#BabyDriver: Un musical de acción

Si hay algo que distingue a "Baby Driver" de Edgar Wright es su estilo propio; la narrativa de la película lleva el ritmo (literal) de su fenomenal soundtrack. Se trata de una de esas producciones que no depende de su argumento sino que se vale de su creatividad para presentar una particular visión que lo hace único, original y especial. De modo que el plantear una historia sencilla desde la perspectiva de Baby, un chico que depende de la música para menguar su condición, transforma esa historia sencilla en un musical de acción. 

*Enciende su Ipod y arranca su auto*

 Desde su primera escena, "Baby Driver" presenta su tono y su estilo, mientras los demás están asaltando un banco, Baby se queda en el auto divirtiéndose con la canción ideal ha escogido para la persecución después del robo. La importancia de este estilo no solo reside en la buena música, meticulosamente seleccionada para calzar con las secuencias de acción, sino en el sonido en general y en una edición que nos pone en el lugar de Baby, estamos escuchando lo que Baby está escuchando y cuando le quitan uno de los audífonos, podemos escuchar ese zumbido molestoso razón por la cual Baby siempre está escuchando su Ipod.

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 Ansel Elgort es el perfecto protagonista para "Baby Driver" ya que conjuga una inocencia tierna con un lado salvaje e inquieto. Baby es el chico del corazón de oro que es amoroso y protector de su padrastro Joe y de su novia Debora y que por causalidades del destino se ha visto involucrado con Doc (Kevin Spacey) cuyo negocio es organizar robos. No se trata de una historia extraordinaria pero sí bastante sorpresiva con unos giros impredecibles como el hecho que el villano no sea Bats (Jaime Foxx) ni el propio Doc sino un impecable y aterrador Buddy (Jon Hamm). Doc incluso ayuda a Baby y a Debora a escaparse porque "una vez estuvo enamorado", bueno, la verdad es que Doc y Baby fueron un equipo y como tal funcionaron bien en sus trabajos previos hasta que Baby quiso salirse de esa vida.

 Este año, "La La Land" ya había comprobado que una historia romántica, y ante todo simple, puede destacar y resaltar gracias a la música y ahora "Baby Driver" ha hecho lo propio pero esta vez en el género de acción. Esta película está compuesta de tal manera que cada secuencia parezca un videoclip musical de acción y aunque técnicamente, no se puede considerar un musical, digamos que se le debería colocar ese título ya que es la música la que construye la película.

You gor the music in you! 

 ¿Recuerdan que el trailer del "Suicide Squad" nos vendió la idea de que se trataba una buena película? ¿Qué es lo que hizo a ese trailer uno de los mejores trailers en la historia? Su composición. El modo en que "Bohemian Rhapsody" de Queen encajaba perfectamente con la historia y el solo de guitarra resaltaba la acción. La composición del trailer creó expectativas y si algo bueno podemos sacar de ese trailer es que aunque no sea de "Baby Driver", toda esa honda cool Wright logra trasladarlo a su propia película. Este es el estilo que debió tener la película y no solo el trailer de "Suicide Squad" para funcionar.

Si bien es cierto, el tráiler de Baby Driver es bueno, no le hace justicia a la película. 

Se ha puesto de moda musicalizar los tráiler con canciones conocidas, por ejemplo, "Atomic Blonde" se beneficia de "Killer Queen", "Kingsman The Golden Circle" hace lo propio con "My Way" e incluso "Immigrant song" de hace del tráiler psicodélico de "Thor Ragnarok" uno de los más creativos desde "Guardianes de la Galaxia". En todos estos trailers la clave siempre está en la edición al ritmo de las canciones elegidas.

 Las películas "Guardianes de la Galaxia volumen 2" y "Baby Driver" tienen los mejores soundtracks del año y coincidentemente, ambos incorporan la música a sus historias. El director de "Guardianes de la Galaxia", James Gunn, ha explicado que el uso de las canciones es para evocar y fortalecer los sentimientos en escenas claves, mientras que por su lado, Edgar Wright tiene la manía colocar videoclips de acción en sus películas, aunque esta vez con “Baby Driver” la música está al mismo nivel es la base de la historia. Sin embargo, el crédito o la rebeldía de Wright es que escribió un guión alrededor de las canciones perfectas para una persecución a escala pese al consejo de Quentin Tarantino de que no lo haga porque había un chance de que no pudiera conseguir los permisos para usar las canciones que quería. Lo interesante del proceso de Wright es que también desafía el orden de la producción puesto que originalmente, se graba una película y después se musicaliza. Wright y Gunn son dos directores que le agregan un plus a sus películas mediante el uso inteligente y creativo de canciones en sus historias.

