#SexEducation: Una decepcionante temporada final

En el pasado ya otras series tuvieron el mismo atrevimiento de “Sex Education” se presentar a adolescentes freneticos por el sexo, pero la diferencia con otras series como "Euphoria" o "Skins" era su tono más light y positivismo. Sí, abordaba temas difíciles, pero lo hacía de manera empática. Con ello se ganaron merecidos elogios, aunque cada uno de los halagos parecía retar a los productores y guionistas: "ser más empáticos", "ser más didácticos", "ser más wokes". Así, la tercera temporada marcó el comienzo de la decadencia de la serie hasta su temporada final. Si la cuarta temporada se siente extraña, apresurada y centrada más en los personajes nuevos, es porque los productores y guionistas no sabían que la cuarta temporada sería la última. La decisión de terminar la serie la tomó Netflix y no es realmente una sorpresa. Hay que tener en cuenta que la expectativa de vida de una serie de Netflix es de tres temporadas, las que han tenido más es gracias a su popularidad u otros factores. La decisión de la plataforma es razonable considerando que los protagonistas se volvieron estrellas y comenzaron a tener otros proyectos. Además, la mayoría ahora mismo con las justas pasan como adolescentes. 

¿Nueva especial, nuevo reboot?

Esta cuarta temporada “Sex Education” parecía ser un leve reboot introduciendo nuevos personajes como si fueran una “nueva generación” e incluso tenemos un cambio de escenario: pasamos de una escuela conservadora a una demasiado abierta y muy irreal. Se trata más de una fantasía utópica cuya mera existencia plantea problemas para la narrativa de la serie. ¿Si esta escuela siempre ha existido, por qué Eric no buscó estudiar allí antes? Y es que esta nueva escuela es lo que Eric buscaba desde la primera temporada; un lugar seguro que lo acepta tal como es, rodeado de gente de la comunidad LGTBQ+. Este paraíso woke representa lo que la serie quiere ser: un lugar lleno de discursos de aceptación, pero que no reconoce su propio mensaje. Y ese es un problema porque nadie quiere que le den lecciones constantemente. En las primeras temporadas, los consejos de Otis y Jean no eran sermones de aceptación ni lecciones de progresismo. Cada historia invitaba a la reflexión, pero lo hacía con sutileza. A partir de la tercera temporada, la serie adoptó un tono didáctico irritante. Entonces, cuando se anunció que varios personajes no regresarían para la última temporada, se pensó que sería porque el elenco era demasiado grande y la decisión, aunque dolorosa, haría que la serie se centre en sus protagonistas. Sin embargo, con la nueva temporada llegaron nuevos personajes, lo que no habría sido un problema si esta no fuera la última temporada. El público se quiere despedir de sus personajes favoritos y no va a encariñarse tanto con los nuevos que para colmo ocupan el espacio de otros personajes que habían sido sacados. Además, estos nuevos personajes se sienten escritos de manera bastante básica. Para una serie que predica que la sexualidad es fluida, busca etiquetar cada orientación. Los nuevos personajes parecen cumplir con todas las casillas de la diversidad y la comunidad LGTQ+, pero carecen de profundidad y la mayoría presenta una personalidad muy cliché. Siempre es importante recordar que un personaje o una persona es más que su orientación sexual. 

Cerrando historias 

La serie logró cerrar muy bien tres historias; la de Adam, la de Aimee y la de Maeve. Todas ellas tienen en común la aceptación para iniciar un proceso de sanación. La historia de Adam tiene una evolución que solo puede ser comparable con la de Jaime de Ted Lasso. Adam pasó de ser un bullying a ser uno de los favoritos del público. En esta última temporada casi estuvo aislado, pero le sirvió para conocerse a sí mismo, reconciliarse con sí mismo y también perdonar a su padre. Por su lado, Aimee, a través del arte, continúo lidiando con su trauma tras sufrir acoso en el bus y finalmente, Maeve sufrió la pérdida de su madre y decidió despedirse de Otis para perseguir sus sueños en Estados Unidos. La historia más interesante de esta temporada fue la de Eric cuyo dilema estuvo enfocado en tratar de conciliar su sexualidad y su religión. No obstante, aunque se trató de una historia bien desarrollada, presentando los desafíos de un hombre gay en una comunidad conservadora y cerrada, la serie exageró al colocar elementos fantasiosos como encuentros o alucinaciones con Dios. Eso no mella la historia, pero sí se siente fuera de lugar. 

¿Otis, el villano real? 

El punto de mayor controversia esta temporada ha sido ver a Otis como "el malo" de la serie. Según la creadora de la serie, Laurie Nunn, esta temporada explora el privilegio de Otis. No se puede decir que sea una historia jalada de los cabellos; Otis siempre fue un personaje egocéntrico y ensimismado en sí mismo, solamente que antes aprendía su lección. Pero... durante las cuatro temporadas hemos tenido la misma historia, Otis se centra en su propio drama, deja de lado a Eric, se pelea con él y luego se reconcilian en el nombre de la amistad. La última temporada no tiene el tiempo suficiente para “arreglar” al personaje, jamás asume las consecuencias de sus acciones, pero sí pide perdón a Eric. Ya parece un castigo bastante fuerte que no termine con Maeve como para seguir criticandolo, así que se le da un pase libre. 

