Alejándose de otros dramas médicos, desde su primer episodio "ER" utilizó recursos antes no vistos en este tipo de producciones y se concentró en la "acción". En ese sentido, la combinación de una ambientación apropiada con secuencias largas (long Steadicam shots) que se trasladaban de trauma a trauma más un lenguaje técnico hacían que esta sala de emergencias ficticia se sintiera real... hasta el punto que cuando se estrenó, la gente pensó que estaba viendo un reality show que seguía a doctores reales que trabajaban en una sala de emergencias. 

-Mejor cabello: Derek Shepherd (Grey's Anatomy) 

George Clooney es increíblemente guapo y carismático, sin embargo, su cabello nunca llamó la atención en “ER”. Desde el peinado de Rachel Green (Jennifer Aniston) de Friends, pasando por el polémico corte de cabello de Felicity (Keri Russell), no se ha había puesto tanto atención en el cuero cabelludo como cuando Patrick Dampsey mientras le dio vida a Derek Shepherd. 

 -Mejor "jump the shark": “Grey’s Anatomy” – “ER” 

 Aceptémoslo, en algún momento entre los secuestros, los desastres naturales, los accidentes de avión, los virus desatados y las enfermedades paradójicas que afectaron a diversos doctores, "ER" y "Grey's Anatomy" saltaron el tiburón. En realidad, es el tiempo el que va incrementado la ridiculez de algunos tramas y lo repetitivo en ciertas historias, no obstante, ambas series sobrevivieron el salto y continuaron. 

 -Mejor representación LGTB: Callie Torres (Grey's Anatomy) 

 Si bien es cierto la trágica historia de Kerry Weaver (Laura Innes), la jefa de emergencia que ocultó su orientación sexual durante varias temporadas y que después perdió a su pareja tras un incendio, es sumamente conmovedora y sirvió para cambiar la noción que teníamos sobre la antipática Dra. Weaver, no hay nadie como Callie Torres. A partir de la cuarta temporada, Calie Torres se volvió un icono al ser una de las pioneras en declararse con orgullo bisexual y la actriz Sara Ramírez se convirtió en una gran defensora de la comunidad LGTB. 

-Mejor triángulo amoroso: Luka-Abby-Carter (ER) 

 Tanto "Grey's Anatomy" como "ER" han tenido su cuota de triángulos amorosos, pero creo que el triángulo más sufrido fue el de Luka-Abby-Carter. En "Grey's Anatomy" como que ya sabemos qué pareja será endgame sin importar con quienes se relacionen pero en el caso de Luka-Abby-Carter era difícil presidir algo. Abby (Maura Tierney) bien podía haber terminado con Carter (Noah Wyle), con Luka (Goran Višnjić), sola o con alguien nuevo. Y es que este triángulo se desarrolló en la época más oscura de "ER" donde parecía que ninguno de sus personajes podía ser simplemente feliz o siquiera tener un momento de tranquilidad. La relación de Abby y Carter y de Luka y Abby estuvo llena de obstáculos y dificultades. Para el final de la serie, Luka y Abby se reconcilian luego que ella le fue infiel con otro y terminan mudándose juntos... aunque nadie sabe si en realidad fueron "felices para siempre". 

-Mejor soundtrack: Grey's Anatomy

 "ER" realmente nunca le prestó mayor importancia a su banda sonora a diferencia de "Grey's Anatomy" en donde la música es de vital importancia. Si hay algo que caracteriza a "Grey's Anatomy" es su excelente gusto musical y la devoción por la música es evidente; cada episodio de la serie lleva como título el nombre de una canción. Desde hace un par de temporadas, Shonda Rhimes se volvió fanática de los covers y los ha insertado en varias escenas en la serie, pero además de hacer uso de los clásicos también ha logrado que la música utilizada en sus primeras temporadas como "Chasing Cars" y "How to save a life" se vuelvan clásicos. Sin mencionar que tuvieron su propio episodio musical.