 Recientemente, un artículo de Inverse reunió 20 escenas que intentan emular el encantador intro de Guardianes Volumen 2, sin embargo, estos videos nos ayudan entender por qué este estilo no funcionaría en todas las películas. En el intro de Guardianes se sienta el tono de la película, Groot bailar al ritmo de "Mr. Blue Sky" mientras se desarrolla una batalla a su alrededor, es tierno, gracioso y caótico... como la película. Del mismo modo, Wright escogió canciones rítmicas cuyos golpes y solos son perfectos para la acción. Así que no se trata solo de colocar una buena canción en una escena, se trata de generar una composición audiovisual memorable. Pero ya está de moda utilizar canciones populares pese a que el contexto no lo requiere. Veamos por ejemplo, la película "Death Note" de Netflix, no hay una explicación lógica para utilizar música de los 80's puesto que la película es (suponemos) no se desarrolla en ese tiempo, no obstante, ponen ese tipo de canciones porque es la moda porque se quiere ese estilo de un musical de acción sin necesariamente construirlo primero.

#WarforthePlanetoftheApes: Naturaleza humana

"War for the Planet of the Apes" de Matt Reeves es el fin de la trilogía de la saga del "Planeta de los Simios" que empezó con el Rise y el Dawn. Estas tres películas conservan la misma calidad, tienen historia sólida y hey, hasta puedes verlas sin necesariamente haber visto las anteriores gracias a los pequeños resúmenes al principio de la película que te ponen al día. También tienen el mismo ritmo, pero la última parece trascender por su profundidad y por su mensaje político sin necesariamente ser una película política. "War" tuvo un tono oscuro, pero sobrecogedor con una cuota de esperanza que apuesta por la humanidad, pero una humanidad en los animales, una humanidad que los simios conservan y que les permite una supervivencia en medio de una guerra absurda alentada por el miedo.

Karma poético

Esta vez, César (Andy Serkis) no tiene que enfrentarse a Koba pero sí a las ideas de Koba cuando el Coronel mata a su esposa y a su hijo. El líder de los simios se deja consumir por su ira y decide vengarse del Coronel (Woody Harrelson) pero en su camino se cruza con una niña que no puede hablar y con "bad ape", el alivio cómico de la película. El Coronel le explica más adelante a César que el virus que hace inteligente a los simios ha mutado y ahora está afectando a los humanos básicamente quitándoles el raciocinio y uno de los primeros síntomas es quedarse mudos. La frase “cada villano lleva consigo la triste historia de un hombre que quiso ser un héroe” encaja perfecto con la historia del Coronel ya que él cambió toda su ideología cuando sacrificó a su hijo porque el virus ya lo había consumido y había saltado a las personas que estaban cerca de su hijo. Desde entonces, el Coronel y su equipo matan a quienes muestran el primer síntoma del virus. En su retorcida lógica, el Coronel cree que está salvando a la raza humana y aunque es una lógica con la que no estoy de acuerdo, es una lógica que se entiende en ese contexto. 

El Coronel es un extremista que tomó una drástica decisión y lo trágicamente glorioso es que esa decisión también les creó enemigos. El ejército del Coronel es el blanco de otro ejército que busca derrocarlos porque no está de acuerdo con sus métodos. Antes de este encuentro, mientras César y su pequeño grupo se embarcan en la cacería del Coronel, el grupo de simios que se estaba dirigiendo a un lugar seguro es capturado por el Coronel quien los obliga a construir un muro para impedir el ataque del otro ejército. Entonces, César también es capturado y al ser colocado en una jaula, los simios en primera instancia están decepcionados de su líder porque lo responsabilizan de lo sucedido, y después César es obligado a trabajar en el muro que están construyendo pero poco a poco el liderazgo de César vuelve a aparecer aunque nunca deja de lado su plan original de matar al Coronel. Tengo que admitir que cada vez que escuchaba "the wall" pensaba en Donald Trump, no sé si es una alusión o un mensaje subliminal, pero no se logró construir "the wall" y en realidad, tampoco es que hubiera servido de mucho. Finalmente, los simios con ayuda del pequeño grupo que está afuera y de la niña, logran escapar. Y todos tienen el chance de ser finalmente libres, todos excepto César porque, obvio, aun quiere matar al Coronel.

 Pese a ser protagonizados por simios, está película apunta siempre a la naturaleza humana que está llena de matices e imperfecciones. El extremismo y el egoísmo que vemos en el Coronel es un rasgo oscuro pero es nato de cualquier ser, la ira y las ansias de venganza que vemos en César son también características muy humanas luego que te arrebatan violentamente a tu familia. Uno de los aspectos más fascinantes de "War of the Planet of The Apes" es que explora estas matices y nos lleva a una conclusión también muy humana; César no mata al Coronel aunque sea el mismo Coronel quien le pide que lo haga porque ha sido contagiado por el virus y ya no puede hablar. Es una de las escenas más intensas, el Coronel perdió su humanidad cuando perdió a su hijo del mismo modo en el que César también perdió la suya cuando el Coronel mató a su hijo y a su esposa, pero César recobró su humanidad gracias a su colonia, a la niña que rescató y al ver al Coronel en esa posición se dio cuenta que de disparar, la oscuridad lo absorberá por completo. Así que César se quita y el Coronel agarra el arma y se suicida para no sufrir. 

