Las series en los tiempos del coronavirus

Las medidas tomadas para frenar propagación del COVID-19 obligó al mundo del entretenimiento a detenerse de manera abrupta, esto ocasionó que varias series no terminaran de grabar todos los capítulos finales de la temporada 2019-2020. Los productores no tuvieron otra opción que adelantar el final de temporada o encontrar un modo de completarla de manera remota. 

El ejemplo más ingenioso que hasta el momento hayamos visto es “The Blacklist” cuyo final de temporada mezcló el live action con una animación comic. Recordemos que la cuarentena interrumpió las grabaciones del capítulo 19 y se tenía previsto una temporada de 22 episodios. En ese sentido, este híbrido de live action / animación les permitió completar el capítulo al mismo tiempo que cierran la temporada. Si lo pensamos bien, esta solución de emergencia podría ser la clave para otras producciones, especialmente para series de héroes, como “The Flash”, “Batwoman” y “Supergirl”, ya que solo necesitarían la voz de sus actores principales e incluso hasta se podría aprovechar para realizar más crossovers, sin embargo, es poco probable que este estilo se replique, pues, el proceso de animación, aunque se puede realizar desde casa, también toma su tiempo y si bien se puede servir para acabar un episodio, se necesitaría un presupuesto mayor para realizar una temporada. 

La solución común ante la pandemia ha sido que los season finales, que por lo generalmente incluye cliffhangers y una dinámica más intensa, terminen siendo el capítulo 19 o el 20 o el último capítulo que se grabó en su totalidad y que no estaba preparado para ser el último capítulo sino una especie de transición hacia el punto clímax al que no se llegó. Por eso, no podemos realmente quejarnos por las historias incompletas ya que se sabe que las resoluciones estaban planeadas para una temporada de 22 o 23 episodios. En el caso de “Grey’s Anatomy”, el final de temporada fue el episodio 21, “Put on a Happy Face”, y su temporada normal debía contar con 25 episodios. 

 Siguiendo en el tema de “Grey’s Anatomy”, esta temporada se tomó la marketera decisión de tener un crossover permanente con su spin off “Station 19”. Ya llegará el momento de criticar la manía de los productores de “Grey” y “Station 19” de entrelazar ambas series, porque es obvio que se trataba de un intento forzado para que los espectadores de “Grey” le den un chance (y un poco de rating) a “Station 19”, sin embargo, debido a esa nueva dinámica, “Station 19” nos spoileo un poco la dirección por la que iba a ir “Greys Anatomy” ya que Carina DeLuca (Stefania Spampinato) reveló que su hermano Andrew (Giacomo Gianniotti) es bipolar cuando en “Grey’s Anatomy” no se tuvo el tiempo de cerrar esta historia sobre la condición mental en la que estaba Andrew después de haber salvado a Richard Webber (James Pickens Jr.) tras diagnosticarlo de una misteriosa enfermedad que lo aquejaba. Asimismo, al parecer el final de temporada de “Grey” habría lidiado con las consecuencias de una gran explosión registrada en “Station 19”. Según reveló Tvline, el adelantado season finale le salvó la vida a un personaje que habría sido una víctima más en la larga lista de doctores muertos en “Grey’s Antomy”. 

Por su lado, el drama legal “All Rise” se convirtió en la primera serie en filmar un episodio en modo cuarentena. En el capítulo “Dancing at los Angeles”, la jueza Lola Carmichael (Simone Missick) realiza una sesión de un juicio en línea (por medio de Zoom) para probar que se pueden realizar estas diligencias de manera remota y así aliviarle el peso al sistema judicial de Estados Unidos. El único mérito de la serie quizá será el haber sido la primera en tener un episodio con esta temática, pero no ha invitado la pólvora ni tampoco marcará una tendencia, solo se adaptó a un momento difícil en la actualidad. 

 El coronavirus también detuvo al icónico programa “Saturday Night Live”, pero semanas después que se dictó la cuarentena para aplanar la curva de contagios, el show se acomodó a este nuevo contexto y realizó un “SNL at Home”. El primer anfitrión en este nuevo formato fue Tom Hank, recientemente recuperado de Covid-19. Esta vez los sketches se burlaron de esta nueva realidad parodiando reuniones por medio de Zoom o Skype. Lo más destacable fue el video musical de Pete Davidson sobre su aburrida vida encerrado con su familia en plena cuarentena. 

En el lado positivo, ahora estamos viendo más que nunca esas reuniones especiales que tanto anhelábamos. Por ejemplo, el cast de “Park and Recreation” se juntó para un capítulo especial también en modo cuarentena, mientras que el elenco “Community” realizó una lectura de uno de sus mejores episodios para recaudar fondos y así ayudar a los afectados por el coronavirus. Del mismo modo, la gente de “Orphan Black” también se reunirá para un Facebook live, algo sencillo considerando que la mitad del elenco es Tatiana Maslany. En general, los artistas han mostrado su lado más solidario al momento de donar para los más necesitados y también interactuando con los fans en esta época llena de incertidumbre. Varios actores han creado sus propios podcasts para realizar entrevistas, dar buenas noticias o simplemente tener contacto con sus fans. Solo para mencionar algunos; Ken Jeong y Joel McHale crearon “The Darkest Timeline” para hablar sobre “Community”, Zach Braff y Donald Faison comentan lo mejor de “Scrubs” en “Fake Doctors, Real Friends” y John Krasinski reunió al elenco de “The Office” en su canal de Youtube “Some Good News”. 

El nuevo mundo, el post coronavirus 

Nadie sabe realmente cuando vamos a poder estar libre del coronavirus ni cuándo será seguro volver a trabajar, lo que se sabe hasta el momento es que más de 40 series están en  stand by sin una fecha de retorno definida. Por el momento, FOX ha sido el único canal en confirmar su retorno para el otoño americano del 2020, sin embargo, se ha informado que estrenará series y temporadas que iba a emitir en la primavera, mientras que la CW ha confirmado que todas sus series retrasarán sus nuevas temporadas hasta el 2021. El parón en las producciones ha llevado a hecho que algunas cadenas compren los derechos de ciertas series para emitirlas en el horario donde normalmente se estrenaría la nueva temporada (final de setiembre). Vale la pena aclarar que el hecho que la CW se haga de “Swamp Thing” no implica que la serie será revivida, solo que será emitida. 

