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viernes, 24 de noviembre de 2023

#Hunters: ¡Shalom, cazadores!

Cuando recién se estrenó “Hunters”, por allá en el 2020 (hace una eternidad), lo que se sabía era que era una serie sobre cazadores de nazis y que Jordan Peele era uno de los productores. Por lo que se daba por hecho que iba a ser exagerada, oscura y rara, pero las mejores palabras para describirla son “díscola y discreta”. Díscola por la cantidad de géneros que mezcla para contar su historia y discreta porque no ha tenido mucho rebote pese a ser una de las joyas de Prime. “Hunters” cuenta con una premisa cool, puede ser tanto meta como densa, creativa y plana, sentimentalmente dura, violentamente cruda y moralmente gris. Es una serie que vale la pena verla. 



El elenco: su mayor fortaleza 

Encabezado por Al Pacino y con caras conocidas como Logan Lerman (yo lo recuerdo más por “Jack and Bobby” pero tu lo recuerdas por “The Perks of Being a Wallflower”), Josh Radnor (el popular “Ted Mosby” de “How I met your mother” y a quien le han dado el trado de Henry Cavill en Misión Imposible con un bigote extravagante para alejarlo un poco de su personaje emblema), Carol Kane (la loquilla de Lilian de “Unbreakable Kimmy Schmidt”), Jerrika Hinton (la pesada de Stephanie en Greys Anatomy), Lena Olin (la mejor villana de “Alias”) y Saul Rubinek, entre todos, “Hunters” se nutre de las habilidades de cada uno de estos actores y también de sus trabajos previos, pues, aquí los vemos en roles completamente diferentes a la imagen que tenemos de ellos. Además, el guión de la serie cuenta con diálogos muy flojos que intentan ser sutiles pero terminan enredados en las metáforas que intentan crear, sin embargo, lo interesante de todos los personajes, incluyendo los cazadores y la coronel, son que son únicos en su naturaleza y están moralmente corruptos cegados por sus misiones vengativas y, en el caso de la coronel, en búsqueda de la reivindicación de su ideología. 



Flashbacks: Las historias de orígenes 

Al ser todos los protagonistas cazadores de nazis, la serie tiene que profundizar a lo largo de la primera y parte de la segunda temporada la historia de cada uno de ellos y de cómo los nazis marcaron sus vidas de una manera cruel. Todas son historias trágicas de “origen” de los antihéroes,, pero la más importante es la de Ruth, cuya vida y muerte desencadenó los eventos de la primera temporada. En términos comiqueros, ella es “el tío Ben” de Jonah y su camino del héroe comenzó el momento en que la encontró muerta, solo que no se fue por el lado de Spiderman sino por el de The Punisher. Dentro de todas las tragedias, la más sentida es la de Murray y Mindy, cuyo hijo fue arrebatado de sus manos y asesinado a sangre fría por los nazis. Ese evento hizo que una pareja de judíos terminaran como cazadores. Hay un lado sádico y para nada sano en eso de que los cazadores maten a los nazis del mismo modo que los nazis mataron a los judíos. La serie pudo irse por el lado fácil de considerar estas venganzas como una justicia poética, pero no lo hace, son producto del trauma que vivieron y que los caza de por vida. Millie Morris, el personaje de Hinton, quien es una policía afroamericana, tiene una línea donde revela que los nazis quedarán libres así hagan una investigación correcta y lleguen a capturarlos, esto es “gracias” al sistema americano y las conexiones de los nazis, entonces, se entiende que si los cazadores jamás podrían obtener una justicia real, su forma de justicia, aunque injustificable legalmente, se vuelve aceptable ante sus propios ojos. 



