#Batwoman: Tras una potencial primera temporada, se busca nueva protagonista

Debo admitir que le di una oportunidad a “Batwoman” con bastante escepticismo; no estaba de acuerdo con la elección de Ruby Rose como Kate Kane y su participación en “Elseworlds” no me causó la suficiente curiosidad para seguir su spin off, pero después, capítulo tras capítulo, “Batwoman” iba creciendo en mí y se convirtió en una de mis favoritas del Arrowverso. Por eso, el anuncio sobre la renuncia de Ruby Rose luego de solo una temporada, me causó mucha preocupación ya que incluso aunque se encuentre un buen reemplazo, “Batwoman” no será lo mismo en su segunda temporada. 

Cuando comenzó, “Batwoman” parecía ser la heredera natural de “Arrow”, pero con el tiempo llegó a acuñar un estilo apropiado y diseñado a la comodidad de su protagonista. En ese sentido, si bien “Arrow” y “Batwoman” comparten la misma estética sombría e historias terrenales de lucha contra el crimen (sin metahumanos ni gente con poderes), la personalidad de Kate Kane no es la torturada de Bruce Wayne u Oliver Queen, por el contrario, Kate es bastante cool e irónica en su camino de consolidarse como una heroína, pero también lo suficientemente humana para sufrir de ansiedad, para divertirse con sus misiones, para dudar de sí misma y para recomponerse en sus propios términos. 

La participación de Batwoman en “Elseworlds” fue breve, no tan memorable, pero fue introductoria, de todas maneras, la serie necesitaba explicar cómo Kate Kane llegó a ser Batwoman. Para esto, los primeros cuatro episodios sirvieron como una semi-historia de origen que explicó el por qué Kate Kane asumió y adaptó el traje del Caballero de la Noche para continuar el trabajo de salvar a Gotham. Lo más destacable de los primeros episodios sucede en el cuarto episodio, "Who Are You?", cuando una niña se queda admirando a Batwoman quien la había salvado segundos antes. Esta escena retrata la importancia y la necesidad de producciones con heroínas. Durante mucho tiempo, las mujeres no habíamos tenido heroínas a quien idolatrar en la pantalla chica. Del mismo modo, “Batwoman” es también una figura representativa de la comunidad LGBTQ. Con esto no quiero decir que sea el único personaje LGBTQ del Arrowverso o el más representativo, recordemos que Sara Lance (Caity Lotz) es bisexual y es la protagonista de “Legends of Tomorrow” mientras que Anissa Pierce (Nafessa Willams) es abiertamente homosexual en “Black Lightning” al igual que Alex Danvers (Chyler Leigh) en “Supergirl”. La diferencia entre los personajes de Arrowverso y “Batwoman” es que Batwoman ya era un símbolo de la comunidad LGTBQ al ser una de las primeras heroínas femeninas abiertamente homosexual en sus comics. 

En la serie, la orientación sexual de Kate Kane no causa ningún drama adicional. Ella es lesbiana y punto. El único momento donde su sexualidad importa es en el capítulo "How Queer Everything Is Today!" ya que la prensa está más interesada en su vida romántica que en sus acciones heroicas. Al final del episodio, Kate, quien ha vivido su vida fuera del closet, decide que su alter ego salga del closet de manera pública y con ello, buscaba impactar de una manera positiva a los adolescentes LGTBQ que son rechazados por sus padres o por la propia sociedad, adolescentes como Parker Torres (Malia Pyles) cuyos padres la botaron de su casa por ser gay y que, al momento de cruzarse con Batwoman, no tiene ninguna esperanza de que las cosas mejorarán. 

 Alice, la Joker de Batwoman 

Por supuesto, no podemos hablar de “Batwoman” sin mencionar a Alice/Beth. El personaje de Rachel Skarsten es la “Joker” de la serie y la contraparte (literal) de Batwoman. El Joker siempre ha sido el enemigo principal de Batman porque representa lo contrario de Batman. En el caso de Alice, ella no solo es el antónimo de Batwoman, sino que es la hermana de Kate. De la misma tragedia familiar que sufrieron ambas nació una heroína y una villana. Por eso, durante los primeros ocho episodios, Kate intenta salvar a Alice y no es hasta que ella mata a su madrastra que se da cuenta que no va a cambiar. La película del “Joker” sin querer mejora a “Batwoman” ya que al igual que Joaquin Phoenix, Skarsten nos ofrece una visión de Alice tan humana como desequilibrada. Hay momentos en que Alice es empática, vulnerable y frágil, quizás sea para manipular a Kate (y a nosotros) o tal vez sean esos fragmentos de Beth que puede ver Kate y por eso está desesperada en rescatarla. Un gran ejemplo es el episodio "Off with Her Head" que muestra la historia de origen de Alice a modo de flashback, entonces, presenciamos el momento en el que Beth pasó de una víctima a una victimaria. Durante años, Beth soportó el abuso y la tortura de sus secuestradores, pero cuando descubre que August Cartwright (John Emmet Tracy) tenía la cabeza de su madre, pierde lo poco que le quedaba de cordura y se vuelve Alice para liberarse y vengarse de los responsables de su tragedia, siendo su primer acto matar a la “Queen of Heart”. En el presente, el autodenominado hermano de Alice, Mouse (Sam Littlefield), le echa una toxina de miedo a Alice lo que la hace revivir sus peores miedos y tiene que ser rescatada por su padre Jacob Kane (Dougray Scott).

Luego que August revelara la ubicación de Alice, Kate lo estrangula y lo termina asesinado, violando el código de no matar de Batman. Kate se queda en shock hasta que Jacob y Alice la encuentra y Alice no tiene la mejor idea que comentar “felicidades, papá, tus dos hijas son asesinas”. De ese modo, Alice también sirve como un diablito en el hombro izquierdo de Kate y como una presencia constante que le recuerda a Kate que no puede batallar con monstruos sin convertirse en uno, tal y como le advirtió el Bruce Wayne (Kevin Conroy) de la tierra 99 en “Crisis on infinite Earths”. 