-Mejor muerte: Lucy Knight (ER) 

Si piensas que "Grey's Anatomy" era cruel al momento de matar a sus doctores, "ER" era macabro y brutal. ¿Pero cómo podemos calificar una muerte de ser la "mejor" o mejor dicho qué es lo que hace la muerte de Lucy Knight la "mejor" en las series médicas? Bueno, tiene que ver con el impacto y las repercusiones. Mientras que las muertes por lo generar implican un cierre, la muerte de Lucy Knight significó el ingreso a una nueva etapa en "ER". Por supuesto, la muerte de George O'Malley (TR Knight) fue triste, la muerte de Mark Sloan (Eric Dane) y Lexie Grey (Chyler Leigh) fue trágica y la muerte de Derek Shepherd (Patrick Dempsey) marcó un antes y después, pero la muerte de Lucy Knight (Kellie Martin) a manos de un paciente esquizofrenia fue absolutamente chocante y las consecuencias de esta desgracia cambió la seguridad del hospital y afectó la vida de todos los doctores, especialmente de John Carter quien se volvió adicto porque él también fue acuchillado.

-Mejor personaje insorportable: Maggie Pierce (Grey's Anatomy) 

No puedo recordar personajes insoportables en "ER", quizás los internos por lo general son molestosos, pero eventualmente aportan algo en la historia... sin embargo, desde su aparición Maggie Pierce (Kelly McCreary) es ahhhh! Cada vez que aparece en pantalla... AHHH! Y peor ahora que intentan vendernos un romance con Jackson. AHHH!

-Mejor intro: ER 

A pesar de los muchos cambios en su elenco, "ER" se tomó la delicadeza de poner en la mayoría de episodios su propia cabecera en vez de solo una claqueta con el nombre de la serie como "Grey's Anatomy" lo hace en la actualidad. 

- Mejor karma: Dr. Romano (ER)

 "Grey's Anatomy" ha sido muy irónico y karmático en ciertas historias; por ejemplo, Callie es una cirujana ortopédica y no le pudo salvar la pierna a Arizona, Amelia es neuróloga, tuvo un tumor cerebral y su bebé nació sin cerebro, cosas así... pero sin duda lo que le pasó al Dr. Robert Romano (Paul McCrane) fue uno de los mejores momentos WTF en la historia de "ER". Todos amábamos odiar al Dr. Romano porque era un cretino y realmente, nunca dejó de serlo incluso tras perder su brazo luego que una hélice de un helicóptero se lo amputara. Un par de temporadas después, otro helicóptero le caería encima aplastándolo y acabando con su vida en el acto. Lo que hace este momento tan satisfactorio y extraño es que para entonces, Dr. Romano era el villano consolidado del hospital y su cuerpo médico ni si quiera se dio cuenta que murió hasta después que limpiaran la zona del accidente. 

 -Mejor pareja extra slow burn: Ray y Neela (ER) 

Si bien hay bastante tensión sexual en "Grey's Anatomy", los romances épicos no se demoran mucho en concretarse. Digamos que para "Grey's", un slow burn es un par de episodios dentro de la temporada. Si te molestó esperar casi una temporada para que Meredith y Nathan estén juntos, imagina los que vivimos con Ray (Shane West) y Neela (Parminder Nagra). Literalmente, fueron años y temporadas completas en que tuvimos que verlos ir en círculos. Parecía que siempre había una excusa para que Ray no esté con Neela, o era el mal tiempo o eran otras personas. El momento más dramático de la pareja es cuando Ray perdió las piernas luego que un camión lo atropellara por escuchar borracho un mensaje de Neela. No fue hasta la última temporada de "ER" cuando Ray y Neela finalmente estuvieron en la misma página y decidieron darse una oportunidad lejos del drama de Chicago. 

-Mejor consejero: Mark Sloan (Grey's Anatomy) 

Los diálogos en "Grey's Anatomy" son como reflexiones de la vida en general. Todos los personajes han tenido excelentes discursos, pero particularmente soy fan de Mark Sloan, especialmente, de los sabios consejos que le dio a Callie Torres y Jackson Avery. 

-Mejor mujer más complicada del mundo: Meredith Grey - Abby Lockhart 

Meredith Grey (Ellen Pompeo) y Abby Lockhart (Maura Tierney) son similares en ciertos aspectos y completamente diferentes en otros. Ambas tienen en común que comparten traumas producto de su mala relación con sus respectivas madres, aunque cada una tiene un mecanismo de defensa propio. Mientras Meredith Grey tuvo que lidiar con el Alzheimer de Ellis Grey, Abby tuvo que lidiar con la bipolaridad de su madre Maggie Wyczenski… Pese a la adversidad, tanto Meredith y Abby son sinónimo de fortaleza y su complejidad es un atributo que las ayuda a ser mejores profesionales. Shonda Rhimes ha dicho que “Grey’s Anatomy” seguirá al aire hasta cuando Ellen Pompeo lo quiera y es que Meredith Grey es la estrella del show y aunque esto podría darle una ventaja a Meredith Grey, recordemos que en su momento, Abby cargó "ER" sola tras la salida de Noah Wyle y la salida temporal de Goran Višnjić, pero incluso antes, gran parte del drama no médico provenía a partir ella.