La revelación que cambia la serie 

 (Advertencia de spoiler) 

El último episodio de la primera temporada resuelve una revelación que lo cambia todo y nos demuestra lo capo que es Al Pacino. Su personaje Meyer Offerman siempre se sintió extraño, no es que actuara mal, sino que había algo que no cuadraba en su interpretación. Podríamos justificarlo por la edad de Al Pacino o porque Meyer es un personaje traumado y paranoico por las atrocidades que vio y vivió en el campo de concentración. Pero el giro es muy inteligente; Meyer no es Meyer sino el “doctor”, aquel nazi que lo torturó y terminó con su vida, y se transformó en él para cobrar la indemnización y huir de la justicia. Tras rencontrarse con Ruth años después, Meyer/el doctor comenzó a cazar a los suyos para ocultar su identidad. El descubrimiento es un shock total. Jonah lo mata y después le revela al grupo la verdad, lo que obviamente, cae como agua fría y rompe al grupo. El hombre que les dio sentido a su vida, que les prometió “justicia”, que los “arregló”, que los sostuvo en tiempos difíciles, que les dio una misión… era el enemigo. El final no te deja ni un solo momento para procesar lo que acaba de suceder, pese a que dejan demasiados cliffhangers, la resolución de la historia de doctor cierra la temporada dejando un sabor agridulce. Jonah se ha vengado por Ruth. Los cazadores pensaron que habían ganado puesto que habían dado caza a una larga lista de nazi, pero se trata de una guerra que no tiene fin, los nazis siguen allí y para remate; la última escena del episodio vuelve a dejarnos fríos: Él, el big bad del mundo, sigue vivo. 


Una moderada segunda temporada 

La primera temporada fue una mezcolanza de géneros, podía tener un musical, créditos de cómics, meter una secuencia documental, ser comedia negra y tener mucha violencia, pero ya en su segunda temporada le bajó las revoluciones a ese estilo particular, reservando las locuras para momentos claves, pero en general, trato de tener un tono serio y oscuro. Después de cerrar el arco de Meyer, por alguna razón, la serie siguió contando con Al Pacino, se entiende porque es un gran actor, pese a que narrativamente ya había dado todo lo que tenía que dar. Los flashbacks con la presencia de Meyer aportaron muy poco a la historia en general de la segunda temporada. La serie ya tenía un reemplazo de renombre; Jennifer Jason Leigh se unió al elenco para hacer de Chava, la hermana perdida de Ruby, y quien sería la nueva líder de los cazadores en una última misión: Atrapar a Hitler. 



Cazando a Hitler 

En los viajes en el tiempo, hay un punto de anclaje, un evento tan gigante que no puedes cambiar; es el destino. En “Hunters” no hay viajes en el tiempo, pero el capítulo 6 de la segunda temporada, cuenta con la secuencia más poderosa en toda su existencia; Adolf Hitler será llevado a la justicia tras ser capturado por los cazadores y lo llevan a un pasadizo secreto donde lo obligan a caminar entre las víctimas de sus crímenes. Antes de ser atrapado, Hitler se quiso suicidar para evitar que alguien más lo matara, esa acción está basada en una de las teorías más aceptadas sobre la muerte de Adolf Hitler, de quien se dice que se suicidó junto a su esposa Eva Braun el 30 de abril de 1945, en el búnker de la Cancillería del Reich en Berlín. 



Menos mal esta es una serie que puedes ver de largo y no como era antes que esperabas cada semana estreno, porque de ser así, el septimo episodio es un poco decepcionante, no en la historia en si misma, sino porque no continúa de manera directa lo que sucedio despues de la captura de Hitler, en vez de eso, tenemos la historia de una pareja que resguardaba a los judíos y su tragica muerte una vez que son descubiertos. Uno de los sobrevivientes es el judío que traslada a Jonah y Hitler lejos del pueblo argentino. 