El endgame 

Que Otis y Maeve no se queden juntos ha sido un shock para la generación actual, pero tiene sentido. Se trata de una bonita pareja, pero desde el inicio el endgame de Maeve era romper el ciclo del conformismo y salir del pueblo. Otis no tiene ese problema, como lo dijo la creadora, es un joven privilegiado que tras terminar la secundaria tendrá un buen futuro. Otis y Maeve estaban destinados a conocerse para que uno pueda aprender del otro, pero como pareja vimos que no eran lo suficientemente maduros para sostener una relación a larga distancia o largo plazo. Cuando creces, te das cuenta que hay personas que pasan por tu vida, te la marca, y después la vida continuará sin ellos. 

El legado de la serie 

Sin lugar a dudas, una mala temporada no puede borrar el impacto que "Sex Education" ha tenido en el mundo de las series. A Netflix le significó su primera serie para jóvenes exitosa, para sus protagonistas se trató de un trampolín a la fama, para Gillian Anderson, la volvió a poner en la cima y para esta generación es una de las mejores series que ha logrado plasmar las complejas relaciones de los jóvenes con un mensaje fundamental de tolerancia y aceptación. A pesar de sus altibajos, "Sex Education" representa las virtudes de esta nueva generación que busca abordar temas delicados con empatía y autenticidad. La última temporada puede haber sido decepcionante, pero no debemos olvidar el valioso legado que deja en su camino.

#SoundOfFreedom: Buena película, mala campaña

Para disfrutar de "Sound of Freedom", es necesario separar la película de las controversias y de su campaña política y conspirativa. De verdad, lo recomiendo, porque si la ves esperando que la película revele algún tipo de conspiración con la élite, te decepcionarás. Pero si la miras como una película de acción al estilo de "Taken", resulta ser buena e incluso, si la ves como una biografía algo exagerada, también merece una nota aprobatoria. 

Buena película 

La trama de "Sound of Freedom" no es particularmente extraordinaria ni original. Es la típica película de acción en la que un héroe blanco rescata a un ser inocente porque es su deber. En este caso, Tim Ballard, el protagonista, es un agente especial que abandona su trabajo para rescatar a dos menores secuestrados por una organización criminal de trata de personas. En cuanto a personaje, Tim Ballard es bastante básico, con un único objetivo: salvar a los niños, y lo hace porque es necesario. El socio de Tim, Vampiro, quien lo ayuda a infiltrarse en la mafia, es el personaje con mayor profundidad, ya que se trata de un exdelincuente que, después de estar con una mujer que parecía mayor de edad pero que en realidad era una menor, decide luchar contra estas mafias. Sin embargo, lo que hace que Tim Ballard sea memorable es la interpretación de Jim Caviezel, un actor que encaja perfectamente en este tipo de roles rotos por su trabajo, pese a que dicho trabajo fue lo que lo rompió en primer lugar. Siempre lo he dicho, Jim es el mejor Batman sin traje que hemos tenido y acompañarlo su misión siempre es conmovedor. 

Otro punto a favor es que la película maneja con sensibilidad la representación del sufrimiento y el trauma de los niños secuestrados. Aunque sabemos lo que les ocurre y las horribles experiencias que viven, el filme opta por mostrarlo de manera implícita, evitando la revictimización. Lo que más impacta de la película es la explicación del título: después de ser rescatada, la niña Rocío, quien fue secuestrada y esclavizada por una organización criminal, regresa a su hogar. Allí encuentra su tambor, que solía tocar cuando era más niña. Rocío vuelve a tocar el tambor, y lo que escuchamos es "el sonido de la libertad". Ella es libre, y la película transmite un mensaje de esperanza al señalar el inicio de su proceso de sanación a través de la reconexión con el tambor. Aunque más que el sonido de la libertad, es el sonido de los traumas de la niña, quien, después de todo lo que ha pasado a una corta edad, finalmente ha regresado a casa.

 Mala campaña 

Es un tanto desconcertante que la campaña de esta película sea tan política y agresiva cuando la película en sí no lo es, ni siquiera puede considerarse religiosa. "Sound of Freedom" es simplemente una película sobre un hombre que rescata a dos niños secuestrados. La controvertida frase del tráiler, "Los hijos de Dios no están en venta", hace referencia a que los niños en general no deberían estar en venta, una afirmación en la que todos podemos estar de acuerdo. La película nunca insinúa que Tim Ballard sea cristiano ni que su labor esté respaldada por motivos religiosos, un dato que debería ser relevante considerando que es así en la vida real, pero en el filme su motivación radica en que hace lo que hace porque considera que es lo correcto. Lamentablemente, la película concluye y durante los créditos regresa la campaña. Al final, se muestra un video de Jim que insta al público a volver a comprar boletos y a contribuir a la causa. Uno de los pedidos consiste en adquirir entradas para otras personas o en realizar donaciones de algunos dólares a la organización de Ballard llamada Operation Underground Railroad.  Es importante señalar que, hace algunas semanas, tras diversas denuncias de acoso sexual, Ballard renunció a su cargo de director ejecutivo. Además, con el tiempo, se ha vuelto cada vez más evidente que la publicidad de la película no solo busca conseguir donaciones para Ballard, sino que también ha impulsado la carrera política de uno de los productores, el ultraconservador Eduardo Verastegui, quien anunció su candidatura a la presidencia de México. También la campaña y publicidad evidenciaron un lado de Jim Caviezel que no conocíamos, sigue las teorías de Qanon o por lo menos las utilizó para crear más controversia. (Sobre la campaña publicitaria de la película ya escribí)

