#You T2: El asesino romántico, las casualidades y #Dexter

Desde que “You” fue estrenada en Netflix sentí que era como una versión millennial de “Dexter” o por lo menos, como su evolución más progresiva en estos tiempos. Estas dos series están protagonizadas por asesinos carismáticos; uno es un forense especializado en análisis de salpicaduras de sangre en el Departamento de Policía de Miami poseedor de un "pasajero oscuro" que lo obliga a matar criminales que se han escapado de la justicia y el otro es un librero romántico que mata en nombre del amor; ellos comparten sus pensamientos a través de un voz en off y nosotros vemos cómo sus acciones terminan metiéndolos en problemas, pero justo cuando parece que están a punto de enfrentar a la justicia, la suerte los termina salvando… siempre. 

 “You”, la serie producida por Greg Berlanti y Sera Gamble, originalmente no le funcionó muy a Lifetime, que lo canceló tras su primera temporada, pero cuando fue emitida en Netflix, la historia del librero Joe Goldberg conquistó a un nuevo público dispuesto a abrazar su “pasajero oscuro” del mismo modo que en su época, Dexter Morgan (Michael C. Hall), el asesino exquisito, sorprendió al mundo con su doble vida. En la primera temporada, Joe Golberg (Penn Badgley) se obsesionó de una joven escritora llamada Beck (Elizabeth Lail) y desarrolló plan acosador para que ella se enamore de él, incluyendo el secuestro de su ex y el asesinato de su mejor amiga que también vivía fascinada por ella. En una casualidad muy a lo “Dexter”, Beck diseñó un plan para incriminar al Dr. Nicky (John Stamos), el psicólogo con el que le fue infiel a Joe, esto lo hizo con la esperanza de que el librero la libere de la caja de vidrio en el que estaba secuestrada luego de enterarse de las terribles cosas que había hecho (los asesinatos) con tal de que los dos estén juntos. Al final, obviamente, Joe termina asesinándola y sin querer Beck le dio las pruebas necesarias para incriminar al Dr. Nicky. Este giro es muy similar a cuando James Doakes (Erik King) descubre que Dexter es en realidad el asesino de Bay Harbor y su investigación termina volteando la tortilla haciéndolo quedar a él como un asesino en serie mientras que Dexter se queda limpio sin polvo y paja.

Joe y Beck. Doakes y Dexter.

El 26 de diciembre del 2019 se estrenó la segunda temporada y nos volvimos a encontrar a Joe esta vez en California a donde ha huido para evitar a su exnovia Candance (Ambyr Childers), quien sorprendentemente reapareció en el capítulo final pese a que todos pensábamos que había sido una más dentro de la larga listas de víctimas de Joe. El cambio de escenario de Nueva York a California fue usado como una excusa para darnos la ilusión óptica que nuestro protagonista podía cambiar, no obstante, se enamora una vez más y esta vez parece haber conocido a su verdadero “Love” (Victoria Pedretti), una mujer con la que no solo comparte una conexión emocional fuerte, sino que también tiene su pasajero oscuro. Esta nueva alma gemela de Joe asesinó a Delilah (Carmela Zumbado) y a Candance, que se había inmiscuido en su vida para protegerla y que murió porque en lugar de llamar a la policía una vez que Joe queda atrapado en su caja de vidrio con el cuerpo desangrado de Delilah a su lado, llamó a Love. En un primer momento al enterarse de la verdad, Joe está a punto de matarla, pero ella le revela que está embarazada. Nuevamente, la casualidad le salva la vida a Joe justo cuando Forty (James Scully), el hermano de Love, y quien pese a las apariencias termina siendo el más cuerdo de toda la serie, está apunto de vaciar sus balas en su cerebro, un policía ingresa y le dispara a Forty porque asumen que es él el que está poniendo en peligro a los demás. En los últimos minutos de la temporada, Joe y Love se mudan a los suburbios a la espera del nacimiento de su bebé y todo parece indicar que nuestro adorable asesino romántico ha sentado cabeza, eso es hasta que ve a una vecina que le llama la atención.

En términos “dexterianos”, “Love” se presenta como una combinación de Lila, Lumen y Hanah, mujeres que no solo conocían sobre el pasajero oscuro de Dexter, sino que lo abrazaban y hasta complementaban. De estas tres mujeres, creo que Love comparte más con Lila, pues, del mismo modo en el que Lila se obsesionó con Dexter hasta bordear lo enfermizo, Love está obsesionada con Joe. En la segunda temporada de “Dexter”, luego de que el forense se percató de lo peligrosa que era Lila, terminó asesinándola. Ahora, no estoy diciendo que Joe vaya a matar a Love, pero es bastante obvio que no se queda con ella por amor. De hecho, el “amor” que decía sentir por ella se diluyó tan pronto supo de su responsabilidad en las muertes de Deliliah y Candance.

 En su momento, “Dexter” despertó reflexiones sobre lo que significa ser un antihéroe, sobre los matices de la maldad, de la justicia y de la ética. Se trataba de una producción que representaba un reto para la audiencia y su gran acogida se debió a una combinación de elementos que empezaba por un buen guion y un protagonista de la talla Michael C. Hall. Se podía considerar a Dexter como un justiciero porque el código de Harry - las reglas establecidas por el padre de Dexter para que satisfaga su obsesión compulsiva de matar sin poner en riesgo a inocentes – hacía que en cierta forma entendamos su misión porque después de todo eliminaba criminales. Ahora, “You” también abre paso a una discusión nueva discusión en un mundo mucho más gris que antes. La serie dice mucho sobre el peligro de las redes sociales, sobre la distorsión del romanticismo y sobre la moralidad ambigua que parece estar en todos lados, pero las víctimas de Joe no son criminales y no suponían un peligro inminente para sociedad a diferencia de él. En una conversación para Variety, el actor Penn Bagley dijo que la serie es un “hasta dónde estamos dispuestos a ir para perdonar a un hombre blanco malvado". Y tiene razón. Por cómo se ve Joe y por esa voz en off en la que comparte sus pensamientos, nos dejamos engatusar por él y aunque no siempre estamos de acuerdo con lo que hace, deseamos que no le pase nada.

 Alrededor de su tercera temporada, “Dexter” comenzó a caer repetitiva porque seguía más o menos el mismo patrón, ¿podría ser esta la misma dirección que tome “You”? La segunda temporada parecía irse por ese camino hasta que nos sorprendió con ese giro de Love. Pese a que Netflix no ha renovado “You” de manera oficial, a Bagley se le escapó accidentalmente que habría una tercera temporada. No sabemos si se atarán los muchos cabos sueltos que se han dejado. Uno de ellos es Ellie (Jenna Ortega), la hermana de Delilah, que para el final de la temporada sabe que la familia de Love tuvo algo que ver con la desaparición de su hermana y con la muerte de Henderson (Chris D’Elia). Esta adolescente es muy ingeniosa, por lo que, en una nueva temporada, podría buscar la verdad sobre lo que le pasó a su hermana y descubrir lo que realmente ha hecho Joe. En ese sentido, ella podría cumplir lo que Candance no pudo: darle su merecido a Joe. Además, el hecho de que Joe se enamore de nuevo y de otra mujer no va a sentar nada nuevo en Love, con lo que ella podría convertirse en su némesis principal y gracias al poder de su familia, Joe no puede matarla tan fácilmente. Entonces podríamos entrar a un posible versus entre Love y Joe que sería algo similar al Hanna vs. Dexter… aunque el final sería diferente. Mientras tanto nos seguimos regocijando con las aventuras de Joe, el asesino romántico.