 El último episodio 

Esta serie se fue como quiso irse; con su sello díscolo. Para mi, el final perfecto fueron los últimos minutos del episodio 6 de la segunda temporada; la captura de Hitler, el momento cumbre de la serie. También hubiera sido acorde que los créditos cierren la historia en el minuto 45 después del último episodio, después de la condena de Hitler, quien morirá en prisión, pero los cazadores necesitaban una secuencia de acción que los hiciera ver cool una última vez. Después, una vez que técnicamente todos han cerrado la página, ya capturaron a Hitler y pasará el restos de su vida encerrado, los cazadores podrían regresar a su vida “normal”, una que jamás conocieron lo que es normal, sin embargo, esta serie volvió a excederse y sobre explicó nuevamente la muerte de Ruth para darle una nueva misión de Jonah. El mensaje de Harriet hubiera funcionado igual porque Jonah sigue con esa oscuridad que lo alberga desde que vio morir a su abuela. “Los malos no van a parar, ¿por qué los buenos sí?”, le pregunta Harriet y esperamos que Jonah tome la decisión correcta. La escena final es una suerte de homenaje al “Caballero Oscuro”, pero al revés, no es el héroe aceptando tener una vida normal, es el cazador despertando para continuar con su misión.



miércoles, 3 de julio de 2019

#TheTwilightZone: Aciertos y desaciertos del reboot

En uno de los mejores episodios de “The X Files”, “The Lost Art of Forehead Sweat”, Fox Mulder (David Duchovny ) le revela a Dana Scully (Gillian Anderson) que un capítulo de “The Twilight Zone”, “The Lost Martian”, le cambió la vida y lo hizo creer en lo extraordinario. Esos giros retorcidos e inquietantes a los que “Black Mirror” nos tiene acostumbrado hicieron que en su momento se le considerara “La Dimensión Desconocida” de nuestra generación. Incluso “Felicity” tuvo hizo de “Help for The Loveron” un episodio experimental en blanco y negro de marca “The Twilight Zone” en donde su protagonista busca una cura para su corazón roto y termina encerrada en una caja con quienes conforma un triángulo amoroso permanente. Quien no haya visto un episodio de la emblemática serie “La Dimensión Desconocida”, lo más seguro es que haya escuchado de ella y lo más probable es que haya topado con alguna referencia de la misma en diferentes programas de televisión y diversas películas. Y es que existe un sinfín de producciones que hasta el día de hoy evidencian el nivel influencia que tuvo “The Twilight Zone”

Algunos de los episodios "inspirados" en “The Twilight Zone


 Creado por Rod Serling, “The Twilight Zone” o “La dimensión desconocida” se valió de la ciencia ficción para revolucionar la televisión a través de historias llenas de alegorías fantasiosas y terroríficas que reflexionaban sobre el estado del mundo. El propio Serling fungía de narrador y en su mítico opening nos invitaba a presenciar a una aventura extraordinaria entrando en “La dimensión desconocida” y al final de cada episodio nos regalaba una moraleja. “La Dimensión desconocida” se adelantó a su tiempo y se volvió atemporal e inmortal. Pese a tener un legado tan icónico y en una época tan obsesionado con el pasado no pasó mucho tiempo para que la CBS All Access decidiera que era tiempo de un reboot, uno a cargo de Jordan Peele luego de haber ganado un Oscar con “Get Out”, una película que combina el terror con el comentario social. Si bien, era difícil que este reboot superar las expectativas que la original rompió y explotó, sin embargo, tuvo sus aciertos y sus errores. Aquí algunos de ellos: 



ACIERTO: Jordan Peele, el nuevo narrador 
 Jordan Peele destaca como el narrador del reboot de “The Twilight Zone”. Al igual que Rod Serling, Peele nos da un “teaser” al comienzo de cada episodio y una moraleja al final. El monologo de Peele no solo es inteligente sino que se trata de una marca del show que se preserva en el tiempo.