Si prefieres creer que esta película se basa en hechos reales, es una elección válida y comprensible, aunque es necesario aclarar que existen ciertos cuestionamientos al rededor de Ballard que podrían poner en duda su palabra y sus misiones. Si esta película no estuviera vinculada con la controversia y la campaña politizada, es probable que no hubiera tenido tanto éxito. La controversia es lo que ha llevado a una película decente a alcanzar un alcance mayor. Verla se ha convertido en un acto de resistencia, una manera de desafiar a la élite, pero también sería importante diferenciar la campaña de publicidad, enfocada en crear polarización, con la película que trata de una problemática global.

#TheLoomingTower: El hombre que nadie escucho

Con tantas teorías de conspiración acerca de los atentados del 11 de setiembre, la miniserie “The Looming Tower” provee de Hulu una explicación mucho más verosímil del por qué se dieron estos hechos y no se trata de un trabajo interno, sino de una serie de eventos desafortunados que comienzan con la desconfianza sin sentido en medio de una rivalidad destructiva entre el FBI y la CIA. Esta competencia absurda y la falta de comunicación entre las comunidades de inteligencia de Estados Unidos “allanó” el camino para que nadie pueda detener a los terroristas de Al Qaeda. 

 El primer episodio comienza con el agente Ali Soufan (Tahar Rahim) revelando ante la comisión del Congreso encargada de investigar los ataques terroristas del 11 de setiembre que la CIA ocultó de manera deliberada información sobre las actividades de Al Qaeda que pudieron haber advertido la tragedia. Mientras la serie va progresando se hace bastante claro que han decidido colocar en un rol casi antagónico al personal de la CIA, especialmente a personajes como Martin Schmidt (Peter Sarsgaard) y Diane Marsh (Wrenn Schmidt), que torpedeaban los avances del equipo de Suffan.

Why, CIA, Why? (Imagen: The Looming Tower)

 La serie “The Looming Tower” está basada en el libro del mismo nombre –“La Torre elevada” en español – de Lawrence Wright, quien también participa como productor ejecutivo con Dan Futterman y Alex Gibney. El primer episodio es dirigido por el ganador del Oscar, Alex Gibeneys, un especialista en lo que documentales se trata. La experiencia de Gibneys en el género documental hace que “The Looming Tower” casi se sienta uno. Además, la serie se cuida bastante de no tener una mirada morbosa respecto a los actos terroristas que presenta como son el atentado contra una embajada estadounidense en 1998 y el atentado contra el navío de guerra USS Cole en Yemen. De ese modo, hace uso de imágenes de archivos para mostrar los eventos más trágicos en vez de reconstruirlos y también se vale de la sutilidad del preludio y/o las consecuencias. Por ejemplo, no vemos al bote impactar al USS Cole pero sí a un niño saludando desde el bote mientras que se acerca al buque. Tampoco vemos cómo los aviones impactan las torres, pero sí vemos el sacudón y la reacción de John O’Neil que se encontraba en la primera torre que fue impactada y después vemos a Robert Chesney  empolvado caminando en una Nueva York desierta. 

 (Imagen: The Looming Tower)

 La serie bien pudo haber prescindido del drama personal, pero está buscando que nos encariñemos con sus protagonistas sobre todo con John O’Neil (Jeff Daniels). La historia en la vida real de John O’Neil es fascinante y triste. Se trata de un héroe trágico y carismático que trabajó 25 años en el FBI, brilló como jefe antiterrorista, se especializó en investigar el terrorismo islámico y por su personalidad apasionada hacia amigos y enemigos a donde iba. Entre esos enemigos estaba sus propios jefes que lo obligaron a renunciar a su cargo. A la par de su trabajo, O’Neil tenía dos novias y una esposa, ninguna conocía de la existencia de la otra, y disfrutaba de la buena vida gastando en buena ropa y bares a donde llevaba a sus contactos para generar confianza y obtener datos. Recordado como “el hombre que sabía” o el “hombre que advirtió a América”, O’Neil se fue a trabajar como jefe de seguridad en el World Trade Center porque sabía que ambos edificios, emblemáticos de Nueva York, serían uno de los objetivos de los terroristas y no estuvo equivocado. En una de las últimas escenas de “The Looming Tower”, una de las novias de O’Neil hace que Robert Chesney (Bill Camp) escuche lo que sería el último mensaje de su amigo: 

“Es horrible. Hay cuerpos destrozados por todas partes. Tengo que ayudar a la gente. Te vuelvo a llamar.” 

