#JessicaJones T2: AKA un estudio psicológico de la heroína más dañada de Marvel

Una de las características que distingue a "Jessica Jones" es su estilo noir. Se trata ante todo de thriller psicológico de la antiheroína más dañada de Marvel. La segunda temporada sigue el camino de explorar la psiquis de Jessica Jones (Krysten Ritter), revelándonos detalles de su pasado que moldearon esa personalidad lejana y fuerte, pero también nos da una vista del plano psicológico de los personajes más importantes sacrificando el suspenso y la tensión que la primera temporada tuvo al tener a Kilgrave (David Tennant) como el enemigo principal. 

Desafiando el trofeo del “big bad” 

 Debido a la fortaleza física de "Jessica Jones", Kilgrave no resulta un villano que signifique una amenaza en el plano físico, pero el modo en el que utilizó su poder de controlar a las personas en Jessica es la razón por la que se siente tan aterrador. Al final de la primera temporada, Jessica Jones mata -al estilo “Man of Steel”- a Kilgrave y en la segunda estamos viendo que la muerte de Kilgrave no significó un final para Jessica Jones. Para nada. Matar a una persona vuelve a dañar psicológicamente a nuestra protagonista quien ahora tiene que agregarle a la lista de sus problemas el preguntarse constantemente si es una mala persona o si podría convertirse en un monstruo porque tomó la vida de una persona aunque se trate de un ser horrible.  Teniendo en cuenta que el arco de Jones debía gira alrededor de esta diatriba interna, la serie decidió no tener a un “big bad”. 

"AKA Pork Chop" o el regreso de Kilgrave es el mejor episodio de la temporada porque parece Kilgreve.

A la mitad de temporada se nos revela que la que se supone iba a ser la villana de turno no se trata de una villana en lo absoluto, en realidad se trata de Alisa Jones (Janet McTeer), la madre de Jessica que sobrevivió el accidente de auto de la familia Jones y resulta que también experimentaron con ella hasta convertirla en un ser con habilidades especiales y desde entonces ha vivido oculta porque padece de ataques de ira que hace que asesine personas. Este vuelco en el trofeo de los “big bad” tiene sentido y se ataca de nuevo el lado más vulnerable de nuestra protagonista, porque la verdad es que el kryptonita de Jessica Jones son sus traumas y sus sentimientos. El problema de tener una heroína tan fuerte como Superman es que es difícil encontrar un enemigo de talla, pero a diferencia de Superman, el compás moral de Jessica Jones se desarrolla en una zona gris, y ella misma no se considera buena ni tampoco se define como una heroína. Entonces, del mismo modo en el que Kilgrave es la personificación de los traumas de Jessica Jones, Alisa es la representación del temor más profundo de Jessica Jones; convertirse en un monstruo, en una asesina en serie que no puede controlarse. 

Mommy Issues

Para solidificar su estatus de heroína (aunque le moleste esta definición), Jessica Jones no solo ha decidido no matar en ninguna circunstancia sino que también busca un modo de salvar a su madre sin poner en riesgo a los policías. Asimismo, mientras va reparando la relación con su madre se va curando en el plano emocional; se va conciliando con el pasado; aunque siga cargando con todo el bagaje de las mierdas que le ha pasado en la vida y se va a abriendo a nuevas personas como Oscar (J.R. Ramirez).

Rompiendo vínculos 

"Jessica Jones" es un estudio psicológico de sus protagonistas.  En ese sentido, en la segunda temporada podemos ver que aunque las historias de Malcolm Ducasse (Eka Darville), Trish Walker (Rachael Taylor) y Jeri Hogarth (Carrie-Anne Moss) giren alrededor de Jessica, cada uno tiene motivos alternos que construyen arcos propios independientes de Jessica. En el caso de Malcolm, se trata de un adicto que ha intercambiado una droga por otra (sexo y la adrenalina de la investigación), en el caso de Jeri, se trata de enfrentar su mortalidad y confirmar su naturaleza dominadora, y en el caso de Trish se trata del "complejo del salvador blanco" y como es que el infierno está lleno de buenas intenciones. 

El hecho que toda la primera temporada de "Jessica Jones" y de “The Defenders” dejó claro que Trish es la persona más importante en la vida de Jessica y viceversa y eso debió advertirnos que esta amistad sufriría. Es interesante que se haya destapado las complejas capas de este vínculo porque todos sabemos que el amor no es completamente puro está compuesto por diferentes tipos de sentimientos como la admiración y la decepción y cuando me refiero al "amor" estoy hablando de un amor de familia porque "Jessica Jones" ha decidido ponerle freno a cualquier mal interpretación de escenas de tono totalmente heterosexual -como cuando Griffin (Hal Ozsan) le propone matrimonio a Trish con Jessica como una testigo involuntaria- y le ha puesto la etiqueta de “hermanas” a Jessica y Trish. Es verdad, Jessica y Trish son el corazón de la serie y por lo tanto, enfrentarlas va ocasionar un conflicto interesante y es más que fascinante ver cómo esa amistad se va quebrando exactamente por lo mucho que las dos quieren protegerse sin tomar en cuenta las necesidades de las otras. Además, en la segunda temporada marcó el tema de las relaciones familiares tóxicas; lo vimos con Trish y su mamá, Jessica y su mamá pero también con Trish y Jessica que en algún momento esa "hermandad" mutó en una envidia insana que nació de inalcanzables expectativas e de una exagerada idealización. 

Hay una explicación completamente heterosexual para esta escena... aquí está.

