Desenmascarando la verdad detrás de #SoundofFreedom

*Voz de Harold Finch* "Estás siendo observado. El gobierno tiene un sistema secreto, una maquinaria especial que no permite que sepas la verdad. Están en todos lados. Nunca los encontraras, pero creelo o no, ellos te encontrarán a ti… mediante sus videos en Tiktok”. 

En un mundo lleno de teorías conspirativas y narrativas engañosas, a veces es necesario desenmascarar la verdad detrás de las afirmaciones que circulan en las redes sociales. En este caso me refiero a la polémica que rodea a la nueva película de Jim Caviezel, "Sound of Freedom". 

Jim Caviezel: O mueres como héroe o vives lo suficiente para convertirte en villano 

Antes de adentrarnos en la controversia, es importante reconocer el talento y la carrera de Jim Caviezel. Siendo mi (no) Batman preferido como el protagonista de la serie de culto Person of Interest, Caviezel ha dejado una marca imborrable en la industria del entretenimiento. Se dice que Mel Gibson advirtió a Caviezel sobre los riesgos de interpretar a Jesús en La Pasión de Cristo porque malograría su carrera… sin embargo, esta es solo una anécdota. ¿Recuerdan ese revuelo que se armó porque Penn Badgley pidió reducir sus escenas románticas en You? Pues, una de las razones por las que Jim Caviezel ha tenido una presencia más limitada en películas antes, durante y después de Person of Interest es porque el actor ha optado por no filmar escenas de amor. Esta decisión es conocida en el mundo del espectáculo y ha sido determinante en su trayectoria y eso ha llevado a Hollywood a dejarlo de lado en ciertos proyectos. Sin embargo, esto no significa que haya sido “cancelado”. 

Jim, el mejor Batman que nunca fue Batman 

Contrario a lo que se pueda creer, Jim Caviezel ha participado en una variedad de películas, tanto de acción como de tendencia cristiana. Después de La Pasión de Cristo, se le ha podido ver en producciones como Déjà Vu, Mentes en blanco y Outlander, demostrando así su versatilidad y su predilección por cierto tipo de producciones. Es importante tener en cuenta que la elección de sus papeles ha estado influenciada por su rechazo a películas románticas que son más populares y que generalmente despegan las carreras de actores a estrellas de Hollywood, no obstante, también es correcto decir que su carrera ha sido buena. 

Esta es solo una muestra. Según IMDB, Caviezel ha participado en 38 películas.

Sound of Freedom y su controvertida campaña publicitaria 

Ahora bien, centrémonos en la película Sound of Freedom y la campaña que la rodea. Esta producción se adentra en el tema del tráfico infantil, un tema incómodo pero relevante en nuestra sociedad. Por su temática, obviamente no es "atractiva" para Hollywood. Sin embargo, la afirmación de que Hollywood boicotea y no respalda esta película es exagerada y entra en el terreno de las teorías conspirativas. 

Dime con quién andas y te diré quién eres… 

Promover una producción es parte del trabajo del actor. No siempre es fácil. Recientemente, Halle Bailey pasó un incómodo momento en una entrevista mientras promovía la película la Sirenita, mientras que Harrison Ford ha reforzado su papel de viejo gruñón contestando de manera cortante cuando se le pregunta por Han Solo e Indiana Jones. El punto es que no pueden librarse de esas preguntas porque tienen que promover su trabajo. En el caso de Jim, el problema no es el mensaje, el problema es el dónde. Caviezel ha ofrecido entrevistas a figuras como Steve Bannon, Jordan Peterson y Alex Jones. Estos personajes son conocidos por sus discursos de odio y la promoción de teorías conspirativas, como el infame caso de Pizzagate. Hay que recalcar esto: Banon ya tiene una sentencia por su participación en el intento de toma del Capitolio. También está acusado de fraude. Y Jones ha sido condenado por difamación tras promover la idea que el tiroteo de Sandy Hook fue armado. Estos dos personajes de la ultra derecha son expertos en la desinformación y al asociarse con ellos, Caviezel parece dirigirse a un público interesado en estas teorías y con posturas conservadoras y de extrema derecha. En una de sus entrevistas, Jim también menciona al mito urbano QAnon y lo defiende.

