#TheTwilightZone: Aciertos y desaciertos del reboot

En uno de los mejores episodios de “The X Files”, “The Lost Art of Forehead Sweat”, Fox Mulder (David Duchovny ) le revela a Dana Scully (Gillian Anderson) que un capítulo de “The Twilight Zone”, “The Lost Martian”, le cambió la vida y lo hizo creer en lo extraordinario. Esos giros retorcidos e inquietantes a los que “Black Mirror” nos tiene acostumbrado hicieron que en su momento se le considerara “La Dimensión Desconocida” de nuestra generación. Incluso “Felicity” tuvo hizo de “Help for The Loveron” un episodio experimental en blanco y negro de marca “The Twilight Zone” en donde su protagonista busca una cura para su corazón roto y termina encerrada en una caja con quienes conforma un triángulo amoroso permanente. Quien no haya visto un episodio de la emblemática serie “La Dimensión Desconocida”, lo más seguro es que haya escuchado de ella y lo más probable es que haya topado con alguna referencia de la misma en diferentes programas de televisión y diversas películas. Y es que existe un sinfín de producciones que hasta el día de hoy evidencian el nivel influencia que tuvo “The Twilight Zone”. 

Algunos de los episodios "inspirados" en “The Twilight Zone

 Creado por Rod Serling, “The Twilight Zone” o “La dimensión desconocida” se valió de la ciencia ficción para revolucionar la televisión a través de historias llenas de alegorías fantasiosas y terroríficas que reflexionaban sobre el estado del mundo. El propio Serling fungía de narrador y en su mítico opening nos invitaba a presenciar a una aventura extraordinaria entrando en “La dimensión desconocida” y al final de cada episodio nos regalaba una moraleja. “La Dimensión desconocida” se adelantó a su tiempo y se volvió atemporal e inmortal. Pese a tener un legado tan icónico y en una época tan obsesionado con el pasado no pasó mucho tiempo para que la CBS All Access decidiera que era tiempo de un reboot, uno a cargo de Jordan Peele luego de haber ganado un Oscar con “Get Out”, una película que combina el terror con el comentario social. Si bien, era difícil que este reboot superar las expectativas que la original rompió y explotó, sin embargo, tuvo sus aciertos y sus errores. Aquí algunos de ellos: 

ACIERTO: Jordan Peele, el nuevo narrador 

 Jordan Peele destaca como el narrador del reboot de “The Twilight Zone”. Al igual que Rod Serling, Peele nos da un “teaser” al comienzo de cada episodio y una moraleja al final. El monologo de Peele no solo es inteligente sino que se trata de una marca del show que se preserva en el tiempo.

Fuente: The Twilight Zone

DESACIERTO: La conformidad de vivir bajo la sombra 

 De los 10 episodios de este “The Twilight Zone”, solo “Replay”, “The Blue Scorpion” y “Blurryman” representan lo mejor que puede ofrecer Jordan Peele, pero no dejan de ser 3 de 10. Los demás capítulos para mala suerte cojean en la narrativa, exageran en el dialogo o simplemente caen en la conformidad de vivir bajo la sombra de una serie cuyo título termina siendo la principal razón para darle un chance. 

Fuente: The Twilight Zone

ACIERTO: La marca Peele 

Una de las principales razones por las cual se encargó a Jordan Peele la nueva versión de “The Twilight Zone” es porque se trata de un creador audaz que se vale del comentario social para causar terror. “Replay” es la mejor muestra de la marca personal de Peele al presentar la odisea de una madre, viajes en el tiempo incluido, para llevar a su hijo a la universidad. En primera instancia, se podría pensar que se trata de sobre el apego de una madre a la que le cuesta dejar ir a su hijo, sin embargo, mediante el capítulo va avanzando el racismo asoma su horrible cabeza y personifica la preocupación de la madre y el monstruo al que se tienen que enfrentar las personas de color cada día.