Realmente una guerra-guerra no vimos, pero sí hay una gran secuencia de acción al final que es básicamente humanos vs. humanos y los simios solo quieren ser libres y ponerse a resguardo. Al final, los simios sobreviven la estúpida destrucción del enfrentamiento entre los ejércitos. Y un karma poético, una gran avalancha destruye al nuevo ejército mientras los simios se salvan subiendo a los árboles. El final es nostálgico pero perfecto, Cesar muere una vez que la colonia de simios ha llegado a un lugar seguro, muere observando a los simios disfrutar ese nuevo hogar. 

Un aplauso para Wood y Andy

Woody Harrison es uno de esos actores que tiene un amplio rango actoral, puede hacer drama, comedia y puede ser terrorífico también. Lo que hace memorable al Coronel no son sus crueles acciones sino su retorcida lógica y su final karmático. Por su parte, Andy Serkis es de esos actores que transmite tanto con una sola mirada que podemos reconocer incluso debajo de los efectos especiales utilizados para construir a sus personajes. 

#Dunkerque (#Dunkirk): La guerra desde los ojos de Nolan

El último filme de Christopher Nolan, "Dunkerque" (Dunkirk) está basado en la Operación Dínamo que logró rescatar a más de 300 mil soldados ingleses, franceses y belgas que estaban atrapados en el pueblo de Dunkerque, en Francia, rodeados por los alemanes, durante la Segunda Guerra Mundial. Lo primero que tenemos que saber es que clásico de Nolan; "Dunkerque" está estructurada en tres tiempos y espacios que se interceptan al final; estamos viendo una semana en la vida de los soldados, un día en la vida de uno de los botes civiles y una hora en la vida de los aviadores y también viendo el rescate desde tres ángulos; tierra, mar y aire. Esta forma de contar la historia nos permite ver y sentir diferentes perspectivas de la misión principal; la supervivencia. En ese sentido, "Dunkerque" no se parece en nada al canon del cine bélico, no sabemos nada de los protagonistas más que el simple hecho que están en una guerra, no tenemos (o necesitamos) la propaganda patriota del héroe sacrificado ni tampoco al villano sin alma, y si bien no tenemos ni una gota de sangre en pantalla, igual sentimos la violencia, la brutalidad, la tensión, la angustia, la incertidumbre y el dolor en cada una de las secuencias. 

Nolan le ha apostado al estilo minimalista en esta producción; casi no hay dialogo, las transiciones ha sido casi por corte trasladándonos de un escenario a otro, los efectos especiales son casi imperceptibles, los planos utilizados son subjetivos para mostrarnos la visión limitada de los protagonistas, la actuación ha estado sobria y la banda sonora de Hans Zimmer ha sido vital para destacar ese ingenio narrativo que se centra en la experiencia de un soldado en batalla. 

 ¿"Dunkerque" es la mejor película de Nolan? 

La particular visión de Christopher Nolan es sinónimo de innovación en el mundo del cine. El director tiene el hábito de jugar con la narrativa con estructuras no lineales creativas con la intención de que el espectador se ponga en la piel de los protagonistas de sus películas. Cada película de Nolan es única, diferente y deja huella; basta con mencionar que nos ha regalado con "Interestellar" una de las mejores películas de ciencia ficción, con "Inception" una maravilla audiovisual, con "Memento" un rompecabezas mental y ha marcado la tendencia del tono oscuro y realista en el mundo de los superhéroes con su trilogía del Caballero de la Noche hasta el punto que poner una valla en calidad con "The Dark Knight". Sus proyectos vienen acompañados de una gran expectativa y hasta el momento no decepciona, pero "cuál es la mejor película de Nolan" es más que todo una pregunta capciosa. Todas las películas siguientes de Nolan son "la mejor película de Nolan" hasta el estreno de una nueva película de Nolan. Con "Dunkirk", Christopher Nolan prueba un nuevo género; el de las películas de guerra, pero por supuesto se trata de una película de guerra con el sello de Nolan.

#TheDiscovery: La tragedia de la mala ejecución

La idea de la muerte es sumamente rica, oscura y depresiva, pero rica, y que la película de Charlie McDowell tenga como base el "descubrimiento" científico que hay algo después de la muerte es un diamante en bruto creativamente hablando, pero "The Discovery" se queda en la superficie de sus principales atributos y deja de lado su potencial de ser una producción de ciencia ficción con influencias espirituales para ser un gran drama familiar y romántico. 

¿En qué falló "The Discovery"?

 Lamentablemente, Jason Segel no funciona, por lo menos en esta película, como un protagonista fuerte. Con eso no quiero decir que Segel no sirve para el drama, para nada, sino veamos los capítulos centrados en el arco de la muerte del papá de Marshal de "How I met your mother", solo que su fuerte es la comedia y creo que podría hacer la transición al drama a lo Jim Carrey con una mejor historia. Pero Segel no es el problema principal de la película, lo peor de "The Discovery" tiene que ver más con los huecos en su guión y para su mala suerte el tono sombrío y su ambiente pesado dificulta que el enganche con la historia y si una producción no te atrapa en los primeros 5 minutos, entonces, realmente no vale la pena. En otros casos, puede ser que veas una película con un celular en la mano, pero esta es una de esas películas que necesitas tener todos tus sentidos en la pantalla para poder armarla mentalmente después del giro. ¿Y cuál es el giro? Para entender el giro primero tenemos que hablar del "descubrimiento". 