 Destrozar vínculos es un clásico cliché en todo tipo de series porque cambia la dinámica, sin embargo, el modo en que las historias de Malcolm y Trish fueron retratadas se sintieron fuera de lugar –como involucrar a Malcolm y Trish, la enfermedad de Jeri, la obsesión Pryce Chen (Terry Chen) - aunque hay coherencia en la línea de acción de cada uno de ellos sobre todo de Trish - la mejor amiga / hermana de Jessica también es adicta y obviamente eso iba a radicalizar su afán de proteger a Jessica para quedar como una heroína, Jessica siempre se va aislar de los demás, la madre de Trish siempre intentará sacar provecho de la situación, etc-. De todas formas, creo que íbamos a llegar al mismo punto, algo iba a romper los lazos de Jessica Jones solo que no esperaba que fuera el hecho que Trish matara a Alisa. La tercera temporada de "Jessica Jones" reconciliará por completo a Jessica y a Trish o las dividirá consolidando a Trish como la antagonista de Jessica. Y si Felicity pudo perdonar a Oliver que mató a su novio… Jessica puede perdonar a Trish por matar a su mamá. 

 El problema de los 13 episodios de Marvel y Netflix 

 Al igual que "Luke Carge", "Iron Fist" y "The Punisher", "Jessica Jones" sufre del problema de los 13 episodios por temporada. Cada una de estas series mencionadas podría haber concluido su historia en 10 capitulo o en 8, pero por alguna razón, quizás sea el formato de Netflix, la temporada tiene que durar 13 episodios y por eso, se estira innecesariamente el trama o se tiene un capítulo a modo flashback o de relleno. Se puede entender tener episodios rellenos cuando tienes una temporada de 18 episodios o más, pero con 13 lo mejor es llegar al punto, los 13 episodios es la razón por la que "Jessica Jones" y "The Punisher" se sintieron particularmente lentas. Creo que Netflix debería reconsiderar reducir sus temporadas, por lo menos en las series de Marvel, porque les conviene tener una serie de 8 o 10 capítulos por temporada y así, puede hacer uso de los personajes en forma de crossovers. "The Defenders" fue un caso particular que tuvo una introducción de dos episodios que bien pudo presionar el flashforward para llegar a la acción. 

Poder Femenino

Vale la pena resaltar que los episodios de la segunda temporada de "Jessica Jones" han sido dirigidas por puras. Pese a los altibajos y los problemas estructurales de la temporada, todos los episodios respetan el estilo impuesto en la primera temporada aunque se reduce un poco el uso del color púrpura. Aquí algunos de los trabajos más destacados de las directoras de los episodios de “Jessica Jones”:

- Anna Foerster (AKA Start at the Beginning) ha dirigido episodios de “Outlander”, “Madam Secretary” y “Criminal Minds”. 

-Minkie Spiro (AKA Freak Accident) ha dirigido dos episodios de “Better Call Saul”, uno de “One Mississippi” y 5 episodios de “Downton Abbey”.

-Mairzee Almas (AKA Sole Survivor) ha dirigido dos episodios de “Arrow”, tres de episodios de la tercera temporada de “Legends of Tomorrow”, ya saben la temporada más cool.

-Deborah Chow (AKA God Help the Hobo) ha dirigido dos episodios de “Fear the Walking Dead” y también ha dirigido un episodio de “Iron Fist” y “Mr. Robot”. Millicent Shelton (AKA The Octopus) ha dirigido 5 episodios de "Black-ish" y un episodio de “Runaways” y de “Supergirl”.

-Jet Wilkinson (AKA Facetime) ha dirigido 5 episodios de “How to get away with murder” y un episodio de “The Punisher” y de “Iron Fist”.

-Jennifer Getzinger (AKA I want you cray cray) ha dirigido un episodio de “Counterpart” y dos episodios de “Outlander” y de “How to get away with murder”.

-Zetna Fuentes (AKA Ain't we got fun) ha dirigido un episodio de “This is us”, dos de “Shameless” y de "Scandal", tres episodios de “Grey's Anatomy” y 5 de “Jane the Virgin”.

-Rosemary Rodriguez (AKA Shark in the bathub, moster in the bed) dirigió un episodios de “The Tick”, dos de “The Walking Dead” y 18 de “The Good Wife”.

-Neasa Herdiman (AKA Pork Chop) ha dirigido dos episodios de “Happy Valley” y uno de “Inhumans”… vamos, que no es su culpa si el guión es malo.

 -Jennifer Lynch (AKA Three lives and counting) ha dirigido dos episodios de “American Horror Story” y 5 episodios de “Quantico”.

- Liz Friedlander (AKA Pray for my Pasty) dirigió un episodio de “The Gifted” y 4 episodios de "One Tree Hill”.

- Uta Briesewitz (AKA Playland – AKA I've got the blues) ha dirigido dos episodios de “This is Us” , uno de “The Defenders” y de “Iron Fist” y 4 de “Orange is the New Black”.

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#BlackPanther rompe la fórmula de Marvel con un tinte político

En los 10 años de existencia del Universo Cinematográfico de Marvel hemos tenido diferentes estilos; "Guardianes de la Galaxia" de James Gunn, "Ant Man" de Peyton Reed y recientemente "Thor Ragnarok" de Taika Waititi se tiran más a un tono cómico, "Captain America The Winter Soldier" de Joe Russo y Anthony Russo es prácticamente un thirller político, pero en general narrativamente hablando, la mayoría de las películas de Marvel siguen una misma estructura, un molde planteado en la primera película de Iron Man. Las dos primeras películas Thor, las dos siguientes películas de Iron Man, "Spiderman Homecoming", "Dr. Strange" y "Ant Man" siguen la fórmula del "despertar del héroe" donde lo que varía son los personajes principales. En "Black Panther", dirigido por Ryan Coogler, no vemos cómo es que T'Challa (Chadwick Boseman) se convierte en héroe, T'Challa siempre ha sido un héroe y siempre ha estado consciente de la responsabilidad que heredaría tras la muerte de su padre y para cuando nos reencontramos con T’Challa ya sabemos que está a punto de ser coronado como el rey de Wakanda tras la muerte del Rey T'Chaka en Civil War. 