Por su lado, la web Directordefotografia ha recopilado información sobre las propuestas de los protocolos de seguridad que deberán seguir las producciones de cine y televisión cuando retornen a sus labores. La mayoría de sugerencias hablan sobre una distancia social apropiada y reducción de contacto físico lo que representará un reto para los escritores, especialmente, en el caso de series de acción. En medio de la pandemia, el creador de “Black Mirror”, Charlie Brooker, comentó en una entrevista que ya no está trabajando en la serie porque cree que el mundo ya es demasiado oscuro y no le falta razón, pero las series en algún momento tienen que retornar y la gran pregunta en la mente de los productores y guionistas debe ser si tocarán o no la pandemia que afectó el mundo. Cabe la pena recordar que, en el 2001, diversas series insertaron en sus propias historias la tragedia del atentado del 11 de setiembre y también sus consecuencias. La serie de paramédicos y policías “Third Watch” no solo presentó dos episodios especiales donde se podía escuchar el testimonio real de paramédicos, bomberos y policías en actividad cuando se registró el atentado, sino que también mostró el estrés post traumático y la culpa de supervivencia que los atormentaba a través de sus personajes ficticios. Años más adelante, las secuelas emocionales de los ataques a las Torres Gemelas, la guerra en Irak y la cacería a Osama Bin Laden serían el punto de arranque de series como “Save me”, “Homeland” y “The Looming Tower”. 

Por su misma temática, las series médicas se enfrentarán al dilema si dedicarle un episodio al coronavirus o la temporada completa teniendo en cuenta que el personal médico ha estado en la primera fila de esta batalla y se puede decir a ciencia cierta que han sido los más afectados por la pandemia tanto en el plano físico como psicológico, además, del plano laboral, pues, se sabe que la mayoría de hospitales a nivel mundial no ha contado con los suplementos médicos necesarios para poder proteger a su personal al momento de tratar pacientes contagiados del virus. Frente a estas noticias, en marzo, el equipo de “Grey’s Anatomy” y “Station 19”, donó todo su material médico, incluyendo batas, guantes y mascarillas e insumos médicos. A esta iniciativa se sumaron otras producciones del mismo género como son “The Resident”, “New Amsterdam” y “The Good Doctor” que también donaron sus equipos sanitarios a hospitales de las ciudades donde se graban estas producciones. 

Estas series médicas todavía no tienen fecha de retorno y tampoco han confirmado sus planes a futuro sobre la inclusión de la lucha contra el coronavirus, pero quien sí informó que tocaría las consecuencias de la pandemia en su octava temporada fue el showrunner de “Brooklyn Nine Nine”, Dan Goor, aunque no ha ahondado en detalles. Parecería fuera de lugar que una comedia policial toque este tema, pero en realidad, no es la primera vez que la serie tocaría un tema serio. “Brooklyn Nine Nine” ha tenido episodios sobre la discriminación racial, sobre los tiroteos y sobre la corrupción policial y lo ha hecho con mucho tino sin caer en una solución mágica ni arreglando los problemas en 22 minutos. “Brooklyn Nine Nine” siempre ha sabido respetar a los espectadores al mismo tiempo que les saca una sonrisa. Sin mencionar que la serie se desarrolla en Nueva York, la cuidad más afectada por el brote del coronavirus. 

No sabemos cuándo volverá todo a la normalidad o si regresaremos a una normalidad en lo absoluto y, sí, es cierto, Charlie Brooker tiene razón, el mundo está más oscuro que nunca, pero en la oscuridad, el mundo del entretenimiento es un modo de escape, una forma de aliviar las tensiones y distraernos de las malas noticias y cuando regresen, las series que se atrevan a insertar el tema del coronavirus podrían ser un reflejo de una nueva realidad.

#Fleabag: Las mejores frases del “Hot Priest”

En el primer episodio de la segunda temporada, el “Hot Priest” (Andrew Scott) era el invitado en la incómoda cena donde el padre de Fleabag (Phoebe Waller-Bridge) anuncia que se casará su pareja y donde Claire (Sian Clifford) le revela a su hermana que tuvo un aborto. El capítulo es caótico, frenético y gracioso. Dentro de toda la anarquía familiar, el resentimiento y las mentiras, está este hombre que sucede que es el sacerdote que realizará el matrimonio. La introducción no es una casualidad, el “hot Priest” termina enredado en el caótico mundo de Fleabag. El amor prohibido entre Fleabag y el sacerdote podría suponer en primer momento que se trata de cumplir una fantasía sexual, pero se transforma en un amor único que los termina marcando a los dos. Es fácil entender por qué Fleabag se enamoró de él porque nosotras también nos enamoramos de él. Aquí están cinco de sus mejores frases: 

5.- "I believe god meant for me to love people in a different way. I believe I'm supposed to love people as a father"

Desde que Fleabag y el sacerdote comenzaron a interactuar era claro la atracción que sentían, sin embargo, el sacerdote siempre quiso poner un estate quieto para frenar sus instintos ante las obvias intenciones de Fleabag. Mientras Fleabag no entendía cómo es que alguien puede privarse del placer, en referencia al sexo, y del amor, el sacerdote con una simple frase explica su mantra; ser un hombre de fe no significa renunciar al amor, al contrario, la capacidad de amar la tiene, pero se trata de un amor no romántico, se trata de un amor puro que sirve como un guía espiritual. 

4.- "Sometimes I worry I'm only in it for the outfits"

 Esta frase es la que mejor expresa el sentido del humor del “hot priest” y también su compromiso con su profesión. Si lo tomamos en serio, se trata de un hombre que le gusta lo colorido de sus túnicas, si lo tomamos en broma, estamos ante un hombre que está dispuesto a ponerse ropa ridícula para difundir la palabra del Señor. En la serie, el sacerdote está consciente que todo lo relacionado a él difiere con la clásica imágenes que tenemos de un sacerdote, no obstante, cada vez que tiene el chance nos recuerda de una manera jocosa que su prioridad es Dios. 