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En defensa de #Friends

"Friends" una de las comedias más populares de la televisión se convirtió en un fenómeno mundial gracias a la química del grupo y el carisma de los actores. A más de 20 años de su estreno, podemos considerar a esta serie como un clásico televisivo, pero hasta un clásico tiene sus críticos. El periódico británico The Independent publicó recientemente que algunos millennials calificaron a la serie de los amigos como sexista y homofóbica. Estas críticas están enfocadas principalmente en el comportamiento de Chandler y Ross. Siendo "Friends" una de mis series favoritas mi primera reacción fue decir “no” pero después de leer el artículo estoy intentando comprender las críticas para defender la serie. 

ScreenPrism realizó un videoensayo denominado "Friends: el romance de la amistad". En un resumen rápido, la serie retrató a los amigos como amantes y a la amistad como el gran amor de la vida de cada uno de los amigos. Gran parte del humor proviene de las escenas donde dos amigos sin vinculación romántica conversaban como si fueran una pareja. Cuando Rachel (Jennifer Aniston) descubre que Mónica (Courtney Cox) fue a comer con Jules, la novia de Ross (David Schwimmer), la escena que vimos fue la típica conversación de alguien que descubre una infidelidad, cuando Joey (Matt LeBlanc) se muda del departamento, básicamente es una forma de romper con Chandler (Matthew Perry) y cuando regresa, es una manera de “volver” con él…. La intención de estas escenas es que te rías porque estas personas heterosexuales tienen actitudes de pareja, pero no tienen una relación sexual. 

El problema es que en la ejecución vemos la paranoia de Chandler cada vez que alguien asume que es homosexual y esta reacción exagerada se convierte en un punto de burla recurrente en la serie. Una posible explicación - y digo explicación no justificación - de este comportamiento infantil de Chandler es el hecho que tuvo una adolescencia traumática debido a que la complicada relación de sus padres y es que su padre era homosexual y un drag queen. Y si bien esto podría explicar por qué Chandler se altera cuando alguien cuestiona su sexualidad, este mismo comportamiento lo vemos en la mayoría de los personajes excepto con Phoebe (Lisa Kudrow). 

 *Phoebe es la más cool y tolerante del grupo*. 

 Teniendo en cuenta que la serie se desarrolla en los 90’s, donde existían todo tipo de prejuicios sobre la comunidad LGTB, en la serie, el ser gay es tomado como un insulto o como un sinónimo de rareza y de falta de masculinidad. Dejando de lado a Joey, Chandler y Ross no son exactamente el prototipo de hombres alfa, pero siempre intentan entrar en esa categoría. Ross se enfrenta a los amigos de Emily pese a que no es bueno en deportes solo para tratar impresionarla, Ross no quiere que el niñero de su hija sea un hombre porque le parece extraño que un hombre esté tan conectado con sus sentimientos, Ross no quiere que su hijo juegue con una barbie… por esto y por muchas cosas más, Ross es el personaje más vapuleado por las criticas ya que además de acusarlo de ser homofóbico se le califica como sexista por el control que quiere ejercer en sus relaciones, especialmente, con Rachel. No obstante, quizás esta representación de Ross es intencional. Las inseguridades de Ross provienen del hecho que su esposa, la única mujer con la que había estado, lo engañó con otra mujer mientras estaban casados y él no solo tiene que lidiar con esta situación sino que también tiene que interactuar constantemente con la persona que rompió su matrimonio. Ross no es perfecto, es engreído, egocéntrico y su actitud de sabelotodo es una de las razones por las que a veces cae mal por eso en las confrontaciones que tiene con Susan, sale mal parado, pues, simplemente se evidencia lo cuadriculado de su forma de pensar. 

