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jueves, 14 de marzo de 2019

#TheUmbrellaAcademy: El ritmo del apocalipsis

La historia de “The Umbrella Academy” – muy complicada para resumir – gira alrededor de una familia disfuncional compuestas por “hermanos” que cuentan con poderes especiales y que han sido criados para detener un inminente fin del mundo. La serie conjuga diferentes géneros en una sola producción; suspenso, drama, acción, comedia accidental y viajes en el tiempo, pero lo que más me gustó es su extraordinario soundtrack y su ingenioso modo de utilizarlo en montajes espectaculares.



Tras la muerte de su padre, los hermanos se han vuelto a reencontrar pero no están juntos, es más ni si quiera se soportan, cada uno está por su lado en una enorme caserón. Entonces, suena "Think We’re Alone Now" de Tiffany y contagiados por el ritmo se ponen a bailar. A los actores les dieron la libertad de bailar como se imaginan lo harían sus propios personajes. No hay un propósito de la escena ni tampoco un mensaje oculto de la elección de la canción, pero instantáneamente se vuelve una secuencia que icónica, la más memorable de la serie. La toma abierta de la casa mostrando a los hermanos en su propio rincón realizando movimientos extravagantes, casi tontos en algunos casos, teniendo como telón de fondo una canción ochentera funciona como una representación visual de un estilo marcado por ser extraño, pero en el buen sentido de la palabra. 





 Sin embargo, a diferencia de la película "Baby Driver" de Edgar Wright, donde la música hacía del hilo conductor de la historia y la edición encajaba a la perfección con el beat de la batería, la música en "The Umbrella Academy" no necesariamente está para complementar la historia, pero ciertamente le aporta una personalidad sinestésica. El opening de la mayoría de los episodios es una especie de videoclip semiexplicativo para ponernos al día de lo que sucede. En el primer episodio “We only see each other at weddings and Funerals”, “Phantom of the opera medley” de Lindsey Sirling se presta para la introducción de los personajes principales. El segundo episodio “Run Boy Run” lleva como título la canción de Woodkid que suena en la primera secuencia donde Cinco (Aidan Gallagher) desaparece tras viajar en el tiempo a un futuro desértico post apocalipsis. Cinco es el mayor privilegiado de la melomanía de los productores y es que las canciones elegidas para sus escenas de acción son considerados clásicos. Desde “Dont stop me now” de Queen, pasando por “Never Tear Us Apart” en forma de cover de Paloma Faith, hasta “Istanbul” de They Might be Giants y “Kill of the Night” de Gin Wigmore son algunas de las melodías que podemos escuchar en las batallas de un anciano atrapado en un cuerpo de un niño. Y vaya que peleas para más violentas y sangrientas. 



 Desde hace un tiempo se ha solidificado la tendencia de hacer de la música la mantra de ciertas producciones. Gracias a series como “Chuck”, “One Tree Hill” y “Gilmore Girls”, diversas bandas indies se hicieron conocidas, pese a que solo fueron utilizadas como un fondo. En el caso de “One Tree Hill”, la serie también sirvió como una plataforma para varios cantantes y grupos que se presentaban en el club de Peyton. Las últimas temporadas de “Grey’s Anatomy” ha apostado por los covers nostálgicos de los propios temas que se hicieron populares en varios de sus capítulos previo y esa música sirven para intensificar el sentimentalismo al máximo. Mientras que “Scandal” tenía una predilección por el clásico soul de los 60’s y 70’s ratificando el empoderamiento de su figura principal la elegante Olivia Pope. Por su lado, Luke Cage con sus blues y su ritmo añade a su estilo particular que le hace honores a su comunidad afroamericana a través de su música. Y ahora podemos incluir en esta lista a “The Umbrella Academy” y su decisión de utilizar piezas conocidas que deambulan entre la familiaridad, la nostalgia y la diversión.



 El crédito de la selección de la música de la serie es una colaboración entre el productor ejecutivo Steve Blackman, la supervisora de música, Maggie Phillips, y el compositor Jeff Russo. Pero más allá de volver a poner de moda hits noventeros y ochenteros, las canciones ayudar a crear un ambiente fenomenal que hace que todo sea mucho más cool. Inclusive cuando sacan un numerito musical de la nada como cuando Luther (Tom Hopper) y Alison (Emmy Raver-Lampman) se ponen a poner a bailar "Dancing in the moonlight" con una coreografía digna de un reality.



 Vale la pena destacar que Jeff Russo compuso “Vanyas Orchestra”, un tema original y primordial ya que desencadena el fin del mundo. Era obvio que una actriz de la talla de Ellen Page no iba a interpretar simplemente a la hermana ordinaria que solo tocaba su violín, así que era fácil predecir que ella terminaría siendo parte esencial del acabose de los tiempos, por no decir que lo terminaría ocasionando. Pero está bien porque al final Cinco logra saltar en el tiempo con todos sus hermanos mientras el mundo es fulminado en llamas. Y nosotros nos quedamos con un playlist para disfrutar el fin del mundo…


viernes, 5 de octubre de 2018

#KillingEve: La asesina encantadora

 El primer párrafo del artículo “Killing Eve y sus hipóticas melodías (asesinas)” del diario “El País” es la descripción más exacta y precisa que he visto de la serie de la BBC:

 “Killing Eve es una serie de espías y asesinas elegantes que juegan al ratón y al gato que engancha desde el primer momento. Tiene un guion escrito a la perfección, medido, y con personajes bien construidos”. 