 Para nadie es secreto que Marvel tiene un problema con el desarrollo de los antagonistas, pero aquí es donde entra la figura de Erik "Killmonger" Stevens, interpretado por el magnifico Michael B. Jordan, y transforma lo que sería un arco típico de un enemigo genérico en un villano que es una amenaza no solamente física sino ideológica. De ese modo, "Black Panther" entra al territorio político dándole un propio arco a Wakanda y una vital importancia al "McGufin" de la película, el vibranium . El mundo cree que Wakanda es un país pobre, pero la verdad es que Wakanda es uno de los países más desarrollados gracias al vibranium. 

Cuando Killmonger se apodera al trono, su primer plan es aprovecharse de la fortaleza del armamento desarrollado de las propiedades del vibranium y colonizar al mundo. La ideología extremista de Kilmorge está influenciada por una cuota revanchista porque él, cuyo nombra verdadero es N'Jadaka, quedó abandonado en Estados Unidos luego que su padre, N'Jobu, hermano del rey T'Chaka, fuera asesinado por haber traicionado Wakanda. Estas revelaciones hacen que T’Challa cuestione el proteccionismo a Wakanda porque una de las consecuencias de mantener a salvó su país significó el sacrificio de un padre y el resentimiento de un niño que creció para vengarse. Aunque Killmonger se impone físicamente en la primera pelea, el enfrentamiento final es mucho más estratégico, sin embargo, lo que más impacta de este conflicto es que todas las interacciones con T'Challa hacen que al final él mismo futuro rey revalúe la política de aislamiento de Wakanda. Una vez que T’Chala recupera el trono decide acabar con el secretismo de Wakanda y aprovechar los recursos que tiene para ayudar al resto del mundo.

En la primera escena post crédito T’Challa dirige un discurso frente a la Naciones Unidas en donde habla sobre construir puentes en lugar de levantar muros, palabras que puede interpretarse como un discurso orientado a la política estadounidense actual, un poderoso mensaje que resuena en este contexto mundial donde se critica el aislamiento y el nacionalismo tóxico.

Por supuesto, hay otros factores que hacen de "Black Panther" una de las mejores películas de Marvel, solo por mencionar algunas hay que resaltar ese look afro-futurista de Wakanda, el modo en que se nutre de la cultura africana, el uso correcto de la comedia a través de Shuri, el retratar personajes femeninos como guerreras en una cultura donde jamás se le cuestiona su género, pero lo más destacable es la nueva perspectiva. Esta nueva perspectiva hizo que “Wonder Woman” no fuera una historia de redención del héroe sino de confirmación de lo que significa ser un héroe y esa nueva perspectiva es la que hace que “Black Panther” no sea la clásica historia del despertar del héroe sino una historia de revelación de lo que significa ser un líder heroico y no un líder perfecto.

Otra cosa en común que tiene "Wonder Woman" con "Black Panther", más allá de romper récords de taquilla, es la importancia sociocultural que han logrado gracias a la representación positiva de las mujeres y de las minorías, respectivamente. 

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#TheGoodPlace: El arte de los "plot twist"

“The Good Place” es una de las mejores comedias en la actualidad, pero ante todo es una de las series más inteligentes de la década. “Wisecrack”, la cuenta de youtube que para analizando la filosofía en películas y en series, tendrá mucho trabajo el día en el que decida hacer su video “La filosofía de The Good Place” porque en el show literalmente se expone varias ideas filosóficas de lo que significa ser bueno y ser malo, de las contradicciones humanas y de la propia ética que componen la decencia y por ende un comportamiento adecuado que en la serie determina dónde podrías pasar el resto de la eternidad. 

Gran parte del humor se desliza de la filosofía, ya sea por la forma en que es expuesta por parte del profesor Chidi (William Jackson Harper) o por la forma en que es recibida o por la forma que es retratada. Tenemos un capítulo donde se pone en práctica el teórico dilema del tren “¿matarías a una persona para salvar a cinco?” y la escena más graciosa de la serie es un chiste inetelectualmente simple.

Desde “Lost” no hemos tenido una serie tan metafísica y filosófica pero a diferencia de “Lost”, “The Good Place” no es molesta en crear misterios tras misterios ni tampoco en utilizar metáforas porque no es necesario, solo les basta jugar con el concepto del cielo y el infierno de un modo más simplista. El creador de “The Good Place”, Mike Schur, ha revelado que su serie está inspirada por “Lost”. Y eso lo podemos ver no solo en lo básico, estamos siguiendo a un grupo de extraños que tienen que convivir juntos porque están atrapados en un mismo lugar, sino también en lo estructural; los flashbacks y close up, y hasta en lo espiritual; mientras que Jack y John Locke discutían sobre el libre albedrío, Elenor y Michael discuten si se puede cambiar para bien. 

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 Sin embargo, lo que coloca a “The Good Place” un paso adelante de otras comedias es la forma en el que altera su propia premisa a través de sus giros, lo que en el mundo de las series se denomina “plot twist”. En un artículo en donde se enumera los giros que han cambiado el curso de "The Good Place", "Vulture" considera que lo que sucede en "The Good Place" es como un truco de magia; no entendemos cómo lo lograron y pensamos que no pueden repetir ese truco, pero lo hacen una y otra vez. En sí mismo, el "plot twist" es como un truco de magia y la clave está en su efectividad, la magia en que funcione de manera orgánica y el truco es que logra impresionar. No existe una fórmula exacta para lograr ejecutar un buen "plot twist" así como no existe tal cosa como un "giro que no vimos venir". Los productores siempre colocan pequeñas pistas para advertirnos de lo que sucederá. Por ejemplo, "This is Us" nos sorprendió a todos cuando revelaron que estaban narrando historias paralelas entre el presente y el pasado de una misma familia. "No vimos venir este giro" porque el marketing promocionaba la serie como un drama que giraba en personas que compartían la misma fecha de cumpleaños. Nada sobre un drama familiar. Al volver a ver la serie, entonces, podemos notar los detalles que ya nos adelantaban que todos los personajes estaban relacionados. Después de los primeros episodios, "This is us" comenzó a desarrollar lo que podría denominarse el "giro emocional" en donde lo que sucede no es lo chocante sino la reacción ante lo sucedido. Desde la primera temporada sabíamos que Jack iba a morir pero no sabíamos cómo. El episodio "Super Bowl Sunday" finalmente respondió todas las preguntas que teníamos y el giro no fue el ataque cardíaco sino la devastadora reacción de Rebecca y su familia al enterarse de la muerte del patriarca de los Pearson.