La verdad en medio de la controversia

Hollywood tiene sus problemas y también han cubierto seres despreciables como Harvey Weinstein durante décadas. No dudo que existen casos de pedofilia y de sectas dentro de la misma industria. Hollywood es una ilusión y un movimiento lleno de hipocresía y de una tendencia actualmente progresiva y liberal. No obstante, es crucial distinguir entre hechos comprobados y teorías conspirativas sin fundamentos. La película Sound of Freedom no es un documental, como se ha afirmado erróneamente en algunos medios. Los escritores han dejado claro que la historia está inspirada en hechos reales, específicamente en la vida de un agente americano llamado Tim Ballard, quien abandonó su trabajo para dedicarse a la noble misión de rescatar a niños secuestrados. Sin embargo, también es importante mencionar que la historia de Ballard no ha podido ser confirmada por el Departamento de Homeland de EEUU y en otros medios ha recibido críticas por sus tácticas y su falta de comunicación con las agencias encargadas de las operaciones de rescate. Asimismo, también se le reclama una falta de transparencia y rendición de cuentas de su organización. A esto hay que agregarle que una investigación de VICE encontró las historias de Ballard heroícas pero imposibles de verificar.

David (o mejor dicho el pastor mentiroso) vs. Goliath (o algo así como Hollywood)

Hace unos años, Jada Pinkett Smith denunció racismo en los Oscar porque todos los nominados en la categoría de mejor actor estaban llenos de hombres blancos pero sobre todo porque su esposo Will Smith no se encontraba entre los 5 mejores. En realidad no estaba denunciando racismo, solo se estaba quejando porque no habían considerando a su marido. Algo similar sucede con la distribución de Sound of Freedom, puesto que ha sido rechazada por diferentes plataformas streaming como Netflix y Prime y también les costó estrenar su producto diferentes cines. De allí nace el cuento de la batalla que sufrió esta producción para ver la luz del día, pero tengamos en cuenta esto; originalmente, esta película fue producida por Fox en 2018, pero tras la adquisición de Disney, al igual que otros proyectos, fue congelada. Tuvieron que pasar años para que los productores recién recuperaran los derechos para buscarle una nueva productora encargada de su distribución. Otro dato que hay que tener en cuenta las películas que no son blockbusters, o de Marvel o de Warner, suelen encontrarse con varios obstáculos para poder ser estrenadas. Sound of Freedom logró su estreno en  julio, un mes movido que lo llevaba a competir con Barbie, Oppenheimer, Mision Imposible e Indiana Jones. Entre todos ellos, esta película se ve a sí misma como David y en su lucha contra su propio Goliath ha logrado lo imposible... hacerse un hueco en la conversación y denunciar que pese a un boicot (imaginario) llegaron a los cines.

Y de nuevo, los lugares en donde están promocionando la película no son muy amigables con Hollywood. Pese a todos esos inconvenientes y gracias a su campaña de victimismo  conspiranoico, Sound of Freedom ya se ha estrenado con relativo éxito teniendo en cuenta su bajo presupuesto. De hecho, Jim Caviezel ha dicho que le han ganado a Indiana Jones, el estreno de Disney, compañía a la que también acusó de un boicot a su película. Según ha informado, Indiana Jones hizo 11 millones de dólares el día de su estreno mientras que Sound of Freedom ha hecho 14 millones. No se sabe de dónde ha sacado esa cifra. Según Variety, en su día de estreno Indiana Jones and the Dial of Destiny obtuvo 24 millones en su día de estreno mientras que Sound of Freedom al rededor de 14 millones. La comparación no les favorece como creen que lo hace puesto que Indiana Jones es considerado un fracaso pese a que su recaudación sobrepasa los cien millones de dólares. 

Es esencial recordar que la calidad de una película es subjetiva y depende de la perspectiva de cada espectador, pero también es importante tener en cuenta la campaña de publicidad y los discursos asociados a Sound of Freedom. Una campaña que más que alentar una conversación, propone una confrontación y la alienación. 

#Twitter ya fue, ¿a dónde nos vamos ahora?