El nuevo mundo post crisis le dio el chance a “Batwoman” de tener a una Beth normal. Con estas dos actuaciones, Rachel Skarsten se apoderó del show en su totalidad, porque seamos sinceros, a Ruby Rose le cuestan ciertas escenas, sobre todo las dramáticas, mientras que Skarsten sabe cuando ponerle freno a su histrionismo y cuando exagerarlo de manera lúdica y sádica, pero también encuentra la forma de atraparnos en su dolor hasta el punto que incluso justificamos su maldad. 

El balance de Batwoman 

 Como toda serie en su primera temporada, “Batwoman” tuvo puntos flojos; al comienzo tenía un doble voice over con Kate narrando las cartas que le escribía a Bruce y también con Rachel Maddow como la conductora Vesper Fairchild que es una especie de periodista y “Gossip Girl” de la serie. Eventualmente, Maddow quedó como la única narradora, una decisión más que correcta. Asimismo, “Batwoman” cayó en el mismo error que “The Flash” y “Arrow” al tener una co-protagonista que tenía una química casi nula con Ruby Rose, y aunque serie tenía su solución Felicity, prefirió irse por otra dirección; en el triangulo amoroso entre Sophie (Meagan Tandy), Julia (Christina Wolfe) y Kate, Kate es la que sale sobrando. 

Además, durante buena parte de la primera temporada, Luke (Camrus Johnson) era el único socio de Batwoman y solo pudimos disfrutar del Bat-equipo completo, incluyendo a Mary (Nicole Kang), recién en los dos últimos episodios. Finalmente, una crítica menor es la voz del actor Dougray Scott haciendo de Jacob, demasiada rasposa y ronca para sonar ser normal, se siente muy forzada. Pero en una vista global y dentro de los estándares del Arrowverso, la showrunner Caroline Dries logró ir de menos a más y nos otorgó una serie llena de acción, tensión, evolución, referencias y que aprovecha de manera correcta del legado de Batman y de sus coloridos villanos. Llegando al final de la temporada, la serie se vio afectada por la pandemia del coronavirus y no pudo terminar de grabar los 22 episodios que tenía planeado. Accidentalmente, “Batwoman” terminó de una manera solida con genial clifhanger; la revelación del rostro de Bruce Wayne (Warren Christie) el cual ha sido asumido por Hush. Todo esto es parte del plan de Alice para matar a Batwoman pero no es la única, pues, el comandante Kane también está detrás de Batwoman. 

Sobre la salida de Ruby Rose 

 El portal Screen Rant teoriza que Ruby Rose dejó “Batwoman” por las constantes críticas que recibía por su actuación en la serie. Recordemos que desde que Rose fue elegida para ser Kate Kane surgieron las críticas por no ser judía, como el personaje en los comics, o no ser “lo suficientemente gay”, lo que sea que eso signifique. Por su lado, Charlie del canal de Youtube Emergency Awesome dice que Rose no se acostumbró las largas horas y meses de grabación que demanda una serie a diferencia de los horarios de producción de una película, mientras que otros medios atribuyen su salida a los dolores crónicos que le dejó un grave accidente en el set. Sea cual sea el motivo, tal vez nunca la sepamos, Ruby Rose tiene todo el derecho de alejarse de la serie si lo cree conveniente. La decisión que ha tomado es personal. Por mi parte, le agradezco la primera temporada de "Batwoman".

 Antes ya habíamos visto a actores que han sido reemplazados por otros en el Arrowverso, pero es la primera vez que una serie de este genero se queda sin su protagonista tras la primera temporada. ¿Podría “Batwoman” sobrevivir sin su figura principal? Es muy difícil predecirlo ahora, eso depende de la actriz elegida que sustituirá a Rose y también del propio equipo de producción. Según ha adelantado la producción de “Batwoman”, se realizará un nuevo casting para el rol y se espera que la actriz elegida sea parte de la comunidad LGBTQ. En un artículo, Tvline considera que lo mejor que podría hacer la serie es no brindar ningún tipo de explicaciones por el cambio de protagonistas y simplemente seguir la historia. Y tiene sentido. Todos ya sabemos que Ruby renunció a la serie y que alguien va a reemplazarla. Eso sí, quizás puede haber un comentario meta en la que alguien, seguramente Alice o Mary, diga algo como “te ves diferente, ¿te cambiaste de peinado o algo?” para ponerle un poco de humor a la situación. Por lo pronto se sabe que el próximo crossover del Arrowverso involucrará a Batwoman y la nueva serie de Superman. Ese es el plan, aunque realmente nadie sabe cuándo se retornarán a las grabaciones.

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Mejor ejemplo de novela mexicana: Dos hombres y un camino bastante aburrido "Put on a Happy Face" (Greys Anatomy) 

Se supone que el triángulo amoroso entre Owen – Teddy – Tom ya se había definido al final de la temporada 15 cuando Owen (Kevin McKidd) se le declaró a Teddy (Kim Raver) mientras estaba dando a luz a su hija. Incluso el propio Tom (Greg Germann) había aceptado su derrota. No había necesidad de drama porque el romance de Owen y Teddy era tan aburrido, más aburrido que el de Jackson (Jesse Williams) y Maggie (Kelly McCreary), que, hasta, tuvieron una historia donde lo más interesante que les pasaban era perder un juguete. Sin embargo, luego que Teddy se enterara que el bebé que esperaba Amelia (Caterina Scorsone) podría ser de Owen, termina acostándose con Tom porque *drama”. Para el final de la temporada, Teddy le había sido infiel a Owen varias veces, pero igual quería casarse con él porque… *inserte aquí alguna excusa*. La novela de “Dos hombres y un camino bastante aburrido” continuará la próxima temporada para nuestro pesar. En fin, los triángulos amorosos de “Grey’s Anatomy” ya no son lo que solían ser. 

 Mejor sorpresa inquietante: “Chalk One Up” (Homeland)

En definitiva, “Homeland” ha sido una de las mejores series de la década y cada capítulo de la última temporada nos recordaba constantemente por qué; este show es ingenioso, realista y adictivo. En el episodio “Chalk One Up” se está a punto de alcanzar la tan anhelada paz en Medio Oriente. El presidente Warner (Beau Bridges) llega a Pakistán para anunciar que la guerra se ha acabado. No obstante, tan pronto lo vimos hablar con respeto y admiración a Carrie (Claire Danes), supimos que no iba a estar vivo por mucho tiempo ya que casi todos los políticos decentes que reconocen el trabajo de Carrie no tienen un buen futuro. En el caso del presidente Warner, no tuvo ninguno. El helicóptero que lo trasladaba termina estrellándose. Las repercusiones de la muerte del presidente Warner, que aniquilaron el tratado de paz, marcaron el resto de una temporada llena de tensión y juegos de espías.