 Por supuesto, la nota se enfoca más en el espectacular soundtrack que acompaña las aventuras de Eve y Villanelle. Dado que ese básicamente es el resumen que iba hacer a modo de comentario de la serie, me gustaría añadir un par de cosas que creo que hacen que la serie resulte tan perversamente fascinante. En las series de este tipo, de persecución del gato y el ratón, donde agentes especiales, policías, detectives o especialistas tienen que cazar a su “presa” no sin antes analizarlas, estudiarlas, conocerlas, hasta el punto de impregnarse de esa naturaleza asesina, hay un elemento que los termina por vincular con su contraparte, una relación simbiótica que hace el juego del “atrápame si puedes” más intenso. 



 Tanto en “Manhunter: Unabomber” y en “Mindhunter”, el personaje de Holden Ford está maravillado con las confesiones de los asesinos en series que entrevista y James "Fitz" Fitzgerald termina alejándose de la humanidad porque terminó consumido por su obsesión con el “Unabomber”. En el caso de Eve, personaje interpretado por una magistral Sandra Oh, se admite que hay una cuota de curiosidad mórbida por Villanelle. ¿Cómo no encontrar intrigante algo o alguien que es tan atípico como una asesina en serie, no? Eso es exactamente lo que hace “Killing Eve” una propuesta hipnótica. Después de mucho tiempo tenemos como antagonista a una mujer asesina en serie y creo es la primera vez que tenemos a una villana que se divierte como una niña con sus víctimas y con sus tretas. Quizás sea porque no estamos acostumbrados a ese tipo de caracteres (asesinas mujeres) en pantalla o quizás sea por la forma en la que Jodie Comer le da vida a Villanelle, un enigma complejo con capas y capas que Eve va descubriendo tan cautivada como aterrada, es que “Killing Eve” es una de las mejores producciones del año. 



 El segundo punto a destacar es que el elemento infantil del juego macabro de Villanelle se deja de lado cuando comienza a desarrollarse el vínculo entre Villanelle y Eve. Hay una suerte de seducción y no una seducción a modo de subtexto que los espectadores pueden percibir, no, es una seducción explícita, pero no con una intención romántica, sino como un juego de muestra de poder. Villanelle no quiere que Eve deje de perseguirla, quiere que lo haga y de esa manera, la seduce, coquetea con ella, le manda regalos y perfumes… en otras palabras, la provoca. La atracción, es la palabra más cercana para describir la relación de Villanelle y Eve, es mutua. Parte del trabajo de Eve, no solo es atrapar a Villanelle sino también comprenderla, porque comprenderla es la clave para atraparla, lo hemos visto en otras series, pero aquí la dinámica adquiere un tono repulsivamente elegante, como si eso fuera posible, básicamente estamos presenciando una seducción fatal entre Villanelle y Eve al mismo estilo “La guerra de los Rose”. 



Finalmente, “Killing Eve” también es una comedia de thriller de espías, pero no una comedia impuesta que le quita naturalidad y alivia tensión en los momentos más serios. Se trata de una comedia que nace de comentarios triviales o extrañas, pero sobre todo se sienten como las conversaciones que Meredith y Cristina solían tener en “Grey’s Anatomy” solo que ahora las tiene Eve con diferentes personas sobre temas tan raros como una Coca-Cola o cómo matarías a tu esposo, cosas así. Bueno, ya lo decía “El País”; “tiene un guion escrito a la perfección”.

jueves, 25 de enero de 2018

Celebrity Deathmatch : #ER vs. #GreysAnatomy

La actriz que le da vida Meredith Grey, Ellen Pompeo, ha renovado su contrato con ABC por dos años más. Actualmente, "Grey's Anatomy" está en su décimo cuarta temporada y con la confirmación de una quinceava y décimo sexta entrega, es oficial, superará a "ER" como la serie médica más longeva en la historia reciente. ¿Pero eso quiere decir que "Grey's Anatomy" es mejor que "ER"? No necesariamente, no obstante, debido a su larga data, hay cosas que ha hecho "ER" que son mejores que "Grey's Anatomy" y también hay cosas que ha hecho "Grey's Anatomy" que son mejores que lo que hizo "ER" en su momento y siempre podremos volver a chequearlo ya que todos los capítulos de "ER" estará disponibles en Hulu. 



-Mejor piloto: "24 hours" (ER)

Mientras que la primera toma en el primer episodio de "Grey's Anatomy" fue el trasero de Derek Shepherd (Patrick Dempsey), el piloto de "ER", "24 hours", inició con una enfermera despertando a Mark Green (Anthony Edwards) porque la sala de emergencia se estaba llenando de pacientes. Alejándose de otros dramas médicos, desde su primer episodio "ER" utilizó recursos antes no vistos en este tipo de producciones y se concentró en la "acción". En ese sentido, la combinación de una ambientación apropiada con secuencias largas (long Steadicam shots) que se trasladaban de trauma a trauma más un lenguaje técnico hacían que esta sala de emergencias ficticia se sintiera real... hasta el punto que cuando se estrenó, la gente pensó que estaba viendo un reality show que seguía a doctores reales que trabajaban en una sala de emergencias. 



-Mejor cabello: Derek Shepherd (Grey's Anatomy) 

George Clooney es increíblemente guapo y carismático, sin embargo, su cabello nunca llamó la atención en “ER”. Desde el peinado de Rachel Green (Jennifer Aniston) de Friends, pasando por el polémico corte de cabello de Felicity (Keri Russell), no se ha había puesto tanto atención en el cuero cabelludo como cuando Patrick Dampsey mientras le dio vida a Derek Shepherd. 



 -Mejor "jump the shark": “Grey’s Anatomy” – “ER” 

 Aceptémoslo, en algún momento entre los secuestros, los desastres naturales, los accidentes de avión, los virus desatados y las enfermedades paradójicas que afectaron a diversos doctores, "ER" y "Grey's Anatomy" saltaron el tiburón. En realidad, es el tiempo el que va incrementado la ridiculez de algunos tramas y lo repetitivo en ciertas historias, no obstante, ambas series sobrevivieron el salto y continuaron. 