Fuente: The Twilight Zone

DESACIERTO: El episodio remake sin gracia 

El segundo episodio del reboot es "Nightmare at 30,000 Feet" y se trata de un remake del clásico episodio "Nightmare at 20,000 Feet”. Ni si quiera Adam Scott puede salvar el capítulo. Quizás hubiera sido más preferible que se innove un poquito o que el episodio hubiera sido el séptimo, pero no el segundo ya que solo se trata de una copia en alta resolución. 

Fuente: The Twilight Zone

ACIERTO: El episodio más sutil 

En “The Blue Scorpion”, Jordan Peele vuelve hacer gala de su habilidad con el horror social, pero una manera sumamente sutil y elegante. La historia de Jeff, un hombre que se obsesiona con una pistola que extrañamente contiene una bala con su nombre, toca de manera perspicaz el controversial tema del control de armas. El monologo del narrador confirma el mensaje final: “Los humanos tienen la costumbre extraña de tratar a las cosas como si fueran personas, pero hoy aprenderán que mientras le den más valor a los objetivos que a la vida propia, la tragedia por siempre se manifestaría aquí en La Dimensión Desconocida”.

Fuente: The Twilight Zone

DESACIERTO: Los episodios más débiles

 Pese a sus premisas, “A Traveler”, un joven extraño que altera la noche de navidad de una comisaría, y “The Wunderkind”, un asesor político que lleva a un niño a la presidencia, no precisamente destacan por su astucia narrativa. En el caso de “The Wunderkind” el mensaje es algo que ya todos sabemos; los políticos mienten. Y por supuesto, desde que Donald Trump llegó a la Casa Blanca ya nada parece demasiado loco ni si quiera que un niño logre ser presidente del país más poderoso del mundo… en ficción. Por su lado, el problema de "A Traveler" es que el giro final es una invasión de extraterrestres, algo que parece haber salido de la nada y que no termina de convencer. 

Fuente: The Twilight Zone

ACIERTO: El episodio más innovador 

Con “Blurryman”, “The Twilight Zone” cierra su primera temporada. Se trata de un episodio meta que se basa en el fenómeno nacido en internet “Slenderman”. El principal mérito de “Blurryman” es que logra engañar al espectador pues es el mismo narrador, Jordan Peele, es el encargado de interrumpir la introducción y derivar la atención de lo que se suponía era la historia de un escritor cuyas historias se hacen realidad a la historia de una guionista que trabaja para “The Twilight Zone” y a quien le está costando escribir esa narración tan característica de la serie. Al final resulta que “Blurryman”, representación del miedo de Sophie (Zazie Beetz), es el mismo Rod Serling, revivido vía efectos especiales. El mensaje final del mítico creador de la “The Twilight Zone” para Sophie, también parece ser un consejo para quien le dé un chance al reboot; hay que abrazar los nuevos comienzos y experimentar las miles de posibilidad que da la ciencia ficción, el género del terror y la fantasía. 

Fuente: The Twilight Zone

DESACIERTO: Las estrellas sin brillo 

Kumail Nanjiani, Tracy Morgan, Adam Scott, Greg Kinnear, Chris O'Dowd, Jon Cho, Ginnifer Goodwin, Taissa Farmiga y Zazie Beetz son algunas de los intérpretes que han pasado por el reboot de “The Twilight Zone” y si bien es cierto cada uno hace un buen trabajo, la mayoría de las historias no permitió que estas estrellas brillen por completo. 

Fuente: The Twilight Zone

ACIERTO: El opening 

El opening del reboot recrea de una manera espectacular la misma secuencia de introducción que la original. Esta vez con la narración de Jordan Peele, pero con una estética mucho más nítida y surreal. Simplemente hermoso.

Fuente: The Twilight Zone

En Modo #Oscars: Quién va a ganar y quién debería ganar

Mejor actriz de reparto: 

¿Quién va a ganar? Allison Janney.

En “I Tonya” hace de la peor y feroz madre que alguien puede tener. La perfecta antagonista de una historia extraña en un filme donde la verdad es lo menos importante. 

¿Quién debería llevárselo? Allison Janney.