Cuando era niño, Will (Jason Segel) murió durante 5 minutos y durante ese tiempo vio algo, esa cosa extraña que vio se lo contó a su papá el Dr. Thomas Harber (Robert Redford) que se obsesiona con la idea de probar qué hay vida después de la muerte. Trabajando día y noche en su investigación, Harber deja de lado a su familia y como consecuencia, la madre de Will se suicida el día de su aniversario. Pese a esto, Harber siguió trabajando para confirmar su teoría hasta que con ayuda de Will descubren que "lo que hay más allá" es una realidad alterna en donde regresas a un momento esencial en tu vida para tomar la decisión correcta, una suerte de segunda oportunidad. En un momento cercano a su muerte, Thomas ratifica ese descubrimiento ya que en lugar de seguir trabajando, decide ir a cenar con su esposa evitando así que ella se suicide y en el caso de Will (este es el gran plot twist) es el hecho de que pudo rescatar a Isla (Rooney Mara) cuando fue a visitar a su padre, puesto que en verdad el día que Will visita a su papá no conoce a Isla, solo se trata de una mujer que estaba en el mismo ferry que él y al día siguiente ve en las noticias que ella se ha suicidado. Este momento se queda en la mente de Will hasta que finalmente muere. Y una vez muerto, está en una nueva realidad donde logra salvar a Isla, quien quería morirse porque su hijo se ahogó, Will le enseña que quitarse la vida no es la solución. Will e Isla se enamoran hasta que una chica la mata... 

No te suicides, enamórate

El final de la película intenta se hace más confuso porque Will utiliza la máquina, con la cual confirmaron que hay una vida en el más allá, y tiene una conversación con su subconsciente, que se ve como Isla, revelándole que él está muerto y va a morir una vez más pero esta vez no se encontrará con Isla en el ferry ya que al rescatar a Isla la ayudó a seguir adelante. Will muere y pasa a otra nueva realidad donde se encuentra en una playa donde salva al hijo de Isla y así se conocen de nuevo. 

 Según Cinemascomics, "la premisa del suicidio parece más una excusa para contar una historia de amor con un telón de fondo apocalíptico" y tiene toda la razón. No pueden tener una idea tan atractiva y desperdiciarla de ese modo, dejando al aire preguntas como; ¿por qué la gran mayoría querrían matarse? ¿El simple hecho de saber que hay algo más allá de la muerte es suficiente para suicidarte? ¿Qué clase de apocalipsis se está desarrollando en ese momento? ¿El ser humano es tan autodestructivo que prefiere morir que enfrentar sus propias consecuencias? Y si quieren tener como base el amor, ¿Qué hay del amor de familia? Hay que recordar que el hermano de Will se queda con su padre pese a que no se trata del mejor padre del mundo. De todas formas, "The Discovery" es una apuesta rara que en teoría parece tenerlo todo, un buen elenco, una idea atractiva y un potencial de ser el "nuevo Eternal Sunshine of the Spotless Mind" pero que en la ejecución no logra acertar, bueno, el twist final "salva" la película si es que no te has quedado dormido antes.

#Predestination: Hermoso y perfecto bucle temporal

Tengo una fascinación extraña por los viajes en el tiempo, así que tan pronto leí el pequeño resumen de "Predestination", escrito y dirigido por Peter Spierig y Michael Spierig, en Netflix, pensé que era la típica película del agente del tiempo que viaja al pasado y atrapa al malo para arreglar el futuro del mundo, pero lo que me encontré fue una de las paradojas temporal más confusas y enigmáticas del cine.

 Con Ethan Hawke como protagonista, la historia sigue a un agente del Buró Temporal que tiene que perseguir a un terrorista. En la primera parte de la película, nuestro héroe se la pasa hablando con John a quien tiene que convencer para que viaje al pasado. John le revela su trágica historia, le cuenta cómo antes de ser John era Jane (Sarah Snook). Ella quería ser una agente especial, de hecho, era la más calificada para serlo, pero debido a su condición médica no podía. Ella sufría de una extraña condición donde básicamente tenía los dos sexos dentro de ella. Después de que la rechazan en la agencia, intenta continuar con su vida hasta que conoce a un misterioso hombre que la embaraza y la abandona. Las complicaciones al momento de dar a luz hacen que los doctores decidan extirparle los órganos femeninos a Jane y así es como se convierte en John, pero como si eso no fuera suficientemente malo, su hija termina siendo secuestrada. Y así comienza la desdicha de Jane/John, una desdicha que continúa hasta que conoce al agente que en ese momento se está haciendo pasar como un cantinero. 

El cantinero le propone a John viajar al pasado y vengarse de ese misterioso hombre que le arruinó la vida. John acepta y allí se da el giro más importante de la historia; un giro tan fenomenal que me destruyó emocionalmente hablando; John es ese hombre misterioso que deja embarazada de Jane. Desde esa revelación y aunque los demás giros siguen ese mismo giro no deja de ser igual de impactantes, Jane se convierte en John, John se convierte en el Cantinero y el Cantinero se convierte en el terrorista y el bebé de Jane en realidad es Jane. Todo es un hermoso y perfecto bucle temporal dentro de un universo inalterable. 