 -Mejor representación LGTB: Callie Torres (Grey's Anatomy) 

 Si bien es cierto la trágica historia de Kerry Weaver (Laura Innes), la jefa de emergencia que ocultó su orientación sexual durante varias temporadas y que después perdió a su pareja tras un incendio, es sumamente conmovedora y sirvió para cambiar la noción que teníamos sobre la antipática Dra. Weaver, no hay nadie como Callie Torres. A partir de la cuarta temporada, Calie Torres se volvió un icono al ser una de las pioneras en declararse con orgullo bisexual y la actriz Sara Ramírez se convirtió en una gran defensora de la comunidad LGTB. 



-Mejor triángulo amoroso: Luka-Abby-Carter (ER) 

 Tanto "Grey's Anatomy" como "ER" han tenido su cuota de triángulos amorosos, pero creo que el triángulo más sufrido fue el de Luka-Abby-Carter. En "Grey's Anatomy" como que ya sabemos qué pareja será endgame sin importar con quienes se relacionen pero en el caso de Luka-Abby-Carter era difícil presidir algo. Abby (Maura Tierney) bien podía haber terminado con Carter (Noah Wyle), con Luka (Goran Višnjić), sola o con alguien nuevo. Y es que este triángulo se desarrolló en la época más oscura de "ER" donde parecía que ninguno de sus personajes podía ser simplemente feliz o siquiera tener un momento de tranquilidad. La relación de Abby y Carter y de Luka y Abby estuvo llena de obstáculos y dificultades. Para el final de la serie, Luka y Abby se reconcilian luego que ella le fue infiel con otro y terminan mudándose juntos... aunque nadie sabe si en realidad fueron "felices para siempre". 



-Mejor soundtrack: Grey's Anatomy

 "ER" realmente nunca le prestó mayor importancia a su banda sonora a diferencia de "Grey's Anatomy" en donde la música es de vital importancia. Si hay algo que caracteriza a "Grey's Anatomy" es su excelente gusto musical y la devoción por la música es evidente; cada episodio de la serie lleva como título el nombre de una canción. Desde hace un par de temporadas, Shonda Rhimes se volvió fanática de los covers y los ha insertado en varias escenas en la serie, pero además de hacer uso de los clásicos también ha logrado que la música utilizada en sus primeras temporadas como "Chasing Cars" y "How to save a life" se vuelvan clásicos. Sin mencionar que tuvieron su propio episodio musical.



-Mejor muerte: Lucy Knight (ER) 

Si piensas que "Grey's Anatomy" era cruel al momento de matar a sus doctores, "ER" era macabro y brutal. ¿Pero cómo podemos calificar una muerte de ser la "mejor" o mejor dicho qué es lo que hace la muerte de Lucy Knight la "mejor" en las series médicas? Bueno, tiene que ver con el impacto y las repercusiones. Mientras que las muertes por lo generar implican un cierre, la muerte de Lucy Knight significó el ingreso a una nueva etapa en "ER". Por supuesto, la muerte de George O'Malley (TR Knight) fue triste, la muerte de Mark Sloan (Eric Dane) y Lexie Grey (Chyler Leigh) fue trágica y la muerte de Derek Shepherd (Patrick Dempsey) marcó un antes y después, pero la muerte de Lucy Knight (Kellie Martin) a manos de un paciente esquizofrenia fue absolutamente chocante y las consecuencias de esta desgracia cambió la seguridad del hospital y afectó la vida de todos los doctores, especialmente de John Carter quien se volvió adicto porque él también fue acuchillado.


-Mejor personaje insorportable: Maggie Pierce (Grey's Anatomy) 

No puedo recordar personajes insoportables en "ER", quizás los internos por lo general son molestosos, pero eventualmente aportan algo en la historia... sin embargo, desde su aparición Maggie Pierce (Kelly McCreary) es ahhhh! Cada vez que aparece en pantalla... AHHH! Y peor ahora que intentan vendernos un romance con Jackson. AHHH!



-Mejor intro: ER 

A pesar de los muchos cambios en su elenco, "ER" se tomó la delicadeza de poner en la mayoría de episodios su propia cabecera en vez de solo una claqueta con el nombre de la serie como "Grey's Anatomy" lo hace en la actualidad. 



- Mejor karma: Dr. Romano (ER)

 "Grey's Anatomy" ha sido muy irónico y karmático en ciertas historias; por ejemplo, Callie es una cirujana ortopédica y no le pudo salvar la pierna a Arizona, Amelia es neuróloga, tuvo un tumor cerebral y su bebé nació sin cerebro, cosas así... pero sin duda lo que le pasó al Dr. Robert Romano (Paul McCrane) fue uno de los mejores momentos WTF en la historia de "ER". Todos amábamos odiar al Dr. Romano porque era un cretino y realmente, nunca dejó de serlo incluso tras perder su brazo luego que una hélice de un helicóptero se lo amputara. Un par de temporadas después, otro helicóptero le caería encima aplastándolo y acabando con su vida en el acto. Lo que hace este momento tan satisfactorio y extraño es que para entonces, Dr. Romano era el villano consolidado del hospital y su cuerpo médico ni si quiera se dio cuenta que murió hasta después que limpiaran la zona del accidente. 