 Mejor sorpresa agridulce: “Episode 4” (Years and Years)

 La serie británica “Years and Years” nos daba sorpresas a cada rato al mismo tiempo que también nos asustaba con sus predicciones ficticias que en cualquier momento se hacen realidad. En medio de todo, la principal historia de amor que tuvo la serie fue la de Daniel Lyons (Russell Tovey) y Viktor Goraya (Max Baldry). Cuando el gobierno se entera que Viktor, quien es refugiado, está trabajando de manera ilegal, lo deporta y Viktor no tiene otra opción que regresar a un país que lo condena por su orientación sexual. En el episodio 4 vemos el reencuentro entre Daniel y Viktor y su periplo para regresar juntos a Inglaterra en medio de un panorama internacional convulsionado; Grecia deja la Unión Euopa, el gobierno de Italia se encuentra en plena crisis gubernamental y se registra un golpe de estado en España. Luego de ser estafados y con lo poco que le queda de dinero, Daniel y Viktor terminan en un bote lleno de inmigrantes. Es allí donde nos topamos con la sorpresa agridulce porque si bien Viktor regresa a Inglaterra, en las orillas de la playa vemos los cuerpos de los ahogados y entre ellos, se encuentra su amado Daniel. 

 Mejor modo de robar protagonismo I: "A Mad Tea-Party" (Batwoman) 

Se dice que la grandeza de un héroe solo puede medirse por la calidad de sus villanos y pues, es verdad, Alice (Rachel Skarsten) no solo hace a Kate (Ruby Rose) una mejor heroína sino a “Batwoman” una mejor serie. Alice es la “Joker” de la Batwoman, y no cualquier Joker, es la versión femenina de la combinación entre el “Joker” de Joaquin Phoenix y el “Joker” de Heath Legder. Skarsten tiene la capacidad de hacernos sentir por Alice y también retratarla como una agente del caos. No hay episodio en el que ella no se robe el show, pero en el que más resalta es el episodio “A Mad Tea-Party” ya que nos presenta su historia de origen; el momento en el que perdió la cordura tras años de tortura y secuestro. La serie tiene claro que no hay redención para Alice; es la enemiga perfecta para Batwoman porque no puede derrotarla, pero tampoco puede salvarla.

Mejor modo de robar protagonismo II: "Chapter 8: Redemption" (The Mandalorian)

 “The Mandalorian” nos recordó lo mejor de “Star Wars”. El plus de la serie fue regalarnos a Baby Yoda o “The Child”. Con apenas 50 añitos, Baby Yoda se roba el protagonismo cada vez que sale en pantalla. En el último capítulo de la primera temporada, Baby Yoda usa la fuerza para atacar a un grupo de stormtroopers y nosotros pasamos de la ternura a “cool, cool, cool”. Antes de empezar el año, The Child era un símbolo que el futuro era brillante. 

Mejor comeback: "In the Dark Night of the Soul It’s Always 3:30 in the Morning" (The Morning Show)

 Jennifer Aniston volvió al mundo de las series a través de “The Morning Show”. El personaje que interpreta es Alex Levy, una importante conductora de noticias cuyo mundo se ve completamente alterado cuando explotan las acusaciones de acoso sexual contra su compañero Mitch Kessler (Steve Carell). “The Morning Show” permite a Aniston brillar en los momentos dramáticos, pero también criticar a los medios y reflexionar sobre su rol en el contexto del movimiento “MeToo”. 

 Mejor escena dramática en una comedia: Episode 1, season 2 (Fleabag) 

 En la primera escena del primer episodio de la segunda temporada de “Fleabag” vemos a nuestra protagonista sangrando por la nariz. Los eventos antes del incidente que dejó a Fleabag herida es una cena familiar muy incómoda incluso para los propios estándares de Fleabag (Phoebe Waller-Bridge). Lo peor de todo es que Fleabag se vuelve el punto de la crítica de todos pese a que solo trataba de cubrir a su hermana Claire (Sian Clifford) quien acaba de tener un aborto instantáneo y se reusaba ir al hospital. Para esto, Fleabag había dicho que ella había tenido un aborto y Martin (Breet Gelman), el esposo de su hermana Claire, comienza a burlarse e irritarla tanto que al final, Fleabag no puede contenerse y se pelea con él y así es como termina con la nariz ensangrentada. 

 Mejor episodio cómico en un drama: "The Gang is Satirized and Doesn't Like It" (The Good Fight)

 A veces no parece, pero “The Good Fight” es en realidad un drama legal, pero como se trata de un drama legal en medio de la era Trump, donde que el poder y el dinero puede más que la justicia, pues, su retrato de la realidad se convierte en una sátira. En todos los episodios de “The Good Fight” hay cierta comedia, pero el capítulo “The Gang is Satirized and Doesn't Like It” es casi un comentario meta sobre ellos mismos. Un exempleado del buffete realiza una obra donde parodia el comportamiento de Adrian (Delroy Lindo), Liz (Audra McDonald) y Diane (Christine Baraski) y se trata de una visión tan extravagante que Adrian trata de censurarlo, mientras que Liz y Diane se preguntan si hay una verdad en los personajes basados en ellas. 

 Mejor escena más ridícula: “Bruce Wayne” (Titans) 

En su segunda temporada, “Titans” hizo un pequeño y extraño homenaje al Batman de Adam West haciendo bailar a su Bruce Wayne (Iain Glen) realizando similares movimientos al baile que realizó West en “Hi Diddle Riddle”. Por supuesto, no se trata del verdadero Bruce Wayne, sino que es una alucinación de Dick (Brenton Thwaites). La escena termina siendo tan ridícula como divertida, totalmente fuera del tono oscuro al que “Titans” nos tiene acostumbrados. 