Fuente: The Twilight Zone

DESACIERTO: La conformidad de vivir bajo la sombra 
 De los 10 episodios de este “The Twilight Zone”, solo “Replay”, “The Blue Scorpion” y “Blurryman” representan lo mejor que puede ofrecer Jordan Peele, pero no dejan de ser 3 de 10. Los demás capítulos para mala suerte cojean en la narrativa, exageran en el dialogo o simplemente caen en la conformidad de vivir bajo la sombra de una serie cuyo título termina siendo la principal razón para darle un chance. 

Fuente: The Twilight Zone

ACIERTO: La marca Peele 
Una de las principales razones por las cual se encargó a Jordan Peele la nueva versión de “The Twilight Zone” es porque se trata de un creador audaz que se vale del comentario social para causar terror. “Replay” es la mejor muestra de la marca personal de Peele al presentar la odisea de una madre, viajes en el tiempo incluido, para llevar a su hijo a la universidad. En primera instancia, se podría pensar que se trata de sobre el apego de una madre a la que le cuesta dejar ir a su hijo, sin embargo, mediante el capítulo va avanzando el racismo asoma su horrible cabeza y personifica la preocupación de la madre y el monstruo al que se tienen que enfrentar las personas de color cada día.

Fuente: The Twilight Zone


DESACIERTO: El episodio remake sin gracia 
El segundo episodio del reboot es "Nightmare at 30,000 Feet" y se trata de un remake del clásico episodio "Nightmare at 20,000 Feet”. Ni si quiera Adam Scott puede salvar el capítulo. Quizás hubiera sido más preferible que se innove un poquito o que el episodio hubiera sido el séptimo, pero no el segundo ya que solo se trata de una copia en alta resolución. 

Fuente: The Twilight Zone


ACIERTO: El episodio más sutil 
En “The Blue Scorpion”, Jordan Peele vuelve hacer gala de su habilidad con el horror social, pero una manera sumamente sutil y elegante. La historia de Jeff, un hombre que se obsesiona con una pistola que extrañamente contiene una bala con su nombre, toca de manera perspicaz el controversial tema del control de armas. El monologo del narrador confirma el mensaje final: “Los humanos tienen la costumbre extraña de tratar a las cosas como si fueran personas, pero hoy aprenderán que mientras le den más valor a los objetivos que a la vida propia, la tragedia por siempre se manifestaría aquí en La Dimensión Desconocida”.

Fuente: The Twilight Zone


DESACIERTO: Los episodios más débiles
 Pese a sus premisas, “A Traveler”, un joven extraño que altera la noche de navidad de una comisaría, y “The Wunderkind”, un asesor político que lleva a un niño a la presidencia, no precisamente destacan por su astucia narrativa. En el caso de “The Wunderkind” el mensaje es algo que ya todos sabemos; los políticos mienten. Y por supuesto, desde que Donald Trump llegó a la Casa Blanca ya nada parece demasiado loco ni si quiera que un niño logre ser presidente del país más poderoso del mundo… en ficción. Por su lado, el problema de "A Traveler" es que el giro final es una invasión de extraterrestres, algo que parece haber salido de la nada y que no termina de convencer. 

Fuente: The Twilight Zone


ACIERTO: El episodio más innovador 
Con “Blurryman”, “The Twilight Zone” cierra su primera temporada. Se trata de un episodio meta que se basa en el fenómeno nacido en internet “Slenderman”. El principal mérito de “Blurryman” es que logra engañar al espectador pues es el mismo narrador, Jordan Peele, es el encargado de interrumpir la introducción y derivar la atención de lo que se suponía era la historia de un escritor cuyas historias se hacen realidad a la historia de una guionista que trabaja para “The Twilight Zone” y a quien le está costando escribir esa narración tan característica de la serie. Al final resulta que “Blurryman”, representación del miedo de Sophie (Zazie Beetz), es el mismo Rod Serling, revivido vía efectos especiales. El mensaje final del mítico creador de la “The Twilight Zone” para Sophie, también parece ser un consejo para quien le dé un chance al reboot; hay que abrazar los nuevos comienzos y experimentar las miles de posibilidad que da la ciencia ficción, el género del terror y la fantasía. 