Predestination llevando el amor propio a un nuevo nivel...

 La forma en el que la historia está plasmada es minuciosa; todos los cabos están atados. Si volvemos a ver la película sabiendo a donde va, podemos ver todas las pistas y los detalles advirtiéndonos su gran giro a la mitad de la película. Por lo general, el manejo de los viajes en el tiempo trata de descomplicarse para propósitos de entretenimiento, como lo hemos visto en "El Ministerio del Tiempo" y "Legends of Tomorrow", pero tras ver "Predestination" nos quedamos con una sensación extraña de quererle buscar una explicación lógica, pese a que es probable que no exista una respuesta adecuada. Esta película, aunque no es muy conocida, es muy ingeniosa y coherente dentro de su propia lógica, esta historia comienza en Jane y termina en Jane y todo lo que ocurre es una jodida paradoja de la predestinación.

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#LaÚltimaTarde: Cada uno es dueño de sus propias conclusiones

La premisa de dos ex que se encuentran después de tiempo siempre es interesante por las conversaciones que no tuvieron y por lo sentimientos atemporales que necesitan con urgencia un cierre. En el caso de "La última tarde" de Joel Calero, una pareja de ex izquierdistas radicales que se reencuentra después de 20 años para firmar el divorcio y, para matar el tiempo mientras esperan al juez, comienzan a ponerse al día de sus vidas y a revelar detalles sobre el motivo real detrás de su abrupta separación. 

Según lo que nos revela la película, ambos formaron parte de una organización subversiva, armaron bombas caceras y armas, pero hay una ambigüedad sobre si las usaron o no. Entonces, ¿Podemos considerarlos terroristas? ¿Hubiera generado una diferente experiencia si es que el espectador sabría al cien por ciento que mataron a gente inocente o a militares? ¿Qué se supone que deberíamos sentir por estos dos? ¿La intención de "La última tarde" es lograr que los demás entendamos sus acciones para poder justificarlos y exonerarlos, intenta humanizarlos o solo presentarlos en su forma más sincera? Lo cierto es que "La última tarde" explora demasiados temas; los dilemas morales, las diferencias entre las clases sociales, el amor vs. el bienestar propio, el egoísmo, y quizás trata de explicar el por qué los integrantes de estas organizaciones se quedaron con esa ideología, sin embargo, no ofrece ninguna respuesta correcta, solo nos presenta ideas y cada uno es dueño de sus propias conclusiones. 

Las actuaciones de Lucho Cáceres y Katerina D'Onofrio junto a un dialogo inteligente y realista balancea muy bien cualquier intención de simplificación sobre los protagonistas, es decir, no podemos reducir a los dos a solo calificativo. Ramón es terco, es idealista, es violento, es parco y es sumiso por momentos, mientras que ella es sincera, es realista, es aventurera, es conformista y trata de ser optimista. Una contradicción hecha pareja. Desde un primer momento es difícil imaginarlos enamorados, o por lo menos, como una pareja feliz de jóvenes. Sin embargo, "La última tarde" nunca deja de ser una historia de amor contaminado por factores externos e internos, una historia de amor inconclusa que se llenó de desilusión, resentimiento y miedo. Ella huyó del Cusco y de su esposo porque ya no le encontraba un sentido arriesgar su vida por la militancia, pero conforme va avanzando la película vemos que hay más razones mucho más complejas que el simple hecho de salvar su propio pellejo. Ella le confiesa que abortó y él se molesta por qué no se lo consultó alegando que un niño le hubiera cambiado la vida, ante eso ella le responde algo así como “mi hijo hubiera hecho cola para verte en el penal o en el cementerio”. Durante la película hay varios choques entre los dos porque no piensan igual, porque son diferentes, lo que nos revela que la relación realmente nunca fue muy sana que digamos. 

En Netflix, la película "Blue Jay" de Alexandre Lehmann, protagonizado por Mark Duplass y Sarah Paulson, también sigue a una pareja que se reencuentra después de tiempo e incluso ella también se hizo un aborto porque eran demasiado jóvenes para tener un bebé. La reacción de él es diferente porque en su momento aceptó la decisión, pero siempre se quedó con la idea de lo que hubiera sido tener un bebé. Hay una cuota romántica en todas las conversaciones y la química de Duplass y Paulson produce ternura. De modo que quien ve la película realmente espera que ambos encuentren un modo de arreglar sus problemas y que el reencuentro inesperado se convierta en una reconciliación que los lleve a ser felices nuevamente, pero en el caso de "La última tarde", el amor que alguna vez sintió siempre estuvo en un segundo plano porque primero estaban ideas políticas de los dos.