 -Mejor pareja extra slow burn: Ray y Neela (ER) 

Si bien hay bastante tensión sexual en "Grey's Anatomy", los romances épicos no se demoran mucho en concretarse. Digamos que para "Grey's", un slow burn es un par de episodios dentro de la temporada. Si te molestó esperar casi una temporada para que Meredith y Nathan estén juntos, imagina los que vivimos con Ray (Shane West) y Neela (Parminder Nagra). Literalmente, fueron años y temporadas completas en que tuvimos que verlos ir en círculos. Parecía que siempre había una excusa para que Ray no esté con Neela, o era el mal tiempo o eran otras personas. El momento más dramático de la pareja es cuando Ray perdió las piernas luego que un camión lo atropellara por escuchar borracho un mensaje de Neela. No fue hasta la última temporada de "ER" cuando Ray y Neela finalmente estuvieron en la misma página y decidieron darse una oportunidad lejos del drama de Chicago. 



-Mejor consejero: Mark Sloan (Grey's Anatomy) 

Los diálogos en "Grey's Anatomy" son como reflexiones de la vida en general. Todos los personajes han tenido excelentes discursos, pero particularmente soy fan de Mark Sloan, especialmente, de los sabios consejos que le dio a Callie Torres y Jackson Avery. 




-Mejor mujer más complicada del mundo: Meredith Grey - Abby Lockhart 

Meredith Grey (Ellen Pompeo) y Abby Lockhart (Maura Tierney) son similares en ciertos aspectos y completamente diferentes en otros. Ambas tienen en común que comparten traumas producto de su mala relación con sus respectivas madres, aunque cada una tiene un mecanismo de defensa propio. Mientras Meredith Grey tuvo que lidiar con el Alzheimer de Ellis Grey, Abby tuvo que lidiar con la bipolaridad de su madre Maggie Wyczenski… Pese a la adversidad, tanto Meredith y Abby son sinónimo de fortaleza y su complejidad es un atributo que las ayuda a ser mejores profesionales. Shonda Rhimes ha dicho que “Grey’s Anatomy” seguirá al aire hasta cuando Ellen Pompeo lo quiera y es que Meredith Grey es la estrella del show y aunque esto podría darle una ventaja a Meredith Grey, recordemos que en su momento, Abby cargó "ER" sola tras la salida de Noah Wyle y la salida temporal de Goran Višnjić, pero incluso antes, gran parte del drama no médico provenía a partir ella.


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-Celebrity Deathmatch: #Arrow vs. #AgentsofShield

miércoles, 19 de julio de 2017

La gran verdad de #BigLittleLies

"Big Litttle Lies" es una adaptación de la novela del mismo nombre escrita por Liane Moriarty. El nombre “grandes pequeñas mentiras” es una referencia a los secretos oscuros de cada una de las mujeres y cómo es que estos secretos podrían parecer como pequeños minucias pero en realidad son problemas profundos y asfixiantes. El primer capítulo genera intriga con el misterio principal; alguien ha sido muerto, se sospecha que es un asesinato y la conjetura inicial es que la víctima es una de estas mujeres y que la muerte se dio por algún problema entre ellas. 


Bienvenidos a Monterrey 

 La introducción de Jane (Shailene Woodley), una madre soltera que acaba de mudarse con su hijo a Monterrey, nos sirve para adentraros este nuevo mundo en donde la armonía está llena de tensión por la cortes hipocresía de quienes dicen llevarse bien. El trío principal de la serie son Madeline (Reese Witherspoon) , Jane y Celeste (Nicole Kidman), no obstante, Madeline es el pegamento que conecta todos los dramas; ella es quien se hace amiga casi de inmediato de Jane, es la que maximiza las consecuencias de un pequeño incidente que involucra al hijo de Jane, Ziggy, con la hija de Renata (Laura Dern), es la que tiene una enemistad tácita con Bonnie (Zoë Kravitz), la actual esposa de su ex esposo Nathan, y es la que impulsa a Celeste a volver a ejercer como abogada incrementando los problemas entre Celeste y su esposo Perry (Alexander Skarsgård). Todo esto no significa que Madeline monopoliza el protagonismo, pues, lo interesante es que "Big Little Lies" nos presenta la historia de cada una de las mujeres; incluso las que podríamos considerar como secundarias, como es el caso de Renata y Bonnie. Pero por supuesto hay que admitir que la serie le pertenece a Reese Witherspoon y a Nicole Kidman. 

 Madeline parece la versión madura de Tracy Flick de Election 

"Big Little" Lies parece tener como lema “no todo lo que brilla es oro” desde su propio intro. Entonces, pese a la imagen de perfección que Madeline y Celeste buscan proyectar, la procesión se lleva por dentro. Y cada una de estas mujeres, tiene una cruz demasiado pesada en sus hombros; Jane tuvo un hijo producto de violación por lo que teme que Ziggy haya heredado un lado oscuro, Celeste es constantemente agredida por su esposo, la tendencia perfeccionista de Madeline no le permite apreciar lo que tiene, especialmente a su esposo ideal Ed, la agonía de Renata está relacionada a la impotencia que siente al no poder proteger a su hija ante el acoso escolar que sufre y por alguna razón, Bonnie quiere tener la aprobación de Madeline.



Los miniarcos que construyen el clímax 

Paralelo estas historias, tenemos dos miniarcos; y no me refiero a los arcos enfocados en los niños... de todas formas, al mismo estilo de Madeline, Ziggy (Iain Armitage) es el elemento conector de estas historias que llevan al momento clave de la gran revelación de quién es la víctima mortal. El arco de los niños comienza luego que Amabella acusó a Ziggy de intentar estrangularla en el primer día de colegio, Ziggy mantuvo su inocencia pero, aunque la hija de Madeline no tiene problemas al ser su amiga, los profesores y la mitad de los padres ya lo tenían en la mira prejuzgándolo. Una de las tareas que les dejan es hacer un árbol cronológico, lo que altera a Ziggy porque no conoce a su padre, entonces, Jane confía en Madelene y le cuenta la verdad del padre de Ziggy; era un tipo al que conoció una vez y que la violó en un hotel.  Madeline intenta buscar al tipo para que Jane tenga una especie de cierre, pero no logra encontrarlo porque el tipo había dado un nombre falso. 