En ese sentido, las críticas son válidas, aunque un tanto exageradas, porque la intención de la serie no es ofender sino destacar las inseguridad, contradicciones y comportamientos infantiles del grupo. En otro episodio, Rachel quería probar que de joven fue aventurera y se besó con una de sus amigas, Phoebe no le cree así que ella invita a su amiga para probarle a Phoebe que está diciendo la verdad y sin querer reaviva los viejos sentimientos de su amiga. De nuevo el problema está en la ejecución pues la intención de la gracia es que Phoebe no considerara a Rachel como una aventurera, pero la situación que desarrolla es incomoda porque hay una tercera persona que aparentemente siempre ha estado enamorada de Rachel y solo ha reprimido sus sentimientos, pero lo único que le importa a Rachel es comprobar que tiene razón. 

La mayoría de bromas (gags) no son a expensas de los gays por ser gays o de las lesbianas por ser lesbianas, lo gracioso está en el grupo y sus comportamientos inapropiados que en combinación con el prejuicio de la época nos deja con escenas que pueden ser consideradas ofensivas pero al mismo tiempo es a través del humor que se desafía esos prejuicios y se evidencia lo ridículo de las reacciones de sus propios protagonistas. Un ejemplo de esta idea es que el mujeriego Joey Tribiani ha besado a Chandler y a Ross en distintas oportunidades. Tenemos un episodio donde no deja de utilizar un bolso porque se siente cómodo con él pese a las burlas de sus amigos, también ha utilizado ropa interior de mujer y en otro episodio duerme con Ross y ambos admiten que es la mejor siesta que han tenido. Por supuesto, a él se le tilda de sexista por el modo en el que aborda a las mujeres, se acuesta con ellas y luego las olvida pero la misma serie hace hincapié que es su comportamiento sinvergüenza el motivo de risa más no las mujeres que caen en sus redes. 

"Friends" es un clásico televisivo pero también es un reflejo de un tiempo que ahora se siente desfasado. El mundo ha cambiado desde los 90’s y algunas de las tramas de "Friends" no funcionan en la actualidad. La serie estaba compuesta para un contexto determinado y sobrevive en el tiempo porque el centro de la historia es la amistad. Cualquiera podía identificarse con los seis amigos por sus problemas financieros, por sus problemas amorosos y por imperfección en general. Como una clásica comedia de situación, "Friends" siguió una fórmula simple; la evolución personal a través de la amistad y al final de cada episodio terminan con los personajes aprendiendo y aceptando lo que no entendían, y muchas de los televidentes de la serie aprendieron junto a ellos y por ellos.

#LasChicasDelCable T2: Un paso adelante, dos para atrás

El problema de la primera temporada de “Las Chicas del Cable” es que Netflix vendió la serie como su fuera “la serie feminista”, pero –y no puedo enfatizar esto lo suficiente - que un show tenga a cuatro protagonistas mujeres no significa que sea feminista o progresiva. Dejando ese falso mérito de lado, “Las Chicas del Cable” no tiene otra distinción más que ser la primera seria melodramática de España producida exclusivamente para Netflix. No es que “Las Chicas del Cable” debería de avergonzarse de su sobre carga emocional /sentimental, al contrario ese es su mayor fuerte, además vamos que la gente no ve “Grey’s Anatomy” por los casos médicos, lo ve por el drama y resuelta que “Las Chicas del Cable” tienen harto drama… un drama exagerado incluso para los propios estándares españoles. 

Una de mis series favoritas españolas es “Los Hombres de Paco” cuya combinación del drama romántico con la comedia policial junto a personajes carismáticos hacían que uno no solo se enganchara si no que sintiera con cada una de las historias que vimos. Vale la pena resaltar que los monólogos al inicio y final de cada episodio de “Los Hombres de Paco” podrían hacerle la competencia a las reflexiones de Meredith Grey en “Grey’s Anatomy”. Hace un tiempo le di un chance a “Tierra de Lobos”, un drama centrado en el siglo XIX que resaltaba por su ambientación y por contar la historia de tres hermanas que desafiaban el prototipo de la mujer en su época. Menciono estas dos series es porque “Las chicas del Cable” pudo haber sido la perfecta combinación de ambas producciones; podría haberse ido por el camino de ser un drama sentimental que se desarrolla en la década de 1920 y que conjuga un humor inocente mientras va evidenciando la problemática social de la época, pero no. “Las chicas del Cable” se llena de un melodrama sentimental en donde cada dos escenas nuestras protagonistas cambian de idea o de plan… o de lo que sea para prologar el drama y para colmo las historias de cada una de las cuatro amigas son archiconocidas. 