No obstante, también es inevitable pensar; ¿una última conversación es todo lo que tienen que aspirar estas parejas? Pues, sí. A veces el amor, no es suficiente.  En las últimas escenas de "La última tarde", él casi la ahorca y la responsabiliza por la muerte de uno de sus amigos porque ella le contó a su padre lo que hacían y asume que su padre le contó a su tío que era policía y por eso llenaron de balas su casa matando a su camarada y ella acepta su culpa, pero aun así, los dos terminan en un cuarto de hotel consumando su relación no de una manera pasional, ni romántica, sino como consolándose de sus errores, de sus culpas, de sus sentimientos. Al final, el silencio entre los dos revela mucho más de las conversaciones que tuvieron, no hay duda que amos se amaron porque se aceptaron, con sus defectos y remordimientos, pero tampoco hay modo que merecían un final feliz con toda el peso emocional que cargan sobre sus hombros.

#Getout: Suspenso y prejuicio

"Get out" de Jordan Peele es un gran ejemplo de cómo se puede innovar un género utilizando viejas técnicas de suspenso añadiéndole un fuerte contenido social. La película no necesito toneladas de sangre y ni si quiera violencia, solo necesitó jugar con las expectativas y con los prejuicios para generarnos una sensación incomoda. En "Get Out", la pareja principal es Chris (Daniel Kaluuya) y Rose (Allison Williams) va a visitar a la familia de Rose, siendo Chris el único afroamericano en el pueblo, una vibra rara acompaña las escenas de sus interacciones con demás e incluso con los otros afroamericanos que trabajan en la casa. 

Según Alfred Hitchcock, la diferencia entre la sorpresa y el suspenso es la información que le presentas al público y "Get out" hace uso de esta técnica de una manera inesperada ya que se enfoca siempre en la racismo. El público asume que todos se comportan de manera extraña con Chris porque es afroamericano, pero el giro en la historia es que estas personas en realidad ven a la raza de afroamericana de una forma superior y buscan aprovecharse de esta cualidad. La mamá de Rose hipnotiza a Chris porque la familia tiene un programa especial que traslada la conciencia de los viejos ricos en jóvenes afroamericanos que eran reclutados por Rose. Hay que destacar el talento de Allison Williams y es que durante gran parte de la película Rose fue la novia perfecta y comprensiva pero en el momento clave se revela que su rol principal era reclutar a estos jóvenes, entonces, su temple cambia y tenemos ante nuestros ojos a toda una cazadora. 

Chris logra salvarse de la operación al luchar por su liberad y en su escape asesina a la mitad de la familia de Rose pero no logra matarla a ella. En la última escena, las sirenas de un auto hacen que Chris se rinda y alce las manos, asumimos lo peor, que pese a que es la víctima, lo van a culpar de toda esta masacre… sin embargo, quien se baja del auto es su amigo. De ese modo, "Get out" ha probado que no necesitas secuencias llenas de sangre ni efectos especiales ni criaturas sobrenaturales generar terror, solo necesitas jugar con las expectativas y emociones del público. En ese caso, la intriga gira alrededor del prejuicio y la musicalización estuvo perfecta para crear una tensión en el aire. Hasta el mismo poster es una prueba de esta idea, vemos a Chris con los ojos llorosos y lo primero que pensamos es qué escena brutal está presenciando para ponerse así pero resulta que no está viendo ninguna tortura, no solamente está recordando cómo se sintió cuando murió su mamá. 

El final alternativo

Personalmente, considero que el final que vimos en el filme es perfecto porque es una suerte de victoria para el protagonista, sin embargo, desde un punto de vista cínico, el final alternativo es mucho más terrorífico. Según ha revelado el director, Jordan Peele, las autoridades encuentran a Chris justo cuando está ahorcando Rose y obvio, Chris termina en la cárcel sin decir una sola palabra de lo que pasó porque nadie le creería así como nadie le creyó a su amigo cuando reportó su desaparición.

 El director tuvo varios finales alternativos para esta historia, sin embargo, el que se ve en el cine es coherente y el final alternativo quizás hubiera sido más realista, pero al mismo tiempo hubiera dejado un sabor demasiado amargo, mientras que el final original deja al espectador satisfecho. 

#BatmanVSuperman y el paralelismo del 11 de setiembre

Como lo escribí en mi anterior post,  "Batman V Superman" intenta abordar demasiado y se sobrecarga en una serie de conflictos que no puede englobarse en el típico "bien vs. mal", se profundiza hasta un debate sociológico y psicológico, pero también esta película se desarrolla en el mundo postraumático en el que vivimos hoy que comenzó el 11 de setiembre. Una de las teorías más extrañas que está pululando por las redes sociales es que "Batman V Superman" además de sus easter eggs, tiene más de una referencia al atentado del 11 de setiembre en las  Torres Gemelas. Aquí un par de esos paralelismos:

-Mucha gente ha comprado la simetría de daño ocasionado por la pelea del General Zod versus Superman en "Man of Steel" con fotos del 11 de setiembre en Nueva York.

-Al mismo estilo heroico de los bomberos y en lugar de alejarse del punto de impacto, Bruce Wayne se aproxima al edificio para poder rescatar a todos los que pueda, como sucedió ese 11 de setiembre con los hombres de rojo.