 (Imagen: The Looming Tower)

 “The Looming Tower” debe ser una de las pocas producciones que brinda un panorama mucho más minucioso sobre la religión musulmana. Ali Soufan no solo es un agente del FBI es también un musulmán que sufre el prejuicio por su religión y por sus propias elecciones. A través de él, se hace un deslinde entre el islam y la distorsionada visión del Corán que tienen los terroristas. La escena más memorable del mejor episodio, "9/11", Soufan encara a uno de los cómplices de Al Qaeda y le abre los ojos respecto a sus “creencias”. Para entonces, ya es 12 de setiembre y el daño estaba hecho. 

Una de las escenas más poderosas del último episodio. Soufan confronta a uno de los cómplices de Al Qaeda. (Imagen: The Looming Tower)

 Pese que sabemos cómo termina la serie, no se puede dejar de sentir indignación y hasta asco por personajes como Martin Schmidt y Diane Marsh porque aunque digan que trabajaban por la seguridad de su país, lo que hacían era jugar para sus propios intereses y lo peor es que ninguno paga las consecuencias de su negligencia. El sentimiento se asienta cuando Condoleezza Rice le dice a Richard Clarke (Michael Stuhlbarg) que el presidente Bush está pidiendo que relacione los ataques con Irak. El resto es historia ya conocida. 

Why, Condoleeza, Why. (Imagen: The Looming Tower)

 Con una narrativa didáctica y pausada, “The Looming Tower” bien podría ser la precuela no oficial de “Homeland”. Mientras “Homeland” retrata la paranoia característica de la era post 11 de setiembre, “The Looming Tower” relata el cómo se llegó a un esta situación y al hombre que nadie escucho cuando decía que el día  más oscuro de la historia americana se aproximaba.

El desorden y la mala suerte de la última temporada de #Titans

Seguir las temporadas de "Titans" es experimentar algo cercano a un bucle temporal. Cada temporada sigue una pauta similar: comienza fuerte en el primer episodio con elementos familiares, un tono similar al de las películas de Zack Snyder y un gran potencial. Sin embargo, en el segundo episodio, las grietas empiezan a aparecer, y la trama cae en el mismo desorden. O mejor dicho, su orden. Y es que Titans está enamorado de su estructura; una donde los capítulos se centran en diferentes personajes y por eso, no puede avanzar con la trama ni tampoco cerrar las historias propias. La cuarta temporada fue más de lo mismo, excepto que no solo se trata de una temporada más, era su última temporada. Y para su mala suerte, pues, el desorden caótico parece haberlos perseguido hasta el final.

 Titans, el heredero sin trono de Snyder 

"Titans" ocupa un lugar extraño en el mundo de las series de DC, ya que, aunque no es parte oficial del Snyderverse, es la serie que más se asemeja a su estilo. “Titans” se inspira en el aspecto distintivo y creativo de Zack Snyder con una estética visual oscura y violenta, pero también tropezó con la misma piedra de tener una narrativa fragmentada. Cada episodio de “Titans” se centra en un personaje dejando muchas veces la historia que ha estado desarrollando. Aunque las tres primeras temporadas tenían momentos destacados, como la llegada de Trigon o la aparente muerte de Jason Todd, o episodios memorables, como “Hank & Dove” y “Souls” de la tercera temporada que fácilmente son los mejores de la serie, en la última temporada el desorden no solo estaba presente, sino que también un drama detrás de cámara que parecía adelantar que no tenían un futuro. 

Es importante resaltar que la cuarta temporada de "Titans" no sabía que sería la última. La cuarta temporada se grabó entre febrero y octubre de 2022. Aunque James Gunn fue nombrado oficialmente co-presidente y co-director ejecutivo de DC Studios junto a Peter Safran en noviembre de 2022, ya se sabía desde hace meses que Gunn supervisaría todas las decisiones creativas para el futuro del universo DC. Esto incluyó la cancelación de varias series, incluyendo todas las del Arrowverso, así como "Titans" y su spin-off "Doom Patrol", más o menos todas, excepto "Harley Quinn", una serie animada tan rara y fantástica que sobrevivió la masacre de las cancelaciones. 

La historia de Titans y la confusión de Netflix

Originalmente, "Titans" fue desarrollada para TNT en 2014, pero poco antes de comenzar la producción, TNT se retiró. Luego, "Titans" se convirtió en la primera serie de la extraña y desaparecida plataforma "DC Universe", en la que podías encontrar todas las películas de la DC y también todos sus comics. Las dos primeras temporadas se emitieron allí, y en América Latina, se podía ver la serie en Netflix unos meses después de su lanzamiento original. Sin embargo, "DC Universe" fracasó en atraer suscriptores y fue cancelada. Como resultado, "Titans" pasó a formar parte de HBO Max, que ahora ofrece todas las películas y series de DC excepto las del Arrowverso, que en Latinoamérica aun se puede encontrar en Netflix. Las temporadas 3 y 4 se lanzaron en HBO Max, pero en América Latina, "Titans" seguía siendo parte del catálogo de Netflix. 