 Por su lado, "Westworld" también apostó por las líneas de tiempo paralelas, pero no por la estrategia distractora. Las pistas están presentes desde el comienzo; no los podemos notar porque los robots no envejecen, pero la infraestructura sí. La infraestructura del presente se ve mucho más sofisticada que el tiempo pasado donde se cuenta la historia de Will. Las advertencias o lo que sucederá es conocido como “foreshadow” y a veces son parte esencial del truco del “plot twist”. El mago no revela cómo hace el truco de magia, nos distrae con el acto mientras realiza el truco, pero si podemos notas los detalles, la moneda en la mano antes de sacarla del oído, todo está arruinado, pero si notamos la moneda y lo que sale del oído es una paloma, entonces, es alucinante. Ese también es razonamiento al momento de realizar un “plot twist”. Hay una línea muy delgada entre la astucia detrás del “foreshadow” y la arrogancia de los productores en su intención buscar el shock. El año pasado, el villano principal de la tercera temporada de "The Flash", Savitar, se presentaba como "I'm the future flash" y varios - demasiados - capítulos después se confirmó la teoría más popular: Savitar era Barry del Futuro y para entonces, cuando vuelves a ver la temporada ese "I'm the future flash" se siente como una frase burlona.

La serie nos había dicho desde el principio quién era Savitar y nosotros ni cuenta. 

 El creador de “Lost”, JJ Abrams siempre habla de una caja de misterios para escribir cualquier, preguntas que la historia debe desarrollar pero no necesariamente contestar. Los giros en “Lost” generaban más preguntas, más misterios, pero en el caso de “The Good Place” no existe esa caja de misterios. La serie ha sido transparente desde el primer segundo; hay algo que no cuadra en el ambiente, asumimos que se trata de Eleanor (Kristen Bell) pero después se nos revela que no son las personas, es el lugar. Cuando vuelves a ver la primera temporada después de que ya conoces el giro en el último episodio no se siente como si te lo estuvieran restregando en la cara todo el tiempo, se siente como “uh, todo tiene sentido ahora”. Entonces, el truco de magia se convierte en un arte, no solo aprecias la dinámica y la intensión del giro, sino la serie en general.

Lo más importante de los “plot twist” en “The Good Place” es que no buscan impactar por impactar y lo más impresionante es que reinicia el show como quien le da un reset a un juego de Nintendo sin anular la esencia de los personajes principales. En ese aspecto y dejando lo lado lo metafórico y la filosofía, “Lost” y “The Good Place” son especiales porque en el fondo lo rico de la serie es la interacción de sus personajes que en circunstancias normales no existiría. La isla y el “good place/bad place” son escenarios necesarios no voluntarios para la confrontación a estos personajes, es lo que produce el drama en "Lost" y comedia en "The Good Place" y la magia de tras de los giros es que les dan la oportunidad de hacerlo una y otra vez.

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Mejor actriz de reparto: 

¿Quién va a ganar? Allison Janney.

En “I Tonya” hace de la peor y feroz madre que alguien puede tener. La perfecta antagonista de una historia extraña en un filme donde la verdad es lo menos importante. 

¿Quién debería llevárselo? Allison Janney.

 Mejor actor de reparto:

 ¿Quién va a ganar? Willem Dafoe. 

Estamos tan acostumbrados a ver a Dafoe como un villano que cuando interpreta a un personaje noble recordamos que es humano y nos rompe el corazón. Bueno, en realidad, “The Florida Project” por completo rompe el corazón a todos.

¿Quién debería llevarselo? Sam Rockwell por hacer de un policía racista en “Three Billboards outside Ebbing, Missouri” porque lejos de humanizar al villano, lo ridiculiza.

 Mejor actor: 

 ¿Quién va a ganar? Gary Oldman. Darle vida a Winston Churchill es un imán para los premios, sino basta pregunarle a John Lithgow de “The Crow”. En sus últimos años, la Academia  ha tenido una cuota política por lo que Oldman tiene más chance por hacer de un político que pese a sus excentricidades, pone a su país en primer.

¿Quién debería llevarselo?  Timothee Chalamet. 

Si más que una película “Llámame por tu nombre” es una experiencia es por Chalamet cuya interpretación nos pone en su lugar, sentimos sus emociones, sus inseguridades y su desilusión.

 Mejor Actriz: 

¿Quién va a ganar? Frances McDormand. Como una madre que utiliza unos carteles para evidenciar la ineficiencia de la policía que no ha dado con el asesino de su hija, McDormand muestra un dolor que la consume tanto que olvida que hay quienes sufren alrededor de ella. La protagonista de “Three Billboards outside Ebbing, Missouri” me recordó a Nora Durts (Carrie Coon) de “The Leftovers”; el luto es un ciclo, uno que empeora cuando no hay una resolución. 

¿Quién debería llevarselo? Sally Hawkins o Margot Robbie.

 Es una tradición de los Oscars nominar a Meryl Streep. “The Post” fue hecha para regalarle una nueva nominación, pero quien debería llevárselo es Sally Hawkins o Margot Robbie. Hawkins es sumamente tierna en "La forma del agua" y Robbie es capaz de transformar a Tonya Harding, la villana de los 90's, en una víctima de las circunstancias. 

Mejor director: 

¿Quién va a ganar? Guillermo del Toro. A pesar de la controversia por las acusaciones de plagio, Guillermo del Toro es el candidato más fuerte porque "La Forma del Agua" es un proyecto más personal, más artístico, más íntimo y a su vez, es una oda fantástica que combina diversos géneros.