 Mejor actor de reparto:

 ¿Quién va a ganar? Willem Dafoe. 

Estamos tan acostumbrados a ver a Dafoe como un villano que cuando interpreta a un personaje noble recordamos que es humano y nos rompe el corazón. Bueno, en realidad, “The Florida Project” por completo rompe el corazón a todos.

¿Quién debería llevarselo? Sam Rockwell por hacer de un policía racista en “Three Billboards outside Ebbing, Missouri” porque lejos de humanizar al villano, lo ridiculiza.

 Mejor actor: 

 ¿Quién va a ganar? Gary Oldman. Darle vida a Winston Churchill es un imán para los premios, sino basta pregunarle a John Lithgow de “The Crow”. En sus últimos años, la Academia  ha tenido una cuota política por lo que Oldman tiene más chance por hacer de un político que pese a sus excentricidades, pone a su país en primer.

¿Quién debería llevarselo?  Timothee Chalamet. 

Si más que una película “Llámame por tu nombre” es una experiencia es por Chalamet cuya interpretación nos pone en su lugar, sentimos sus emociones, sus inseguridades y su desilusión.

 Mejor Actriz: 

¿Quién va a ganar? Frances McDormand. Como una madre que utiliza unos carteles para evidenciar la ineficiencia de la policía que no ha dado con el asesino de su hija, McDormand muestra un dolor que la consume tanto que olvida que hay quienes sufren alrededor de ella. La protagonista de “Three Billboards outside Ebbing, Missouri” me recordó a Nora Durts (Carrie Coon) de “The Leftovers”; el luto es un ciclo, uno que empeora cuando no hay una resolución. 

¿Quién debería llevarselo? Sally Hawkins o Margot Robbie.

 Es una tradición de los Oscars nominar a Meryl Streep. “The Post” fue hecha para regalarle una nueva nominación, pero quien debería llevárselo es Sally Hawkins o Margot Robbie. Hawkins es sumamente tierna en "La forma del agua" y Robbie es capaz de transformar a Tonya Harding, la villana de los 90's, en una víctima de las circunstancias. 

Mejor director: 

¿Quién va a ganar? Guillermo del Toro. A pesar de la controversia por las acusaciones de plagio, Guillermo del Toro es el candidato más fuerte porque "La Forma del Agua" es un proyecto más personal, más artístico, más íntimo y a su vez, es una oda fantástica que combina diversos géneros.

¿Quién debería llevarselo? Guillermo del Toro.

Si bien Christopher Nolan “Dunkirk” y Martin McDonagh con “Three Billboards outside Ebbing, Missouri” son excelentes candidatos para llevarse el Oscar, es el año de Guillermo del Toro. 

 Mejor película: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo? “La forma del agua”. Un cuento de hadas para adultos, una historia de amor fantástica, una joya audiovisual, una oda a la ciencia ficción. “La Forma del Agua” captura la esencia de las películas de monstruos y adiciona el romanticismo. La película es perfecta desde principio a fin. Luego de verla, sientes que has presenciado un clásico. 

 Mejor guion adaptado: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo? “Llámame por tu nombre”. La película adapta de manera fiel la novela en la que se basa, incluso podemos ver varios diálogos trasladados del libro a la pantalla, y sin embargo, la historia se siente fresca no tan centrada en lo que dicen los personajes si no lo que expresan con pequeños detalles, miradas, silencios y gestos. 

 Guion original:

¿Quién va a ganar? “Three Billboards outside Ebbing, Missouri”. Para ser una película de temática fuerte, el uso de la comedia es perverso e insano. Da risa, pero nos reímos de lo atroz. La no resolución aunque insatisfactoria es importante y sobre todo realista. Los anuncios como un reclamo y como un constante recuerdo de un caso que no ha sido resuelto es una brillante idea que será replicada. 

¿Quién debería llevarselo? “Get out”.  La película más interesante del año pasado goza de un guión único y original que se vale de la crítica social para crear suspenso, pero lamentablemente la Academia odia el género del horror/suspenso. 