También puedes leer:

-Pensamientos al aire sobre #NarcosMexico, #You, #LaCasadelasFlores, #Champions, #SexEducation y #GraceandFrankie

-#Dexter: Calificando las temporadas

#StarWarsTheRiseofSkywalker: Los errores y problemas que derivaron en este fiasco

La última película (por ahora) de la saga de “Star Wars” terminó siendo, por decir menos, divisiva. Mientras que los críticos destrozan la película dirigida por JJ Abrams por la falta de coherencia en la historia y por el excesivo fanservice, los fans que odiaron “The Last Jedi” sabrán apreciarla y defenderla porque Abrams les ha dado todo lo que han pedido. En el medio de esta guerra de opiniones, vale la pena aclarar que el resultado de “The Rise of Skywalker” está atado directamente con la controversia alrededor de “The Last Jedi”, y son los errores y los problemas de estas dos producciones las que derivaron la implosión propia y predecible de esta nueva trilogía. Analicemos los problemas y errores: 

 PROBLEMA: “Star Wars” no cuenta con un Kevin Feige 

Uno de los problemas de revivir “Star Wars” para una nueva generación es que se hizo sin un plan específico. JJ Abrams dirigió el Episodio 7 apoyándose en la nostalgia y en su clásica “caja de misterios”. El creador de “Lost” es conocido por crear misterio tras misterios y eso es exactamente lo que hizo en “The Force Awakens”. ¿Quién es Rey? ¿Dónde ha estado Luke todo este tiempo? ¿Por qué la Resistencia no impidió el crecimiento de la Primera Orden? ¿Quién es Snoke? ¿Por qué Kylo Ren cedió ante el lado oscuro? ¿Por qué Leia y Han Solo no están juntos? Todas estas preguntas y más debían desarrollarse en los siguientes episodios, Entonces, se decidió que Rian Johnson sea quien coescriba y dirija el Episodio 8, de modo que debía responder las preguntas que Abrams había planteado y las respuestas que nos dio no fueron las mejores porque, para Johnson, las preguntas no importaban. Aquí reside parte del problema porque desde que George Lucas vendió su compañía a Disney en el 2012 se sabía que iban a haber nuevas películas, pero no había un plan. 

Abrams y Johnson tenían ideas diferentes, hasta opuestas, y no había quien unificara o por lo menos encontrara un punto en común que le de consistencia a esta nueva trilogía. En ese sentido, lo que Disney necesitaba era que alguien asumiera el rol de Kevin Feige tiene en Marvel. Recordemos que Feige es el responsable que todas las películas de Marvel estén conectadas y nótese que el hecho que Feige esté involucrado no ha mellado el estilo de los directores, solo que logrado atar los puntos porque cada filme pertenece a un universo grande. En el caso de “Star Wars”, cada director hizo lo suyo y cada uno se por su lado, entonces, así como las preguntas que generó “The Force Awakens” tuvieron que ser incluidas en la historia de “The Last Jedi”, las respuestas dadas terminaron afectando a “The Rise of the Skywalker”. Quizás con alguien como Feige, que unifique visiones, se habría tenido un mejor resultado. 

 ERROR: Los fans tóxicos ganaron la batalla 

Tras el aluvión de críticas en contra de “The Last Jedi”, Disney se puso en modo control de daños y trajo de vuelta a JJ Abrams para resolver este desastre generando otro nuevo. Se puede entender que las respuestas que ofreció a Johnson a las preguntas creadas por Abrams satisficieron a pocos y molestó a varios, se puede aceptar las críticas, por más agrias que estas sean, se puede incluso crear una petición para que se vuelva a hacer “The Last Jedi”, pero lo que es inaceptable fueron los insultos y el acoso a los actores en redes sociales, más teniendo en cuenta que ellos no son los responsables de la historia. El caso más dramático fue el de Kelly Marie Tran quien incluso cerró sus cuentas sociales por el constante buylling cibernético. ¿Cuál fue su pecado? Le dio vida al personaje de Rose Tico que de algún modo se convirtió en el punto de odio que condensaba todo lo malo de la película de Johnson.  El error en este caso fue dejar que esos fans tóxicos ganaran la batalla porque obtuvieron lo que quisieron “The Rise of the Skywalker” “corrige” “The Last Jedi” y el rol de Rose es reducido al mínimo. 

 PROBLEMA: La batalla de las ideas y los egos 

Hace unas semanas vimos cómo se iba calentando la guerra fría entre los directores Rian Johnson y JJ Abrams ya que se lanzaban indirectas en redes y en entrevistas a la par que iban defendiendo sus respectivas películas. Para ser justos, “The Last Jedi” al igual que “The Rise of Skywalker” tienen aspectos destacables, pero también cosas criticables. Expliquemos primero; lo que quiso hacer es Johnson es madurar “Star Wars”; quería que los Skywalkers y los Jedi no fueran especiales para dejar la lección que cualquiera pueda ser un héroe, pero la forma de ejecutarlo fue bastante irrespetuosa de los personajes, particularmente el de Luke Skywalker (Mark Hamill), ya que se trató de ridiculizar el legado de las películas anteriores. Además, también tuvo sus incoherencias en la narrativa. No obstante, por más noble que sea sus intenciones y por más profundo que quisiera ser, Johnson no comprendió que nadie ve las películas de “Star Wars” esperando toparse con una crisis existencial. Ojo que esto no es un agravio a la simpleza de la franquicia, sino al modo en el que Johnson eligió plasmar sus ideas. Recordemos que “Rogue One” supo cómo ahondar en ese lado gris oscuro casi negro en el que Johnson quería que los personajes nadaran y lo hizo sin menospreciar la naturaleza de “Star Wars”, es más, “Rogue One” mejora “New Hope” y mostrándonos que los personajes no son totalmente buenos ni totalmente malos.

 En el otro lado está JJ Abrams, el hombre que se hizo conocido por revolucionar la televisión con “Lost” es el mismo hombre que dirigió el episodio 7 como si básicamente fuera el remake del episodio 4 pero con nuevos personajes, pues, este mismo hombre regresó a “Star Wars” con un objetivo doble; corregir el canon que Johnson había establecido y pretender que esa película no existió. Una misión extraña que explica el por qué varias escenas de “The Rise of the Skywalker” parecen ser una secuela de una película que no hemos visto, de la película de “The Last Jedi” que pedían los fans, y otras escenas son rectificaciones del filme de Johnson. El resultado de esta batalla de egos e ideas terminaron haciendo de “The Rise of the Skywalker” una especie de Frankenstein lleno de tramas acelerados. 

 ERROR: Fanservice del lado oscuro

 El fanservice es como una especie de regalo al fan, un guiño que dice “te tengo presente”. El fanservice por sí mismo no es malo. El problema es cuando se escribe pensando en la reacción más que en la historia. Usemos el regreso de Tom Welling como el Clark Kent de “Smallville” en “Crisis on Infinte Earths” para graficar el ejemplo. El fanservice es la presencia de Welling como Kent años después del final de “Smallville”, pero además, los guionistas y productores se las idearon para justificar la única escena en la que aparece dándole un final coherente al personaje. Todo lo que el Clark Kent de “Smallville” quería era ser normal, entonces, tiene sentido que haya decidido renunciar a sus poderes y así poder tener una vida normal con su esposa e hijas. Eso fue algo que sorprendió de manera grata y que no está fuera de personaje.  El buen fanservice es darle algo que los fans quieren y el caso de “Crisis” también les dio algo que no sabían que necesitaban: un cierre. 