Fuente: The Twilight Zone



DESACIERTO: Las estrellas sin brillo 
Kumail Nanjiani, Tracy Morgan, Adam Scott, Greg Kinnear, Chris O'Dowd, Jon Cho, Ginnifer Goodwin, Taissa Farmiga y Zazie Beetz son algunas de los intérpretes que han pasado por el reboot de “The Twilight Zone” y si bien es cierto cada uno hace un buen trabajo, la mayoría de las historias no permitió que estas estrellas brillen por completo. 

Fuente: The Twilight Zone



ACIERTO: El opening 
El opening del reboot recrea de una manera espectacular la misma secuencia de introducción que la original. Esta vez con la narración de Jordan Peele, pero con una estética mucho más nítida y surreal. Simplemente hermoso.

Fuente: The Twilight Zone

sábado, 30 de diciembre de 2017

Las mejores películas del 2017

10.- “Love Song” (So Yong Kim) 


Se trata de una historia de amor entre dos mejores amigas donde no existe el tiempo correcto. Durante toda la película, hay una conexión tácita entre Sarah (Riley Keough) y Mindy (Jena Malone) más allá de la amistad; son almas gemelas, y sin embargo, el amor no es suficiente para que terminen juntas. El final me produce una sensación de insatisfacción, como si me estuvieran privando un final feliz, pero lo cierto es que el acto más noble y romántico que haya visto; las dos están conscientes de lo que significa una para la otra y aun así deciden no actuar respecto a esos sentimientos. En cierto modo, la historia de amor de Sarah y Mindy no tuvo un comienzo no tampoco un final porque siempre ha estado presente y siempre lo estará. 

 9.- “Coco” (Lee Unkrich) 



La historia nos narra el viaje de Miguel al mundo de los muertos en el Día de los Muertos en México para encontrar a su abuelo y convencerse a sí mismo de seguir con su sueño de ser músico. Si hay algo que caracteriza a Pixar es su sentimentalismo, pero en particular con “Coco”, el sentimentalismo se multiplica. Quizás sea por la canción o porque lo carismáticos de los personajes, lo cierto es que deja una gran lección que puede aplicarse a la vida en general; no necesitas escoger entre la familia y el arte, ambos pueden complementarse perfectamente.




“Wonder Woman” (La Mujer Maravilla) es una película ordenada y tiene claridad en su historia; sigue la fórmula de presentar un inicio, un conflicto y una resolución. Gadot Gadot explora las matices de Diana Price, su humanidad, su optimismo, su desconcierto e indignación ante la guerra y su ingenio ante un nuevo mundo que no comprende. Sin embargo, la razón por la que está en la lista de las mejores películas es por su trascendencia en el mundo del cine como la primera película de superhéroes protagonizado por una mujer y dirigido también por una mujer. “Wonder Woman” ha superado las expectativas y ha roto varios récords de taquilla. Asimismo, en el plano social y cultural, “La Mujer Maravilla” es ahora un símbolo de la esperanza y una figura que niñas alrededor del mundo puede admirar. 




“Moonlight” es un relato sobre la realidad de un niño que en busca de su propia identidad se encuentra con demasiados prejuicios. Acompañamos al protagonista Chiron durante tres décadas y en momentos claves que lo marcaron. De niño, a Chiron le decían Little y sus compañeros le hacían buylling porque era "extraño". Lo que hacía diferente a Little era su homosexualidad, y pese que aunque todavía no estaba consciente de su orientación sexual, ya era marginado por la sociedad e incluso por su propia madre. “Moonlight” es de esas películas que cambia el juego desafiando los prototipos de la masculinidad, no se inserta en el debate sobre el racismo y la homosexualidad, solo presenta una historia cruel y conmovedora.