 Cualquier excusa es buena para recordar y mencionar a “Los hombres de Paco”. 

 La temporada empezó con la muerte de Mario Pérez (Sergio Mur), el esposo de Angeles (Maggie Civantos) a manos de ella misma y todas sus amigas la ayudan a ocultar el crimen. Si suena familiar es porque una trama parecida lo vimos el año pasado en “Big Little Lies”. Además, Lidia (Blanca Suárez) es el cerebro detrás del “encubrimiento” pese a que ninguno de los planes originales que tuvo en la primera temporada funcionaron y para sorpresa de todos, sus planes tampoco funcionan en la segunda temporada. El triángulo principal, Carlos (Martiño Rivas) / Lidia / Francisco (Yon González) ya se había resuelto al final de la primera temporada pero para insertarle más drama Carlos ahora odia a Lidia, por lo menos por un par de episodios cuando por fin admite que la sigue amando y Lidia está embarazada pero la familia de Carlos no la acepta. Angeles termina enredada con el policía que investiga la muerte de su esposo, él le dice que no se volverá acostar con ella y dos escenas más después se están acostando de nuevo. Y esta tendencia repetitiva también se ve con Marga (Nadia de Santiago) que se quiere casar con Pablo (Nico Romero) pero después no se quiere casar y luego sí se quiere casar. 

Ya le tocaba a Martiño Rivas quedarse cn Blanca Suárez en una serie

La única historia moderadamente diferente - por su intención y no tanto por su ejecución - es la de Sara (Ana Polvorosa) y Carlota (Ana Fernández). Sara le revela a Carlota que le gusta vestirse como hombre… lo que abre la puerta a un interesante dilema pero en su ejecución esta idea se pierde. Sara se interna a sí misma en un hospital que termina ser un manicomio y Carlota la rescata con ayuda de las chicas en una escena similar a la de Isabel siendo rescatada por Cristina en “Tierra de Lobos”, el padre de Isabel la había encerrado con las monjas por ser lesbiana y tener una relación con Cristina. 

Regresando a las “Chicas del Cable”, a lo Terminator style, Carlota se venga del doctor que quiso tratar a Sara. El gran cliffhanger de la temporada deja a Lidia posiblemente perdiendo el hijo de Carlos luego de casi ser obligada a abortar por culpa de la madre de Carlos y a Angeles confesando que ella mató a su esposo. 

 Pese a que Netflix ya está cancelando series, creo que “Las Chicas del Cable” será renovada porque a quién no le gusta el melodrama y el acento español. Y teniendo en cuenta eso, la serie excede su cuota de melodrama lo que lo convierte en un placer culposo, pero “Las Chicas del Cable” es un paso adelante por la implicancia de ser la primera producción de España de realización exclusiva para Netflix, pero es dos pasos atrás porque España ha tenido mejores series y realmente este melodrama no le aporta nada nuevo o innovador a lo que ya tiene Netflix. 

El soundtrack sigue fuera de época

Aun me sigue molestando la musicalización de “Las Chicas de Cable”. Ni si quiera “El Escuadrón Suicida” fue tan desatinado.

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#BlackMirror : Ranking de los episodios de la cuarta temporada (Y los mensajes de cada capítulo)

El creador de “Black Mirror”, Charlie Brooker, dijo que esta temporada sería más ligera debido al contexto mundial en el que vivimos y aunque esto suene muy noble, en realidad no tiene sentido. Para bien o para mal, “Black Mirror” se trata de una serie que invita a la reflexión sobre el peor lado de la humanidad, sin mencionar que las series por sí solas son un modo escapar la realidad. De modo que nadie espera que “Black Mirror” tenga episodios digeribles como una especie de premio de consuelo por el caótico mundo donde vivimos. Al contrario, “Black Mirror” nos incomoda y nos asusta porque puede ser real. Todos hemos vivido “The Waldo Moment” con la llegada de Donald Trump al poder y ahora más que nunca necesitamos que sea visceralmente cruel al mostrarnos el peor de los escenarios. Quizás por las buenas intenciones de Brooker esta cuarta temporada ha sido irregular y ha apelado al giro fácil buscando un impacto a dé lugar sin importar el vacío de la historia. Sabemos que la tecnología no es la antagonista real, pero generalmente, en “Black Mirror” hay una razón detrás de la miseria ocasionada por la tecnología y si bien es cierto, en la mayoría de episodios, los hombres son los responsables de sus propias desgracias, en otras temporadas las motivaciones eran claras pero en estos nuevo episodios parece que ese elemento ha sido borrado privando a la historia de un componente esencial y solo hemos tenido un regocijo de la miseria humana.