El fanservice malo es cuando se abusa de satisfacer a los fans y deja las sorpresas a un lado por temor a que algo pueda molestarlos. El fanservice malo puede arruinarlo todo. Hay un conformismo creativo que se denota en “The Rise of the Skywalker” que hace que la historia carezca de sentido incluso cuando se trate de una guerra en una galaxia muy muy lejana. Una cosa es la ciencia ficción sin base científica, como los sonidos de láser en medio del espacio, y otra es que una escena se mate a Chewbacca solo para recular en la siguiente alegando que no murió porque era otra nave. Eso no es ciencia ficción, es simplemente flojera en el guión y de eso hay bastante en “The Rise of the Skywalker”, pero como las escenas están adornadas con un sentimentalismo derivado del retorno de viejos conocidos, los deus ex machina son plácidamente ignorados. Del mismo modo, no hay una evolución de personajes, solo hay momentos efectivos que carecen de construcción. Como lo resume la crítica de The Washington, “The Rise of Skywalker” le da a los fans lo que quieren, pero no la historia que necesitan.

 PROBLEMA: Le faltó la mano de Carrie Fisher 

Se dice que originalmente se tenía planeado que “Force Awakens” esté centrado en Han Solo (Harrison Ford), “The Last Jedi” en Luke Skywalker y en “The Rise of Skywalker” sería Leia la figura principal. Lamentablemente, esto no pudo ser posible porque Carrie Fisher falleció en el 2016, sin embargo, uno de los puntos positivos de “The Rise” es que sí le hace justicia a Leia, pero al filme le hace falta Fisher. Let me explain: La actriz es también reconocida por ejercer como “guionista fantasma”, es decir, ella era la que revisaba los guiones, los corregía y los mejoraba. De hecho, Fisher reescribió el dialogo de Leia y creó su personalidad para que la princesa no caiga en el molde de damisela en peligro. Al parecer a George Lucas no le molestó la libertad creativa de Fisher porque después estuvo involucrada en los guiones de las precuelas de “Star Wars”, “The Phantom Menace”, “Attack of the Clones” y “Revenge of the Sith”. Solo podemos especular lo que hubiera enmendado Fisher tras leer el guión de “The Rise of the Skywalker”. 

 ERROR: Disney “traicionó” a Lucas 

 En su libro, “The Ride of a Lifetime: Lessons Learned From 15 Years as CEO of the Walt Disney Company”, Bob Iger reveló que George Lucas se sintió traicionado tras escuchar los planes que tenía Disney para la nueva trilogía de “Star Wars”. “In each of the films in the original trilogy, it was important to him to present new worlds, new stories, new characters, and new technologies”. “En cada filme de la trilogía original, era importante para él (Lucas) presentar nuevos mundos, nuevas historias, nuevos personajes y nuevas tecnologías”, escribió Iger. Entonces, se puede comprender la decepción de Lucas luego de ver que “Force Awakens” es casi-casi un remake de “New Hope” con una estrella de la Muerte mucho más grande y los mismos enemigos dominando la galaxia años después de que el Imperio fuera derrotado. Se sabe que antes de vender Lucasfilm a Disney, Lucas tenía sus propios planes para una nueva trilogía. Por supuesto, estas serían completamente diferentes a lo que hemos visto. También es verdad que las películas de George Lucas no serán perfectas, pero son su creación y hubiera sido justo que si quiera algunas de sus sugerencias hubieran sido si quiera escuchadas por el estudio. 

 LA ESPERANZA: The Mandalorian / Jon Favreau 

 La primera temporada de “The Mandalorian” es un excelente ejemplo de cómo se puede seguir ampliando el inmenso universo de “Star Wars” sin mellar el legado de la saga y con el plus de seguir deleitando a los fans. El creador y productor de la serie, Jon Favreau, ha logrado encontrar una fórmula que parece condensar las conclusiones a las que hemos llegado en la nota. “The Mandalorian” es, ante todo, una carta de amor a los fans de “Star Wars”. Según el actor Giancarlo Esposito, Favreau trabajó con el propio George Lucas para asegurarse que la serie se sienta como la trilogía original. Del mismo modo, la producción trató de depender lo menos posible de los efectos especiales, así como se grabó la primera película de la saga, y se apoyó en el diseño de maquetas y muñecos, razón por la cual la ambientación se siente tan familiar. Asimismo, La presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy, es parte de la producción y todo el material de la serie es aprobada por la organización encargada de que el canon de “Star Wars” sea consistente. El estilo westeriano espacial de “The Mandalorian” se inspira en la escena de la cantina, donde Obi Wan Kenobi y Luke Skywalker conocen por primera vez a Han Solo. La historia de la serie se desarrolla cinco años después del “Regreso del Jedi” y 25 años antes de “La fuerza despierta”, con lo que aún goza de un largo periodo que puede rellenar con sus aventuras. La primera temporada de “The Mandalorian” es extraordinaria, se ha inspirado en lo mejor de sus antecesoras y ha creado algo nuevo pero conocido, algo tan “Star Wars”.

También puedes leer: 

-#StarWarsTheRiseofSkywalker: Muchas respuestas, poca sustancia 

-Los Clásicos de JJ Abrams

#StarWarsTheRiseofSkywalker: Muchas respuestas, poca sustancia

“Star Wars The Rise of Skywalker” no solo es la última película de la nueva trilogía, sino que también es el cierre de una saga que comenzó hace 42 años con la trilogía original de George Lucas. Acabar esta historia suponía un monumental trabajo y una gran presión, todo esto recayó de nuevo sobre las manos de JJ Abrams, quien retornó tras “The Force Awakens”, luego de la controversial recepción que tuvo “The Last Jedi” de Rian Johnson. En este contexto difícil se suponía que Abrams debía recuperar la confianza de los fans y el respaldo de los críticos, algo que lo consiguió a medias con el Episodio 7. Hay que reconocer que Abrams se esforzó para que “The Rise of Skywalker” tuviera una resolución aceptable y explotó al máximo la nostalgia al ofrecer momentos emotivos con caras familiares, priorizando el trama a través de una narrativa esquemática llena de casualidades que ignoraba la propia evolución lógica de varios de sus personajes, pero que ofrecía lo que el fan acérrimo deseaba.

 El lado positivo 

Al igual que en “The Force Awakens”, la nostalgia estuvo a flor de piel en “The Rise of Skywalker” y eso hizo que sintiéramos de manera más intensa los reencuentros con viejos conocidos. Disfrutamos volver a ver al siempre cool Lando Calrissian interpretado por Billy Dee Willams y también que sufrimos más con la muerte de Chewbacca, pese a segundos después se nos revela que no murió. En realidad, Abrams no quiere que tengamos sentimientos negativos y por eso pone freno a todo aquello que podría hacernos sentirnos tristes. Si bien la historia tiene altos y bajos, lo que es consistente es las performances de todo el elenco, especialmente hay que destacar el trabajo de Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac y del tridente original: Carrie Fisher, Harrison Ford y Mark Hamill. 