Pese a ser protagonizados por simios, está película apunta siempre a la naturaleza humana, una naturaleza que está llena de contradicciones e imperfecciones. El extremismo y el egoísmo que vemos en el Coronel es un rasgo oscuro pero es nato de cualquier ser, la ira y las ansias de venganza que vemos en César son también características muy humanas luego que te arrebatan violentamente a tu familia. War tuvo un tono oscuro, pero sobrecogedor con una cuota de esperanza que apuesta por la humanidad, pero una humanidad en los animales, una humanidad que los simios conservan y que les permite una supervivencia en medio de una guerra absurda alentada por el miedo. 




 “Logan” marcará un hito en la historia de las películas de héroes por ser diferentes. La calificación "R" (para mayores de 14 años) le da la libertad de ser violento y sangriento, pero lo que más resalta de Logan es su sencillez, se trata de un drama bien armado que tiene como protagonista a un héroe en decadencia en una distopia futurista. “Logan” combina varios géneros para contar su tragedia y de una forma conmovedora, Hugh Jackman se despide con un final trágico pero perfecto para un personaje como Wolverine. 

4.-“The big sick” (Michael Showalter)


Más que una comedia romántica se trata de un dramedia que se centra en la historia de amor entre Kumail y Emily. Pese a que ninguno de los dos busca nada serio, la relación se va afianzando pero terminan rompiendo porque Kumail no tiene intenciones de casarse con ella por su religión musulman, aunque tampoco quiere casarse con ninguna de las mujeres que su mamá le presenta. A diferencia de otras películas de este género, “The big sick” no tiene un obstáculo externo que evita que la pareja este junto, sino interno. Kumail va descubriendo sus sentimientos cuando Emily cae en el coma, va relacionándose con la familia de Emily y se va revelando contra sus propios padres para seguir a su propio corazón. La película tiene como base la historia real de Kumail Nanjiani y su esposa Emily Gordo. Y además, tiene uno de los mejores chistes inapropiados de los atentados del 11 de setiembre. 




Si hay algo que distingue a Baby Driver de Edgar Wright es su estilo propio; la narrativa de la película lleva el ritmo (literal) de su fenomenal soundtrack. Se trata de una de esas producciones que no depende de su argumento sino que se vale de su creatividad para presentar una particular visión que lo hace único, original y especial. De modo que el plantear una historia sencilla desde la perspectiva de Baby, un chico que depende de la música para menguar su condición, transforma esa historia sencilla en un musical de acción. 




 El último filme de Christopher Nolan, Dunkerque (Dunkirk) está basado en la Operación Dínamo que logró rescatar a más de 300 mil soldados ... El último filme de Christopher Nolan, Dunkerque (Dunkirk) está basado en la Operación Dínamo que logró rescatar a más de 300 mil soldados ingleses, franceses y belgas que estaban atrapados en el pueblo de Dunkerque, en Francia, rodeados por los alemanes, durante la Segunda Guerra Mundial. Lo primero que tenemos que saber es que clásico de Nolan; "Dunkirk"e está estructurada en tres tiempos y espacios que se interceptan al final; estamos viendo una semana en la vida de los soldados, un día en la vida de uno de los botes civiles y una hora en la vida de los aviadores y también viendo el rescate desde tres ángulos; tierra, mar y aire. Esta forma de contar la historia nos permite ver y sentir diferentes perspectivas de la misión principal; la supervivencia. En ese sentido, "Dunkirk" no se parece en nada al canon del cine bélico, no sabemos nada de los protagonistas más que el simple hecho que están en una guerra, no tenemos (o necesitamos) la propaganda patriota del héroe sacrificado ni tampoco al villano sin alma, y si bien no tenemos ni una gota de sangre en pantalla, igual sentimos la violencia, la brutalidad, la tensión, la angustia, la incertidumbre y el dolor en cada una de las secuencias.