Y es allí donde el desorden se impuso de nuevo, porque, por alguna razón desconocida, la última temporada transmitida en Netflix sufre de un error en el orden que malogra la temporada. De ese modo, el episodio "Dick & Carol & Ted & Kory", el octavo de la cuarta temporada, estaba como el episodio siete y el episodio siete, “Caul’s Folly” está como capítulo ocho. O sea, vez se adelantaba un episodio y para después volver a colocar el anterior. En una serie que de por sí es bastante desordenada, que Netflix también se haya equivocado, solo sigue siendo una muestra de su mala suerte. Al menos ya arreglaron el orden, después de las quejas.

Los crossovers de "Titans"

A pesar de que "Titans" no forma parte del Arrowverso, apareció en "Crisis en Tierras Infinitas" como una de las numerosas referencias del mega crossover. Además, aunque "Doom Patrol" es técnicamente un spin-off de "Titans", después de "Crisis en Tierras Infinitas", se supone que "Doom Patrol" se desarrolla en un universo separado. Teniendo esto en cuenta, el episodio más destacado de la última temporada de "Titans" es "Dude, Where's My Gar?", que explora la mente de Gar/Beast Boy y presenta guiños a diferentes series, incluyendo a “Star Girl”, “The Flash”, "Doom Patrol" y la versión animada de Gar en la popular serie “Teen"Titans Go!". Este momento es cool pero carece de significado, ya que en el momento de su emisión, todas estas series ya habían sido canceladas.

Asimismo, en el capítulo "Game Over" hay un crossover con Doom Patrol, pero el problema es que… este Doom Patrol no es el de la serie. Es el Doom Patrol del mundo de “Titans” con lo que no vemos la interacción de los personajes que han evolucionado, sino que vemos una suerte de aventura momentánea que tampoco aporta algo. Solo es otro guiño más. 

Titans siendo Titans (again)

Siempre he sostenido que si alguien adopta el "Modo Snyder", podría editar todos los episodios de cada temporada para crear una película decente, una especie de "Titans Cut". Sin embargo, con la última temporada, esto no es posible, ya que muy pocas cosas se pueden rescatar y el villano de turno resulta ser olvidable. De ese modo, "Titans", llega a su final, y al igual que algunas series del Arrowverso, tuvo que despedirse de manera abrupta y sin coherencia. Solo queda decir descansa en paz, "Titans".

#Dexter: Todas las muertes de Dexter Morgan

Dexter: New Blood representaba una oportunidad única, no solo para resucitar a uno de los personajes más icónicos de la televisión, sino también para redimirse de las últimas temporadas y un final decepcionante en todos los sentidos. Sin embargo, este revival logró algo que parecía impensable: tener un final aún peor que el original. Así, Dexter se convierte en la única serie que ha tenido dos finales y ambos calificados como los peores. Pero… ¿Cómo es posible este suceso? 

La muerte y resurrección de Dexter 

La serie original de Dexter se extendió a lo largo de 8 temporadas; las primeras temporadas, elogiadas por su originalidad y su capacidad para adentrarse en la mente de un asesino en serie y causar cierta empatía con el mismo. Dexter era un asesino, sí, pero tenía un código que lo llevaba a matar solo a criminales que habían evadido la justicia. De ese modo, el público comprendía que Dexter era un mal necesario en un mundo cruel. La mejor temporada fue aquella centrada en Dexter y el asesino Trinity, cuya trágica historia alteró por completo la dinámica del programa con el asesinato de Rita, la esposa de Dexter. Sin embargo, después de alcanzar su punto máximo, las siguientes temporadas disminuyeron en calidad y se volvieron repetitivas, siempre siguiendo la misma fórmula: Dexter tenía un enemigo de turno al que termina asesinando y nunca enfrentaba las consecuencias de sus acciones. En la última temporada, Dexter se enfrentó a un nuevo asesino en serie, pero esta vez, su hermana Debra terminaría en coma después de enfrentarse a este nuevo asesino. Dexter, en un acto de misericordia, decide desconectarla y arrojar su cuerpo en el mar en medio de una tormenta que también podría significar el final para él, pero en la última escena, Dexter está vivo. 

El final es de poco gusto y de narrativa incoherente para un personaje como Dexter, aunque la idea de dejar vivo a Dexter parecía un castigo autoimpuesto, una forma de vivir muerto en vida en un pequeño pueblo. Se sabe que el final original tenía planeada la muerte de Dexter, aunque no se conocen los detalles, pero Showtime bloqueó ese final, ya que querían mantener a Dexter con vida para futuros revivals. Y así fue, Dexter: New Blood llegó a nuestras pantallas en el 2021. 

Dexter New Blood, una oportunidad desperdiciada 

Este revival comenzó con una vibra diferente, mostrándonos a un Dexter mayor que llevaba una vida "normal" en un pueblo pequeño, canalizando sus impulsos asesinos matando animales. Pero, como en todos los pueblos pequeños, los oscuros secretos comenzaron a salir a la luz cuando su hijo, Harrison, regresó a su vida. A lo largo de la temporada, Dexter: New Blood tuvo todos los elementos que hicieron popular a Dexter en primer lugar: una representación impecable de un asesino en serie contenido y asesinatos sin resolver. Sin embargo, también continuó con el patrón de la serie original, enfrentando a Dexter contra un nuevo asesino en serie y romantizando a Dexter. En un giro sorprendente, Dexter es arrestado y está a punto de enfrentar su propio pasado, pero logra escapar y está a punto de huir, si no fuera por Harrison, quien es el único que ve a Dexter no como un antihéroe, sino como una amenaza.