Mejor fotografía: 

¿Quién va a ganar? "Blade Runner 2049". Visualmente impresionante.

¿Quién debería llevarselo? “La forma del agua” tiene una composición perfecta e impecable.

Mejor película extranjera: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo?  "Una mujer fantástica". Aun si no llega a ganar, “Una mujer fantástica” ya marcó un hito; ha demostrado que se pueden contar otras historias de la comunidad trans además del autodescubrimiento y la transición. La película chilena se centra en un duelo se ve interrumpido y minimizado por la familia y por la sociedad. Amor, prejuicio y duelo…

 Mejor película animada: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo?   "Coco". Cada vez que Pixar nos hace llorar recibe un Oscar. 

 Mejor canción: 

¿Quién va a ganar? “Remember me”... *se pone a llorar*.

¿Quién debería llevarselo? “Mystery of Love”... *se corta las venas*

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Las mejores películas del 2017

10.- “Love Song” (So Yong Kim) 

Se trata de una historia de amor entre dos mejores amigas donde no existe el tiempo correcto. Durante toda la película, hay una conexión tácita entre Sarah (Riley Keough) y Mindy (Jena Malone) más allá de la amistad; son almas gemelas, y sin embargo, el amor no es suficiente para que terminen juntas. El final me produce una sensación de insatisfacción, como si me estuvieran privando un final feliz, pero lo cierto es que el acto más noble y romántico que haya visto; las dos están conscientes de lo que significa una para la otra y aun así deciden no actuar respecto a esos sentimientos. En cierto modo, la historia de amor de Sarah y Mindy no tuvo un comienzo no tampoco un final porque siempre ha estado presente y siempre lo estará. 

 9.- “Coco” (Lee Unkrich) 

La historia nos narra el viaje de Miguel al mundo de los muertos en el Día de los Muertos en México para encontrar a su abuelo y convencerse a sí mismo de seguir con su sueño de ser músico. Si hay algo que caracteriza a Pixar es su sentimentalismo, pero en particular con “Coco”, el sentimentalismo se multiplica. Quizás sea por la canción o porque lo carismáticos de los personajes, lo cierto es que deja una gran lección que puede aplicarse a la vida en general; no necesitas escoger entre la familia y el arte, ambos pueden complementarse perfectamente.

 8.- “Wonder Woman” (Patty Jenkins) 

“Wonder Woman” (La Mujer Maravilla) es una película ordenada y tiene claridad en su historia; sigue la fórmula de presentar un inicio, un conflicto y una resolución. Gadot Gadot explora las matices de Diana Price, su humanidad, su optimismo, su desconcierto e indignación ante la guerra y su ingenio ante un nuevo mundo que no comprende. Sin embargo, la razón por la que está en la lista de las mejores películas es por su trascendencia en el mundo del cine como la primera película de superhéroes protagonizado por una mujer y dirigido también por una mujer. “Wonder Woman” ha superado las expectativas y ha roto varios récords de taquilla. Asimismo, en el plano social y cultural, “La Mujer Maravilla” es ahora un símbolo de la esperanza y una figura que niñas alrededor del mundo puede admirar. 

 7.-“Moonlight” (Barry Jenkins) 

“Moonlight” es un relato sobre la realidad de un niño que en busca de su propia identidad se encuentra con demasiados prejuicios. Acompañamos al protagonista Chiron durante tres décadas y en momentos claves que lo marcaron. De niño, a Chiron le decían Little y sus compañeros le hacían buylling porque era "extraño". Lo que hacía diferente a Little era su homosexualidad, y pese que aunque todavía no estaba consciente de su orientación sexual, ya era marginado por la sociedad e incluso por su propia madre. “Moonlight” es de esas películas que cambia el juego desafiando los prototipos de la masculinidad, no se inserta en el debate sobre el racismo y la homosexualidad, solo presenta una historia cruel y conmovedora.