Cada escena en la que Carrie Fisher volvió a darle vida a Leia Organa está llenos de mística y familiaridad. Es realmente impresionante lo que se pudo lograr con el material limitado que se tenía de Carrie Fisher luego que la actriz falleciera en el 2016. Pese al reto que significaba hacer la película sin Fisher se le hace justicia Leia, uno de los personajes más míticos de la saga, y al mismo tiempo se le hace un homenaje a la propia actriz al no recrearla digitalmente. Se utilizaron escenas que Fisher grabó en los episodios 7 y 8, por eso cierto dialogo parece desfasado, sin embargo, el arco que le ha tocado a es el más satisfactorio de toda la saga reciente ya que no solo se resalta su liderazgo como la cabeza de la Resistencia sino que también es clave en la reivindicación de Kylo Ren. Y con la revelación de que ella entrenó para ser un jedi, se hace un sueño realidad. 

 La aparición de Harrison Ford, el actor prodigo de la franquicia, también ha sido genuinamente grata. La escena en donde aparece plasma un escenario inverso al de la última vez que lo vimos cuando intentó salvar a su hijo antes que él lo matara primero. En esta oportunidad, se cierra el círculo, Han Solo le da la fuerza a Ben para que dejar ir a Kylo Ren. Se da a entender que la presencia de Han Solo es una manifestación de Kylo Ren tras el sacrificio de su madre quien uso la fuerza para reconectarse con él y para sintiera amor una vez más iniciando el camino de la redención. De haber seguido viva Fisher, Leia hubiera calzado esta escena a la perfección, pero en su lugar está Han Solo y funciona también porque también es la conclusión de la historia de Han y Leia a través del renacimiento del producto de su amor: Ben Solo. Además, con Ford se crea otro feeling, ahora sí nos despedimos del personaje de manera apropiada. Del mismo modo, el último miembro del tridente original, Mark Hamill hace lo suyo esta vez de una manera más cómoda y con un Luke Skywalker más sabio en su rol de mentor. Este es el Luke que queríamos ver y sus escenas tienen la intención de disculparse por su arco en “The Last Jedi” donde se la pasó en una crisis permanente y despotricando de su pasado como héroe/jedi. 

 Un punto que vale la pena mencionar de la nueva trilogía ha sido la química electrizante de los actores Daisy Ridley y Adam Driver lo que dio pie a posibilidades infinitas al explorar ese vínculo extraño, pero cuya historia siempre se quedó en la superficie. No obstante, es obvio que son el yin y el yan de “Star Wars”, personajes contradictorios y complementarios. Rey representa lo bueno de la fuerza y Kylo Ren, el lado oscuro. Si los dos no terminaban juntos, se aniquilarían entre sí. Ante estas dos opciones, se optó por una tercera; que uno se sacrifique por el otro. Si hay algo bueno que hizo esta trilogía fue elegir a sus dos protagonistas porque son muy buenos pese a las historias que les ha tocado y eso hay que sumarle el plus de compartir una dinámica natural que sirve para justificar ese final apresurado. 

 El lado más flojo 

 Ahora entramos a la parte más floja de la película. Hace años, JJ Abrams se presentó en TED Talks y expuso su famosa técnica de la “caja de misterios” al momento de escribir una historia. Lo que hace Abrams es sencillo: busca crear pequeños misterios que enganchen al espectador, lo hizo en “Lost”, en “Alias” y hasta en “Felicity”, y la razón por las que este método funciona muy bien en series es porque se trata de un señuelo y uno termina quedándose por los personajes. En el caso de las películas de “Star Wars” dirigidas JJ Abrams, esta “caja de misterios” evolucionó en dos problemas gigantes porque Rian Johnson se animó a resolver la mayoría de estos misterios en el “Episodio 8”, pero sus ideas desataron las críticas de los fans que se sentían traicionados ante una dirección nueva que se alejaba del legado de “Star Wars”. Lo que nos lleva al segundo problema; Abrams regresó a la franquicia para corregir las respuestas dadas por Johnson y a la vez, tuvo que hacer algo que no estaba acostumbrado; resolver su dichosa “caja de misterios”. Entonces, para escribir el guión del “Episodio 9” parece que se metió en internet y sacó las mejores teorías en un intento de validar los pedidos de sus fans.  En pocas palabras, Abrams se puso en modo Oprah Winfrey, adelantó la navidad, y le dio a los fans lo que tanto anhelaban. ¿Querían que “The Last Jedi” fuera borrada? Hecho. ¿Querían que Palpapine regresara? Hecho. ¿Querías que Luke se comporte como un mentor? Hecho. ¿Querías que Leia sea una jedi? Hecho. ¿Querías una pareja gay? Hecho, pero no es Poe ni Finn. Bueno, le dio a los fans casi todo. 

 Nosotros podemos justificar ciertas escenas. Por ejemplo: se puede entender por qué nadie respondió el mensaje de ayuda de la Resistencia en “The Last Jedi”, pero sí en “The Rise of Skywalker” ya que en la última película es el propio Lando quien solicita ayuda y recordemos que el hombre es una leyenda porque junto a sus amigos, Luke, Han Solo y Leia, ya salvaron la galaxia. Pero buscarle explicación a todo no es algo que podamos hacerlo durante toda la película y tampoco lo vamos a hacer en todas las escenas porque seguro que Disney sacara libros y comics para llenar los huecos de la historia Abrams. Ese es un problema. En “The Rise of Skywalker” hay demasiada tramas, demasiadas respuestas, el desarrollo es tan rápido que choca entre sí, casi todas las escenas son expositivas y el dialogo está compuesto por frases que suenan cool, pero que no se sienten naturales. En las producciones de la ciencia ficción, el espectador se convierte en un cómplice de la narrativa. Un buen guion hace que te olvides de la ciencia para creer lo que sea que la película te presenta, pero para mala suerte de “The Rise of Skywalker”, nada puede hacernos ignorar esos huecos en la historia ni si quiera el carisma de sus personajes o las adorables nuevas criaturas que se presenten.

La caja de respuestas de Abrams

Explicando el final o por lo menos tratando de darle sentido

Aparte de las preguntas que genera su alucinante retorno, en realidad el personaje de Palpatine es la excusa de JJ Abrams para darle una nueva amenaza a la galaxia luego que Rian Johnson matara a Snoke a la mitad de “The Last Jedi”. También es un modo de restarle responsabilidad de los genocidios realizados por Kylo Ren argumentando que fue manipulado. Es un mal argumento, pero se comprende que en el espíritu de la trilogía original, Kylo Ren debía ser reivindicado como lo fue Darth Vader y derivando todo lo malo que ha sucedido en la galaxia a Palpatine, se cumplía ese cometido. 

 Abrams se apoyó en Palpatine para explicar lo inexplicable incluso ese vínculo especial entre Kylo y Rey. Los dos son una “dyad” de la Fuerza. Esto significa que se trata de dos seres sensibles a la fuerza pueden compartir el poder como un solo individuo. A parte de sus linajes, uno es descendiente directo de los Skywalker, héroes predilectos de la galaxia, y la otra es la nieta de Palpatine, responsable del Imperio y de la Nueva Orden, el vínculo de los dos ha estado presente en la trilogía desde el comienzo, es la razón por la cual pueden verse y comunicarse estando en galaxias diferentes y la razón por la que juntos parecen vencer a cualquiera que se coloque en su camino incluyendo al propio Palpatine. 