 3.- "I can't have sex with you because I'll fall in love with you. And if I fall in love with you, I won't burst into flames but...my life will be fucked." 

Al igual que Fleabag, el sacerdote es sumamente honesto y también pragmático. La química que comparte con Fleabag es parte del juego de la tensión sexual y eso lo entiende. Fleabag está acostumbrada a disfrutar de aventuras pasajeras, pero el “priest” sabe de las posibles consecuencias de “hacerlo”, no solo porque signifique romper sus votos sino porque a diferencia de Fleabag, no puede separar lo carnal de lo emocional. Por supuesto, eventualmente, el sacerdote sucumbe, sin embargo, para los dos es algo más que un polvo. 

2.- “I love you too” 

Decir “te amo” es algo que se reserva cuando ya estás en una relación a menos que seas Ted Mosby y se te sale en plena primera una cita. No obstante, cuando Fleabag admite que ama al sacerdote, él también el retorna el sentimiento, pero ambos saben y aceptan que esos “te amo” es parte de una despedida y que su breve, pero significativa historia de amor no es para siempre.

 1- "Love is awful. It’s awful. It’s painful. It’s frightening. It makes you doubt yourself, judge yourself, distance yourself from the other people in your life. It makes you selfish. It makes you creepy, makes you obsessed with your hair, makes you cruel, makes you say and do things you never thought you would do. It’s all any of us want, and it’s hell when we get there. So no wonder it’s something we don’t want to do on our own. I was taught if we’re born with love then life is about choosing the right place to put it. People talk about that a lot, feeling right, when it feels right it’s easy. But I’m not sure that’s true. It takes strength to know what’s right. And love isn’t something that weak people do. Being a romantic takes a hell of a lot of hope. I think what they mean is, when you find somebody that you love, it feels like hope." 

Este es el poderoso discurso del sacerdote en la boda del padre de Fleabag. En un primer momento parecería que se trata de una confesión de parte y en cierto modo lo es, pues, es el momento en el que el “priest” decide que elegir a Dios por encima de Fleabag, es el momento en el que confirma su vocación y su amor por Dios. No es un momento fácil ni una epifanía que viene de la nada, siempre estuvo presente, pero fue débil y dudo de sí mismo debido a lo que sentía por Fleabag.

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-#Fleabag: Una serie perfecta de un personaje imperfecto

#Fleabag: Una serie perfecta de un personaje imperfecto

La serie creada, escrita y protagonizada por Phoebe Waller-Bridge, “Fleabag”, se consagró como una de las sorpresas más geniales del 2019, siendo reconocida por medios especializados y ganando el Emmy como mejor comedia el mismo año. Sin embargo, antes de “Fleabag” la serie, existió “Fleabag” la obra teatral, la cual volverá como parte de una función especial que será emitido por la plataforma streaming del teatro Soho (hogar de “Fleabag” la obra). Este evento me da sirve como excusa para hablar sobre una de las mejores series del año pasado.

 La clave del éxito de “Fleabag” está en la sinceridad con la que aborda la vida imperfecta de su imperfecta protagonista, una mujer moderna que vive en una gran cuidad con problemas pasados, presentes y profesionales, pero que, en vez de abrumarse por sus dramas, prioriza satisfacer y disfrutar de su sexualidad sin ninguna vergüenza. La serie salta entre el humor y el drama y nosotros estamos entre llorar de risa y llorar de tristeza. En la primera temporada, la característica principal de Fleabag era la forma en la que rompía la cuarta pared con monólogos internos y con miradas que traducían su fastidio, su inverosimilitud o su frustración con facilidad. El humor de la serie nace de la mezcla entre la frescura de su protagonista y un guion jocoso dispuesto a centrarse en verdades incomodas. 

En el primer episodio, Fleabag se masturba viendo un discurso del expresidente de Estados Unidos, Barack Obama. Inmediatamente esta escena se convierte en una de las más hilarantes y icónicas de la serie. El mismo Obama también puso a "Fleabag" en el radar al colocarla en su lista anual de recomendaciones de series y películas, un gesto que Waller-Bridge recordó y agradeció cuando la serie ganó el Globo de Oro a mejor serie de comedia. Lo que hace esta escena más incomoda es el hecho que Fleabag acaba de tener relaciones con su novio Harry (Hugh Skinner). En ese sentido, la comedia de la serie cuenta con cierta cuota retorcida, sádica e inmadura, pero que funciona de manera armónica como preámbulo de escenas desgarradoras de las desastrosas relaciones familiares de Fleabag que no se lleva bien con su hermana Claire (Sian Clifford), con su padre (Bill Paterson), con su madrastra (una sublime Olivia Colman) y con su propio pasado. 

Fleabag viendo un discurso de Obamma.

Fuente: Tumblr.

Un punto interesante de la historia es la forma en que la serie descubre las “mentiras” de Fleabag o mejor dicho llena los vacíos de una narradora en la cual decidimos confiar a ciegas. Resulta que cuando Fleabag nos hablaba de la muerte de su mejor amiga nunca profundizaba en el contexto en el que se dio y conforme vamos a acercándonos al final de temporada descubrimos que la mejor amiga provocó ese accidente que la llevó a la muerte como parte de un plan para llamar la atención de su novio quien le había sido infiel con Fleabag. Cuando nos enteramos de la verdad, la cámara sigue a Fleabag y ella intenta huir, avergonzada y sofocada porque, aunque no sea la responsable directa del accidente que le quitó la vida a su mejor amiga, se siente culpable. Sabemos que toda acción tiene por efecto una consecuencia, entonces, cuando Fleabag se acostó con el novio de su mejor amiga, malogró la relación de los tres, llevó a la depresión a su amiga y puso en movimiento una cadena fortuita de eventos que terminaron con una muerte. Además, una infidelidad siempre es inexplicable e injustificable, pero en el caso de Flebag, es mucho más doloroso, porque traicionó a su mejor amiga cuando ella había sido su sustento cuando su madre falleció, había sido su hermana cuando su propia hermana no la comprendía y había sido su socia en un pequeño negocio. Pese a todo, entendemos a Fleabag porque hemos estado en sus zapatos, porque todos cometemos errores, porque somos humanos, porque sabemos lo mucho que le duele, aunque no lo exprese ni tampoco lo diga en voz alta. 