 

Alerta de Spoilers: Y así llegamos al final

Creo que la serie acertó al matar a Dexter, pero el problema fue la ejecución. Dexter se revela a sí mismo como el villano de la historia, como el monstruo. Esta vez, el "pasajero oscuro" no es un pasajero, es el conductor. La serie original nunca quiso enfrentar esta idea y, al igual que la audiencia, consideraba a Dexter como un mal necesario. Nunca se quiso abordar la realidad; Dexter es un asesino en serie, y el hecho de que solo mataba a personas malvadas; matar es matar y es un crimen. Además, se intenta romantizar su último acto como un gesto de amor incondicional hacia Harrison, a pesar de que no tiene sentido. Olvidaron que Dexter no siente emociones. 

A esta serie y a este final le faltó un mejor contexto. Uno de los errores de la serie fue no incluir una escena entre Batista y Dexter, donde Batista le confiesa que siempre sospechó que Dexter era el asesino, que tras años de investigación descubrió que Dexter incriminó a Doakes y mató a Laguerta, pero que no quería creerlo. Esta omisión dejó un hueco en la trama y privó a los espectadores de un momento crucial. Dexter: New Blood justifica su regreso y le brinda un cierre adecuado a Dexter; Dexter está muerto, y no habrá más revivals ni oportunidades para redimirlo. En los últimos años, la tendencia de idealizar a los asesinos en serie como genios ha disminuido, y Dexter: New Blood dejó claro que Dexter no era un genio, cometió errores y no respetó su propio código, cuya regla principal era "no te dejes atrapar". Siempre he pensado que Dexter no podía tener un final feliz. En la propia lógica de ambas series; el verdadero enemigo de Dexter no eran otros asesinos en serie; era la justicia y realmente nunca la enfrenta. Si hay algo que ha caracterizado la serie es su justicia poética, en ambas resoluciones simplemente no hay justicia.

Los otros finales de Dexter 

Dexter: New Blood adapta la trama del noveno libro de la saga de Jeff Lindsay, titulado "Dexter is Dead". En este libro, Dexter se enfrenta a acusaciones falsas de asesinato y abuso sexual. Su hermano, Brian (en los libros nunca muere), logra sacarlo de la cárcel, pero poco después, es asesinado y Dexter resulta gravemente herido. En un giro, Dexter coloca una bomba en el yate de un narco llamado Raúl, quien intenta incriminarlo. Dexter se lanza al agua justo antes de que la bomba explote y, finalmente, se dirige a la playa, donde se recuesta en la arena bajo el sol abrasador y decide dejar que la muerte lo alcance, y su cuerpo es descubierto por la policía. 

Desde mi perspectiva, la historia de Dexter podría haber llegado a su fin de manera más adecuada como lo hizo en la séptima novela, "Dexter's Final Cut". En esta entrega, un astuto asesino en serie llamado Kurt logra incriminar a Dexter en varios asesinatos. Aunque Dexter es inocente de estos crímenes, sabemos que es culpable de otros homicidios. En una especie de justicia poética, la única persona que podría ayudarlo a demostrar su inocencia es Rita. Sin embargo, Rita ha sido asesinada, y Dexter acepta que su suerte está sellada, y no le queda más opción que enfrentar a la policía y aceptar su condena. Es importante destacar que el libro "Dexter is Dead", como mencioné anteriormente, deshace este final pues libera a Dexter de la cárcel. 

A pesar de las controversias en torno a los finales de Dexter, el legado del astuto asesino con su oscuro pasajero perdurará en el tiempo y se le seguirá referenciando confirmando su estatus de popularidad. Si bien creo que es imposible que se reviva nuevamente a Dexter, sí creo que en algún momento podría haber un reboot con un nuevo actor y con nuevos productores. ¿Quién sabe? Tal vez logren acertar con el desenlace. 

#TheTomorrowWar: Una pelicula que debió haber sido una serie

Hay películas cuyas premisas podrían aprovecharse mejor en una serie de seis u ocho episodios en lugar de en dos horas. Entre ellas se encuentra "The Tomorrow War", una película estrenada en Prime en 2021, protagonizada por Chris Pratt y Yvonne Strahoviski. El tráiler revela el meollo: una guerra en el futuro lleva a reclutar soldados del pasado para luchar por el mundo. Aunque "The Tomorrow War" recibió críticas mixtas, su entretenimiento no compensa su falta de originalidad. A pesar de una premisa interesante, el desarrollo resulta predecible. No obstante, el elenco, encabezado por Chris Pratt en un papel más serio y de acción, Yvonne Strahoviski en el rol de heroína futurista y J.K. Simmons, son lo mejor que tiene la película. 