"Soy tu abuelo": El giro (no tan sorprendente) de la identidad de Rey es por decir menos bizarro, un deus ex machina que intenta voltear el famoso “Yo soy tu padre” de Darh Vader. 

 Al final, con la ayuda de todos los espíritus de los jedi, Rey logra derrotar a Palpatine, no se sabe si ha muerto porque se usó el mismo método con el que supuestamente ya antes se habían deshecho de él, pero bueno, el esfuerzo hace que Rey muera. Entonces, Ben Solo le devuelve el favor y la cura como ella lo curó a él. Los dos sonríen y se dan un beso con lo que Reylo es canon, pero después… Ben fallece en los brazos de Rey. La muerte de Ben Solo era la decisión más correcta porque iba a ser muy incómodo que sobreviva y se dedique a estar junto a toda esa gente que quería matar. 

Al final de la película, Rey entierra los sables de Leia y Luke en Tatooine, lugar donde comenzó la trilogía original. Antes de que aparezcan los créditos, una mujer hace una pregunta que encapsula de lo que se trataba toda la trilogía: la identidad de Rey. El hecho que Rey haya asumido el apellido Skywalker se da por la admiración a Leila y Luke, aunque la elección más tiene que ver con ser una ofrenda al fan porque si lo pensamos bien, Rey solo entreno con Luke solo un par de días y si hubiera quedado honrar a Leia habría elegido Organa, pero no habría tenido el impacto sentimental que necesitaba la película. El apellido Skywalker es sinónimo de heroísmo en la galaxia y su legado ahora radica en ella. 

En resumen, “The Rise of Skywalker” estaba más preocupado por corregir los “errores” de “The Last Jedi” que en lugar de dejar fluir la historia. Es verdad que la película está llena de acción y se ha apelado nuevamente a la nostalgia, pero la trilogía de manera pasiva y conservadora enfocado más en complacer a su público que en ofrecer calidad. Más que una película, parece un collage de momentos emocionales sin consistencia ni sustancia.

También puedes leer:
-Los Clásicos de JJ Abrams

Las mejores películas del 2019

5.- “Good Boys” (Lee Eisenberg y Gene Stupnitsky) / “Booksmart” (Olivia Wilde)

 “Booksmart” es el “Superbad” de esta década y “Good Boys” es como el hermanito no reconocido de “Booksmart”. Ambas películas tienen como base la amistad. En “Booksmart”, Molly (Beanie Feldstein) y Amy (Kaitlyn Dever) planean tener una noche de fiesta antes de graduarse  mientras que “Good boys” sigue a tres amigos, Max (Jacob Tremblay), Thor (Brady Noon) y Lucas (Keith L. Williams) en su periplo para conseguir un reemplazo a un drone que han malogrado para después llegar a una fiesta donde está la gente cool. Quizás las dos películas tengan demasiada bromas sexuales, pero en general son geniales y bastante divertidas. A veces uno simplemente quiere reírse y con “Good Boys” y “Booksmart” es fácil hacerlo.

 4.-“Rocketman” (Dexter Fletcher) 

Dirigido por Dexter Fletcher, “Rocketman” es un retrato honesto y fantástico de la vida de Elton John. Esta película llegó al cine pocos meses después del enorme éxito de “Bohemian Rhapsody”, un proyecto que casualmente Fletcher terminó de dirigirlo luego del despido de Bryan Singer. En comparación, “Rocketman” es mucho mejor que “Bohemian Rhapsody” porque es mucho más atrevida y surreal. Mientras que los integrantes de Queen cuidaron mucho su propia imagen, incluso más que la de Freddy Mercury, Elton John dio la venia a la producción de mostrar sus momentos más duros, su soledad, sus problemas con la bebida, sus problemas familiares y su homosexualidad. “Rocketman” crea un estilo propio al narrar su historia por medio de los ojos de su protagonista con los números musicales que apelan a la fantasía pero que también están asociados a momentos claves de la tumultuosa realidad de Elton John. De modo que no se recrean los momentos icónicos sino secuencias espectaculares. Vale la pena aclarar que al igual que Rami Malek resaltó en “Bohemian Rhapsody”, Taron Egerton hace lo propio en “Rocketman”. 

 3.-“ Joker” (Todd Phillips) 

En particular no estaba de acuerdo con una película que explicara los orígenes del Príncipe Payaso del Crimen de Gotham porque se trata de un personaje cuyo halo de misterio es parte de su esencia. Había el riesgo de caer en el error que cometió “Star Wars” reduciendo al icónico villano Darth Vader a un adolescente quejoso y lloroso cuando era Anakin Skywalker. Sin embargo, el director Todd Phillips se fue por el camino correcto al ofrecer una mirada única de la frágil y perturbadora psiquis de Arthur Fleck, pero lo más importante es que no le da una historia de origen definitiva, pues, su protagonista es un narrador en quien no podemos confiar y en ese sentido, son varias las veces en las que el filme nos está manipulando y nosotros caemos en la trama, le hacemos el juego al Joker, y eso es lo que exactamente el villano de Batman hubiera querido. La película es la gran sorpresa grata del año, ofrece una actuación A-1 por parte de Joaquin Phoenix y prueba que las películas de héroes/villanos pueden ser mucho más, pueden incluso cambiar la forma en la que vemos la sociedad. 

2.-“El Irlandés” (Martin Scorsese) 

“El Irlandés” es la obra cumbre de Martín Scorsese y como tal podemos encontrar todos sus clichés preferidos; desde el protagonista apático, la figura paternal carismática pero de moralidad gris, pasando por la escena de una sola toma hasta la violencia estilizada, todo eso para seguir satisfaciendo la obsesión del director por el género gánster. De modo que sí, la película es brillante, técnicamente impecable, rica en el plano narrativo y cuenta con la performance de tres leyendas vivas del cine como son Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci. A eso tenemos que sumarle los efectos especiales que se utilizaron para rejuvenecier a los actores para así poder contarnos una historia que recorre décadas. Una de las mejores producciones del año sin dudas. Lamentablemente, “El irlandés” se vio salpicada por la polémica tras las declaraciones críticas de Scorsese sobre las películas de Marvel, a las que no considera cinema, lo que quizás creó una rencilla generacional que no permite apreciar el filme en todo su esplendor. 

1.-Historia de un matrimonio (Noah Baumbach) 

Como lo dice su título, la película cuenta la historia de un matrimonio que termina en un divorcio, pero es mucho más que eso, es el retrato del amor en sus diversos estados y en el sin fin de sentimientos que puede generar. El director es cuidadoso de no elegir una parte ni villanizar la otra, presenta los dos lados humanos de Charlie (Adam Driver) y Nicole (Scarlett Johansson), quienes pasan de la furia, al dolor, al resentimiento y a la calma en un proceso de divorcio que beneficia más a los abogados y que consume a la expareja que esperaba tener una separación amistosa. Lo que hace “La historia de un matrimonio” la mejor película del año es la capacidad de sus protagonistas de transmitir emociones viscerales que se quedan con nosotros por un tiempo después de ver los créditos. Este film de Baumbach es personal sin llegar a ser autobiográfica y toca fibras sensibles porque toca el un tema universal, el amor desgastado o mejor dicho, el amor después del amor.