Por su lado, Amabella sigue siendo acoda en el colegio, pero aunque ya no acusa a Ziggy, Renata sigue pensando que es él. Ziggy le revela a su madre que el bully de Amabella es Max, uno de los hijos de Celeste; Jane se lo cuenta a Celeste primero y después a Renata. Para Celeste, esto es como una llamada de atención, una forma de darse cuenta que sus hijos están al tanto de lo que sucede en casa y este ambiente dañino está afectándolos. Por su lado, Renata se siente realmente mal por haber juzgado a Jane y a Ziggy sin pruebas. 


Y así llegamos al momento cumbre, el colegio ha organizado una fiesta temática. Esa noche, Jane consuela a Madeline en una especie de balcón porque se siente mal de que Ed sea tan bueno con ella pese a que lo ha engañado, Celeste les da el encuentro justo cuando Renata se les aproxima para pedir disculpa por su comportamiento, el momento es interrumpido por un exasperado Perry, furioso porque Celeste le acaba de decir que lo va a dejar. Basta una reacción angustiosa por parte de Jane para que Madeline se dé cuenta que ese tipo que violó a Jane es Perry y basta una mirada de terror para que todas las mujeres entiendan que Perry es el enemigo. Perry comienza agredir a Celeste y las demás intentan defenderla sin mucho éxito hasta que finalmente, Bonnie lo empuja, Perry cae por las escaleras y muere. (Y sí, Perry es el papá de Ziggy lo que significa que Ziggy es hermano de los gemelos). El caso es investigado y se concluye que se trató de una muerte accidental. De modo que lo que realmente sucedió es un secreto que las unirá por siempre dejando atrás las peleas ridículas que tenían entre sí. 

http://elyalovi.tumblr.com/post/162132167205/noceiling-m-hes-gonna-have-to-fight-these


El estilo de "Big Little Lies" 

La canción elegida como tema de cabecera, “Cold Little Heart” de Michael Kiwanuka, una canción que habla sobre un sufrimiento interno y sobre el autoengaño, ambienta el tono de la serie; la perfección solo existe en la superficie. Más allá de una bonita melodía, hay que escuchar lo que dice la letra para darnos cuenta que hay una verdad oculta. Es como “Every breathe you take”, todos creen que es una canción romántica, pero en realidad se trata de una canción de un acosador.


Según se ha revelado, David E. Kelly ha utilizado la música para complementar el humor y también para comunicar verdades de manera sutil. Por ejemplo, cuando Jane está corriendo y tiene flashbacks de su violación, la música se distorsiona hasta volverse insoportable o cuando Perry elige “Harvest Moon” para bailar con Celeste, la canción transmite una suerte de falsa esperanza. En el último capítulo “You Get what you need”, el poder de la música se intensifica y es vital para punto de cruce de las historias principales. La versión de “You can’t always get what you want” de Ituana es la última canción que se escucha y la letra más memorable es el título del último episodio a modo de lección; “no siempre puedes obtener lo que quieres, pero obtienes lo que necesitas”.

http://elyalovi.tumblr.com/post/162131936345/bllsource-but-that-would-be-the-last-time


Con una producción tan sobria y sofisticada, no solo las canciones expresan algo, los silencios también. En el intro, tenemos imágenes de las mujeres conduciendo su auto y esta es una secuencia se repetirá en la serie; pero particularmente con Jane y Celeste, los silencios están vinculados a malos recuerdos, flashbacks que se apoderan de su mente, cada vez que están haciendo algo tan común y corriente como conducir un auto, pero estas memorias no tienen sonido, por lo que en contraste con la musicalización resaltan más.



Nominaciones justas 

"Big Little Lies" ha logrado obtener 14 nominaciones al Emmy; siendo las más importantes; la nominación de mejor director para Jean Marc Vallée, la nominación para Nicole Kidman y Reese Witherspoon en la misma categoría como mejores actrices en una miniserie, un plato que se repite pues, Laura Dern y Shailene Woodley están también nominadas como mejores actrices de soporte en una miniserie. Por su parte, gracias a su interpretación del aterrador pero encantador Perry, Alexander Skarsgard ha sido nominado como mejor actor de soporte en una miniserie.



Kidman y Witherspoon parecen estar “en un grupo de la muerte” en los Emmys, no obstante, debo decir que si Kidman no se come Big Little Lies entera es por Witherspoon y si Witherspoon no se come la serie es por Kidman, pero si vamos a hablar de capas, dramáticamente hablando, Kidman tiene un papel mucho más complejo debido a la tóxica relación de Celeste con Perry. A través de Kidman, somos testigos del sufrimiento en silencio de Celeste y entendemos por qué no es tan fácil que se separe de Perry. Ojo que con eso no se está tratando de justificar la violencia, solo que se evidencia la dificultad que tienen las mujeres maltratadas para iniciar un desprendimiento de su abusador. En ese sentido, algunos de los aspectos más realistas que vemos reflejados en la relación de Celeste y Perry es hay una codependencia enfermiza, una humillación constante por parte de Perry, el autoengaño del “va a cambiar” y el miedo a vivir una nueva vida prejuzgada por la sociedad. La terapia ayudó a Celeste a darse cuenta del peligro al que estaba expuesta, pero no la llevó a cambiar su vida; solo el darse cuenta que cómo la vida de sus hijos estarían marcadas, la llevó a tomar la decisión definitiva de dejarlo.
 