El “hot priest” definió la segunda temporada y formó parte del camino de aprendizaje de Fleabag para conocerse a sí misma, aceptarse y quererse. Al igual que Fleabag, el sacerdote (Andrew Scott) está lejos de la perfección, es encantador y pícaro, pero a diferencia de Fleabag, el sacerdote tiene un amor absoluto de Dios. La presencia del sacerdote y su amor prohibido con Fleabag irradia una luz de esperanza que mejora en todos los aspectos de una serie que de por sí ya era bastante buena y como resultado, la segunda temporada termina consolidándose como la mejor. Vale la pena aclarar que Phoebe Waller-Birdge se encargó que el sacerdote no solo sea un interés amoroso, sino que también nos reveló la complejidad de un hombre de fe que también tiene derecho a sentir, a dudar y a equivocarse. Tampoco es que el sacerdote es quien “salva” a Fleabag de su soledad o de sus problemas, al contrario, Fleabag ayuda al sacerdote a afianzar su fe y en retorno, el sacerdote hace que Fleabag abra de nuevo su corazón, algo que no había hecho desde la muerte de su mejor amiga.

 Mientras la primera temporada termina con Fleabag aislada de sus seres queridos y descubierta por sus propios pecados, la segunda, la mejor, se va por el camino de la sanación espiritual y emocional. Sin arreglar o enmendar sus errores del pasado, Fleabag acepta el lugar que le ha dado su hermana en su vida, su hierática relación con su padre y la agresividad-pasiva de su madrastra y, lo más agridulce, acepta que el sacerdote elija a Dios por encima de ella. La serie termina con el sacerdote rompiendo con Fleabag y en los últimos segundos, ella nos da una mirada honesta, sacude la cabeza y se aleja de la cámara. Antes, el romper la cuarta pared para nuestra protagonista era un mecanismo de defensa para expresar algo a alguien cuando no tenía a quién más acudir, lo que denotaba una gran soledad, y también era una forma de alejarse de la realidad, lo que denotaba aislamiento. Este mecanismo se redujo a simples miradas en la segunda temporada, más específicamente, desde que llegó el sacerdote quien parecía “atrapar” a Fleabag cada vez que quería romper la cuarta pared, cada vez que quería distanciarse de una conexión sentimental. Para cuando se despide, Fleabag está en un mejor lugar que cuando recién la conocimos y aunque no sepamos qué será de ella, confiamos en que será algo mejor. Con un sentimiento melancólico, el desenlace entra fácilmente en la categoría de los mejores finales sin necesariamente ser uno feliz. 

 El nombre de Phoebe Waller-Bridge tomó mayor relevancia a partir de “Fleabag”, la obra y la serie. Tras la confirmación que la serie no retornaría para una tercera temporada, la actriz/creadora dijo que sentía que la serie había terminado de una manera hermosa y que se sentía bien al decirle adiós. En ese momento, además de “Fleabag”, Waller-Birdge estaba produciendo otra joya televisiva llamada “Killing Eve”, protagonizado por Sandra Oh y Jodie Comer, y además, fue reclutada para co-escribir la película número 25 de James Bond, “No Time to Die”. Por azares del destino, Waller-Bridge ha decidido revivir a su personaje más célebre, a ese personaje imperfecto del cual nació una serie perfecta, por una buena causa; pues, las descargas de su función especial servirán para recaudar dinero para las organizaciones benéficas dedicadas a la salud y también para el fondo creado por la actriz/autora que tiene como propósito brindar subsidios para trabajadores teatros independientes de Inglaterra afectados por la pandemia generada por el coronavirus. 

#MrRobot: La astucia del plot twist

La serie creada, dirigida y producida por Sam Esmail, “Mr Robot”, es parte de las mejores producciones de la década 2010-2020. La historia del hacker Elliot Alderson (Rami Malek) contó con diversos elementos para distinguirse; se animó a tomar riesgos con la narrativa teniendo episodios especiales y experimentales, utilizó planos cerrados y abiertos para mostrar el nivel de aislamiento y poder de sus personajes, pero lo más importante es que logró sorprender a los espectadores con sus astutos giros desarrollados de una manera orgánica y no solo para generar un shock. Aquí una lista de los plot twist más astutos que alteraron de manera crucial la serie. 

10.- Elliot en prisión 

En los primeros episodios de la segunda temporada de “Mr Robot”, había algo que no calzaba, pero como en el propio Elliot nos repetía constantemente que necesitaba estabilizar su rutina creando una especie de loop mental para no ver más a Mr Robot (Christian Slater), tenía cierto sentido, sin embargo, en el episodio 7, "eps2.5_h4ndshake.sme", se nos revela que Elliot ha estado en prisión todo este tiempo y esa rutina que habíamos visto era un mecanismo de defensa creado por su imaginación. Pese a que ya sabíamos que no podíamos confiar en la narración de Elliot, este giro nos toma por sorpresa de nuevo y altera la segunda temporada como la conocíamos.

 9.- Angela, agente del Dark Army 

De todos los personajes de “Mr Robot”, Angela era la más “inocente”, la más “normal” y la más alejada de la caótica revolución de Elliot. En un giro extraño, Angela (Portia Doubleday) comenzó a trabajar para E Corp, la misma compañía responsable de la muerte de su madre y del padre de Elliot (Rami Malek), se suponía que su objetivo era obtener pruebas para llevarlos a la justicia, pero después se deja engatusar por el poder y el dinero. No obstante, la mayor sorpresa que la serie pudo habernos dado respecto a este personaje es que Angela formaba parte del Dark Army y era una fiel creyendo de White Rose (BD Wong) y de su misteriosa máquina. De ese modo, Angela trabajaba junto a “Mr Robot”, a espaldas de Elliot, ultimando los detalles de lo que sería la “Fase 2” sin darse cuenta que esa fase se trataba de un atentado que dejaría muchos muertos. Tras la ejecución de “Fase 2”, Angela entra en un cuadro depresivo muy fuerte, de cual jamás podría salir, y al final es asesinada por el Dark Army.