Imagínate que compraste un negocio por capricho, porque un extraño te retó diciendo: "Deberías comprarlo" mientras te quejabas del negocio. Se suponía que era rentable, pero en realidad estaba endeudado y tenía muchos problemas que considerabas "solucionables" con un poco de voluntad. A pesar de tu estatus de "genio", intentas evitar la obligación de la compra, pero los dueños del negocio te denuncian y no te queda otra opción que comprarlo y "mejorarlo". Tan pronto como llegas, comienzas a tomar decisiones cuestionables bajo el argumento de "mejorar el negocio". Despides a tus trabajadores, no pagas ciertas deudas y causas incertidumbre entre tus principales colaboradores y socios. Pero crees que el negocio está bien, al menos eso piensas porque tienes un grupo de fans que te defienden. Además, estás implementando tus políticas y te ves a ti mismo como el héroe que salvó la libertad de expresión y el derecho de admisión en un negocio que parecía estar dominado por un grupo que detestas. Piensas que puedes generar más ingresos si logras que todos se suscriban al negocio, pero no ofreces nada nuevo porque el negocio se basa en mantener a la gente entretenida y permitir que otros negocios sigan publicitándose en él. Pero un día, de la nada, decides limitar el tiempo en ese negocio. Aunque argumentas que esto es por el bien del usuario, invitándolos a vivir más allá de tu negocio, en realidad estás matando tu propio negocio, porque el negocio depende de que las personas pasen más tiempo en él. Hmm... No parece muy inteligente para un genio, ¿verdad? Bueno, eso es lo que ha hecho Elon Musk, dueño de Twitter, al limitar la visualización de tweets.

Según informó el 1 de julio, las cuentas verificadas podían leer 6000 tweets (uno pensaría que sería ilimitado porque están pagando, pero no), los no verificados (la mayoría) solo podían ver 600 y los nuevos usuarios no verificados: 300. Horas después, reconsideró y actualizó las cifras. Los verificados podrían ver 10 mil tweets, los no verificados mil y los nuevos 500. El dueño de Twitter dice que esta decisión se debe a "los niveles extremos de robo de datos y manipulación de sistemas", mientras que otros hablan sobre la deuda que tiene con Google Cloud como la verdadera razón detrás de lo que podría ser la muerte simbólica de Twitter. 

Si bien es cierto que hay un lado oscuro de Twitter con la cantidad de desinformación y el aumento de los discursos de odio, también hay un lado positivo. De todas las profesiones, el periodismo es el que más depende de esta red social para estar "al día". Hay diferentes ejemplos de la importancia de Twitter en la historia; por ejemplo, en la denominada Primavera Árabe, Twitter fue crucial para la organización de las protestas; en el terremoto en Japón 2011, las personas afectadas utilizaron Twitter para comunicarse, y últimamente, Twitter dio a conocer el intento de golpe de estado en Rusia por parte del grupo Wagner. Diversas autoridades, empresas, equipos de fútbol y servicios de emergencia emiten comunicados mediante Twitter porque saben que tendrán un mayor alcance. Cuando sucede algo, Twitter está ahí y cada "refresh" actualiza la información. Sin embargo, bajo las nuevas políticas de visualización de Musk, esto ya no será posible, ya que 600 tweets o mil tweets pueden agotarse en cualquier momento. 

"Tu errores son mi progreso" 

Los polémicos cambios en Twitter pueden beneficiar a otras redes sociales. Sin embargo, antes de saltar, debes saber que otras redes también han tenido o tienen sus problemas. 

• Reddit: Solía ser una de las más peculiares pero también una de las más interesantes; sin embargo, recientemente también ha sufrido cambios. Desde hace un par de días, para leer Reddit es necesario ser usuario de Reddit, mientras que antes podías leer diferentes foros solo accediendo a la web. Esto se debe a que los mismos moderadores han restringido sus foros como modo de protesta por los cambios en Reddit debido a la nueva política de tarifas a terceros. El panorama es incierto porque actualmente hay una batalla entre usuarios y Reddit, y ninguno parece dispuesto a ceder.

• Truth (la red social de Trump): Parece ser la más favorecida por el anuncio de Twitter, pero se trata de una red social en la que la mayoría tiene una tendencia conservadora, radical, misógina y racista. Básicamente, son seguidores de Trump.