 6.- “Crocodile” 

Sin tapujos, “Crocodile” es el episodio más mediocre de toda la serie. Se trata de una mujer, Mia (Andrea Riseborough), que ayuda a deshacerse de cuerpo producto un accidente. Quince años después, para evitar que su amigo denuncie este caso a las autoridades, ella decide matarlo. Y de algún modo termina matando a más gente para cubrir el primer asesinato hasta el punto de matar a un bebé. La razón por la que es el capítulo más mediocre de toda la temporada es porque quien termina resolviendo todo el caso es una mascota, pese a que en el mismo episodio nos explican que el sistema que utilizan está conectado a sentidos humanos. Luego de conectar a la persona a una máquina que sirve para ver las memorias a los demás, se le da a la persona una botella y se le hace escuchar “Anyone who knows what love is (Will understand)” para poder ayudar a la persona a retroceder a un momento exacto. ¿Cómo aplicar esa técnica en animales? Además, jamás llegamos a entender el procedimiento de Mia después del primer asesinato. Sin mencionar que el giro más macabro es el hecho que el bebé era ciego y no había modo que hubiera presenciado el asesinato de su padre a manos de Mia. 

Mensaje del episodio: Uno de los temas centrales de “Black Mirror” es que el mundo sería peor si es que las personas revelaran sus pensamientos internos más oscuros o si expusieran sus recuerdos más dolorosos. En el episodio, Mia se habría salido con la suya sino fuera porque la misma noche en que asesinó a su examigo presenció un accidente, un camión atropelló a un joven, y cuando la entrevistadora descubrió el asesinato, Mia decidió eliminarla a ella y a toda su familia… pero supongo que el giro final comprueba que hasta los animales tienen memorias. 

5.-“Metalhead” 

Lo más destacable es que se trata de un episodio en blanco y negro donde la musicalización está en su punto. La idea del episodio es el clásico “Humano vs. Robot”, pero la historia pudo pulirse mejor. No sabemos nada de la misión principal de nuestra protagonista de turno Bella (Maxine Peake) pero somos de su equipo, queremos que sobreviva su batalla contra el malo perro-robot, sin embargo, el giro final nos revela que lo que el grupo de Bella buscaba era una caja llena de peluches. Claro en primera instancia esta revelación minimiza el sacrificio de Bella y su gente, aunque también habla mucho de la humanidad de este grupo dispuesto a sacrificarse para poder darle algo de esperanza en forma de peluche a alguien. 

Mensaje del episodio: Cuando los robots tomen consciencia que son más poderosos que los humanos, no habrá modo en que podamos sobrevivir. Así se amable con los robots. 

4.- “Arkangel” 

Este episodio, dirigido por Jodie Foster, nos cuenta la historia de una madre controladora tan obsesionada con la seguridad de su hija hasta llegar al punto de colocarle un implante digital de modo que ella pueda ver todo lo que su hija está viendo. Por supuesto, el daño escala cuando la hija llega a la adolescencia y lo único que quiere es experimentar. La dirección de Foster es sobria y también calculada, más que generarnos emociones quiere que comprendamos ambos lados de la historia. La escena final es un paralelo a las primeras escenas donde la madre pierde a su hija cuando era niña y la vuelve a perder por no darle una completa libertad.

Mensaje del episodio: Tratar de proteger al extremo a un hijo con un control extenuante puede tener consecuencias fatales. Los niños necesitan experimentar lo bueno de la vida pero también lo malo. 

 3.- “USS Callister”

Este episodio es el más sui generis de “Black Mirror” aunque cuente con un par de giros familiares. “USS Callister” es un mundo inspirado por una serie tipo “Star Trek” creado por Robert Daly para vivir sus fantasías geeks donde es el héroe, sin embargo, porque ya sabemos que no podemos confiar en el protagonista del capítulo y en una clásica jugada de “Black Mirror”, el Robert Daly ha creado copias digitales de personas reales y estos son conscientes de lo que son. Cuando Daly clona a Nanette Cole, interpretada por la asombrosa Cristin Millioti, ella lidera una revolución para liberar a todos de la opresión de Daly. 