"Big Little Lies" es una de las mejores series del 2017 

En la superficie, "Big Little Lies", creada por David E. Kelley y dirigida por Jean-Marc Vallée, podría parecer un banal ejercicio de una tragicomedia oscura llena de intrigas de un grupo de mujeres de alta sociedad que compiten entre sí, pero en realidad se trata de una serie que retrata de una forma muy realista la violencia doméstica, la supervivencia tras una violación y el complejo vinculo entre las mujeres que, aunque pueden pelearse por nimiedades, en el momento correcto, todas dejaran las diferencias a un lado para defenderse. Definitivamente, se trata de una de las mejores series del 2017.

miércoles, 28 de junio de 2017

#GLOW: 40% Comedia, 40% Drama, 20% Acción

Particularmente, no soy una fan de la lucha libre, pero aun así creo que "GLOW ha logrado captar mi atención. Esta serie original de Netflix se enfoca en la formación de GLOW – Gorgeous Ladies of Wrestling", un programa que realmente existió pero para fines comerciales, la mayoría de sucesos en la serie son ficticios. 



"Glow" NO es la nueva "OITNB" 

 BuddyTv ha considerado que "GLOW" es una de las series más originales de la televisión en la actualidad, sin embargo, no puedo decir que estoy de acuerdo. "GLOW" se siente un poco más fresco que "Orange is the New Black", pero sigue la misma línea; no es exactamente una comedia pero tampoco un drama -aunque quizás por su formato de 30 minutos entra en la categoría de “comedia” - cuenta con un cast diverso y por momentos amas y odias a la protagonista Ruth (Alison Brie). El show se vale de los estereotipos para incursionar en el mundo de la lucha libre que es dominado por hombres. En ese sentido, utiliza un cliché negativo para volverlo un atributo. 


No sé si podemos considerar a GLOW como feminista pero ciertamente es progresista. 

 La serie se desarrolla en la década de los 80’s pero no se apoyan en la nostalgia de la época ni en los chistes de de la cultura pop, se enfocan en el Wrestling en todos sus aspectos. La lucha es un espectáculo; en la serie este espectáculo es comparado a una telenovela gracias a su composición: tiene buenos y malos, y allí es donde entre los estereotipos dentro del contexto histórico; las buenas son las americanas, particularmente la estrella del show es Debbie "Liberty Belle" Eagan y la "mala" es la rusa Ruth "Zoya the Destroya" Wilde. En lo que se refiere a la acción, las luchas están bien coordinadas, literalmente, vemos el entrenamiento de las chicas y los "trucos" para simular una pelea. De modo que vemos la construcción de los personajes de cada luchadora. 

"Machu Picchu": Ella es mi favorita. 

 Todos los personajes son gloriosamente imperfectos 

 Marc Maron interpreta a Sam, el director de GLOW. Y vaya que es un hijo de puta. No tiene respeto por nadie, insulta a las mujeres y las trata como basura. La única razón por la que aceptó hacer GLOW es para financiar su propia película. Sam es un completo idiota, un narcisista en un espiral autodestructivo, en pocas palabras, es una terrible persona y no trata de enmendarse. De hecho, todos son así, no se disculpan por sus imperfecciones porque es esa sinvergüencería lo que los hace tan empáticos, más reales. Sam no es un sujeto que cause miedo entre todas las mujeres que están bajo su responsabilidad. Estas mujeres devuelven el insulto y el golpe emocional no solo contra Sam, sino entre ellas mismas. 



La competitividad entre las mujeres no es retratado como un punto negativo, cada una de esas mujeres es parte del espectáculo y por eso quieren brillar en el momento en que las luces estén sobre ellas, eso es normal, es humano y todas tienen su momento. Hay una suerte de solidaridad entre las mujeres que se va generando que pasa de la enemistad hasta la complicidad no sin antes pasar por ciertos momentos desastrosos. Y si vamos a hablar de desastres encantadores no puedo dejar de mencionar a Chris Lowell. A él siempre le ha tocado hacer del “buen tipo”, a veces, un poco sarcástico pero siempre un “buen tipo”. Aquí también es el engreído, hiperactivo y obsesivo productor Sebastian Bash Howard, básicamente, el que pone la plata. Bash le aporta una locura divertida desde su aparición en el tercer episodio y aunque se roba la atención con su sobredimensionado entusiasmo, el show nunca deja de pertenecerles a las chicas encabezadas por Ruth.  A diferencia de OITNB, las subhistorias dentro de GLOW no pierden el hilo del objetivo principal que es realizar el programa de lucha, no obstante, sí presenta tramas fuertes como el aborto, por decisión propia y por accidente, y como la infidelidad. 



Debo aclarar que Ruth no es "la nueva Piper", es la protagonista y una excelente representación de lo que es la serie en general; es la mezcla perfecta de la drama y comedia. Pese a que la vida de Ruth se equivoca y es tan absolutamente desastrosa, tiene la habilidad de poseer un optimismo contagioso. Gracias a ellas todos se suben al tren de "hacer genial a GLOW" y hasta hacen lo correcto en los momentos que importan. Mi única critica es que Alison Brie nunca será una "chica común" por mucho que este sin maquillaje y tenga hondas en el pelo, sin embargo, Brie carga la serie con orgullo.  


La primera temporada de "GLOW" terminó con la grabación de la primera lucha de las mujeres y nos ofrece justamente lo que la serie es... un glorioso espectáculo.

PD: Tengo que reconocer que tiene un excelente soundtrack, lo que le da puntos extras a la serie.