• Tumblr: Esta red social solía ser una de mis favoritas porque era una especie de mezcla de Instagram + blog + Twitter, pero eso cambió cuando se vendió y en su lucha legítima contra la pornografía comenzó a marcar cualquier imagen que considerara "inapropiada", incluyendo hombres sin camiseta y contenido LGBTQ+. Tras años de críticas, ha cambiado su política o, al menos, ha mejorado la moderación de su contenido. Como lo reporta RPP, Tumblr ahora acepta "desnudos", pero nada explícito. Tumblr solía ser cool y parece que está volviendo a serlo; incluso ha troleado a Twitter otorgando verificaciones inútiles a sus usuarios. 

• Mastodon: Esta red social es básicamente como Twitter, pero con un nivel de entrada un poco más complicado, ya que implica elegir un servidor, lo cual puede resultar complicado para la generación de más de 30 años y se percibe como un esfuerzo innecesario. 

• Bluesky: La nueva red social del excéntrico creador de Twitter, Jack Dorsey, que también se asemeja a Twitter. El problema es que se necesita una invitación para ingresar. 

• Threads: Se sabe que Meta, la empresa madre de Facebook, está preparando su propio Twitter. La aplicación fue lanzada el 6 de julio. Entre los aspectos positivos se puede resaltar la poca toxicidad, hasta el momento, además, es una copia de Twitter, entre los puntos débiles está que no existen las tendencias ni los hashtags. Por su lado,, Instagram, que pertenece a Meta, ha implementado el pago por la verificación de la cuenta, una movida que sigue una política impuesta por Musk con Twitter. El problema es que los cambios anteriores en Instagram, como la priorización de los reels, han llevado a sus usuarios a Twitter. 

• TikTok: La nueva generación obtiene noticias y busca información allí. ¿El problema? En varios países ha sido bloqueado por temor a que esté recopilando datos para el gobierno chino.

 Y cuando despertó, Twitter seguía allí

El año pasado se rumoreaba sobre la muerte de Twitter (#RIPTwitter) debido a problemas con los servidores, pero sobrevivió. Cuando comenzaron a cerrarse las oficinas de Twitter en diferentes países, también se pensó que la red estaba siendo desconectada, pero sobrevivió. El límite de visualización de tweets es una de las tantas decisiones polémicas de Musk, y aunque a primera vista pareciera ser el primer clavo en el ataúd, Twitter sigue ahí. La razón de su sorprendente supervivencia es la adicción que todos parecemos tener a ella. Todos sabemos que esta dependencia no es saludable y cualquier dueño de un negocio no solo se daría cuenta de ello, sino que aprovecharía su posición para implementar políticas que mejoren la plataforma y atraigan a un nuevo público. Quizás haría realidad la solicitud de un botón de edición. Cualquier dueño de negocio vería en un problema una oportunidad, cualquiera… excepto Musk.

#TedLasso de Schrödinger: ¿Puede una temporada ser buena y mala al mismo tiempo?

Con su toque mágico de amabilidad y el poder de la amistad, Ted Lasso (Jason Sudeikis) logró que el equipo de Richmond quedara en segundo lugar en la Premier League, la liga futbolística más competitiva del mundo, a solo un punto del Manchester City. Este logro fue un guiño a la campaña de 2021-2022 cuando el título se definió la última fecha y a pesar de ganar su último partido, Liverpool quedó por debajo del campeón Manchester City… por solo un punto. Sin embargo, a pesar de que Ted logró su meta de ayudar al equipo a alcanzar su mejor versión, la tercera y última temporada de la serie ha sido calificada como "mala". Incluso Slate la describe como un desastre, y en cierto sentido, tienen razón. Según el experimento del gato de Schrodinger, un gato puede estar tanto vivo como muerto al mismo tiempo hasta que se le observe y Ted Lasso, como serie, parece encontrarse en un dilema similar: ¿Puede una temporada ser buena y mala al mismo tiempo?