 Mejor soundtrack: “Stumptown”

 “Stumptown” cuenta con una excelente actriz principal, Cobie Smulders, buenos coprotagonistas, Jake Johnson y Michael Ealy, y además, sabe mezclar la acción, el humor y el drama. Como bono, la serie cuenta con uno de los mejores soundtrack en la actualidad y el modo en el que lo inserta en su historia es ingenioso, pues, la mayoría de veces, las canciones salen del casette atascado en el auto de Dex, lo que permite que escuchamos clásicas del rock y pop en plenas escenas de acción y persecución. 

Mejor historia que se venía venir pero que aún sorprende: “The View From Halfway Down” (Bojack Horseman) 

En la última temporada de “Bojack Horseman”, sabíamos que el pasado iba alcanzar a Bojack (Will Arnett) y también sabíamos que iba a recaer en el alcohol y las drogas. “Bojack Horseman” ha sido capaz de regalarnos maravillas surreales, pero el episodio “The View From Halfway Down” es probablemente el mejor episodio de la temporada final y también uno de los mejores de toda la serie. En el capítulo, Bojack reflexiona sobre su propia muere alrededor de personajes que ya fallecieron y no es hasta el final que se nos revela que Bojack está muriendo ahogado en su piscina. La composición del episodio es fenomenal y se siente, por un breve momento, que Bojack está en “The Good Place”, pero al igual que en la serie de Michael Shur, “The Good Place” es en realidad “The Bad Place” y no hay salvación para Bojack.

 Mejor excusa para perder el tiempo: “Big Littles Lies”

 ¿Era necesario una segunda temporada de “Big Little Lies”? No, pero si tenías la posibilidad de juntar a Meryl Streep con Nicole Kidman, Reese Witherspoon, Shailene Woodley, Laura Dern y Zoe Kravitz lo haces, así la historia no tenga la misma fuerza, la actuación de estas mujeres será suficiente para cargar la serie. Y así fue. 

 Mejor episodio brutal: "This Extraordinary Being" (Watchmen) 

Se trata de la historia de origen de Justice Hooded, el primer antihéroe del país, cuya identidad verdadera es Will Reeves (Jovan Adepo), un policía negro maltratado por una sociedad racista. La nieta de Will, Angela (Regina King), revive la vida de Will gracias a una droga. En paralelo vemos que los medios decidieron crearle una historia ficticia a Justice Hooded alterando todos los eventos. El episodio es brutal en todos los sentidos; la historia de Will nos indigna y nos toca mientras que la edición y la fotografía nos impactan de sobremanera. 

 Mejor razón para reír: Legends of Tomorrow 

De todas las series del “Arrowverso”, “Legends of Tomorrow” es la más divertida, la más cool y la que más se burla de sí misma. Hay varias cuentas en Youtube que desmenuzan las referencias y easter eggs en “The Flash” y “Arrow”, pero no hay muchas que se dediquen a encontrar todas las referencias en “Legends of Tomorrow” porque en un solo episodio hay un montón, sobre todo de la cultura pop y guiños al propio Arrowverso. “Legends of Tomorrow” no solo es la mejor excusa para reír, sino la mejor excusa para no tomar las cosas muy en serio.

 Mejor razón para llorar: "Open Wide, O Earth" (Chernobyl) 

La miniserie más aclamada del 2019 abordó el desastre nuclear en Chernobyl. Sin exceso de dramatismo o heroísmo, la serie contó una historia sumamente trágica que afectó a todo al país ruso y también al mundo. Una de las subhistorias más íntimas giró alrededor de Vasily Ignatenko (Adam Nagaitis), uno de los bomberos que atendió la emergencia y que terminó muriendo por radiación. Su esposa, desobedeciendo indicaciones medicas de no estar con su marido para no afectar su embarazo, decidió acompañarlo hasta el final. Vasily es sepultado en un entierro masivo. 

 Mejor beso: "Because I Could Not Stop" (Dickinson) 

Se ha teorizado mucho sobre la relación entre Emily Dickinson (Hailee Steinfeld) y Sue Gilbert (Ella Hunt), pero la serie lo tiene claro desde el primer episodio; tenían algo más que una amistad y para concretizarlo Emily y Sue se besan en el primer episodio. Es un beso que denota amor y pasión. Se puede intuir que la relación de Emily y Sue no solo es intensa, sino que lleva años en sobreviviendo en secreto. 

 Mejor episodio inesperado con rechazo incluido: "The Other Side of the Rock" (High Fidelity) 

Iba a ser bastante polémico que Rob (Zoe Kravitz) terminara reconciliándose con Mac (Kingsley Ben-Adir) después de que le confesara su infidelidad y teniendo en cuanta que Mac estaba comprometido con otra mujer, pero lo que no se esperaba era que la temporada terminara con Rob pidiéndole una oportunidad a Clyde (Jake Lacy). Después de sufrir varios desplantes era comprensible que Clyde la rechazar aunque después le da 9% de esperanza. 

 Mejor escena en un episodio bizarro: “407 Proxy Authentication Required" (Mr Robot) 

Dividido en 5 actos que representan las etapas del duelo, “407 Proxy Authentication Required" es uno de los mejores episodios de “Mr Robot”, sin mencionar uno de los más bizarros. La performarce de Rami Malek en este episodio es demoledora, pero hay una escena en particular en la que la cámara se cierra en su cara mientras que Elliot se enfrenta a la dolorosa revelación que fue abusado por su padre cuando era niño. Gracias a la actuación de Malek nosotros sentimos el miedo, el asco y nos quedamos tan rotos como Elliot. 

 Mejor final en medio de la temporada: "Mondays, Am I Right?" y “Patty” (The Good Place)

 “The Good Place” bien pudo haber terminado en “Mondays, Am I Right?” o en “Patty” y ambos “finales” habrían sido aceptables. El episodio “Mondays, Am I Right?” termina con el grupo dirigiéndose al “Good Place”, mientras que en “Patty”, el grupo encuentra un modo de arreglar el “Good Place”. ¿Estos capítulos superan al capítulo final? No, pero en su momento parecía que estos episodios también hubieran sido finales sensatos. 