Estas son las canciones que aparecen en GLOW; "The Warrior" by Scandal "You Make Me Feel (Mighty Real)" de Sylvester, "Separate Ways (Worlds Apart)" de Journey, "Stir It Up" de Patti LaBelle, "The Look" de Roxette, "We Don't Get Along" de The Go-Go's, "Life in a Northern Town" de The Dream Academy, "Movin' Out (Anthony's Song)" de Billy Joel, "Head Over Heels" de Tears for Fears, "Rock You Like a Hurricane" de Scorpions, "Ready Steady Go" de Generation X "Dare" de Stan Bush, "Theme of Exodus" de Ernest Gold, "Angel" de The Jetzons, "Magic Moments" de Perry Como, "Things Can Only Get Better" de Howard Jones e  "Invincible" de Pat Benatar

sábado, 20 de mayo de 2017

#GuardiansOfTheGalaxy: El Awesome Mix de James Gunn

Si le preguntas a alguien qué es lo que hace a "Guardianes de la Galaxia" tan diferente de las demás películas del universo de Marvel, la respuesta será la música, una grata cortesía del director James Gunn. Sin embargo, el estilo de James Gun va más allá de poner canciones geniales al Awesome Mix Vol. 1 y 2, si prestamos atención vamos a ver cómo es que la música es una pieza trascendental en el desarrollo de la historia de estos atípicos superhéroes. 



Según el propio director, la meta es que estos hits ayuden el avance del argumento y, como podemos ver, el resultado es que las canciones intensifican nuestra conexión con los personajes porque evocan emociones. En la primera escena de la primera película, Star Lord prende su walkman y se pone a bailar con el fondo de “Come and get your love” de Redbone y en la segunda película, como una suerte de paralelismo, el intro nos presenta a baby Groot bailando al son de “Mr. Blue Sky" de Electric Light Orchestra mientras se desarrolla una pelea entre los Guardianes y un gran monstruo gigante. Desde el comienzo, la segunda entrega se muestra familiar, entretenida pero sobre todo, musicalmente atractiva. 


Come and get your love
Mr. Blue Sky

 Lo particular del uso de la música de Gunn es que se trata de un sonido diegético, lo que quiere decir que las canciones se originan dentro de la narrativa de la historia. Cada canción es reproducido a través de algún reproductor en la misma película, como los casette de Peter, la radio del auto de Ego, etc, etc. Y todas las canciones de Awesome Mix Vol. 2 han sido seleccionadas minuciosamente hasta el punto que las mismas letras tienen un significado más profundo cuando analizamos el contexto de las escenas donde las escuchamos. Este es el por qué el "Father and son" de Cat Stevens nos genera un par de lágrimas sobre todo después de ver el sacrificio de Yondu por Peter y es que la misma letra habla de una relación de un padre y un hijo no muy lejano a la relación paternal y disfuncional de Yondu y Peter. 

*Comienza la música*

 La razón por la que estas canciones quedan perfectas en la historia es porque a diferencia de otros filmes donde el soundtrack es agregado en la etapa de edición, James Gunn elige primero las canciones y desde ellas construye la historia. En ese sentido, Guardianes de la Galaxias 2 tiene como base la familia y el soundtrack refleja esa idea. 



El soundtrack Suicida

Para mala suerte de la DC, Guardianes de la Galaxia evidencia las falencias en la edición del Escuadrón Suicida. El sonundtrack de la película de la WB tiene buenas canciones, pero lo malo es que ninguna de estas genera ni la más mínima sensación, es como si tuviera un montón de canciones geniales y solo las pusieron allí porque el simple hecho que son geniales sin tomar en cuenta el contexto de las escenas ni tampoco el tiempo de las mismas. En los primeros minutos tenemos un bombardeo de estilos al momento de introducir a varios personajes. Claro que El Escuadrón Suicida tuvo un proceso diferente al de Guardianes al momento de construir su historia y en la edición, sobre todo con los problemas que se registraron detrás de cámara con el estudio, sin mencionar que no todos los filmes necesitan apoyarse en su soundtrack para ser memorable, de todas formas, hay que tomar en cuenta el soundtrack debe aportar y no distraer. Después de ver una película con Guardianes, pensar en el Escuadrón Suicida es recordar el gran potencial desperdiciado, cuyo trailer con el espectacular fondo de “Bohemian Rhapsody” de Queen es mucho mejor que el film en sí mismo.


domingo, 7 de mayo de 2017

#GuardiansOfTheGalaxy Vol 2: La armonía emotiva y humorística de Marvel

James Gunn ratifica su estatus de uno de los mejores directores en Marvel y consolida su posición como uno de los mejores musicologos en el cine. "Guardianes de las Galaxia Volumen 2" ha sido inesperadamente emotiva y extraordinariamente entretenida. Lo mágico de la franquicia de los Guardianes es que si bien puede distinguirse de las demás producciones de Marvel, no deja ese estilo rítmico y humorístico de su primer volumen. En ese sentido, lo especial, se mantiene y se fortalece gracias a que su historia giró al rededor de la familia. 



Todo sobre la familia... 

Desde el comienzo debo decir que Guardianes de la Galaxia Vol 2 tiene uno de los mejores intros de todas las películas, por supuesto, aprovechándose de la adorable ternura que baby Groot transmite. La cinta está plagada de secuencias de acción y del humor que ya los caracteriza; Peter Quill "Star-Lord"  (Chris Pratt) y Rockett Raccon (Bradley Cooper) basan su humor en el sarcasmo, Drax (Dave Bautista) causa risa por sus comentarios inapropiados, Mantis (Pom Klementieff) por su candidez y Gamora (Zoe Saldana) y Nebula (Karen Gillan) por sus enfrentamientos continuos. 


Demasiado adorable para matar.