La estrategia del “creer” que dejó de funcionar

 En cada episodio, Ted Lasso logra conmovernos con escenas que nos hacen reflexionar sobre diversos temas, como la ansiedad que padece Ted, los ataques racistas sufridos por Sam (Toheeb Jimoh) o la vida dentro del armario de Colin (Billy Harris) por el temor a la reacción. El fuerte principal y más especial de esta serie era su empatía. Esos momentos “conmovedores” funcionan porque nos podemos en lugar de ese grupo y nos creemos esos discursos, nos contagian la esperanza de "creer" y nos toca el poder de la amistad... Pero en esta última temporada, hubo ciertos momentos que nos alejaron de ese “creer”. Momentos como la noche donde milagrosamente Rebecca (Hannah Waddingham) no fue asesinada pese a que fue prácticamente secuestrada por un hombre en Amsterdam o la forma alucinante en la que Zava (Maximilian Osinski) decide unirse a Richmond y transforma su rendimiento o el inexplicable rompimiento entre Roy (Brett Goldstein) y Keeley (Juno Temple). Esos momentos que resultan difíciles de dirigir rompiendo el encanto “realista” que había caracterizado a la serie. El más afectado por esa falta de consistencia fue Nathan Shelley (Nick Mohammed), a quien jamás vimos tener una conversación real con Ted tras su pelea o disculparse por el trato que le dio a Colin, solo regresó al equipo en un rol mucho menor del que tenía en West Ham. ¿Qué pasó con su ambición deportiva? ¿Todo disculpado y olvidado? 

La falta de obstáculos 

 La verdad es que Ted Lasso funcionaba porque los personajes a su alrededor se resistían a su filosofía de vida. Aunque en la segunda temporada se exploró el positivismo tóxico a través del resentimiento que alberga Nate y que eventualmente lo lleva al “lado oscuro”, en la tercera temporada la mayoría ya estaba convencida de que "el camino de Lasso" los hacía mejores tanto a nivel personal como profesional. Todos habían evolucionado de alguna manera gracias a la influencia de Ted Lasso y la mayoría de estas evoluciones se sentían orgánicas, especialmente Jaime Tratt (Phil Dunster) que pasó de un idiota sexy insoportable a un idiota sensible que ha vuelto a sus enemigos, sus mejores amigos. Pero cuando tienes a personajes maduros, emocionalmente estables y con carreras sólidas y un futuro prometedor, simplemente no tienes trama, no tienes conflictos. 

En cada temporada, Ted tenía que superar algún obstáculo: en la primera temporada era el sabotaje constante de Rebecca, quien quería que el club fracasara, en la segunda temporada era el regreso de Richmond a la Premier League, y en la tercera, se suponía que tendría que enfrentarse a "Nate" y sobrevivir a la temporada. Al ser una serie “realista” no se sabía si es que Ted iba a poder lograr que Richmond llegue a la mitad de la tabla o que Nate alcance su redención de manera coherente. Hay que tomar en cuenta que en la vida real, cuando un equipo logra clasificarse de la Championship a la
Premier es muy difícil quedarse en esa categoría. Sin embargo, Richmond no solo se asegura un lugar en la próxima temporada en la Premier sino que termina en el segundo lugar y calificando a la Champions League. 

Ted Lasso buena y mala a la vez

A pesar de las críticas hacia la tercera temporada, Ted Lasso sigue siendo una serie destacada gracias a sus momentos conmovedores y mensajes positivos. Sin embargo, es innegable que las historias y tramas presentadas en esta última temporada no estuvieron a la altura de las expectativas ni tuvieron una resolución satisfactoria a pesar que todos terminaron en un buen lugar. La serie se enfrentó al desafío de mantener el interés del público después de haber alcanzado un punto de madurez en la evolución de sus personajes que ya habían experimentado un crecimiento personal significativo y no pudo hacerlo. En otras palabras: Fracasó. 

Desde antes que comenzara la temporada final, la teoría más popular era que Ted se regresaría a Estados Unidos. Ya sabíamos cómo iba a terminar, pero igual se me derramó una lágrima viendo la secuencia final viendo a todos felices. Es una reacción natural. Se supone que nos estamos despidiendo de una serie que durante tres temporadas nos hizo creer y nos contagió su optimismo en años atípicos y plagados de comedias que en realidad son dramas. Pero… en el artículo de “Slate” dice que ni siquiera "creyendo" se podía salvar la última temporada y entre sus muchas razones menciona un factor humano que también afectó todos los episodios; las declaraciones ambiguas de los actores e involucrados que insinuaban que esta no sería la final. Se armó una mística, quizás apelando a la popularidad para algún spin off o simplemente expresando el deseo de una posible continuidad de un proyecto que les cambió la vida, y eso dañó la percepción de lo que sería la temporada final porque cuando te dicen que va a terminar, te preparas pero si te dicen que quizás no, entonces, te crea esperanza. Y fiel a su estilo, Ted Lasso nos siguió dando esperanza... El último capítulo deja la puerta media abierta para varios posibles proyectos, pero no creo que ninguno se concrete por más que queramos creer. 