Lo mejor del 2019

12.- “Sex education”, la heredera milenial de “Skins” 

Esta serie de Netflix es una comedia juvenil atrevida que trata el tema del sexo con una honestidad libérrima. Asa Butterfield hace de Otis Milburn, quien de algún modo se convierte en el gurú del sexo, pese a ser virgen. Debo aclarar que Otis no ofrece sexo, ofrece consejos sobre el sexo y es tan bueno que lo convierte en un negocio. La razón por la que sabe tanto del tema es porque su mamá, interpretada por la magistral Gillian Anderson, es una terapeuta sexual. La serie retrata de manera graciosa, incomoda y honesta el despertar sexual todos los sentimientos que pueden generar. Para todos sus propósitos, podemos considerar a “Sex education” como la heredera milenial de “Skins”. 

11.- “The boys”, el lado oscuro y capitalista de los héroes 

La serie “The Boys” sigue la misma línea de “Watchmen” de Alan Moore donde los héroes (o supes) son despojados de sus valores e ideales. Se explora profundamente que los héroes también pueden ser tan corruptos como los humanos. En ese sentido, se trata de la antítesis de las series de superhéroes a los que estamos acostumbrados y sus personajes, los supes, son una suerte de sátira oscura de los héroes más emblemáticos. Homelander es como la fusión de Evil Superman y Evil Capitán América, Queen Maeve es como la versión ambivalente de Wonder Woman, A-Train es como Flash del darkest time line, The Deep es una tragicomedia de Aquaman. Los supes trabajan para la corporación Vought American y además “salvar gente”, comercializan su merchandising y hasta hacen películas sobre ellos mismos. Vale la pena resaltar que Amazon les permite ser creativamente sangrientos y violentos. De modo que “The Boys” no son los héroes que queremos, pero los villanos que necesitamos. 

 10.- “Star Trek Discovery” y “The Orville”, ciencia ficción en su mejor expresión / ciencia ficción para reflexionar 

Las comparaciones son odiosas y más cuando es obvio que “The Orville” nació gracias a “Star Trek” en una forma de honorar su legado. Las dos series nos cuentan las aventuras de una nave espacial que navega por el espacio. En su segunda temporada, ambas parecen haberse pulido en diferentes aspectos, no obstante, siguen ofreciendo lo mejor de la ciencia ficción. En “Star Trek” se trata de una ciencia ficción más pura impresionándonos con sus efectos especiales y su tecnología. En esta oportunidad se hizo presente el legendario Spock (Ethan Peck), como parte fundamental de la historia del Red Angel, un arco que profundizó mitología de la franquicia. Además, se animó a responder una pregunta que estaba en la mente de los más curiosos. ¿Por qué todos los personajes hablan inglés? Bueno, ahora sabemos que la nave tiene un traductor universal. De modo que aunque nosotros escuchamos el inglés, en realidad, todos están hablando su propia lengua. Por su lado “The Orville” ha aprovechado la ciencia ficción para reflexionar sobre problemas sociales al adaptar diversas problemáticas, como el machismo y la homofobia, a sus propias historias de modo que vemos las historias desde otra perspectiva, una quizás más tolerable. 

9.- “Russian Doll”, mil maneras de morir y una de sobrevivir 

Soy una fan de las producciones basadas en el concepto de “atrapados en un loop” porque simplemente es divertido. En el mundo de las series, a veces tenemos un episodio de relleno que gira alrededor de esta premisa, pero este año, Netflix nos ofreció una serie que se vale del bucle para trascender más allá de las mil muertes. Así como su título lo adelanta, se trata de una serie que es como una muñeca rusa compuestas por diferentes capas y también se trata de una excelente metáfora sobre la complejidad del ser humano escondido tras la superficialidad. Con un humor negro, creativas muertes, la serie nos habla de la vida y de los traumas emocionales.

 8.- “Chernobyl”, la miniserie más aclamada del 2019 

El peor accidente nuclear de la historia se registró en Chernobyl en 1986. 40 años después, HBO realizó una miniserie relatando esta tragedia mundial desde una perspectiva humana. De esa manera vemos cómo los trabajadores de la planta, los científicos, y las autoridades reaccionaron ante emergencia. Se evidenció el manejo negligente los soviéticos y las secuelas de la catástrofe. Una producción prolija, sin excesos de drama o heroísmo, hizo que el mundo recordara y aprendiera más sobre Chernobyl. 

 7.- “Years and Years”, la familia en los tiempos de “Black Mirror” 

Esta serie creada por Russell T. Davies mezcla los mejores aspectos de las dos series más populares de los últimos años, “This is Us” y “Black Mirror”, y la agrega la política, como elemento de terror realista, para contarnos la historia de cómo una familia común y corriente se puede ver afectada por la mala elección de una política a la que solo le importa el poder y el dinero. El futuro que avizora “Years and Years” es pesimista y decepcionante, pero mientras tengas una familia que esté dispuesta a luchar, entonces, aun queda la esperanza. 

 6.-“Stumptown”, el legado de las detectives dañadas 

La nueva serie de Cobie Smulders llegó en un momento ideal para menguar el dolor por el frustrante giro final de “Veronica Mars” y por la cancelación predecible de “Jessica Jones” tras una última temporada decepcionante. “Stumptown” gira alrededor de Dex Parios, una veterana que se gana la vida resolviendo una caso a la semana mientras que el arco principal, por el momento, parece ser la búsqueda de la estabilidad sin dejar de vivir la vida loca. Esta serie que también se basa en un comic continua explorando el legado de las detectives dañadas con un tino apropiado y una cuota de humor. También hay que darle crédito al encargado de musicalizar la serie ya que le da un plus. 

5.-“Mindhunter”, destruyendo mitos 

Desde el comienzo, “Mindhunter” se encargó de desmitificar a los asesinos en serie que en aras del sensacionalismo fueron elevados a un estado mítico. A través del análisis, la investigación y los interrogatorios a estos criminales se nos revela que en realidad no se tratan de mentes brillantes sino de personales crueles que cometieron actos abominables. En su segunda temporada, Charles Manson (Damon Harriman) tuvo una breve intervención para calmar la curiosidad de Holden Ford, y la nuestra también por qué no admitirlo, y es que se trata de una figura tan fascinante como perturbadora. No obstante, “Mindhunter” volvió a hacer lo suyo y desbarató el enigma alrededor de Manson. No se trata de un líder, sino de un oportunista y un manipulador. No es que la serie necesitaba un enganche, pero siendo Manson uno de los asesinos en series más populares, era predecible que sería incluido de una u otra forma. 