¿Quién debería llevarselo? Guillermo del Toro.

Si bien Christopher Nolan “Dunkirk” y Martin McDonagh con “Three Billboards outside Ebbing, Missouri” son excelentes candidatos para llevarse el Oscar, es el año de Guillermo del Toro. 

 Mejor película: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo? “La forma del agua”. Un cuento de hadas para adultos, una historia de amor fantástica, una joya audiovisual, una oda a la ciencia ficción. “La Forma del Agua” captura la esencia de las películas de monstruos y adiciona el romanticismo. La película es perfecta desde principio a fin. Luego de verla, sientes que has presenciado un clásico. 

 Mejor guion adaptado: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo? “Llámame por tu nombre”. La película adapta de manera fiel la novela en la que se basa, incluso podemos ver varios diálogos trasladados del libro a la pantalla, y sin embargo, la historia se siente fresca no tan centrada en lo que dicen los personajes si no lo que expresan con pequeños detalles, miradas, silencios y gestos. 

 Guion original:

¿Quién va a ganar? “Three Billboards outside Ebbing, Missouri”. Para ser una película de temática fuerte, el uso de la comedia es perverso e insano. Da risa, pero nos reímos de lo atroz. La no resolución aunque insatisfactoria es importante y sobre todo realista. Los anuncios como un reclamo y como un constante recuerdo de un caso que no ha sido resuelto es una brillante idea que será replicada. 

¿Quién debería llevarselo? “Get out”.  La película más interesante del año pasado goza de un guión único y original que se vale de la crítica social para crear suspenso, pero lamentablemente la Academia odia el género del horror/suspenso. 

Mejor fotografía: 

¿Quién va a ganar? "Blade Runner 2049". Visualmente impresionante.

¿Quién debería llevarselo? “La forma del agua” tiene una composición perfecta e impecable.

Mejor película extranjera: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo?  "Una mujer fantástica". Aun si no llega a ganar, “Una mujer fantástica” ya marcó un hito; ha demostrado que se pueden contar otras historias de la comunidad trans además del autodescubrimiento y la transición. La película chilena se centra en un duelo se ve interrumpido y minimizado por la familia y por la sociedad. Amor, prejuicio y duelo…

 Mejor película animada: 

¿Quién debería ganar y va a ganarlo?   "Coco". Cada vez que Pixar nos hace llorar recibe un Oscar. 

 Mejor canción: 

¿Quién va a ganar? “Remember me”... *se pone a llorar*.

¿Quién debería llevarselo? “Mystery of Love”... *se corta las venas*

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#CelebrityDeathmatch : #StarTrekDiscovery vs. #TheOrville

“Business insider” reveló un dato extrañamente fascinante; según un estudio realizado por la firma Fizziology, a los conservadores les gustan por lo generar ver series tradicionales donde se resalta el heroismo mientras que los liberales disfrutan más de series que tengan un elenco diverso y están centrados en la vida moderna, no obstante, las dos series más populares que tienen en común los espectadores conservadores y liberales son “Star Trek Discovery” y “The Orville”. 

 “Star Trek Discovery”: La paradoja de "The Last Jedi"

La nueva serie de la franquicia de “Star Trek” tiene el mismo problema que “Star Wars Episode VII: The Last Jedi”; se aleja del canon establecido e intenta innovar la mitología de la nace. Como la franquicia de “Star Trek” es enorme, diría que “Star Trek Discovery” tiene la particularidad de sentirse como una continuación de las películas de JJ Abrams, pero se distingue por completo de la serie original de “Star Trek” aunque se aproxima a “Star Trek The New Generation”; incluso tiene un capítulo similar a “Cause – Effect”. Algunos fans acérrimos incluso han dicho que “Star Trek Discovery” no se siente como “Star Trek” en lo absoluto, que es la misma crítica que se le hizo a la última película de “Star Wars”, sin embargo, creo que “Star Trek Discovery” no ha intentado como la serie original porque estamos contando una historia nueva en una nave nueva. 

“The Orville”: Fanfiction con una carga social 

Cualquiera podría asumir que solo porque “The Orville” es creado y protagonizado por Seth MacFarlane sería una parodia de "Star Trek", pero no, aunque tiene una cuota de humor marcada, después de todo McFarlane es el creador de "Padre de Familia", va más allá ser un homenaje. "The Orville" recoge la premisa principal de "Star Trek", se desarrolla en una nave que viaja por el universo, pero varios capítulos pueden servir como un comentario y una crítica social. En ese sentido, se trata de una "dramedy" que utiliza la ciencia ficción para hacer reír y reflexionar no solo sobre la actualidad sino sobre el futuro.

Celebrity Deathmatch : #StarTrekDiscovery vs. #TheOrville

-Mejores efectos especiales: Star Trek Discovery 

A veces siento que "The Orville" ahorra el utilizar efectos especiales lo más que puede. Si puede salirse con las suyas minimizando el CGI al reemplazarlo con maquillaje o simplemente adaptar a la historia en un planeta similar a la tierra, lo hará y por eso, la mayoría de las aventuras del equipo del Capitán Mercer (Seth MacFarlane) se desarrolla en un lugar con habitantes que no se distinguen mucho de los humanos. Si lo comparamos con los efectos especiales en "Star Trek Discovery", "The Orville" sale perdiendo. Lo mejor de "Star Trek Discovery" es su estética; la serie es bella e impecable al momento de utilizar los efectos especiales. La vida en el Discovery se ve espectacular y se siente natural como si de verdad la historia se desarrollara en el futuro con tecnología altamente avanzada. 