Sí, la última temporada de Ted Lasso es buena (en momentos) y mala (en historias) a la vez. 

La MUERTE del ARROWVERSO

Cuando se decía que el final de “Arrow” implicaba también el comienzo del fin del Arrowverso no era una exageración. Tras la emisión del mega crossover “Crisis on Infinite Earths”, que unificó al multiverso de la DC, incluyendo series y películas, el Arrowverso empezó a desmoronarse como si fuera una casa de naipes sostenido principalmente por la serie a la que le debe su construcción. En este video detallamos las crisis después de la Crisis en Tierras Infinitas, que terminaron con el Arrowverso. Repasamos cronológicamente desde la crisis de los crossover, la crisis de Batwoman tras la salida abrupta de Ruby Rose, la crisis de la pandemia, la crisis de las cancelaciones de Black Litghtning, Legends of Tomorrow, Supergirl, el final de The Flash, la renovación y cancelación de Superman and Lois y con ello el final del Arrowverso. 

También explicaremos cómo nació el Arrowverse, ¿por qué no hubieron más crossovers en el Arrowerse?, ¿por qué se fue Ruby Rose de Batwoman?, ¿dómo afecto la pandemia al Arrowverse?, ¿cómo terminó Supergirl?, ¿por qué se fue China Anne McClain de Black Litghtning,?, ¿Por qué cancelaron a Legends of Tomorrow? ¿Y cómo terminó Legends of Tomorrow? ¿Por qué renovaron a The Flash? 10:00 La crisis de Iris: ¿Por qué la gente odia a Iris West? y ¿Por qué se fue Jordan Elses? y finalmente: ¿Cómo murió el Arrowverse? 

#SnyderCut: El paragón de la justicia

Se podrá decir mucho sobre el “Snyder Cut”. Por supuesto, la opinión que se tenga sobre esta nueva y extensa versión de 4 horas de duración de “Liga de la Justicia” depende mucho de la subjetividad y de lo familiarizado que estamos con la formula impuesta por Marvel en lo que películas de superhéroes se trata, pero también de lo que sabemos de la historia detrás del denominado “Snyder Cut”. Lo que es cierto es que el “Snyder Cut” está ligado a una multitud de casualidades, entre batallas internas de poder, una tragedia familiar y el oportunismo de HBO Max, todo eso hace que este lanzamiento sea un triunfo extraño, único e irrepetible, tanto de Zack Snyder, de sus fieles seguidores y también, por qué no aceptarlo, de HBO Max. 

En un extenso artículo de Vanity Fair titulado "La Liga de la Justicia: La impactante, emocionante y desgarradora historia real del #TheSnyderCut" y en el video “la verdadera historia y polémica detrás del “SnyderCut” del Monitor Geek, se detallan los pormenores y el contexto en el cual surgió esta nueva versión de “La Liga de la Justicia”. El conflicto entre visiones de Zack Snyder y el estudio Warner Brothers fue un secreto a voces en la industria. Snyder no es el primer director que tuvo que luchar para prevalezca su visión, pero para su mala suerte, “Batman v Superman: el origen de la justicia” recibió malas críticas y un recibimiento tibio en el cine. En ese sentido, el estudio realmente necesitaba que “La Liga de la Justicia” reivindicara el magullado universo cinematográfico de la DC. En ese momento, en la Warner Brothers existía una lucha de poder ya que por un lado estaban la DC, los directivos del estudio, los productores y por el otro, Zack Snyder. Los enfrentamientos eran constantes y pese a la resiliencia de Snyder, el estudio le perdió la fe, pero Snyder no dejó de pelear hasta que su hija, Autumn, se suicidó. Es entonces que Zack Snyder decide dar un paso al costado y concentrarse en su luto. 