 Mejor cliffhanger: "Love, Actually" (You) 

Ya sabíamos que, en al final de la temporada, Joe (Penn Badgley) se salvaría de ser descubierto o atrapado. Siempre gracias a la casualidad, por supuesto. Y también porque se enamoró de Love (Victoria Pedretti) quien también tiene su pasajero oscuro. Eso sí, si alguien tenía la esperanza de que Joe cambiara, se nota que no le ha prestado mucha atención a la serie, pues, en los últimos segundos se nos revela que Joe tiene una nueva obsesión; su nueva vecina. 

 Mejor flashback: "A God Walks into Abar" (Watchmen) 

La composición de este episodio es una maravilla ya que hace sentir al espectador cómo Dr. Manhattan (Yahya Abdul-Mateen II) experimenta el tiempo; viviendo en el pasado, en el presente y en futuro a la vez. Para cuando Manhattan conoce a Angela (Regina King) ya estaba enamorado de ella y también sabía que su historia de amor iba a terminar en tragedia, pero eso no le impidió estar con ella. 

 Mejor final de temporada: "Mayday" (The Handmaid’s Tale) 

“Mayday” debe ser el final de temporada más “optimista” de “The Handmaid’s Tale”, considerando siempre el contexto desolador de la serie. De todas maneras, "Mayday" nos regaló el momento más satisfactorio de la serie; Fred (Joseph Fiennes) y Serena (Yvonne Strahovski) arrestados después traicionarse entre sí. Además, el plan de June (Elisabeth Moss) se concretó y logró que los niños de Gilead lleguen Canadá donde tendrán un mejor futuro. 

 Mejor final de temporada accidentado: “Oh Mouse” (Batwoman) 

 Debido a la pandemia generada por el coronavirus, diversas series tuvieron que adelantar sus finales de temporada. Como era predecible, estos episodios no fueron los típicos finales de temporada llenos de tensión ni tampoco dejaron un gran cliffhanger, sin embargo, otras series tuvieron la suerte de acabar con una buena nota. Este es el caso de “Batwoman”. En “Oh Mouse”, Alice (Rachel Skarten) termina matando a Mouse (Sam Littlefield), el comandante Kane (Dougray Scott) casi asesina a Batwoman y la cereza en el helado es que el cliffhanger es que Tommy, alias Hush, termina con el rostro de Bruce Wayne (Warren Christie). Accidentalmente, de las series del Arrowverso, “Batwoman” cerró muy bien su primera temporada, aunque después vendría el drama fuera de las cámaras, pero ese ya es otro tema. 

 Mención honorable: “Crisis On Infinite Earths” 

 El gran evento de la temporada “2019-2020” fue “Crisis on Infitine Earths”; cinco episodios, cameos por doquier, guiños y referencias. Más que una historia de acción se trató de una celebración del multiverso de la DC que unió su universo televisivo y también cinematográfico para despedirse del héroe que lo comenzó todo: Arrow (Stephen Amell).

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Las series en los tiempos del coronavirus

Las medidas tomadas para frenar propagación del COVID-19 obligó al mundo del entretenimiento a detenerse de manera abrupta, esto ocasionó que varias series no terminaran de grabar todos los capítulos finales de la temporada 2019-2020. Los productores no tuvieron otra opción que adelantar el final de temporada o encontrar un modo de completarla de manera remota. 

El ejemplo más ingenioso que hasta el momento hayamos visto es “The Blacklist” cuyo final de temporada mezcló el live action con una animación comic. Recordemos que la cuarentena interrumpió las grabaciones del capítulo 19 y se tenía previsto una temporada de 22 episodios. En ese sentido, este híbrido de live action / animación les permitió completar el capítulo al mismo tiempo que cierran la temporada. Si lo pensamos bien, esta solución de emergencia podría ser la clave para otras producciones, especialmente para series de héroes, como “The Flash”, “Batwoman” y “Supergirl”, ya que solo necesitarían la voz de sus actores principales e incluso hasta se podría aprovechar para realizar más crossovers, sin embargo, es poco probable que este estilo se replique, pues, el proceso de animación, aunque se puede realizar desde casa, también toma su tiempo y si bien se puede servir para acabar un episodio, se necesitaría un presupuesto mayor para realizar una temporada. 

La solución común ante la pandemia ha sido que los season finales, que por lo generalmente incluye cliffhangers y una dinámica más intensa, terminen siendo el capítulo 19 o el 20 o el último capítulo que se grabó en su totalidad y que no estaba preparado para ser el último capítulo sino una especie de transición hacia el punto clímax al que no se llegó. Por eso, no podemos realmente quejarnos por las historias incompletas ya que se sabe que las resoluciones estaban planeadas para una temporada de 22 o 23 episodios. En el caso de “Grey’s Anatomy”, el final de temporada fue el episodio 21, “Put on a Happy Face”, y su temporada normal debía contar con 25 episodios. 

 Siguiendo en el tema de “Grey’s Anatomy”, esta temporada se tomó la marketera decisión de tener un crossover permanente con su spin off “Station 19”. Ya llegará el momento de criticar la manía de los productores de “Grey” y “Station 19” de entrelazar ambas series, porque es obvio que se trataba de un intento forzado para que los espectadores de “Grey” le den un chance (y un poco de rating) a “Station 19”, sin embargo, debido a esa nueva dinámica, “Station 19” nos spoileo un poco la dirección por la que iba a ir “Greys Anatomy” ya que Carina DeLuca (Stefania Spampinato) reveló que su hermano Andrew (Giacomo Gianniotti) es bipolar cuando en “Grey’s Anatomy” no se tuvo el tiempo de cerrar esta historia sobre la condición mental en la que estaba Andrew después de haber salvado a Richard Webber (James Pickens Jr.) tras diagnosticarlo de una misteriosa enfermedad que lo aquejaba. Asimismo, al parecer el final de temporada de “Grey” habría lidiado con las consecuencias de una gran explosión registrada en “Station 19”. Según reveló Tvline, el adelantado season finale le salvó la vida a un personaje que habría sido una víctima más en la larga lista de doctores muertos en “Grey’s Antomy”. 

Por su lado, el drama legal “All Rise” se convirtió en la primera serie en filmar un episodio en modo cuarentena. En el capítulo “Dancing at los Angeles”, la jueza Lola Carmichael (Simone Missick) realiza una sesión de un juicio en línea (por medio de Zoom) para probar que se pueden realizar estas diligencias de manera remota y así aliviarle el peso al sistema judicial de Estados Unidos. El único mérito de la serie quizá será el haber sido la primera en tener un episodio con esta temática, pero no ha invitado la pólvora ni tampoco marcará una tendencia, solo se adaptó a un momento difícil en la actualidad. 