 4.- “Legends of Tomorrow”, “Arrow”, y “Crisis on infinite Earths”, DC le gana la partida a Marvel en el mundo de las series 

Este año, Marvel hizo una reingeniería y oficialmente cerro su división televisiva. Mientras Marvel iba cancelando sus series, a la DC no podría haberle ido mejor, pues, el estreno de los tres primeros episodios del megacrossover “Crisis on Infinite Earths” unificó varios proyectos de la DC, incluido diversas películas y series pasadas y actuales. En realidad este evento se trata más que todo de una gran celebración ofreciendo fan service del bueno en forma de cameos efectivos y guiños comiqueros. Se ha cerrado de una forma coherente la historia de “Smallville” con el cameo del Clark Kent de Tom Welling y de Lois Lane de Erica Durance, se ha hecho canon a Lucifer y a los Titanes en el Arrowverso. El cliffhanger nos deja el alma en vilo esperando con hype el regreso para ver la resolución. Sea cual sea el final de “Crisis on Infinite Earths”, el Arrowverse continúa ampliándose y ahora parece tener un catalogo para todos los gustos. Particularmente mis dos series favoritas son “Arrow “ y “Legends of Tomorrow”. En su última temporada, “Arrow” ha ofrecido el mejor homenaje a sus inicios y por su lado “Legends of Tomorrow” resalta por su ridiculez y por su magia humorista. En ese sentido, podemos decir que DC le ha ganado la partida a Marvel en el mundo de las series.

 3.- “Fleabag”, alma libre, pecado grato 

Esta serie creada por Phoebe Waller-Bridge es caóticamente sincera y entretenida. La actriz/productora/escritora es también la protagonista, una mujer ingeniosa, capaz de expresar todo lo que siente con un gesto, libérrima hasta los huesos y conchudamente fresca. Este año se estrenó la segunda temporada en la cual Fleabag pretende enmendar sus errores y tratando de arreglar su complicada relación con su familia mientras continúa procesando el dolor de perder a su madre y a su mejor amiga. En una cena familiar conoce a “The Priest” con quien por supuesto desarrolla una relación disfuncional, como todas las relaciones que tiene en su vida. “Fleabag” es de alma libre y pecado grato. 

 2.- “Mr Robot”, crackreando el final 

La presión de cerrar una historia que ha sido seguida por millones puede ser una espada Damocles. Para muestra varios ejemplos, las últimas temporada de “Games of thrones”, “Lost” y “How i met your mother” no solo no cumplieron las expectativas sino que decepcionaron a más de uno. En las redes sociales aún se pueden encontrar las críticas y los memes sobre tema. De modo que las últimas temporadas siempre son un problema porque pueden ofrecer lo mejor o lo peor de la serie, construir un legado o destruirlo. En el caso de “Mr Robot”, una serie que se destaca por su inteligencia y su crítica al sistema capitalista, hasta el momento se está saliendo con la suya. La revolución creada por Sam Esmail no solo se queda en la misión personal de Elliot, sino también en la propia producción; cada episodio se siente como un final y varios episodios experimentan con la narrativa y nos ofrecen giros espectaculares e incomprensibles. Por supuesto, este proyecto es sostenido por la increíble performance de Rami Malek

 1.- “Watchmen”, una pieza de arte 

La simple idea de una secuela de "Watchmen" parecía innecesaria y obsoleta, sobre todo teniendo en cuenta que el antecedente más reciente es la película de Zack Snyder, una producción que recibió críticas mixtas, pero la serie que tenía planeado Damon Lindelof se valió del género para crear y desarrollar un mundo alternativo derivado del comic de Alan Moore, pero lleno de problemas sociales relevantes asociados a la realidad americana actual. Temas espinosos como el racismo, el trauma, la corrupción, la brutalidad policial y el renacimiento de la supremacía blanca son insertados en una narrativa que revierte estereotipos colocando como figuras principales a personas de color.  En definitiva, la serie no es para todos y no es siempre es fácil verla.

El “Watchmen” de Lindelof arranca su historia con un evento real, la masacre en Tulsa, y lo convierte en el génesis del Hooded Justice, el héroe solitario que inspiró la creación de The Minutemen, también nos cuenta la historia de amor de un dios que renuncia a sus poderes y del karma del villano al que gusta jugar a ser dios para justificar sus terribles acciones. Todas estas historias están meticulosamente conectadas al final. La composición de la serie en sí misma merece una mención especial, pues, aunque se apoya en referencias, alusiones y perspicacia, la fotografía y la edición son tan fascinantes como la propia historia, especialmente en capítulos como “This Extraordinary Being”, donde se revela la identidad de Hooded Justice y se prioriza la mezcla del color, y “A God Walks into a Bar” donde prácticamente nosotros los expectadores podemos percibir el tiempo como lo hace el Dr. Manhattan. A diferencia de “Lost” y “The Leftovers”, producciones en las que estuvo involucrado Lindelof, ahora el escritor se anima a responder la mayoría de los misterios que ha creado en “Watchmen” en el último capítulo, aunque también deja un par de preguntas al aire. Cada cierto tiempo se emite una serie que innova la narrativa y la convierte en un verdadero arte. Ese es el caso de “Watchmen” que tras haberse estrenado a pocos meses de acabarse el 2019, terminó siendo una de las mejores series de la década.

También puedes leer: 
-Lo mejor del 2018 

-Lo mejor del 2017

-Lo mejor del 2016

Mujeres 2019

12.- Gillian Anderson ( Dra. Jean F. Milburn en "Sex Edication")

  El personaje más influyente de Gillian Anderson es Dana Scully. Le dio vida por casi 10 años y volvió a revivirla hace poco en el revival de “The X Files”. La actriz tiene una predilección por personajes fuertes, independientes, profesionales pero solitarias, en una línea similar a la Scully. En “Sex Education”, Anderson hace de Dra. Jean F. Milburn, una terapeuta sexual que vive obsesionada con los problemas de su hijo virgen adolescente a quien, sin querer, avergüenza constantemente al hablar de temas sexuales sin tapujo. Ahora rubia y bordeando los 50 años, Anderson ha escogido uno de los personajes más atrevidos en su carrera.

11.-Melissa Fumero (Amy Santiago en “Brooklyn Nine Nine) 

De vez en cuando “Brooklyn Nine Nine” se pone serio para tocar temas sensibles. En “He said, she said”, Amy investiga una denuncia de acoso sexual. Sabemos que Amy siempre es implacablemente profesional, así que su determinación podría confundirse por su profesionalismo, sin embargo, el caso la tocaba de manera personal. Al final del episodio, Amy revela que ella misma sufrió acoso por parte del primer capitán para el que trabajó. Melissa Fumero hizo de la confesión de Amy una de las escenas más desgarradoras del año con una actuación discreta pero capaz de capturar la impotencia de una mujer que ha sido víctima de acoso. Por lo general, Fumero nos hace reír pero con esta escena, nos hizo llorar. 

10.- Melissa Benoist (Kara Danvers en “Supergirl”) 

Debido a su rol como "Supergirl", en la serie del mismo nombre, vemos a Melissa Benoist y de inmediato pensamos en la invencible heroína kryptoniana. Recientemente, Benoist reveló en un angustiante video de Instagram que fue víctima de abuso doméstico. Sabiendo esto y siguiéndole por la serie que encabeza, además de ver su constante activismo a favor de la mujer, podemos concluir que la fortaleza que le pone a Supergirl es inherente de la interprete.

 9.- Phoebe Waller-Bridge (Fleabag en “Fleabag) 

En “Fleabag”, Phoebe Waller-Bridge posee un doble crédito, pues, no solo es la protagonista, sino que la serie la creó y escribió ella misma. Waller-Bridge también es la responsable de “Killing Eve”. En “Fleabag”, Phoebe Waller-Bridge le da vida a un personaje imperfecto, que usa el humor para evitar profundizar en sus problemas. "Fleabag" es alguien en quien cualquiera puede verse reflejada.