 8.- El regreso triunfal de Tyrell 

 A diferencia con Angela, Tyrell Wellick (Martin Wallström) parecía ser el villano de la historia, un ser sin escrúpulos, ambicioso y obsesionado con el poder. Conforme la serie va avanzando se nos revela que, aunque Tyrell estaba trabajando para E Corp, su lealtad estaba con Elliot y con Fsociety. Luego de la ejecución del hackeo 5/9, Tyrell se vuelve en el sospechoso principal. Durante la segunda temporada, una de las preguntas más frecuentes fue dónde estaba Tyrell. La serie respondió esta pregunta en el último episodio de la segunda temporada cuando nos contó a modo de flashback que Tyrell fue reclutado por el Dark Army luego que fuera culpado por el hackeo. En uno de los giros más chocante de la serie, Tyrell es convertido en un héroe luego de pretender que fue secuestrado por los verdaderos autores del ciberataque. 

7.- White Rose, la rosa detrás del poder 

El personaje de DB Wong, Whiterose, fue uno de los más enigmáticos y fascinantes de la serie. Rodeado de un halo de poder y obsesionado con el control, Whiterose terminó siendo el verdadero villano de “Mr Robot”. Se trató de una mente tan macabra como brillante, además, se trataba de una especie de “big brother” en la serie y su Dark Army era un siniestro ejército que, bajo sus órdenes, se encargaban de los que ya no necesitaban. Aunque la serie nunca pudo explicarnos lo que lo motivaba a hacer las cosas que hacía o cuál era el punto de su misteriosa máquina, la sublime actuación de DB Wong lleno cualquier vacío en la historia. El giro más impactante en lo que respecta a este personaje es la revelación que él permitió que la revolución de Elliot solo porque le convenía. 

6.- Darlene, heroína de la revolución 

La principal misión de Fsociety era hacer que los poderosos paguen por su corrupción, específicamente, ese 1% de todopoderosos que controla bancos y personas y que se beneficiaron en plena crisis cuando los demás se hundían en deudas. Ese era el propósito principal del hackeo del 5/9, pero los resultados fueron diferentes, pues, personas comunes y corrientes se vieron afectadas mientras que la élite adinerada no. En la última temporada, Elliot ideo un plan a modo de venganza para hacker al banco de Chipre, que es donde los grupos grandes tenían su dinero, al Grupo Deus, el encargado de realizar las transacciones para offshores y bancos extranjeros, y al propio White Rose. No obstante, fue Darlene (Carly Chaikin) la que ejecutó la revolución de mejor manera ya que hackeó a cien personas a la vez y se adueñó del dinero de los más poderosos. Volviendo al objetivo más importante de la retribución a la sociedad y del borrado de las deudas que agobian a la clase trabajadora, Darlene repartió ese dinero robado entre todos en una de las escenas más satisfactorias de la última temporada. 

5.- Fase 2 

Entre la segunda y la tercera temporada se insertó la idea de un gran evento que lo cambiaría todo. Se nos puso como una especie de advertencia, pero nadie sabía de qué diablos se trataba. En la tercera temporada, a ese gran evento se le puso el nombre de “Stage 2” o “Fase 2”. Elliot, Mr Robot, Tyrell e incluso Angela estaban trabajando para que esa “Fase 2” se ejecute. Así se nos revela que la “Fase 2” era la destrucción de las instalaciones de E Corp en Nueva York. Por supuesto, al darse cuenta que eso podría en peligro la vida de personas inocentes, Elliot logra evitar el atentado, pero en uno giros más crueles de la serie, se nos presenta toda la información: la “Fase 2” no solo se refería a una instalación, sino a 71, las cuales sí son bombardeadas. La revelación de la fase 2 se desarrolla en el capitulo "eps3.4_runtime-error.r00", uno de los mejores y más avezados de la serie, porque juega con nuestras expectativas y nos crea falsas esperanzas de un triunfo pírrico de Elliot solo para impactarnos con la malévola realidad de la “Fase 2”. 

 4.-El primer twist: Yo soy tu hermana

 En la primera temporada, la influencia más notable de “Mr Robot” era la película “Fight Club” de David Fincher y en ese sentido, se esperaba que uno de los primeros giros de la serie fuera la confirmación que Elliot era un narrador en el que no podíamos confiar. Lo que sabíamos en ese momento era que Darlene era una cómplice de Elliot y de Mr Robot. Se notaba cierta cercanía entre ambos, admiración y hasta amor, por supuesto, luego entendimos por qué; Darlene era la hermana menor de Elliot, una verdad que nosotros los espectadores descubrimos al mismo tiempo que Elliot luego de un momento incomodo en el que intentó besarla y después reconoció que se había olvidado quién era. Se había olvidado de su propia hermana. Se trató del primer gran twist de “Mr Robot” y en retrospectiva, el momento cobra una mayor relevancia al final. 

 3.- ¿Quién es Mr. Robot?

 La teoría más popular de la serie era que “Mr Robot” era un producto de la imaginación de Elliot, así como Tyler Durden (Brad Pitt) es producto de la mente del narrador en “Fight Club”, sin embargo, la serie fue muy inteligente al ejecutar el giro con diversas escenas construidas para que nos inclinemos a creer que Mr Robot estaba vivo y trabajando con Elliot cuando la verdad era que Mr Robot era una manifestación del trastorno de identidad disociativo de Elliot. Lo que hace este giro mucho más complejo es que Mr Robot tiene la cara del padre fallecido de Elliot, con el cual tuvo una relación bastante complicada. 