6.- “War for the Planet of the Apes” (Matt Reeves)

Pese a ser protagonizados por simios, está película apunta siempre a la naturaleza humana, una naturaleza que está llena de contradicciones e imperfecciones. El extremismo y el egoísmo que vemos en el Coronel es un rasgo oscuro pero es nato de cualquier ser, la ira y las ansias de venganza que vemos en César son también características muy humanas luego que te arrebatan violentamente a tu familia. War tuvo un tono oscuro, pero sobrecogedor con una cuota de esperanza que apuesta por la humanidad, pero una humanidad en los animales, una humanidad que los simios conservan y que les permite una supervivencia en medio de una guerra absurda alentada por el miedo. 

5.- “Logan” (James Mangold) 

 “Logan” marcará un hito en la historia de las películas de héroes por ser diferentes. La calificación "R" (para mayores de 14 años) le da la libertad de ser violento y sangriento, pero lo que más resalta de Logan es su sencillez, se trata de un drama bien armado que tiene como protagonista a un héroe en decadencia en una distopia futurista. “Logan” combina varios géneros para contar su tragedia y de una forma conmovedora, Hugh Jackman se despide con un final trágico pero perfecto para un personaje como Wolverine. 

4.-“The big sick” (Michael Showalter)

Más que una comedia romántica se trata de un dramedia que se centra en la historia de amor entre Kumail y Emily. Pese a que ninguno de los dos busca nada serio, la relación se va afianzando pero terminan rompiendo porque Kumail no tiene intenciones de casarse con ella por su religión musulman, aunque tampoco quiere casarse con ninguna de las mujeres que su mamá le presenta. A diferencia de otras películas de este género, “The big sick” no tiene un obstáculo externo que evita que la pareja este junto, sino interno. Kumail va descubriendo sus sentimientos cuando Emily cae en el coma, va relacionándose con la familia de Emily y se va revelando contra sus propios padres para seguir a su propio corazón. La película tiene como base la historia real de Kumail Nanjiani y su esposa Emily Gordo. Y además, tiene uno de los mejores chistes inapropiados de los atentados del 11 de setiembre. 

3.-“Baby Driver” (Edgar Wright) 

Si hay algo que distingue a Baby Driver de Edgar Wright es su estilo propio; la narrativa de la película lleva el ritmo (literal) de su fenomenal soundtrack. Se trata de una de esas producciones que no depende de su argumento sino que se vale de su creatividad para presentar una particular visión que lo hace único, original y especial. De modo que el plantear una historia sencilla desde la perspectiva de Baby, un chico que depende de la música para menguar su condición, transforma esa historia sencilla en un musical de acción. 

 2.- Dunkirk (Christopher Nolan) 

 El último filme de Christopher Nolan, Dunkerque (Dunkirk) está basado en la Operación Dínamo que logró rescatar a más de 300 mil soldados ... El último filme de Christopher Nolan, Dunkerque (Dunkirk) está basado en la Operación Dínamo que logró rescatar a más de 300 mil soldados ingleses, franceses y belgas que estaban atrapados en el pueblo de Dunkerque, en Francia, rodeados por los alemanes, durante la Segunda Guerra Mundial. Lo primero que tenemos que saber es que clásico de Nolan; "Dunkirk"e está estructurada en tres tiempos y espacios que se interceptan al final; estamos viendo una semana en la vida de los soldados, un día en la vida de uno de los botes civiles y una hora en la vida de los aviadores y también viendo el rescate desde tres ángulos; tierra, mar y aire. Esta forma de contar la historia nos permite ver y sentir diferentes perspectivas de la misión principal; la supervivencia. En ese sentido, "Dunkirk" no se parece en nada al canon del cine bélico, no sabemos nada de los protagonistas más que el simple hecho que están en una guerra, no tenemos (o necesitamos) la propaganda patriota del héroe sacrificado ni tampoco al villano sin alma, y si bien no tenemos ni una gota de sangre en pantalla, igual sentimos la violencia, la brutalidad, la tensión, la angustia, la incertidumbre y el dolor en cada una de las secuencias.