Mensaje del episodio: Además del clásico “no todo es lo que parece” de “Black Mirror”, la serie nos sumerge en el mundo del geek a modo de crítica. La protagonista de la historia al final termina siendo Nanette Cole quien se rehúsa a seguirle el juego de Daly como una de las mujeres sumisas de su tribulación y esa rebeldía es la que logra darle la libertad a los clones digitales. 

 2.- “Hang The DJ” 

Debido a su ternura y su final feliz, “Hang The DJ” es el equivalente de “San Junipero” pero para heterosexuales. La historia se desarrolla en un futuro donde las relaciones están orquestadas por un sistema. En este contexto, Amy (Georgina Campbell) y Frank (Joe Cole) se conocen, tienen química y una atracción evidente, sin embargo, “el sistema” dice solo van a funcionar por un tiempo determinado. La segunda vez que se reencuentran, Amy y Frank quedan en no ver la fecha de vencimiento de su relación, pero al mismo modo que Orfeo tiene que verificar si es que Euridice está detrás de él mientras salen del inframundo, Frank ve el tiempo que les queda juntos, y así como el simple hecho de voltear hizo que Orfeo pierda a Euridice, tan pronto como Frank ve la fecha de vencimiento, el sistema comienza alterarse hasta el punto que solo le quedan horas con Amy. Entonces, deciden huir juntos. El giro final es que todo era parte de una simulación y en el mundo real, Frank y Amy recién se van a conocer gracias a una aplicación.

Mensaje del episodio: En primera instancia, “Hang the DJ” podría parecer una crítica a aplicaciones como Tinder, pero en realidad el capítulo nos muestra lo complejo que es el ser humano al momento de relacionarse, pero sobre todo enfatiza en el mensaje que el amor no puede ser medido por una máquina. El sistema le enseñaba a Amy y a Frank potenciales opciones de pareja, sin embargo, como el mismo Ted Mosby experimento en la primera temporada de “How I met your mother”, la maquina puede determinar que tienes un match de 10/10, pero puedes ya conocer a alguien que piensas que es un 11/10. 

1.- "Black Museum"

La visita de Nish (Letitia Wright) a un museo que colecciona reliquias de varios casos impactantes sirve como una excusa para regalarnos una antología de pequeñas historias que están conectadas por las consecuencias del malévolo uso de la tecnología. El curador del museo Rolo Hayes (Douglas Hodge) le cuenta a Nish tres historias:

-Un doctor dejó que le implanten un sensor para poder sentir el dolor de sus pacientes y se vuelve adicto al dolor.

-La conciencia de una mujer en coma es introducida en la mente de su esposo causando problemas hasta que finalmente, la conciencia de esa mujer es trasladada a un peluche.

-Un reo acusado de asesinato acuerda transmitir su consciencia a un formato digital termina el resto de sus días como un prisionero en el museo.

En una suerte de justicia poética, Nish termina siendo la hija del reo y termina vengándose de Haynes, quien está involucrado en las tres historias, transfiriendo su consciencia a la copia digital de su padre y luego torturándolo. “Black Museum” es un episodio fuerte y poderoso aunque se siente un poco como “White Christmas”, no obstante, se cierra una irregular temporada en un pico alto, además, contiene una cantidad asombrosa de "easter eggs” del universo de “Black Mirror”. 

Mensaje del episodio: “Black Museum” aborda varias temáticas; la adicción a la tecnología, la injusticia en el sistema judicial, la cultura del entretenimiento en casos policiales, etc, etc, etc… pero lo más resaltante sigue siendo el punto en común en la serie; la tecnología por sí sola no es mala y de ser utilizada de la manera correcta podría ser positiva. En este sentido, Rolo Haynes es la perfecta representación de la perversión human; es el quien aconseja al doctor implantarse el sensor, es el quien traslada la consciencia de la mujer en coma ha un peluche y es el quien convence al reo de copiarse digitalmente y todo lo hace para beneficiarse a sí mismo.