-Mejor capitán: Ed Mercer (The Orville)

 ¿Qué es lo que hace a Ed Mercer (Seth MacFarlane) mejor capitán que Gabriel Lorca (Jason Isaac)? Bueno, para comenzar no trató de matar a su propia tripulación. Los primeros episodios revelaron que la razón por la cual la Unión Planetaria le ofreció la capitanía de "The Orville" a Mercer fue por un pedido que hizo su ex esposa Kelly Grayson. Sin embargo, Ed Mercer probó que es un excelente líder porque saca lo mejor de su equipo, conoce el potencial y los límites de sus miembros. Tal vez, Ed dudará de sí mismo, pero jamás de su propia tribulación y esa fe incondicional es la razón por la cual es un mejor líder que Gabriel Lorca, eso y el hecho de que no proviene de un universo paralelo.

-Mejor segundo al mando: Kelly Grayson (The Orville)

Sorry, Saru, pero como la segunda al mando, Kelly Grayson (Adrianne Palicki) es la mejor segunda al mando por la dinámica que tiene con el Comandante Ed Mercer. Dos exesposos trabajando juntos codo a codo puede causar fricción, y lo causa, pero también hay una confianza especial que los convierte en cómplices de aventura y compañeros incondicionales. Además, Kelly tiene un excelente sentido del humor algo que la especie de Saru carece por completo. 

-Mejor giro: Viaje a un universo paralelo (Star Trek Discovery) 

 “Star Trek Discovery” tuvo episodios autoconclusivos al igual “The Orville” durante sus primeros episodios, pero a partir de la mitad de la temporada la tribulación del Discovery viajó a un universo paralelo quedándose allí hasta el penúltimo capítulo. Este arco denominado "universo espejo", un clásico de "Star Trek", se había venido construyendo desde el primer capítulo con eventos sorpresivos como la repentina muerte de la Capitana Philippa Georgiou, la manipulación de las esporas de hongos de Stamets y el reclutamiento forzado de Michael Burnham. Sin estos momentos claves, el universo paralelo se habría sentido solo como una excusa para ver versiones diferentes de personajes ya conocidos, no obstante, obtuvimos varias retribuciones (pay off) siendo la principal fue la revelación de que Gabriel Lorca en realidad pertenecía a este universo paralelo y que se trataba del "big bad" de la temporada. 

-Mejor villano en un episodio autoconclusivo: Pria (The Orville) / Harry Mudd (Star Trek Discovery)

No es casualidad que los mejores episodios de "Star Trek Discovery" y de "The Orville" hayan tenido como antagonistas a dos actores de peso como son Rain Willson y Charlize Theron . En el caso de "Star Trek Discovery", Wilson le dio vida a un viejo conocido en el mundo de Star Trek, Harry Mudd, pero esta vez en un episodio con el clásico escenario "atrapado en un bucle temporal". "Magic to Make the Sanest Man Go Mad" es el episodio que te convence de quedarte toda la temporada y eso es gracias a Mudd y su maquiavélico plan de matar una y otra vez a Gabriel Lorca y a todos los miembros del Discovery. Por su lado, Charlize Theron hizo de una traficante que viaja en el tiempo para robar la nave "The Orville" y venderlo en futuro en el capitulo titulado "Pria" . Era obvio que la mujer iba a resultar la mala de la historia, pero igual disfrutamos de su coqueteo con Ed Mercer y si cerramos los ojos podemos imaginar a Brian de "Padre de Familia" coquetear con Theron. 

-Mejor villano de la temporada: Los Klingon (Star Trek Discovery) 

Hubo mucha crítica por la apariencia de los Klingon en "Star Trek Discovery", pero realmente no importa cómo se vean si es que tenemos un historia coherente... bueno, tan coherente como puede ser en una serie donde se viaja por el universo. Pese a que se buscaba una salida diplomática, la batalla final contra T'Kuvma se convierte el principio de la guerra en el primer episodio. Aunque el final estuvo demasiado flojito, los Klingon probaron ser los antagonistas que necesitaba la serie; tenían una ideología interesante, eran desalmados, estratégicos y vengativos. 

-Mejor pareja: Bortus y Klyden (The Orville) 

El hecho que Bortus y Klyden provengan de un planeta compuesto por un solo genero nos da una nueva visión de los problemas que puede enfrentar una pareja del mismo sexo. La mayor crisis del matrimonio se dio cuando tras el nacimiento de su hija, Klyden decide que la operen para cambiarle de sexo, pero Bortus se niega. Al final del episodio "About a girl", el Consejo de Moclan ordena operar al bebé y Bortus y Klyden acatan la orden. El capítulo es agridulce en todo sentido pero sobre todo se trató de una historia poderosa y completamente diferente a la que estamos acostumbrados. Las peleas de Bortus y Klyden se incrementaron tras la operación del bebé pero siguieron juntos tratando de resolver sus problemas. 

-Mejor protagonista: Michael Burnham (Star Trek Discovery) 

Una de las mejores decisiones de "Star Trek Discovery" fue que la protagonista de la historia no sea la capitana pero sí una líder nata. Michael Burnham (Sonequa Martin-Green) pasó de ser la primer oficial de la USS Shenzhou a la paria que inició la guerra, tuvo que reconciliarse consigo misma y comprobar su valor en el USS Discovery. Además, ella es el hilo conductor que une a la serie con la franquicia de "Star Trek", pues, es la media hermana del mítico Spock. 

 ¿Por qué "The Orville" y "Star Trek Discovery" le gusta tanto a conservadores y liberales? 

En las producciones de Shonda Rhimes es claro que la productora transmite la visión dramatizada de lo quisiera ver en el mundo. Tanto “Scandal” y “Grey’s Anatomy” han tenido episodios enfocados en las problemáticas sociales que vive Estados Unidos, pero en el caso de “Star Trek Discovery” y “The Orville” no hay una agenda liberal o conservadora, pero el trama sí incluye política. En el USS Discovery y The Orville se sigue una cadena de comando porque ambas naves son parte de un sistema galáctico donde hay un orden. Las reglas se rompen de vez en cuando pero siempre se apela a lo correcto, a lo patriótico o al trabajo en equipo. En el caso de “The Orville” se tratan de manera más directa problemáticas sociales pero sin una inclinación política; en “About a Girl” escuchamos los argumentos a favor y en contra de la operación de sexo de la bebé de Bortus y Klyden y en “Majority Rule” vemos una sociedad donde el voto mayoritario determina todo, y aunque en primera instancia esto podría parecer una democracia perfecta, la mayoría no siempre toma la decisión correcta. “The Orville” presenta estas situaciones de manera inteligente y deja que la audiencia llegue a sus propias conclusiones sin forzar que una idea es mejor que la otra.