 2.- La tercera personalidad 

La serie hizo que los espectadores crearán diversas teorías, una de ellas tenía que ver con el hecho de que “Mr Robot” no era la representación de la inestabilidad mental de Elliot. En diferentes momentos de la serie se insinuó que había una tercera personalidad y que ni si quiera el propio Elliot estaba consciente de la misma. El último giro de la serie es brillante porque cambia la perspectiva de toda la serie: el Elliot que hemos estado siguiendo es la tercera personalidad que se apoderó del verdadero Elliot. El hecho de confirmar que nuestro protagonista no es el verdadero Elliot le da sentido a toda la serie y explica los momentos claves como la vez que intentó besar a Darlene porque no la reconocía y los diálogos donde se referían a “él” y no al verdadero Elliot. 

1.- El origen de Mr Robot 

Una vez más, “Mr Robot” le dio un giro de 360 a la serie con "407 Proxy Authentication Required", un episodio angustioso y claustrofóbico. Vera (Elliot Villar) secuestra a Elliot y lo presiona para que confiese por qué creó a Mr Robot. En cierto modo, las acciones de Vera sirvieron para responder el origen de Mr Robot, el cual es sumamente devastador, ya que no solo es un producto de la cabeza de Elliot, sino que es la imagen de una figura familiar y protectora, la antítesis de lo que fue su padre en vida. El momento más abominable de la serie es cuando Elliot finalmente recuerda por qué se tiró de la ventana cuando era niño… lo hacía para huir del abuso de su padre. Se trata de un giro tan poderoso que cambia toda la historia de Mr Robot.

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La influencia de Stanley Kubrick y David Fincher se pueden notar en “Mr Robot”, pero también cabe resaltar el esfuerzo de ofrecer una experiencia cinematográfica en cada episodio. La cuarta y última temporada de la serie llegó en el 2019 en pleno auge de la carrera de Rami Malek, quien, luego de ganar el Oscar por darle vida a Freddie Mercury en “Bohemian Rhapsody”, se volvía a poner la capucha negra para despedirse del introvertido y torturado Elliot Alderson. 

Los que hemos disfrutado de “Mr Robot” desde su primera temporada ya nos hemos acostumbrado a sus altas y bajas, a sus giros sorpresivos, a sus episodios especiales, a su pesimismo y a su constante crítica del capitalismo. No cabe duda que al creador, director y escritor Sam Esmail le gusta jugar con nuestras expectativas hasta el punto que si ahora mismo volvemos a ver la serie, sabiendo lo que sabemos, todo cambia y se convierte una historia mucho más oscura y difícil de procesar. Si bien la última temporada ha tenido episodios experimentales, el capítulo más fuerte no solo contó con una cinematografía sombría y una narrativa única divida en 5 actos como si fuera una obra teatral, sino que contiene una revelación tan sofocante que perturba cada fibra de nuestro ser. Los cinco actos del capítulo “407 Proxy Authentication Required” representan las etapas del modelo Kubler Ross, las cinco etapas del duelo: Acto 1: Negación, Acto 2: Ira, Acto 3: Negociación, Acto 4: Depresión y Acto 5: Aceptación. 

El episodio junto a nuestro protagonista pasa por cada etapa y el momento cumbre es cuando Elliot admite que fue abusado por su padre y producto de ese trauma es que su mente creó a Mr. Robot (Christian Slater), una figura que le debía dar la protección que paternal que no tuvo. La cámara no se aleja de Rami Malek, por lo que presenciamos el dolor, la angustia y el asco de la revelación. Quizás acostumbrada a los flashbacks frente a este tipo de revelaciones, tras esta escena se me vino a la mente ese dialogo entre Elliot y su papá; “No le digas a mamá de nuestro pequeño secreto” por allá en la primera o segunda temporada. En ese momento, pensábamos que se refería a la enfermedad que le ocultaba a su familia, pero ahora esa línea toma un cariz siniestro. 

La temporada empezó con el asesinato de Angela Moss (Portia Doubleday) y con cada nuevo episodio las revoluciones jamás bajaron. “407 Proxy Authentication Required” es el capítulo más intenso de “Mr Robot”, "405 Method Not Allowed" es el episodio “Hush” (Buffy) de esta generación; sin dialogo pero con mucha acción y tensión, "410 Gone" es una bizarra historia de amor entre dos mujeres que comenzaron como enemigas y “whoami” es una ucronía que termina siendo un viaje al interior del verdadero Elliot. 

Mientras en otras temporadas, parecía que el trama se olvidaba de vez en cuando, Sam Esmail escribió cada capítulo de la última temporada como si fuera el último y en cada uno parecía encontrar una forma para continuar hasta llegar a ese final que lo satisficiera y le hiciera justicia a su historia; le otorgó la victoria de la revolución de Fsociety a Darlene (Carly Chaikin) porque ella en realidad fue la más comprometida con la causa, y vamos, la mujer hackeo a 99 personas incluyendo a White Rose al mismo tiempo, brindó una explicación lógica a la existencia de Mr Robot, no le dio un final feliz a Dom (Grace Gummer) pero sí logró que finalmente durmiera en paz después de vivir una pesadilla, el final de White Rose (BD Wong) no fue tan épico, pero valió la pena conocer a personaje tan fascinante, Phillip Price (Michael Cristofer) y Tyrell Welling (Martin Wallström) terminaron sacrificándose por Elliot y finalmente, “Mr Robot” nos sorprendió al dar un nuevo giro, pues, resulta que el Elliot que hemos estado siguiendo durante todo este tiempo no es el verdadero Elliot sino una de sus múltiples personalidades. 

Una vez Sam Esmail reveló que “Mr Robot” iba a ser al principio una película, pero que después se convirtió en una serie. Esta decisión le permitió desarrollar la trama en un tiempo adecuado y experimentar con nuevas fórmulas narrativas que, aunque no siempre funcionaron, hicieron que “Mr Robot” sea una de las series más innovadoras de la última década. Además de ser el creador y escritor de la serie, Esmail ha sido el director de todos los episodios desde la segunda temporada hasta el último episodio e incluso ha hecho un cameo en la temporada final. Pocas series son dirigidas por un solo director, en ese sentido, lo de Esmail no solo denota un compromiso total con su producción, sino también la necesidad de una mantener una sola visión. Lo que comenzó con un “hello, friend” terminó con un “Hello, Elliot”, nuestro hacker logró obtener su revolución y Sam Esmail logró ejecutar una serie revolucionaria.