 -La estatua de Superman está en lo que supone es la “zona cero” de lo que fue el ataque alienígena en Metropolis, así como la “zona cero” se convirtió en un monumento a la memoria de las víctimas en Nueva York.

-Wayne está dispuesto a ir a una guerra con Superman porque lo cree responsable de lo sucedido. Del mismo modo en el que Estados Unidos se fue a una guerra con Iraq porque, en su momento, se le mostró a EEUU unas “pruebas” de que Iraq podría ser armas de destrucción masiva. No. Bruce Wayne/Batman no tiene nada que ver con George Bush. Según "New Rockstar" y alejándonos del lado político, todo estos paralelos están para que comprendamos la cólera que siente Bruce Wayne y es esta ira y resentimiento que lo llevó tomar decisiones cuestionadas.  Bruce culpó a Superman y hasta se enfrenta con el Hombre de Acero para "salvar la humanidad" pero se da cuenta que Superman no es el peligro que tanto creía que representaba.

"BvS" no es la primera película en el que se puede ver la influencia del terror vivido el 11 de setiembre, de acuerdo con Telegraph, el 11/9 setiembre han cambiado el cine.  Incluso en filmes como "Los Vengadores: La Era de Ultron", "El Soldado de Invierno" y "El Caballero Oscuro" donde no habrán referencias directas a los ataques, sí hay una apertura al debate sobre la seguridad y las medidas extremas a las que estamos dispuestos a llegar para no ser vulnerables otra vez.

En defensa de #BatmanVSuperman

Encuentro injusto y hasta mezquino las críticas en contra de "Batman v Superman: Dawn of Justice" de Zack Snyder. Es verdad, tuvo sus puntos flojos, sus momentos cursis, el exagerado uso de efectos especiales, como todas las películas de superhéroes, pero también tuvo una historia orgánica, diálogos profundos y consiguió el objetivo principal; logró entretener y además, dejó incrustado el plus de la curiosidad saber qué vendrá más adelante.

#ProtectBatmanVSuperman

Batman V Superman: Uno por Uno

Batman: Ben Affleck le cayó la boca a todos. El hombre no interpretó a Bruce Wayne, el hombre ES Bruce Wayne, uno maduro, torturado, paranoico y traumado por una nueva tragedia que no pudo detener, es alguien que ve la realidad con otros ojos y tras años de experiencia, se ha dado cuenta que incluso cuando gana, no gana realmente. Entonces, decide que su legado será salvar a la humanidad de quien considera es un peligro para el mundo: Superman.

Superman: Henry Cavill estuvo sobrio. Muchos le criticarán la falta de personalidad en momentos claves, otros odiaran la historia que le tocó, pero lo cierto es que el hombre de Acero sufrió de una crisis existencial. Aun no ha encontrado su lugar en el mundo ni como Clark Kent ni como Superman y lo único a lo que se aferra es a su amor por Lois Lane. Con esa historia, obviamente, no iba a ganarse al público, pero era necesario. Quizás, no su muerte, pero era necesario ver cómo es que la propia humanidad que salvó en diversas oportunidades, se ponía en su contra y solo su sacrificio le comprobó al mundo que no era una amenaza.

Wonder Woman: Gal Gadot nos regala una versión diferente de Diana y quizás sea la mejor versión que veamos en años. Para los que no conozcan quién es Wonder Woman se trata de una de las últimas guerreras amazónicas que es tan poderosa como Superman y tan astuta como Batman. En la cinta, Wonder Woman abraza su lado guerrero y no tiene miedo de enfrentar a una criatura alienígena que le dobla el tamaño. Su coqueteo con Bruce y la batalla con Doomsday, fueron lo más refrescante de "Batman V Superman" y ya espero con ansias volverla a ver en su propia película.

Lois Lane: Me impresionó un poco el nivel de importancia que tuvo Amy Adams como Lois Lane. Esperaba que no fuera más que el interés amoroso de Superman, pero como el hombre estaba teniendo una crisis, le tocó ser su roca y su voz de la razón. Además, fue ella la que conectó todos los puntos que revelaba, aunque un poco tarde, toda una conspiración que tenía como meta dejar mal parado a Superman. Por mi lado, siempre voy a destacar que Lois Lane es un personaje fuerte, curiosa y hasta molestosa por momentos; una clásica representación de lo que un periodista debe ser.

Lex Luthor: Uno va a amar u odiar a Jesse Eisenberg por su interpretación excéntrica de un personaje que de por sí ya es histriónico, sin embargo, tuvo las mejores citas de la película. “Los demonios no viene de abajo, sino del cielo”, “El poder absoluto no es inocente”, etc. El filme tuvo un punto flojo en Doomsday, pero no tuvo un villano genérico. Luthor fue muchas cosas, menos común. Desde el principio de la película, fuimos testigos de una serie de eventos que formaban parte del plan maestro de Luthor y hasta en la escena final, Luthor está un paso más adelante que los héroes.  