 Ha sido una grata sorpresa que la publicidad de Marvel no revelara quién era el enemigo principal de turno. Recordando que los trailers han tenido su cuota de cool pero cero spoilers, lo que se agradece, porque, como en pocas oportunidades, le han dado el chance al espectador de disfrutar cada giro en la historia. James Gunn dijo en una entrevista que el volumen 1 era sobre la conformación de este atípico grupo y que el volumen 2 trataría sobre el significado de la familia, pero no esperaba que fuera tan emotiva hasta el punto de llenarme los ojos de lagrimas tras el funeral de Yondu (Michael Rooker), quien se sacrificó para salvar a Star-Lord tras la épica batalla contra El Planeta Ego (Kurt Russell).   Y no es para menos, pese a su actitud hosca, salvó a Star- Lord, lo crió como su hijo y lo volvió a salvar en el volumen uno. Nunca rompió el código, es más creó un código propio que ahora es parte de Rockett. 




Al final del día, además de una gran aventura, el mensaje que deja la película es que lo más importante es la familia y en el caso de los Guardianes, ellos han elegido que son una familia disfuncional y con eso vuelve a distinguirse de los demás, porque si bien los Vengadores son cercanos, no pueden calificarse de una familia del mismo modo que los Guardianes. Como suele suceder, todos estuvieron fenomenales en sus roles, pero Yondu se robó el show lo que es todo un mérito considerando que el roba escenas de la película es el adorable Groot.

Equipo = Familia

La armonía de Marvel

Guardianes es un gran ejemplo del cómo aprovecharte de tu soundtrack en momentos claves.  James Gunn vuelve a hacer uso de su impecable gusto musical para aportarle un plus a las escenas y complementar a la perfección al sentimentalismo en la historia. A diferencia de "Suicide Squad" donde la música fue insertada sin tomar en cuenta el contexto causando un efecto cacofónico distractor (sin mencionar que más parecía un remix de mejores one-hit wonders), en ambos volúmenes de Guardianes, las canciones tienen el propósito de reforzar el mensaje de fondo y logrando transmitir una armonía familiar. Finalmente, aunque me parecía una exageración colocar 5 escenas post créditos, la verdad es que no se sienten de ese modo. En Guardianes no hay escenas que sobren o que aburran, es entretenida y emocionante de principio al final.

martes, 9 de agosto de 2016

8 cosas que hizo bien #SuicideSquad

8.- El soundtrack

Aunque la edición en la película sigue siendo cuestionable, es innegable que la decisión de las canciones fue la correcta.        



7.- Los easter eggs

Las referencias siempre son sumamente apreciadas y en "Suicide Squad" hay varios easter eggs que valen la pena destacar, pero el principal guiño de la película involucra los flashbacks relacionados al Joker y a Harley Quinn. De modo que pudimos ver cómo es que se pasó de una relación “paciente-doctor” a una relación increíblemente loca e incluso pudimos verlos a los dos recreando una de las portadas más iconicas en el mundo comic de la DC.



6.- La introducción de los personajes

La presentación de los integrantes del “Escuadrón Suicida” tuvo ciertas parecido con la introducción del equipo en "Batman: Assault on Arkham". Las coloridas diapositivas que acompañaban a las escenas nos regalaban un par de detalles generales de los mismos y eran complementadas con los flashbacks. Una manera original de presentar a los protagonistas de la película sin inundarnos de información.



5.- La continuidad en la DC

"Suicide Squad" es la tercera película del universo cinematográfico de la DC, pero no es necesario que hayas visto "Man of Steel" o "Batman V Superman" para entenderlo, no obstante, la película sí te informará el contexto en el que se desarrolla; un gobierno que no puede contar más con Superman pero que aún tiene que lidiar con el peligro de los metahumanos. En este panorama, Amanda Waller arma el “Task Force X” para enfrentarse a las nuevas amenazas que aparezcan y si algo sale mal, simplemente culpan a los villanos, una idea que en realidad tiene sentido.




4.- Los cameos

Los principales cameos en "Suicide Squad" son las apariciones de Batman y Flash. La presencia de estos héroes además de contrastar con los villanos, tienen una coherencia en la historia ya que Batman fue el responsable de la captura de Deadshot y Harley Quinn y Flash hizo lo propio con Captain Boomerang. Pero el plus es que se tratan de, en primera instancia, el Batman que se robó los halagos en BvS y de Flash, a quien vemos por primera vez en acción pero que en el teaser de la Liga de la Justicia logró causar un impacto positivo.



3.- Will Smith como Deadshot

No importa qué rol interprete, Will Smith siempre le introducirá a sus personajes un encanto especial y un carisma enigmático. La empatía que logró Smith con Deadshot fue básica para cargar el film. Es un villano que sigue sus propias reglas (no mata a mujeres y niños) y con un código personal que no busca redención, sino la oportunidad de quedar bien ante los ojos de su hija, pero logra quedar bien ante mis ojos.



2.-Viola Davis como Amanda Waller

Desde que se anunció que Viola Davis sería Amanda Waller, el consenso general fue que se trató de una gran decisión, especialmente para quienes conocemos la carrera de esta gran actriz, sin mencionar que su rol como Annalise Keating en "How to get away with murder" es básicamente una Amanda Waller en el mundo de las leyes. Así que no es sorpresa que Davis haya capturado perfectamente la frialdad y brutalidad de Waller.



1.- La Harley Quinn de Margot Robbie

Se trata de uno de los personajes más populares de universo de Batman y realmente, no la hemos visto en carne y hueso, a menos que contemos la revelación final de la desaparecida "Birds of Prey", de todas formas, Margot Robbie estuvo espectacular como Harley Quinn. La actriz supo equilibrar una comedia maniática e infantil con una sutil sensualidad, por lo que supo robarse la atención en cada escena en la que estuvo involucrada. En ese sentido, Robbie nos regaló una de las mejores actuaciones en el universo cinematográfico de la DC.