 El coronavirus también detuvo al icónico programa “Saturday Night Live”, pero semanas después que se dictó la cuarentena para aplanar la curva de contagios, el show se acomodó a este nuevo contexto y realizó un “SNL at Home”. El primer anfitrión en este nuevo formato fue Tom Hank, recientemente recuperado de Covid-19. Esta vez los sketches se burlaron de esta nueva realidad parodiando reuniones por medio de Zoom o Skype. Lo más destacable fue el video musical de Pete Davidson sobre su aburrida vida encerrado con su familia en plena cuarentena. 

En el lado positivo, ahora estamos viendo más que nunca esas reuniones especiales que tanto anhelábamos. Por ejemplo, el cast de “Park and Recreation” se juntó para un capítulo especial también en modo cuarentena, mientras que el elenco “Community” realizó una lectura de uno de sus mejores episodios para recaudar fondos y así ayudar a los afectados por el coronavirus. Del mismo modo, la gente de “Orphan Black” también se reunirá para un Facebook live, algo sencillo considerando que la mitad del elenco es Tatiana Maslany. En general, los artistas han mostrado su lado más solidario al momento de donar para los más necesitados y también interactuando con los fans en esta época llena de incertidumbre. Varios actores han creado sus propios podcasts para realizar entrevistas, dar buenas noticias o simplemente tener contacto con sus fans. Solo para mencionar algunos; Ken Jeong y Joel McHale crearon “The Darkest Timeline” para hablar sobre “Community”, Zach Braff y Donald Faison comentan lo mejor de “Scrubs” en “Fake Doctors, Real Friends” y John Krasinski reunió al elenco de “The Office” en su canal de Youtube “Some Good News”. 

El nuevo mundo, el post coronavirus 

Nadie sabe realmente cuando vamos a poder estar libre del coronavirus ni cuándo será seguro volver a trabajar, lo que se sabe hasta el momento es que más de 40 series están en  stand by sin una fecha de retorno definida. Por el momento, FOX ha sido el único canal en confirmar su retorno para el otoño americano del 2020, sin embargo, se ha informado que estrenará series y temporadas que iba a emitir en la primavera, mientras que la CW ha confirmado que todas sus series retrasarán sus nuevas temporadas hasta el 2021. El parón en las producciones ha llevado a hecho que algunas cadenas compren los derechos de ciertas series para emitirlas en el horario donde normalmente se estrenaría la nueva temporada (final de setiembre). Vale la pena aclarar que el hecho que la CW se haga de “Swamp Thing” no implica que la serie será revivida, solo que será emitida. 

Por su lado, la web Directordefotografia ha recopilado información sobre las propuestas de los protocolos de seguridad que deberán seguir las producciones de cine y televisión cuando retornen a sus labores. La mayoría de sugerencias hablan sobre una distancia social apropiada y reducción de contacto físico lo que representará un reto para los escritores, especialmente, en el caso de series de acción. En medio de la pandemia, el creador de “Black Mirror”, Charlie Brooker, comentó en una entrevista que ya no está trabajando en la serie porque cree que el mundo ya es demasiado oscuro y no le falta razón, pero las series en algún momento tienen que retornar y la gran pregunta en la mente de los productores y guionistas debe ser si tocarán o no la pandemia que afectó el mundo. Cabe la pena recordar que, en el 2001, diversas series insertaron en sus propias historias la tragedia del atentado del 11 de setiembre y también sus consecuencias. La serie de paramédicos y policías “Third Watch” no solo presentó dos episodios especiales donde se podía escuchar el testimonio real de paramédicos, bomberos y policías en actividad cuando se registró el atentado, sino que también mostró el estrés post traumático y la culpa de supervivencia que los atormentaba a través de sus personajes ficticios. Años más adelante, las secuelas emocionales de los ataques a las Torres Gemelas, la guerra en Irak y la cacería a Osama Bin Laden serían el punto de arranque de series como “Save me”, “Homeland” y “The Looming Tower”. 

Por su misma temática, las series médicas se enfrentarán al dilema si dedicarle un episodio al coronavirus o la temporada completa teniendo en cuenta que el personal médico ha estado en la primera fila de esta batalla y se puede decir a ciencia cierta que han sido los más afectados por la pandemia tanto en el plano físico como psicológico, además, del plano laboral, pues, se sabe que la mayoría de hospitales a nivel mundial no ha contado con los suplementos médicos necesarios para poder proteger a su personal al momento de tratar pacientes contagiados del virus. Frente a estas noticias, en marzo, el equipo de “Grey’s Anatomy” y “Station 19”, donó todo su material médico, incluyendo batas, guantes y mascarillas e insumos médicos. A esta iniciativa se sumaron otras producciones del mismo género como son “The Resident”, “New Amsterdam” y “The Good Doctor” que también donaron sus equipos sanitarios a hospitales de las ciudades donde se graban estas producciones. 

Estas series médicas todavía no tienen fecha de retorno y tampoco han confirmado sus planes a futuro sobre la inclusión de la lucha contra el coronavirus, pero quien sí informó que tocaría las consecuencias de la pandemia en su octava temporada fue el showrunner de “Brooklyn Nine Nine”, Dan Goor, aunque no ha ahondado en detalles. Parecería fuera de lugar que una comedia policial toque este tema, pero en realidad, no es la primera vez que la serie tocaría un tema serio. “Brooklyn Nine Nine” ha tenido episodios sobre la discriminación racial, sobre los tiroteos y sobre la corrupción policial y lo ha hecho con mucho tino sin caer en una solución mágica ni arreglando los problemas en 22 minutos. “Brooklyn Nine Nine” siempre ha sabido respetar a los espectadores al mismo tiempo que les saca una sonrisa. Sin mencionar que la serie se desarrolla en Nueva York, la cuidad más afectada por el brote del coronavirus. 