Martha: En cada película que aparezca Batman vamos a tener que ver de nuevo cómo es que matan a sus padres. La verdad es que esto puede llegar a aburrir, excepto que de vez en cuando nos presentan una perspectiva diferente. Racionalicemos la escena más polémica paso por paso: la primera escena de "Batman v Superman" es la muerte de los Wayne  a manos de un criminal. De manera inteligente Synder presentó esta secuencia sin diálogos ni gritos hasta que Thomas susurra “Martha”.  Ahora, los memes por el "momento Martha" son bastos, pero tratemos de ahondar en la intención de Snyder. "El momento Martha" es el punto en común entre ambos héroes y ese momento va de la mano con la primera escena y no, no se trata del nombre, sino del significado. Aclaremos: Ambos no se hicieron “amigos” porque sus mamas se llaman Martha. La muerte de sus padres, de Martha, es la razón por la que Bruce emprende su camino de héroe. ¿Y por qué se convierte en un héroe? Para que otros no sufran lo que mismo que él, para que otros no pierdan a sus padres en manos de criminales... y eso es justamente lo que iba a pasar con la Martha de Superman. Cuando Batman dice “Martha no muere esta noche” también es una forma de reivindicarse ya que no pudo salvar a su madre porque era un niño y ahora de adulto podía escoger la continuar con una pelea sin sentido o salvar a la madre de alguien que no puede ser tan malo si está dispuesto a colocar a su madre ante de los demás.  Los valores de Bruce provinieron de sus padres del mismo modo en el que los de Clark, entonces, los dos también tienen eso en común. Hay un problema en la ejecución del momento, quizás se le quiso dar una mayor importancia de la que debió tener, pero sin duda es uno de los más esenciales en la película de Snyder.

Creo que hemos desvirtuado el valor humorístico de los memes

Hay que admitir que "Batman v Superman" quiso abarcar demasiado, lo que se sintió fuera de lugar con sus alucinaciones, y eso al final melló el resultado de la película. Han ahorrado varias películas que preparaban el camino para el team up, aunque también hay que decir que los que no lean cómics o no tengan un mínimo conocimiento encontraran la película confusa debido a que no reconocerán a Aquaman, Flash y Cyborg, quienes más adelante formarán parte de la Liga de la Justicia. A esto hay que agregarle que tampoco entenderán todas las referencias y los guiños de comics.

Esta es la liga de la justicia que veremos más adelante... 

Marvel vs. DC: Una batalla en la que ganamos todos

Cuando dicen que DC es como más oscura,  más seria y dramática, mientras que Marvel es más colorina, relajada y hasta humorística es una verdad a medias.  Dejando de lado los filtros que le dan una tonalidad depresiva, con "Batman V Superman", DC nos presenta temas profundos, crisis existenciales, debates ideológicos y sociológicos. Por su parte, Marvel también ha madurado a través de sus películas y definitivamente en "Civil War" ya no veremos broma tras broma ya que literalmente tendremos una guerra entre amigos desatada por dos posiciones ideológicamente diferentes ante un tema.

Todos ellos son parte del Universo Marvel... 

Aunque es ilógico, era inevitable, "Batman V Superman" iba a ser comparado con las mejores producciones de Marvel, aunque es un sin sentido. Marvel tiene años construyendo su universo cinematográfico para llegar al nivel en el que está ahora.  De hecho, ha perfeccionado una fórmula ganadora que incluso Honest Trailers ha evidenciado que la utiliza en casi todas sus películas y finalmente, esta fórmula será dejada de lado en Civil. Por su lado, DC recién está comenzando y todavía le falta perfeccionarse, pero también que los demás nos ajustemos a lo que nos quiere presentar.  En realidad, Marvelovers, DCfans y en general, admiradores de comics y héroes, debemos estar felices de vivir en la época de oro de estas producciones.

Fan art de todos los héroes que veremos, solo este año.

Critica a los críticos

Me gustaría que esos críticos que están destrozando la película revelen con qué película -Marvel, probablemente- están comparando a "Batman V Superman", teniendo en cuenta que "Dawn of Justice" es la segunda película del universo cinematográfico de DC.  ¿Acaso es la expectativa inalcanzable e insuperable lo que ha llevado a "Batman V Superman" a tener una recepción tan polémica? ¿Es la trama confusa de las alucinaciones - que también vimos en Ultron- es el mensaje vago de Flash -¿por qué los héroes no pueden ser más claros cuando hablan-, es el abuso de los efectos especiales -que vemos en todos las películas-, es el enemigo genérico -que también hemos visto en otras producciones-…? ¿Qué es exactamente? "Batman V Superman" no es una obra de arte, está lejos de la perfección pero si vamos a ser justos, todas las películas de héroes tienen sus momentos “ex deus machina” y  una incoherencia evidente para todos pero que funciona dentro de su propio entorno y los que momentos en los que parecen que no funcionan como las secuencia de sueños tienen como propósito dejar la pregunta cuya respuesta la veremos en los siguientes films. Sin pasiones, qué ha hecho tan mal "Batman v Superman" como para merecer tan malos review. La respuesta se cae de madura, el pecado de "Batman V Superman" es estar en una época en donde nos centramos en los errores más que en los aciertos.