Más tiempo, más exploración 

Desde su concepto, la película podría inspirar una serie que profundice en aspectos como las secuelas psicológicas para los soldados del futuro y del presente sobrevivientes y el mundo futuro. De hecho, si fuera una serie podría haber aprovechado una narrativa que transcurra en pasado, presente y futuro en paralelo, para otorgar profundidad a los personajes, ya que algunas críticas señalan que solo los protagonistas tienen desarrollo adecuado. En ese sentido, vale la pena mencionar que Betty Gilpin, como Emmy Forester, debe quedarse en el presente mientras su esposo Dan (Pratt) viaja al futuro a luchar con su hija, líder de un comando especial, pero de Emmy tenemos el clásico rol de la esposas sacrificada que espera el retorno de su esposo. Pero se menciona en la película que ella cuida a soldados que regresan con problemas físicos y psicológicos. Es una trama en la que no pudieron profundizar mucho, pese a ser una idea interesante. 

Según el concepto de la película, un puente temporal existe entre 2024 y 2050, lo que permite viajar en el tiempo sin alterar el futuro, dado que los viajeros del futuro todavía no han nacido en el presente y/o son muy chicos, mientras que los soldados reclutados del pasado han fallecido en el 2030. ¿Cómo se sabe puente? Nunca lo sabemos. Tal vez una serie se hubiera molestado en dar una respuesta más satisfactoria. La película también aborda un punto relevante, desapercibido ante tanto enfrentamiento: los monstruos que desencadenan la guerra son alienígenas descongelados en 2048 debido al derretimiento del glaciar, resultado del calentamiento global. Este detalle se pierde entre las escenas de acción y el drama familiar, pero subraya que la guerra no proviene de una invasión, sino de la acción del hombre irresponsable con su planeta. 

El final feliz sin pensarlo mucho 

La película culmina con un final interpretable y "feliz", aunque al analizarlo, cuando Pratt trae la toxina para matar aliens, la conexión con el futuro se corta. Los viajeros del futuro siguen en el presente, lo que indica que no alteraron su futuro, siguiendo, quizás, las reglas de los viajes del tiempo impuesta por "Avengers Endgame" que señala que realmente no se puede cambiar el futuro viajando al pasado. Y tiene sentido. No se muestra cómo cambió el futuro ni si el mundo fue salvado. La incertidumbre puede llevar a Pratt a miedos, ira, abandono y culpa. Además, a pesar de ver volar a los aliens, no vemos sus cadáveres. ¿Quién asegura que Pratt y su grupo no adelantaron la guerra en lugar de evitarla? El no tener una respuesta concreta podría llevar al personaje de Pratt a una crisis, especialmente tras la muerte de muchos en la última misión sin cambiar el futuro. Sin mencionar que debe aceptar que no salvará a su hija ni al mundo. Claro, eso es cuando lo piensas mucho. Actualmente, Hollywood sufre de una crisis de creatividad y tiene antecedentes de inspirarse en una película para hacer una serie. En este caso, pues, las ideas son más que interesantes.

#HIMYF: Y así, niños, así fue como cancelaron #HowImetyoutFather

Me entristece profundamente que "How I Met Your Father" haya sido cancelada por Hulu, especialmente porque su segunda temporada fue excelente, mejorando en todos los aspectos e incluso presentando destellos de originalidad. ¿Qué es cursi? Sip y en un universo lleno de “comedias” que son más dramas, era una de las pocas series que se sentían como un sitcom de antes. Sin embargo, no logró mantenerse en pie, y ahora nos quedamos sin saber quién es el padre. Pero retrocedamos en el tiempo y veamos cómo "How I Met Your Father" fue cancelada en realidad dos veces. 

Las dos “cancelaciones” de las secuelas 

Después del controvertido final de "How I Met Your Mother", los productores lanzaron un final alternativo que buscaba "corregir" el error de "matar" a la madre para apaciguar a los fanáticos, ya que sabían que necesitaban a ese público si querían "revivir" la serie en el futuro. Con esto en mente, la primera temporada de "How I Met Your Father" se sintió más como una segunda oportunidad para extender la serie original que como una secuela o reinicio. Desde el principio, la mayoría de los episodios contenían guiños, como la aparición del apartamento, el bar y algunos personajes, además de reciclar chistes y contar con la misma premisa, pero esta vez con la lección aprendida. Incluso su secuencia de apertura era una nueva versión del tema original. El público objetivo no era una nueva generación, sino el mismo público de antes. Esto no habría sido un problema si ese mismo público no hubiera reaccionado tan negativamente al final original.

 "How I Met Your Mother" fue una serie icónica y sería imposible replicar su magia. Pero esta no fue la primera vez que lo intentaron. Antes de "How I Met Your Father" existió “How I met your Dad”, un piloto protagonizado por Greta Gerwig, la directora de “Barbie”, que también trató de reciclar lo mejor de "How I Met Your Mother". A pesar de tener un elenco decente, además de Greta Gerwig, fueron parte del proyecto unos jóvenes Nicholas D’Agosto, Anders Holm, Drew Tarver y Andrew Santino, Tiya Sircar y Meg Ryan como la “voz” de la narradora/madre, nunca despegó. Lo único destacable del piloto es que revela quién es el padre en el mismo episodio. Sin embargo, años después, los creadores adaptaron ese guión para convertirlo en una serie nuevamente. Esta vez con un elenco con caras familiares como son Hillary Duff, Kim Catrall, Chris Lowel y Josh Peck. Después de una primera temporada bastante irregular, la segunda parecía haber encontrado un estilo cómodo entre lo familiar y lo nuevo, pero aún estaba más interesada en vivir bajo la sombra de su predecesora que en mejorar. 