No sabemos cuándo volverá todo a la normalidad o si regresaremos a una normalidad en lo absoluto y, sí, es cierto, Charlie Brooker tiene razón, el mundo está más oscuro que nunca, pero en la oscuridad, el mundo del entretenimiento es un modo de escape, una forma de aliviar las tensiones y distraernos de las malas noticias y cuando regresen, las series que se atrevan a insertar el tema del coronavirus podrían ser un reflejo de una nueva realidad.

#Fleabag: Las mejores frases del “Hot Priest”

En el primer episodio de la segunda temporada, el “Hot Priest” (Andrew Scott) era el invitado en la incómoda cena donde el padre de Fleabag (Phoebe Waller-Bridge) anuncia que se casará su pareja y donde Claire (Sian Clifford) le revela a su hermana que tuvo un aborto. El capítulo es caótico, frenético y gracioso. Dentro de toda la anarquía familiar, el resentimiento y las mentiras, está este hombre que sucede que es el sacerdote que realizará el matrimonio. La introducción no es una casualidad, el “hot Priest” termina enredado en el caótico mundo de Fleabag. El amor prohibido entre Fleabag y el sacerdote podría suponer en primer momento que se trata de cumplir una fantasía sexual, pero se transforma en un amor único que los termina marcando a los dos. Es fácil entender por qué Fleabag se enamoró de él porque nosotras también nos enamoramos de él. Aquí están cinco de sus mejores frases: 

5.- "I believe god meant for me to love people in a different way. I believe I'm supposed to love people as a father"

Desde que Fleabag y el sacerdote comenzaron a interactuar era claro la atracción que sentían, sin embargo, el sacerdote siempre quiso poner un estate quieto para frenar sus instintos ante las obvias intenciones de Fleabag. Mientras Fleabag no entendía cómo es que alguien puede privarse del placer, en referencia al sexo, y del amor, el sacerdote con una simple frase explica su mantra; ser un hombre de fe no significa renunciar al amor, al contrario, la capacidad de amar la tiene, pero se trata de un amor no romántico, se trata de un amor puro que sirve como un guía espiritual. 

4.- "Sometimes I worry I'm only in it for the outfits"

 Esta frase es la que mejor expresa el sentido del humor del “hot priest” y también su compromiso con su profesión. Si lo tomamos en serio, se trata de un hombre que le gusta lo colorido de sus túnicas, si lo tomamos en broma, estamos ante un hombre que está dispuesto a ponerse ropa ridícula para difundir la palabra del Señor. En la serie, el sacerdote está consciente que todo lo relacionado a él difiere con la clásica imágenes que tenemos de un sacerdote, no obstante, cada vez que tiene el chance nos recuerda de una manera jocosa que su prioridad es Dios. 

 3.- "I can't have sex with you because I'll fall in love with you. And if I fall in love with you, I won't burst into flames but...my life will be fucked." 

Al igual que Fleabag, el sacerdote es sumamente honesto y también pragmático. La química que comparte con Fleabag es parte del juego de la tensión sexual y eso lo entiende. Fleabag está acostumbrada a disfrutar de aventuras pasajeras, pero el “priest” sabe de las posibles consecuencias de “hacerlo”, no solo porque signifique romper sus votos sino porque a diferencia de Fleabag, no puede separar lo carnal de lo emocional. Por supuesto, eventualmente, el sacerdote sucumbe, sin embargo, para los dos es algo más que un polvo. 

2.- “I love you too” 

Decir “te amo” es algo que se reserva cuando ya estás en una relación a menos que seas Ted Mosby y se te sale en plena primera una cita. No obstante, cuando Fleabag admite que ama al sacerdote, él también el retorna el sentimiento, pero ambos saben y aceptan que esos “te amo” es parte de una despedida y que su breve, pero significativa historia de amor no es para siempre.

 1- "Love is awful. It’s awful. It’s painful. It’s frightening. It makes you doubt yourself, judge yourself, distance yourself from the other people in your life. It makes you selfish. It makes you creepy, makes you obsessed with your hair, makes you cruel, makes you say and do things you never thought you would do. It’s all any of us want, and it’s hell when we get there. So no wonder it’s something we don’t want to do on our own. I was taught if we’re born with love then life is about choosing the right place to put it. People talk about that a lot, feeling right, when it feels right it’s easy. But I’m not sure that’s true. It takes strength to know what’s right. And love isn’t something that weak people do. Being a romantic takes a hell of a lot of hope. I think what they mean is, when you find somebody that you love, it feels like hope." 

Este es el poderoso discurso del sacerdote en la boda del padre de Fleabag. En un primer momento parecería que se trata de una confesión de parte y en cierto modo lo es, pues, es el momento en el que el “priest” decide que elegir a Dios por encima de Fleabag, es el momento en el que confirma su vocación y su amor por Dios. No es un momento fácil ni una epifanía que viene de la nada, siempre estuvo presente, pero fue débil y dudo de sí mismo debido a lo que sentía por Fleabag.

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-#Fleabag: Una serie perfecta de un personaje imperfecto

#Fleabag: Una serie perfecta de un personaje imperfecto

La serie creada, escrita y protagonizada por Phoebe Waller-Bridge, “Fleabag”, se consagró como una de las sorpresas más geniales del 2019, siendo reconocida por medios especializados y ganando el Emmy como mejor comedia el mismo año. Sin embargo, antes de “Fleabag” la serie, existió “Fleabag” la obra teatral, la cual volverá como parte de una función especial que será emitido por la plataforma streaming del teatro Soho (hogar de “Fleabag” la obra). Este evento me da sirve como excusa para hablar sobre una de las mejores series del año pasado.

 La clave del éxito de “Fleabag” está en la sinceridad con la que aborda la vida imperfecta de su imperfecta protagonista, una mujer moderna que vive en una gran cuidad con problemas pasados, presentes y profesionales, pero que, en vez de abrumarse por sus dramas, prioriza satisfacer y disfrutar de su sexualidad sin ninguna vergüenza. La serie salta entre el humor y el drama y nosotros estamos entre llorar de risa y llorar de tristeza. En la primera temporada, la característica principal de Fleabag era la forma en la que rompía la cuarta pared con monólogos internos y con miradas que traducían su fastidio, su inverosimilitud o su frustración con facilidad. El humor de la serie nace de la mezcla entre la frescura de su protagonista y un guion jocoso dispuesto a centrarse en verdades incomodas. 