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#AlteredCarbon: El blockbuster de Netflix

"Altered Carbon" tiene muchos puntos positivos a su favor, como un elenco diverso, una violencia desbordante, los desnudos para nada necesarios pero apreciados y la espectacularidad en los efectos especiales, y sin embargo, lo que carece es una historia que vaya a la par con su estética inspirada en "Blade Runner". 

Baso en la novela del mismo nombre de Richard K Morgan, "Altered Carbon" se desarrolla en un futuro distópico y sicodélico donde la consciencia humana puede ser trasladada de un cuerpo a otro mediante una especie de chip. La historia principal está centrado en el asesinato de Laurens Bancroft (James Purefoy), que será resuelto por Takeshi Kovac (Joel Kinnaman), un solado de élite que ha estado congelado 250 años y cuando despierta en el futuro para su mala suerte, está viviendo en una sociedad que él mismo intentaba prever cuando era parte de un grupo de rebeldes en el pasado.

Si dejamos a un lado lo vistoso de la estética y la harta violencia explicita, la historia en realidad es simple y hasta familiar. No recuerdo el nombre exacto, pero el asesinato tiene las características de un caso de Sherlock Holmes; todo apunta que se trata de un suicidio y al final, termina siendo un suicidio manipulado y orquestado por alguien cercano al pasado de Kovac. El principal problema de la serie es que parece que ha agarrado todas las ideas existentes en el mundo de la ciencia ficción y los ha incluido como parte de su mitología tratando de insertarlas en su trama como a dé lugar. De esa manera tenemos clones, inteligencias artificiales, traslado de consciencias, etc, etc... a los cuales hay que sumarle los conflictos morales y éticos que intentan darle una capa más profunda a toda la serie, pero aunque "Altered Carbon" se esfuerza en presentar dilemas y conceptos interesantes, pero solo se quedan en eso, dilemas y conceptos. Discutir temas como qué es lo que nos hace humanos o si podemos considerar a las réplicas artificiales como personas y no como copias nos quitarían demasiado tiempo y sería aburrido en comparación a las asombrosas escenas de acción que las series nos regala. No obstante, "Altered Carbon" hace el intento de explorar ideas como la identidad, las brechas en la sociedad, la propia humanidad y la vida en general. 

La serie se complica demasiado con su propio diccionario.

 Para Kovac y para la madre de Kristin, la muerte le da sentido a la vida. Esta idea es reforzada cuando conocemos a los millonarios porque ellos han perdido su humanidad porque la muerte les es indiferente, ya que en una época donde la tecnología ha avanzado lo suficiente para desafiar la idea de la muerte, para los ricos, la vida se vuelve insignificante y aburrida. Pero el dialogo es muy flojo para ahondar en sus propios planteamientos y hasta en su propia mitología tecnológica. Entiendo que quieran introducirnos a este mundo, pero hay tantos términos y tantas definiciones que parecería que cada episodio fuera una especie de prueba del glosario de las cosas que aprendimos en el capítulo anterior. Y a esto hay que sumarle que la explicación te la dan cuando necesitan que la narrativa avance, muchas veces desafiando su propio canon sin mencionar que los guionistas parecen tener una obsesión con los comentarios "comebacks" que parecen inspirados en películas de acción de los 80's.

  Uno de los puntos débiles de la serie es la relación entre Kovac y Kristin (Martha Higareda) porque es la historia se siente forzada, es como si se hubiera querido juntar a los personajes por el clásico el "will they or won't they" sin tomar la naturaleza de los propios personajes. La razón por la que Kristin se convierte en una compañera involuntaria de Kovac es porque el cuerpo que le tocó a Kovac pertenece a su novio y esa también es la razón de su extraño coqueteo que consiste en “no me caes pero me gustas”. Los actores Joel Kinnaman y Martha Higareda aunque son atractivos tienen una química pobre. Obviamente, esto no quiere decir que ni Kinnaman ni Higareda no hacen un buen trabajo, cada uno está perfecto en su rol. Kinnaman es el prototipo de héroe silencioso que intenta hacer lo correcto y no tiene problemas dejando cuerpos por doquier para sobrevivir e Higareda está genial la detective "badass" de la serie. 

No obstante, por irónico que suene, el alma de la serie, el personaje más carismático y empático, es Poe y sucede que Poe es una inteligencia artificial, lo que deja muy mal parados a los humanos en general. De hecho, Poe es el nuevo Barb, es el favorito de quien ve el programa y lo sacrifican de la peor manera, pero no importa por él salvó a Kovac y… a la serie por completo aunque no obtenga justicia. 

 “Altered Carbon” es la primera serie blockbuster de Netflix donde el drama se va deshaciendo capitulo por capitulo y se apuesta más por la espectacularidad visual y no solo me refiero a los efectos sino también a sus propios personajes que muestran que para pelear no es necesaria la ropa.

Apuesto que en tumblr ya hay un post de todas las veces que
Joel Kinnaman muestra su trasero en #AlteredCarbon

— Ángela Luna Alarcón (@alegna301) 7 de febrero de 2018

Gracias Tumblr...

http://elyalovi.tumblr.com/post/170817545465/akamatthewmurdockyoure-welcome

#CallmeByYourName y #Carol: El amor es el trama

En su reseña, el New York Times comentó que ver la película “Call me by your name” es como enamorarse por primera vez y es que la cinta de Luca Guadagnino tiene una habilidad impresionante de conectarse con el espectador de una manera intima. Más que verse, se experimenta. Lo extraño es que experimentamos la historia más vieja del mundo; un amor de verano con una fecha de expiración que marcará la vida de los protagonistas. 