No es la primera vez que un director abandona un proyecto, pero generalmente, no es tan público. La WB decidió vender la narrativa que tras su tragedia familiar, Snyder le había dejado la posta a Joss Whedon, el creador de “Buffy” y “Firefly”, que venía de dirigir “Avengers” y “Age of Ultron”. Para el estudio, Whedon “arreglaría” “La Liga de la Justicia” y eso significaría un reboot del universo cinematográfico de la DC. En teoría, Whedon iba a complementar la visión de Snyder, pero en la práctica, Whedon rehizo la película, mando a volver a grabar ciertas escenas y agregó otras historias. Aquí es donde se origina el famoso caso del “mustachegate”, lo que debió ser un mal augurio. Como se sabe, el “mustachegate” se refiere a la barba de Henry Cavill en “Mission Impossible”. El estudio de Paramount prohibió a Cavill afeitarse, lo que complicaba los reshoots de “La Liga de la Justicia”, por lo que la Warner Brothers tuvo que borrar digitalmente esa barba, algo que costó muy caro y que no quedó tan bien que digamos. El ”mustachegate” sería una de las tantas razones por la cual “La liga de la Justicia” de Joss Whedon fracasó terriblemente. Ante las malas críticas, la WB sacó cuerpo e incluso Whedon también. Lo que sea que habíamos visto era un Frankstein extraño de Whedon y de Snyder. Lo que habíamos visto era culpa de la WB. Ante los ojos de sus fervientes fanáticos, Snyder era el “David” de la Goliat de la WB y la Goliat había cometido un gran error; había destrozado la versión de Snyder. Entonces, se comenzó una campaña a su favor porque estaba claro que Whedon no había continuado la visión de Snyder. “Relase The Snyder Cut” llegó a ser uno de esos movimientos en internet que consigue lo que quiere a través de la presión. El fandom, como el mismo Snyder lo ha aceptado, está compuesto por de todo, hay toxicidad, sí, pero también solidaridad. Se alquiló una pantalla en Nueva York demandando el Snyder Cut, pero la mitad del dinero que se gasto fue para una fundación en prevención del suicidio.

Si pudiéramos definir un momento en que las estrellas comenzaron a alinearse a favor de Snyder diría que fue cuando Ray Fisher (Cyborg) denunció los maltratos que había sufrido por parte de Whedon. Además, también acusó a los directivos de la WB de proteger a su nuevo director, aunque esa protección era más interés que convicción. Joss Whedon no “salvó” a la DC. Whedon hizo lo que sabe hacer, lo “whendorizo”; le metió colores y chistes pin pon. Ahora tras ver el “Snyder Cut”, es bastante evidente que todo lo incomodo de “La Liga de la Justicia” de Whedon fue producto de Whedon y aquella formula que le funcionó a Marvel no puede aplicarse a todas las películas esperando el mismo resultado. Lo que siempre ha necesitado la DC era diferenciarse de Marvel y, sin embargo, Whedon no conoce otro estilo más que el suyo. Las denuncias de Whedon se intensificarían a principios de este año con una carta escrita por Charisma Carpenter, la recordada Cordelia Chase en "Buffy" y "Angel", pero ese ya es otro tema. Para entonces, Whedon por su propio comportamiento, por sus propios clichés, estaba al otro lado del espectro, ya no era el director admirado, sino un cliché andando, ya no era ese creador genio, era un machista, pero, sobre todo, era responsable del fracaso de “La Liga de la Justicia”. El estudio también se convirtió en el enemigo principal de los fanáticos, pues, habían privado a Snyder de su visión. La campaña siguió adelante y cada vez tenían más apoyo, incluso del propio Snyder. En la Red Carpet de “La Liga de la Justicia”, Snyder le dijo a Kevin Smith que un modo de retribución que tuvo ante el aprecio expresado por la campaña del “Snyder Cut” fue publicar fotos y detrás de cámaras de la película, pero jamás se imaginó que el Snyder Cut pudiera ser una realidad. 

Y tenía razón, pues, que un director presente su montaje extendido suele sucede, pero que un director que ha tenido problemas por la interferencia del estudio sea capaz de mostrar su producto como siempre quiso es un caso imposible. De hecho, David Ayer, el director de “Suicide Squad”, que también vio mellada su visión por interferencia del estudio, también quiso hacer su campaña, pero no funcionó.

¿Por qué funcionó la campaña del “Snyder Cut”? 