A pesar de sus defectos, en la segunda temporada la comedia mejoró significativamente gracias a la química del elenco y al desarrollo de sus propios personajes en nuevas aventuras. El hecho de que Hulu les diera 20 episodios fue un símbolo de confianza, ya que les dio más tiempo para crecer y encontrar su propio estilo, algo inusual en la actualidad, donde la mayoría de las series de streaming tienen un máximo de 12 episodios. Pero, aunque la primera parte de la temporada mejoró, la segunda pareció desmoronarse tras haber alcanzado el pico. La calificación tampoco ayudó y en una época en la que la popularidad en las redes sociales lo es todo, no hubo un gran impulso, excepto por el cameo de Barney, quien se adueñó del show a pesar de solo salir en dos episodios del mismo modo de Robin que fue el tema de conversación al final de la primera temporada. 

¿Y ahora, quién es el padre? 

La cancelación de la serie deja muchos misterios sin resolver. Algunos de ellos incluyen: ¿Qué llevó a Charlie a cambiar de opinión sobre no tener hijos? ¿Cómo Sophie llegó a tener la pintura de Jesse? Pero el más importante es, ¿quién es el padre? Antes de que se emitiera la segunda temporada, uno de los guionistas, Dan Levy, reveló que Sid era el padre. La historia de este tío podría haber sido un episodio de "How I Met Your Father"; trabajó en la producción de la serie, lo despidieron y luego reveló quién era el padre en una sitcom. Pero, ¿tiene sentido que Sid sea el padre? 

La teoría de que Sid era el padre se basaba en el hecho de que nunca vemos al hijo en pantalla, y la razón es obvia: si lo viéramos, sabríamos quién es el padre (por su color de piel). Otra “pista” de la serie es que cuando Sophie del futuro dice “y así es cómo conocí a tu padre”, la cámara apunta a Sid. Sin embargo, la serie nunca tuvo tiempo de desarrollar la relación entre Sid y Sophie. ¿Había química? Sí, pero solo eso. La "revelación" del guionista no tuvo un gran impacto. Algunos fanáticos la interpretaron como una confirmación de sus teorías, mientras que otros pensaron que Levy estaba bromeando. No obstante, es posible que Levy estuviera diciendo la verdad. Una foto al final de la segunda temporada revela que Charlie, quien no quería tener hijos, tiene un hijo con Valentina, por lo que es fácil deducir que "el padre" estaba entre Jesse y Sid. Pero Jesse parece una opción demasiado segura y un final demasiado cercano al criticado final de "How I Met Your Mother", por lo que Sid parece la opción más "sorprendente". Más teniendo en cuenta que es el mejor amigo de Jesse quien es el Ted para el Robin de Sophie. 

De manera inadvertida, los productores cometieron el mismo error que su predecesora. Para aquellos que no lo saben, el final de la serie original fue grabado en las primeras temporadas, por eso, los “kids” no envejecen. Es decir, ya sabían de antemano que, independientemente de quién fuera la madre, ella moriría y Ted buscaría a Robin. Y nuevamente, "How I Met Your Father" cometió el mismo error: ya sabían quién era el padre, pero esta vez no tuvieron tiempo para desarrollar adecuadamente la historia.

 Es hora de dejar ir "How I Met Your Mother" 

Sinceramente, creo que si esta serie se hubiera titulado "Una Historia de Amor al Revés", como se planeó originalmente para "How I Met Your Mother", habría tenido una mejor oportunidad de sobrevivir más allá de dos temporadas. Para mí, la relación demasiado estrecha entre ambas series fue lo que selló su destino, ya que la comparación era inevitable. Además, se notaba que "How I Met Your Father" intentaba no caer en polémicas, jugarlo "a lo seguro" y apelar a la nostalgia, a pesar de que los mejores episodios de la segunda temporada eran los más originales, como las pruebas que los amigos realizaban para conocer al padre de Sophie. En algún momento, los productores de la serie o algún actor revelarán quién era el padre, pero la verdad es que el "misterio" no era realmente el motor de la serie ni el atractivo principal para la audiencia. El problema es que los creadores de "How I Met Your Mother" no dejan ir ese proyecto que les supuso tanto éxito y aún les pesa que su final sea considerado una decepción. Han tratado de enmendar ese error en varias oportunidades; recreando un final alternativo en la edición (que está en los DVDs de la serie original), revelando quién es el padre en el piloto de "How I Met Your Dad" con Greta Gerwin, pensando que al desvelar el misterio, no habría problemas en el futuro. Con la serie "How I Met Your Father", decidieron que Sophie del futuro le cuenta a su hijo la historia de cómo conoció a su padre en una videollamada. Esto sugiere que el futuro no será tan trágico como el de Ted y Tracy, y que solo se trata de una madre contándole a su hijo cómo conoció a su padre. Entonces, tal vez sea bueno que no tengamos una respuesta definitiva. Pero, ¿quién sabe?, quizás en el futuro intenten otra secuela o reinicio. Aunque, en mi opinión, lo mejor sería dejar ir a "How I Met Your Mother".