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#Quedateencasa: Series sobre epidemias y virus

Lo que estamos viviendo en la actualidad con la pandemia desatada por el nuevo coronavirus no tiene precedentes. Hoy, 13 de abril, el mundo ha registrado al rededor de 1.9 millones de casos en el mundo y aún falta demasiado para entrar a la era post-covid-19. Cuando recién se decretó el estado de emergencia en diferentes países, la película “Contagio” de Steven Soderbergh se puso de “moda”. Particularmente, no le encuentro el gusto a ver series sobre epidemias en este momento, pero quizás sea una forma de prepararnos para lo que podría venirse o tal vez, sirva para hallar algún tipo de consuelo, teniendo en cuenta que en la mayoría de estas producciones se encuentra la cura o se logra evitar que el virus se esparza. Aquí una lista de series sobre epidemias y capítulos sobre virus contenidos: 

THE FOLLOWING POST TAKE PLACE BETWEEN 18:05 P.M. AND 18:05 P.M. ON DAY 29 OF QUARANTINE: 

La Peste 

La serie española “La Peste” es una producción original de Movistar+, ambientada en Sevilla del siglo XVI, en el periodo cuando la epidemia de la peste negra afectó a la cuidad. Según datos históricos, diversas epidemias de pese azotaron a Sevilla, siendo la más importante de las la que tuvo lugar en el año 1649 en la que se calcula fallecieron alrededor de 60 000 personas. 

ER: Lockdown / Chaos Theory 

En el final de temporada de la temporada 8, “Lockdown”, Carter (Noah Wyle) y Abby (Maura Tierney) tienen que tratar a dos niños que han regresado a Estados Unidos tras un viaje a África con un extraño virus. Por los síntomas y por el riesgo de contagio, el hospital entra en cuarentena, teniendo que evacuar a todos sus pacientes. El primer capitulo de la novena temporada, “Chaos Theory”, es uno de los más recordados porque es el mismo donde el Dr. Romano (Paul McCrane)  pierde un brazo por acercarse mucho a un helicóptero. Al final del episodio, los niños se recuperan y Abby le cobra al hospital por el tiempo extra que se quedó trabajando. 

Containment 

Esta serie creada por Julie Plec giró alrededor del nacimiento de una epidemia en Atlanta. Como todas las series de la CW, el elenco era muy sexy y la historia flaqueaba, pero intentaba dar a conocer diferentes perspectivas de los héroes anónimos en momentos difíciles como son los policías, paramédicos y doctores. Y ninguno usaba la mascarilla porque eso significaba tapar esos rostros bonitos.

Body of Proof: Going Viral 

“Body of Proof” fue una serie procedimental que al mismo estilo de “Bones” y “Crossing Jordan”, tenía una forense rebelde y sabelotoda que ayudaba a resolver diferentes casos policiales. Casi a final de su segunda temporada emitió “Going Viral” parte 1 y parte 2, dos episodios que giraron alrededor de la propagación de un virus letal. La doctora Megan Hunt ninguna relación con Owen Hunt (Dana Delany) y su equipo tienen que encontrar al tipo esparció el virus mientras que Luke Perry y su equipo trabajan en encontrar una cura. 

The Rain 

Esta serie danesa se desarrolla seis años después de que un terrible virus distribuido a través de la lluvia aniquilase a casi todos los humanos. Simone y Rasmus sobrevivieron en su bunker, pero pronto se unirán a otros supervivientes para buscar más señales de vidas.

El Ministerio del Tiempo: Un virus de otro tiempo 

Tras una misión en 1918, Irene (Cayetana Guillén Cuervo) se termina contagiando de la gripe española. Pese a que el protocolo dice que Irene se tiene que quedar en esa época, la subsecretaria Susana Torres (Mar Saura) decide que regrese al Ministerio y con ello pone en peligro a todo el personal del Ministerio. Como se sabe, la pandemia de la gripe española causó aproximadamente entre 50 y 100 millones de muertes. En la serie vemos la desesperación por salvar a la gente del ministerio y la preocupación ante la posibilidad de que esta enfermedad pudiera propagarse en la actualidad.

Years and years: Episodio 5 y 6 

 La serie británica “Years and Years” fue una de las mejores producciones del 2019. Como su mismo nombre lo dice, esta producción cuenta los años tras años de la familia Lyons a la par que nos detalla la llegada al poder de una política populista y corrupta. De una manera perturbadora, las historias de la serie parecen adelantar un futuro no muy lejos de la ficción y demasiado oscuro para el mundo.  En sus últimos capítulos, se revela que el gobierno de Vivan Rook (Emma Thompson) está al tanto que un virus se ha esparcido en los campos de concentración que contienen a los refugiados y no planea hacer nada para salvarlos. Una idea no tan descabellada si tenemos en cuenta que algunos gobernantes de los países más desarrollados no tomaron ninguna medida en contra de la propagación del coronavirus hasta que la situación se puso fea.

The Last Man on Earth 

La serie se desarrolla justo en el año 2020, luego que un virus mortal aniquiló casi toda la humanidad, solo sobrevivió Phil Miller (Will Forte). Tras hacer todo lo que una persona puede hacer cuando esta solo, decide suicidarse, pero justo antes de hacerlo se encuentra con Carol (Kristen Shaal). Se trata de una comedia de las más originales, graciosas y subvaloradas de la última década.

The Last Ship

Justo cuando se estrenó “The Last Ship” en el 2014 se registró el mayor brote epidémico de la enfermedad por el virus del Ébola de los últimos tiempos. Entonces, la serie, en la cual se había desatado un virus que estaba azotando al mundo afectando a más del 80% de la población, sin llegar a sentirse realista, se sentía verídica por lo que se estaba viviendo. Sin embargo, en la ficción, toda la esperanza de la humanidad se encontraba en el buque USS Nathan James cuya tribulación liderada por Tom Chandler (Eric Dane) tenían la misión de encontrar la cura para este virus.