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#MrRobot T3: Ordenando el caos

La segunda temporada de "Mr Robot" me recordó a las temporadas más flojas de "Lost "porque hubo un momento donde la serie le gustaba construir misterios, pero no resolverlos. La idea de "Mr Robot" siempre ha sido luchar contra el sistema pero una vez que este sistema ha colapsado, lo único que quedaba era un país en crisis y donde el rol del protagonista estaba tan a la deriva como los demás y esa es la razón por la que la segunda temporada parecía no tener una dirección concreta. De modo que todos los caminos que construyó "Mr Robot" - ¿qué pasó con Tyrell? ¿Cuán sumergida está Angela en los planes de Fsociety? ¿Cuál es el objetivo del Dark Army? – no llevaron hasta ningún lado… hasta la tercera temporada. En ese sentido, así como el propio Elliot (Rami Malek) necesitaba una forma de “arreglar” su fracasada revolución, la serie misma encontró en su tercera temporada un orden dentro del caos de su propio mundo pero apoyándose en la tumultuosa realidad social de los Estados Unidos incluyendo la polarizante candidatura de Donald Trump como una consecuencia del ataque contra E Corp y como parte del plan de Whiterose (BD Wong). 

 Algo que caracteriza a "Mr Robot" son sus giros, pero ya sabiendo que no podemos confiar en Elliot, el principal giro de la temporada no tiene con la realidad alterada de él sino con sus planes y es que la verdad es que no funcionaron porque eran brillantes sino porque alguien, Whiterose, utilizó su dichosa revolución para lograr sus propios objetivos. Esta revelación le cae como un baldazo de agua fría a Elliot, pues, en realidad no logró nada más que ayudar a desatar el momento más caótico del país que beneficiaría a otro grupo de poder. 

Whiterose, el big bad de la temporada

 Lo interesante de la tercera temporada, además de su propia recomposición y dirección, es la introducción de Irving (Bobby Cannavale) como el fixer de Dark Army. Un tipo excéntrico y sin escrúpulos perfecto para como el antagonista de turno, y que al mismo tiempo logra controlar a Tyrell Wellick (Martin Wallstrom) y manejar la locura de Elliot. Al igual que Elliot, no podemos confiar en Irving pero  no porque esté loco sino porque usa una careta dependiendo lo que quiere lograr.

El mejor nuevo personaje: Irving

 “eps3.4_runtime-error.r00” es el episodio más ambicioso de la serie pues se desarrolla en una sola toma. Se trata de toda una hora siguiendo a Elliot y Angela, uno tratando de evitar la fase dos y la otra ayudando para que la fase dos se desarrolle por completo. Desde el punto de vista de la producción, este tipo particular de grabación y edición es todo un reto, pero el producto final es fascinante. 

El capitulo quedará como uno de los mejores episodios experimentales del año 2017. 

Muchas de las minas explosivas introducidas en la segunda temporada terminaron explotando en la tercera:

-La fase dos del Dark Army era literalmente explotar empresas de Evil Corp.

-La radicalización de Angela fue completada tras un encuentro con Whiterosse. En muchos aspectos, Angela fue la "nueva Elliot", cegada por su ambición de dañar a E Corp sin asumir las consecuencias solo para perder contacto con la realidad al darse cuenta ha sido utilizada.

-Durante su misteriosa desaparición, Tyrell estuvo trabajando en la fase dos. Mr Robot dedicó el episodio “eps3.2_legacy.so” para explicarnos lo que literalmente estaba haciendo mientras se desarrollaba la segunda temporada.

-Pese a su profesionalismo, la inmensa soledad que sentía la agente Dom DiPierro (Grace Gummer) le sirvió como una herramienta a Darlene para manipularla.

-Whiterose es una mente tan brillante como enfermiza.

-El amigo de Elliot de la cárcel, Leon, trabaja para el Dark Army y el Dark Army están detrás de todo lo malo que ha sucedido.

- Los amigos de Elliot, Mobley y Trenton, fueron incriminados como los jefes de Fsociety y terminaron muriendo en una escena muy orquestada por Dark Army.

-Finalmente vimos como es Mr Robot cuando se apodera del cuerpo de Elliot y cómo interactúa con los demás. 

En resumen, la tercera temporada de "Mr Robot" no es un reboot de sí mismo, es un regreso a sus raíces pero con un panorama claro; un antihéroe no puede luchar contra sí mismo necesita un enemigo. En la primera y segunda temporada, el enemigo era Evil Corp, la representación del lado más malévolo del capitalismo, ahora es Whiterose, el poder detrás del poder, y el giro final nos revela un viejo enemigo que puede causar mucho daño emocional: Vera.

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