8.- Natasha Lyonne (Nadia en “Russian Doll”)

 Natasha Lyonne tiene la particularidad de hacer ver cool a personajes rotos aunque tengan una actitud cínica y sarcástica. Lo hizo con Nikki en “Orange is the new Black” y lo ha vuelto hacer con Nadia en “Russian Doll”. Si bien al principio era divertido, de una manera macabra, ver cómo la muerte alcanzaba a Nadia tarde o temprano, tras las conversaciones con Alan la vamos conociendo y cada vez se hace más difícil verla sufrir. Particularmente, Lyonne brilla en el último capítulo porque vemos dos versiones de Nadia; la Nadia en modo indiferente y la Nadia en modo protector de Alan. El contraste de las dos es abismal y al mismo tiempo similar; detrás del sarcasmo hay un corazón dispuesto a creer cuando es necesario. 

 7.- Elizabeth Olsen (Leigh en “Sorry for your loss”) 

“Sorry for your loss” explora todas las aristas incomodas de la viudez. La Leigh de Elizabeth Olsen está en el centro de la historia como una mujer que está lidiando con el dolor y la ira tras haber perdido a su esposo. Se trata de un retrato doloroso, pero realista. Una mirada sobre las preguntas sin responder que quedan en el luto, sobre el amor correspondido e interrumpido, el tiempo, la vida y la muerte. Los capítulos de “Sorry for your loss” no duran más de 25 minutos, pero después de verlos uno se queda pensando un buen rato y alabando la increíble labor de Olsen. 

6.- Katie Cassidy Rodgers (Laurel Lance/Black Canary en “Arrow) 

Durante mucho tiempo, “Arrow” le falló a Laurel Lance porque no sabía realmente qué hacer con el personaje así que, en una decisión muy polémica, decidieron eliminar al personaje en la temporada 4. Sin embargo, poco después Cassidy volvería al Arrowverso está vez con Laurel Lance de Tierra 2. Como la villana “Black Siren”, apareció en un episodio de “The Flash” para después retornar a “Arrow” como aliada de Ricardo Díaz (Kirk Acevedo). Como Laurel Lance de Tierra 2, Cassidy tenía un material con el que se podía divertir ya que era la “mala” y sus historias involucraban un conflicto emocional más interesante que el que alguna vez tuvo Laurel de Tierra 1. Asimismo, se exploró la conexión fraternal entre Laurel y Quentin Lance (Paul Blackthorne). En la temporada 7, Laurel de tierra 2 se hizo pasar por Laurel de Tierra 1, resucitándola ante la sociedad, afianzando ese lazo con Quentin. En las dos últimas temporadas de “Arrow” hemos visto cómo Laurel pasó de villana a heroína, un cambio que si bien se debe a la influencia de Quetin y Felicity (Emily Bett Rickards), con quien desarrollo una amistad bizarra, es sobre todo una evolución orgánica del personaje. Ven, nunca fue la actriz, se trataba de la historia, Cassidy solo necesitaba un buen material para destacar.

 5.-Olivia Colman (La madrastra en “Fleabag” y Reina Isabel en “The Crown”)

Antes de ganar el Oscar como mejor actriz por su interpretación como la engreída e inútil Reina Anna en “La Favorita”, Olivia Colman hizo de la madrastra pasivo agresiva de Fleabag en la serie del mismo nombre. En contraste a personajes tan expresivos, apáticos y frenéticos, luego de ganar la estatuilla dorada, Colman le dio vida a la correcta e impávida Reina Isabel en “The Crown”, un papel por el que también conseguirá algún Emmy o un Globo de Oro. No debería ser ninguna sorpresa, Colman es una de las mejores actrices de su generación. 

 4.-Sandra Oh y Jodie Comer (Eve Polastri y Villanelle en “Killing Eve”) 

El éxito de “Killing Eve” básicamente radica en la química entre sus dos figuras principales, así que es justo que ambas compartan el mismo crédito. En la segunda temporada vimos una alianza que permitió que Eve y Villanelle dejaran de cazarse entre sí para cazar juntas a otro asesino en serie. La tensión cuasi sexual siguió presente y la influencia de Villanelle se hizo más obvia en Eve hasta llevarnos a un desenlace inesperado que vuelve a cambiar la dinámica de la serie. Así como Villanelle saca lo peor de Eve y viceversa, Sandra Oh saca lo mejor de Jodie Comer y Comer saca lo mejor de Oh cada vez que comparten escenas.

3.- Regina King (Angela Abar /Sister Night en “Watchmen”) 

Por años hemos visto la versatilidad de Regina King plasmada en cada proyecto que le ha tocado, incluso aunque solo sea como actriz invitada, pero ahora la vemos en todo su esplendor en “Watchmen”. El rol que le ha tocado es el de Angela Abar, una enmascarada policía que se enfrenta a un grupo supremacista. Un papel creado por Damon Lindelof, con quien trabajó previamente en “The Leftovers”, lleno de dimensiones y capas. Lindelof sabe que King es especialista en canalizar todo tipo de emociones, pero también de sublimarlos. En una serie donde la dualidad es parte de la identidad vemos a King hacer de Angela una mujer indescifrable, inteligente e intrépida que solo baja su guardia con su esposo Cal, con sus hijos adoptivos o cuando quiere manipular la situación. “Watchmen” no pudo haber tenido una mejor protagonista que King. 

 2.- Jennifer Aniston (Alex Levy en "The Morning Show")

Con de “The Morning Show”, Jennifer Aniston regresó a la televisión. Como Alex Levy, Aniston se vale de su propia reputación como “America's sweetheart” para criticar la industria televisión que valora más una figura que el aspecto profesional. En uno de los episodios sin vergüenza absoluta y con toda autoridad proclama “America love me, and therefore, I own America” (America me ama, por lo tanto, soy dueña de America) y tiene toda la razón. “The morning show” está lleno de personajes femeninos empoderados viviendo en el competitivo mundo de las cadenas televisivas y abordando diferentes enfoques de temas polémicos, como son las denuncias de acoso sexual en el trabajo y la trivialización del periodismo, y a la cabeza está Aniston, dueña de América y del mundo de las series. 

1.- Cobie Smulders (Dex en “Stumptown” y en Lisa Turner “Friends from Collage”) 

Las mejores virtudes del trabajo de Cobie Smulders es su habilidad cómica y su profundidad dramática. Estos dos aspectos parecen estar condesados en Dex Parios, la protagonista de “Stumptown”. De modo que la serie ofrece lo mejor de Smulders, pero lo más importante es que al ser la protagonista, la mujer puede cargar el show por completo, aunque el único problema parece ser que constantemente se ve atrapada en triángulos amorosos. Así fue en “How I met your mother” y en “Friends from College”, pero en “Stumptown”, el triángulo ocupa un tercer plano dejando que Smulders haga lo suyo. 

Mención honorable: Las mujeres de “Big Little Lies” 

La segunda temporada de “Big Littles Lies” volvió a reunir a Nicole Kidman, Reese Witherspoon Shailene Woodley, Zoe Kravitz y Laura Dern y le añadió a Meryl Streep, consolidando el mejor elenco del año. No era necesaria una segunda parte, pero con un cast de este vuelo es como para borrarlo del bucket list y hacerlo realidad.

También puedes leer:
-Mujeres 2018
-Mujeres 2017
-Mujeres 2016