Que en paz descanse, #SorryforYourLoss (T2)

Seamos honestos, si “Sorry for Your Loss” hubiese sido emitido en alguna plataforma streaming de peso, como Netflix o Hulu, incluso en alguna cadena americana como HBO, ABC o NBC, se le hubiese dado más reconocimiento. La historia de una joven viuda lidiando con la pérdida de su esposo en conjunto con la devastadora actuación de Elizabeth Olsen era, en teoría, una fórmula mágica que habría conquistado, aunque sea, una nominación en la temporada de premios. Pero no, “Sorry for Your Loss” fue creada exclusivamente para Facebook Watch y como tal, pasó casi inadvertida hasta su inesperado final en la segunda temporada. 

Desde la primera temporada, la serie determinó que el luto es un ciclo infinito lleno de sentimientos intensos y contradictorios. La segunda temporada, sin embargo, se enredó en el dilema emocional de Leigh (Elizabeth Olsen) y Danny (Jovan Adepo), y su supervivencia como pareja bajo la sombra/fantasma de Matt (Mamoudou Athie), el esposo fallecido de Leigh. En la vida real existen casos de viudas y viudos que se enamoran de algún familiar de su pareja ya fallecida, por lo que, no es descabellado que “Sorry for your Loss” se vaya por esa dirección, sobre todo teniendo en cuenta que la temporada uno terminó con Danny dejándole un mensaje al celular de Matt, que lo tenía Leigh, revelándole que se estaba enamorado de ella, no obstante, el problema está en la forma en la que fue escrita esta historia no tanto por el contenido sino porque en un solo capitulo se desarma todo.

Si bien es cierto, se da a entender que Leigh inicialmente se juntó con Danny porque era lo más cerca que podía estar de su esposo ya que el recuerdo de él comenzaba a desvanecerse, la serie ya nos ha mostrado que los sentimientos son complicados y que, además, uno puede sentir más de una sola cosa a la vez. En el caso de Danny y Leigh lo que siempre los va a unir es Matt y el dolor de su perdida, pero se trata de dolores diferentes porque Leigh idealizaba a Matt y para Danny, Matt estaba lejos de la perfección. Estas dos visiones de Matt era la piedra en el camino de Leigh y Danny como pareja incluso aceptando que su relación es extraña por el simple hecho que se trata de una viuda con su cuñado. Pero el capítulo que descompone la historia de Danny y Leigh se llama "Drumroll, Please", ya que en un afán de justificación para que los espectadores acepten la relación de Leigh y Matt, los guionistas le crearon a una especie de affair con una profesora a Matt. La intención es clara: mostrar a Matt sintiendo deseo por otra mujer que no sea Leigh, lo que es comprensible y bastante humano, pero el episodio deja una sensación incomoda ya que se siente forzado, se siente como si quisieran hacer quedar mal a Matt con giro fácil que “da pase libre” a la relación actual de Leigh y Danny, pese a ser otro tiempo y otro momento en sus vidas. Se siente como si quisieran hacer de Matt el malo de la película para que Danny tenga puntos a su favor. 

 La segunda temporada, que inesperadamente se transformó en la temporada final, no pudo replicar ese retrato realista del luto que vimos que hizo tan especial la primera temporada. Se exploró un poco más el proceso de duelo ahora desde la perspectiva de Danny y sus resentimientos con su hermano, pero se mezcló demasiado con la historia de Leigh y la posibilidad de una relación que estaba condenada desde el principio. La historia principal de la segunda temporada fue la de Danny y Leigh y la historia B fue la de Jules (Kelly Marie Tran), la hermana de Leigh, una trama que podría haber adelantado sin perderme de nada, si hubiera sido posible, más que todo porque Jules es un personaje quejoso que se autosaboteaba o se creaba su propio drama de la nada. Vale la pena aclarar que Kelly Marie Tran hizo lo que pudo con Jules, pero el personaje era caótico. Quizás la mejor historia de la temporada fue la que le tocó a Amy (Janet McTeer), quien antes de la mitad de la temporada se quitó en un viaje espiritual. 

Para su mala suerte, “Sorry For Your Loss” deja un cliffhanger sin resolución extremadamente doloroso, pues, justo cuando Leigh se iba a ir de viaje con Jules, se baja del auto y corre llorando hacia su madre diciéndole “Matt no me deja ir” como si Matt fuera un alma en pena que no la deja seguir adelante con su vida. Esta escena final en el capitulo titulado "I'm Still Here", una referencia a que Matt sigue allí, gráfica la disyuntiva de la serie; siendo “Sorry for Your Loss” es una de las pocas series que retrata un luto perpetuo en una vida que continua pese al dolor. No obstante, en esta oportunidad, los episodios se sintieron largos y densos, pese a que duran menos de 25 minutos. 

La cancelación de “Sorry for Your Loss” no es la primera pérdida de “Facebook Watch”, ni si quiera será la última, ya que ha venido cancelando la mayoría de sus producciones originales, pero sí es una de las más sentidas. De todas las series que cuenta con la marca de “Facebook Original”, “Sorry for Your Loss” fue la que más aprovechó su alcance. No habrá tenido un gran rebote en los medios, ni un “rating” espectacular, pero sí lograba conmover, solo hacía falta ver los comentarios de las personas que hablaban de su propia experiencia con el luto. Este tipo de feedback es quizás la única característica de Facebook Watch que la distingue con las demás plataformas, ya que a diferencia de las otras redes sociales donde puedes comentar y compartir ideas, la página de “Sorry for Your Loss”, donde se pueden ver los episodios, se convirtió prácticamente en un foro de los seguidores o algo así como un espacio seguro donde puedan compartir sus pensamientos y sentimientos. En términos creativos, si Facebook Watch quiere convertirse en una competencia serie de Netflix le convendría explotar ese feedback de los comentaqrios, hasta podría hacer ser capaz de crear producciones que dependan de la interacción, pero ya me estoy yendo del tema. El punto es que “Sorry for Your Loss” ahora ya descansa en paz.

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