1.- Get out (Jordan Peele) 

Get out de Jordan Peele es un gran ejemplo de cómo se puede innovar un género utilizando viejas técnicas de suspenso añadiéndole un fuerte contenido social. La película no necesito toneladas de sangre y ni si quiera violencia, solo necesitó jugar con las expectativas y con los prejuicios para generarnos una sensación incomoda. En ese caso, la intriga gira alrededor del prejuicio y la musicalización estuvo perfecta para crear una tensión en el aire. Hasta el mismo poster es una prueba de esta idea, vemos a Chris con los ojos llorosos y lo primero que pensamos es qué escena brutal está presenciando para ponerse así pero resulta que no está viendo ninguna tortura, no solamente está recordando cómo se sintió cuando murió su mamá.

#Getout: Suspenso y prejuicio

"Get out" de Jordan Peele es un gran ejemplo de cómo se puede innovar un género utilizando viejas técnicas de suspenso añadiéndole un fuerte contenido social. La película no necesito toneladas de sangre y ni si quiera violencia, solo necesitó jugar con las expectativas y con los prejuicios para generarnos una sensación incomoda. En "Get Out", la pareja principal es Chris (Daniel Kaluuya) y Rose (Allison Williams) va a visitar a la familia de Rose, siendo Chris el único afroamericano en el pueblo, una vibra rara acompaña las escenas de sus interacciones con demás e incluso con los otros afroamericanos que trabajan en la casa. 

Según Alfred Hitchcock, la diferencia entre la sorpresa y el suspenso es la información que le presentas al público y "Get out" hace uso de esta técnica de una manera inesperada ya que se enfoca siempre en la racismo. El público asume que todos se comportan de manera extraña con Chris porque es afroamericano, pero el giro en la historia es que estas personas en realidad ven a la raza de afroamericana de una forma superior y buscan aprovecharse de esta cualidad. La mamá de Rose hipnotiza a Chris porque la familia tiene un programa especial que traslada la conciencia de los viejos ricos en jóvenes afroamericanos que eran reclutados por Rose. Hay que destacar el talento de Allison Williams y es que durante gran parte de la película Rose fue la novia perfecta y comprensiva pero en el momento clave se revela que su rol principal era reclutar a estos jóvenes, entonces, su temple cambia y tenemos ante nuestros ojos a toda una cazadora. 

Chris logra salvarse de la operación al luchar por su liberad y en su escape asesina a la mitad de la familia de Rose pero no logra matarla a ella. En la última escena, las sirenas de un auto hacen que Chris se rinda y alce las manos, asumimos lo peor, que pese a que es la víctima, lo van a culpar de toda esta masacre… sin embargo, quien se baja del auto es su amigo. De ese modo, "Get out" ha probado que no necesitas secuencias llenas de sangre ni efectos especiales ni criaturas sobrenaturales generar terror, solo necesitas jugar con las expectativas y emociones del público. En ese caso, la intriga gira alrededor del prejuicio y la musicalización estuvo perfecta para crear una tensión en el aire. Hasta el mismo poster es una prueba de esta idea, vemos a Chris con los ojos llorosos y lo primero que pensamos es qué escena brutal está presenciando para ponerse así pero resulta que no está viendo ninguna tortura, no solamente está recordando cómo se sintió cuando murió su mamá. 

El final alternativo

Personalmente, considero que el final que vimos en el filme es perfecto porque es una suerte de victoria para el protagonista, sin embargo, desde un punto de vista cínico, el final alternativo es mucho más terrorífico. Según ha revelado el director, Jordan Peele, las autoridades encuentran a Chris justo cuando está ahorcando Rose y obvio, Chris termina en la cárcel sin decir una sola palabra de lo que pasó porque nadie le creería así como nadie le creyó a su amigo cuando reportó su desaparición.

 El director tuvo varios finales alternativos para esta historia, sin embargo, el que se ve en el cine es coherente y el final alternativo quizás hubiera sido más realista, pero al mismo tiempo hubiera dejado un sabor demasiado amargo, mientras que el final original deja al espectador satisfecho.