Get out de Jordan Peele es un gran ejemplo de cómo se puede innovar un género utilizando viejas técnicas de suspenso añadiéndole un fuerte contenido social. La película no necesito toneladas de sangre y ni si quiera violencia, solo necesitó jugar con las expectativas y con los prejuicios para generarnos una sensación incomoda. En ese caso, la intriga gira alrededor del prejuicio y la musicalización estuvo perfecta para crear una tensión en el aire. Hasta el mismo poster es una prueba de esta idea, vemos a Chris con los ojos llorosos y lo primero que pensamos es qué escena brutal está presenciando para ponerse así pero resulta que no está viendo ninguna tortura, no solamente está recordando cómo se sintió cuando murió su mamá.


domingo, 21 de mayo de 2017

#Getout: Suspenso y prejuicio

"Get out" de Jordan Peele es un gran ejemplo de cómo se puede innovar un género utilizando viejas técnicas de suspenso añadiéndole un fuerte contenido social. La película no necesito toneladas de sangre y ni si quiera violencia, solo necesitó jugar con las expectativas y con los prejuicios para generarnos una sensación incomoda. En "Get Out", la pareja principal es Chris (Daniel Kaluuya) y Rose (Allison Williams) va a visitar a la familia de Rose, siendo Chris el único afroamericano en el pueblo, una vibra rara acompaña las escenas de sus interacciones con demás e incluso con los otros afroamericanos que trabajan en la casa. 



Según Alfred Hitchcock, la diferencia entre la sorpresa y el suspenso es la información que le presentas al público y "Get out" hace uso de esta técnica de una manera inesperada ya que se enfoca siempre en la racismo. El público asume que todos se comportan de manera extraña con Chris porque es afroamericano, pero el giro en la historia es que estas personas en realidad ven a la raza de afroamericana de una forma superior y buscan aprovecharse de esta cualidad. La mamá de Rose hipnotiza a Chris porque la familia tiene un programa especial que traslada la conciencia de los viejos ricos en jóvenes afroamericanos que eran reclutados por Rose. Hay que destacar el talento de Allison Williams y es que durante gran parte de la película Rose fue la novia perfecta y comprensiva pero en el momento clave se revela que su rol principal era reclutar a estos jóvenes, entonces, su temple cambia y tenemos ante nuestros ojos a toda una cazadora. 



Chris logra salvarse de la operación al luchar por su liberad y en su escape asesina a la mitad de la familia de Rose pero no logra matarla a ella. En la última escena, las sirenas de un auto hacen que Chris se rinda y alce las manos, asumimos lo peor, que pese a que es la víctima, lo van a culpar de toda esta masacre… sin embargo, quien se baja del auto es su amigo. De ese modo, "Get out" ha probado que no necesitas secuencias llenas de sangre ni efectos especiales ni criaturas sobrenaturales generar terror, solo necesitas jugar con las expectativas y emociones del público. En ese caso, la intriga gira alrededor del prejuicio y la musicalización estuvo perfecta para crear una tensión en el aire. Hasta el mismo poster es una prueba de esta idea, vemos a Chris con los ojos llorosos y lo primero que pensamos es qué escena brutal está presenciando para ponerse así pero resulta que no está viendo ninguna tortura, no solamente está recordando cómo se sintió cuando murió su mamá. 



El final alternativo

Personalmente, considero que el final que vimos en el filme es perfecto porque es una suerte de victoria para el protagonista, sin embargo, desde un punto de vista cínico, el final alternativo es mucho más terrorífico. Según ha revelado el director, Jordan Peele, las autoridades encuentran a Chris justo cuando está ahorcando Rose y obvio, Chris termina en la cárcel sin decir una sola palabra de lo que pasó porque nadie le creería así como nadie le creyó a su amigo cuando reportó su desaparición.



 El director tuvo varios finales alternativos para esta historia, sin embargo, el que se ve en el cine es coherente y el final alternativo quizás hubiera sido más realista, pero al mismo tiempo hubiera dejado un sabor demasiado amargo, mientras que el final original deja al espectador satisfecho.