En el primer episodio, Fleabag se masturba viendo un discurso del expresidente de Estados Unidos, Barack Obama. Inmediatamente esta escena se convierte en una de las más hilarantes y icónicas de la serie. El mismo Obama también puso a "Fleabag" en el radar al colocarla en su lista anual de recomendaciones de series y películas, un gesto que Waller-Bridge recordó y agradeció cuando la serie ganó el Globo de Oro a mejor serie de comedia. Lo que hace esta escena más incomoda es el hecho que Fleabag acaba de tener relaciones con su novio Harry (Hugh Skinner). En ese sentido, la comedia de la serie cuenta con cierta cuota retorcida, sádica e inmadura, pero que funciona de manera armónica como preámbulo de escenas desgarradoras de las desastrosas relaciones familiares de Fleabag que no se lleva bien con su hermana Claire (Sian Clifford), con su padre (Bill Paterson), con su madrastra (una sublime Olivia Colman) y con su propio pasado. 

Fleabag viendo un discurso de Obamma.

Fuente: Tumblr.

Un punto interesante de la historia es la forma en que la serie descubre las “mentiras” de Fleabag o mejor dicho llena los vacíos de una narradora en la cual decidimos confiar a ciegas. Resulta que cuando Fleabag nos hablaba de la muerte de su mejor amiga nunca profundizaba en el contexto en el que se dio y conforme vamos a acercándonos al final de temporada descubrimos que la mejor amiga provocó ese accidente que la llevó a la muerte como parte de un plan para llamar la atención de su novio quien le había sido infiel con Fleabag. Cuando nos enteramos de la verdad, la cámara sigue a Fleabag y ella intenta huir, avergonzada y sofocada porque, aunque no sea la responsable directa del accidente que le quitó la vida a su mejor amiga, se siente culpable. Sabemos que toda acción tiene por efecto una consecuencia, entonces, cuando Fleabag se acostó con el novio de su mejor amiga, malogró la relación de los tres, llevó a la depresión a su amiga y puso en movimiento una cadena fortuita de eventos que terminaron con una muerte. Además, una infidelidad siempre es inexplicable e injustificable, pero en el caso de Flebag, es mucho más doloroso, porque traicionó a su mejor amiga cuando ella había sido su sustento cuando su madre falleció, había sido su hermana cuando su propia hermana no la comprendía y había sido su socia en un pequeño negocio. Pese a todo, entendemos a Fleabag porque hemos estado en sus zapatos, porque todos cometemos errores, porque somos humanos, porque sabemos lo mucho que le duele, aunque no lo exprese ni tampoco lo diga en voz alta. 

El “hot priest” definió la segunda temporada y formó parte del camino de aprendizaje de Fleabag para conocerse a sí misma, aceptarse y quererse. Al igual que Fleabag, el sacerdote (Andrew Scott) está lejos de la perfección, es encantador y pícaro, pero a diferencia de Fleabag, el sacerdote tiene un amor absoluto de Dios. La presencia del sacerdote y su amor prohibido con Fleabag irradia una luz de esperanza que mejora en todos los aspectos de una serie que de por sí ya era bastante buena y como resultado, la segunda temporada termina consolidándose como la mejor. Vale la pena aclarar que Phoebe Waller-Birdge se encargó que el sacerdote no solo sea un interés amoroso, sino que también nos reveló la complejidad de un hombre de fe que también tiene derecho a sentir, a dudar y a equivocarse. Tampoco es que el sacerdote es quien “salva” a Fleabag de su soledad o de sus problemas, al contrario, Fleabag ayuda al sacerdote a afianzar su fe y en retorno, el sacerdote hace que Fleabag abra de nuevo su corazón, algo que no había hecho desde la muerte de su mejor amiga.

 Mientras la primera temporada termina con Fleabag aislada de sus seres queridos y descubierta por sus propios pecados, la segunda, la mejor, se va por el camino de la sanación espiritual y emocional. Sin arreglar o enmendar sus errores del pasado, Fleabag acepta el lugar que le ha dado su hermana en su vida, su hierática relación con su padre y la agresividad-pasiva de su madrastra y, lo más agridulce, acepta que el sacerdote elija a Dios por encima de ella. La serie termina con el sacerdote rompiendo con Fleabag y en los últimos segundos, ella nos da una mirada honesta, sacude la cabeza y se aleja de la cámara. Antes, el romper la cuarta pared para nuestra protagonista era un mecanismo de defensa para expresar algo a alguien cuando no tenía a quién más acudir, lo que denotaba una gran soledad, y también era una forma de alejarse de la realidad, lo que denotaba aislamiento. Este mecanismo se redujo a simples miradas en la segunda temporada, más específicamente, desde que llegó el sacerdote quien parecía “atrapar” a Fleabag cada vez que quería romper la cuarta pared, cada vez que quería distanciarse de una conexión sentimental. Para cuando se despide, Fleabag está en un mejor lugar que cuando recién la conocimos y aunque no sepamos qué será de ella, confiamos en que será algo mejor. Con un sentimiento melancólico, el desenlace entra fácilmente en la categoría de los mejores finales sin necesariamente ser uno feliz. 

 El nombre de Phoebe Waller-Bridge tomó mayor relevancia a partir de “Fleabag”, la obra y la serie. Tras la confirmación que la serie no retornaría para una tercera temporada, la actriz/creadora dijo que sentía que la serie había terminado de una manera hermosa y que se sentía bien al decirle adiós. En ese momento, además de “Fleabag”, Waller-Birdge estaba produciendo otra joya televisiva llamada “Killing Eve”, protagonizado por Sandra Oh y Jodie Comer, y además, fue reclutada para co-escribir la película número 25 de James Bond, “No Time to Die”. Por azares del destino, Waller-Bridge ha decidido revivir a su personaje más célebre, a ese personaje imperfecto del cual nació una serie perfecta, por una buena causa; pues, las descargas de su función especial servirán para recaudar dinero para las organizaciones benéficas dedicadas a la salud y también para el fondo creado por la actriz/autora que tiene como propósito brindar subsidios para trabajadores teatros independientes de Inglaterra afectados por la pandemia generada por el coronavirus.