Basada en la novela de André Aciman, "Call me by your name" narra la breve pero memorable romance entre Elio de 17 años y Oliver, el investigador americano que trabaja en su doctorado y llega a Italia para ayudar al padre de Elio durante un verano en la década de los 80's. En la primera parte de la película, Elio siente una intriga por Oliver y eventualmente se descubre que más que intriga es un gusto y después un enamoramiento. Gracias a la impecable actuación de Timothee Chamalet podemos ver la escala de emociones que viven en Eli; la irritación que produce la ausencia de Oliver en las cenas, la molestia y los celos al ver a Oliver bailar con una mujer y la frustración por no controlar su impulsividad. Por su lado, el Oliver de Armie Hamer se muestra mucho más precavido y distante con consigo mismo, con sus deseos y con el propio Elio y recién evidencia su vulnerabilidad y sus temores luego de confirmar que su gusto por Elio es recíproco. 

"Call me by your name" is the new "Carol"

 Hay una sutilidad en el cortejo Oliver y Elio que me recordó la complicidad coqueta entre Carol y Therese en la película de "Carol" del director Todd Haynes. La narración en ambas producciones toma su tiempo; los protagonistas no reconocen de inmediato la atracción inicial que sienten, no es que no la acepten, solo la reprimen, hay una lucha interna que finalmente sucumben al deseo, pero hasta entonces, las escenas que comparten se llenan de un subtexto por lo que no se dicen pero es obvio que se sienten. Se trata de una danza lenta de seducción que se centra en los detalles de manera delicada y paciente. Nos embarcamos una travesía que comienza en un camino lleno de dudas y pasa por todas las emociones posibles hasta tener su clímax en la absoluta felicidad e inevitablemente terminar con el corazón roto. 

 Así como Carol estaba interesada en Therese, Oliver está interesado en Elio pero para no dar un paso en falso, ambos contienen sus sentimientos y esperan que el otro evidencie su interés. Tanto Elio como Therese toman la iniciativa en el primer beso y se entregan por completo a sus deseos explorando su sexualidad sin tapujos, pero ante todo disfrutando el simple la compañía del otro. Quizás el hecho de que ambas relaciones estén encapsuladas en momentos y se desarrollan a espaldas de un mundo lleno de prejuicios hace que estas parejas se sientan tan especial. El amor es amor sin importar la orientación sexual, no obstante, hay que admitir que porque se trata de romances homosexuales tienen un elemento que los aparta de los demás porque la historia implica también la aceptación interior y en algunos casos una lucha con el exterior.

 El año pasado, “Moonlight” del director Barry Jenkins se llevó el Oscar a mejor película porque logró tocar fibras sensibles al contarnos la trágica historia de Chiron, un niño que en búsqueda de su propia identidad se encuentra con una sociedad que lo margina por ser diferente. “Carol” además de contarnos la historia de amor de Carol y Therese también es una fascinante exploración por la condición femenina, una muestra de lo que significó ser una mujer independiente y liberal en un sociedad represiva y machista. En “Call me by your name”, el romance de Elio y Oliver es un secreto a voces. Las personas cercanas a Elio reconocen que hay algo entre ellos, pero jamás se meten en sus asuntos. Uno de los momentos más emotivos de la película es el monologo del padre de Elio luego de que Oliver ya ha regresado a Estados Unidos. En el discurso, el Señor Perlman hace hincapié en la importancia de sentir incluso aunque en ese momento, Elio no preferiría no sentir nada.

http://elioeoliver.tumblr.com/post/168836793462/ingu-how-you-live-your-life-is-your-business

En la mayoría de filmes de temática LGTB, el amor parece estar destinado a no sobrevivir en el tiempo. El final feliz es reemplazado por la ambigüedad de tener una conclusión simbólica o abierta. En “Moonlight”, Chiron se reencuentra con el hombre que marcó su vida y en los últimos segundos de la película, Kevin le acaricia la cabeza y entonces volvemos a ver Chiron cuando era pequeño en la playa, en ese único lugar en donde de ser feliz, se sintió seguro, una imagen y una emoción mucho más poderosa que un simple beso.

 La primera escena en “Carol” se desarrolla en un restaurante donde Carol y Therese se reencuentran después de haber estado separadas por un tiempo y la escena final es la continuación de ese reencuentro luego que Carol le declarara su amor, le propusiera vivir juntas y Therese respondiera que no. En los segundos finales, las miradas de Carol y Therese se vuelven a encontrar. No sabemos a ciencia cierta lo que significa las prologadas miradas, pero lo intuimos; es la proyección de un sí. El guion ratifica esta idea con estas líneas.

Un elemento poderoso "Call me by your name" es el uso de la música que opera como un narrador emocional que complementa la hermosa cinematografía y composición que genera la sensación que estamos experimentando un recuerdo… de hecho, la película por sí misma es el recuerdo del primer amor de Elio. En la última escena, mientras suena "Visions of Gideon" de Sufjan Stevens, Elio está sentado frente al fuego de la chimenea tratando de racionalizar y procesar el dolor que siente luego de recibir la llamada de Oliver en donde le dice que se va a casar, las lágrimas se deslizan por su rostro y por un breve momento, Elio mira fijamente a la cámara rompiendo la cuarta pared y ese es el segundo donde sentimos por y con Elio.

Películas como "Call me by your name" y "Carol" no solo tocan tema universal como el amor sino que lo abordan de una perspectiva cercana que va repasando las etapas del enamoramiento en donde la decepción y desilusión también cumple un rol importante. A diferencia de las películas románticas que tienen una estructura definida en donde el amor pone en marcha la trama o el amor es parte del conflicto, en "Carol" y en "Call me by your name", el trama es el amor; una simple historia de amor por la cual todos hemos pasado, una historia de amor que el que menos ha experimentado alguna vez en la vida.