 Para entender esto es necesario saber que Snyder es uno de los directores más amables de Hollywood. "En un momento de historias de creadores abusivos, Snyder es una anomalía", dice la nota de Vanity Fair. Esto es algo repetitivo, diversos actores y gente de producción han destacado el ambiente laboral del set con Snyder, en especial los involucrados en “La Liga de la Justicia", lo que contrasta con las experiencias que tuvo el mismo equipo con Whedon. Entonces, cuando algo malo le pasa a alguien bueno genera emociones más fuertes, cuando una injusticia le toca a alguien bueno, pues, necesita reivindicación. A esto hay que añadirle que el 2020 fue un año anómalo. Se desató una pandemia que llevó a acelerar los planes de las plataformas streaming y HBO lanzó HBO Max, que no es HBO GO, en realidad, aun hay mucha confusión respecto a HBO Max, pero el punto es que HBO Max no tenía mucho que ofrecer y tampoco contaba con el tiempo suficiente para desarrollar nuevos proyectos. En este contexto, Warner vio el potencial del “Snyder Cut” sobre todo por la publicidad gratuita y la oportunidad de hacer algo sin precedentes en su nueva plataforma. Es un win-win para todos. De ese modo, el “Snyder Cut” pasa de ser una anécdota a una de esas historias de resiliencia y reivindicación que tanto que encantan a Hollywood porque el “Snyder Cut” es básicamente la justicia divina solidarizándose con Snyder. 

 Nunca sabremos si es que esos críticos que ahora le dan un buen review al Snyder Cut, les habría gustado igual si no se supiera el periplo de Snyder. Lo cierto es que esas cosas tan Snyder que sacaban de quicio a sus críticos, como los slow motion, el estilo barroco, la solemnidad hortera, los planos estéticos, pero sombríos, ahora son vistos con otros ojos, quizás porque en comparación tiene más coherencia que la versión de Whedon. El mayor mérito del “Snyder Cut”, como lo señala este articulo de Slate, es que se atreve a arriesgar y se aleja bastante de las películas de Marvel. “La Liga de la Justicia de Zack Snyder” es un blockbuster con una personalidad, algo sumamente importante, pues, de las 20 películas de Marvel, solo la primera de “Ironman”, “Avengers”, “El Soldado de Invierno”, “Guardianes de la Galaxia” y “Thor Ragnarok” y “Pantera Negra” destacan por su personalidad, lo que Slate describe como “idiosincrasias y riesgos que indican las huellas dactilares de alguien en toda una obra de arte en lugar de un producto corporativo pulido y pulido”. En otras palabras, son las huellas del director lo que hace cool una película.  Para bien o para mal, Snyder puso los cimentos del universo cinematográfico de la DC y lo hizo con una propuesta que parecía ser la antítesis de lo que presentaba Marvel, su competencia más directa. Mientras que los héroes de Marvel eran personas con poderes extraordinarios, los de Snyder eran dioses que necesitaban reconectarse con su humanidad. Cabe resalta que Snyder es de esos directores que goza de un estilo propio, pero cuyas películas siempre terminan siendo vapuleadas por los críticos y ocasionando discordia entre los fanáticos. El “Snyder Cut” es un proyecto personal de Snyder pero también es una muestra de que pequeños detalles pueden cambiar una película, de ese modo, Cyborg se convierte en el corazón de la película, no se cosifica a Wonder Woman y la historia se siente más orgánica. ¿Tiene Fanservice? Por supuesto que sí, pero… ¿qué película de héroe no tiene un fanservice? Si fuera así, ahora mismo no habría un boom de cuentas en Youtube explicando los dichosos easter eggs. Sin embargo, el mejor guiño de la película no nace de un comic; se encuentra en un cartel que tiene como mensaje “Tú no estás solo”. Flash no está solo. Tampoco lo está Zack. Ni tu tampoco. Todos conocemos el contexto. Es difícil separar la historia detrás de la película de la propia película en especial cuando al final de la película aparece “Para Autumn”. 

Joe Manganiello (Deadstroke) calificó al Snyder Cut como un “experimento sin precedentes” en la historia del cine, pero la verdad es que la WB jamás habría permitido el estreno de una película de 4 horas en el cine, sí en una plataforma streaming. Si la gente ve una temporada completa en un día, bien puede aguantar 4 horas. Por el momento, todos están disfrutando este evento raro y único, aunque la WB ya puso el freno descartando haya una secuela de Snyder, eso no ha impedido que la campaña “Restore the Snyderverse” haya resurgido en las redes. El actor Joe Morton, que le dio vida al Dr. Silas Stone, considera que la industria debe escuchar más a las campañas y debe “darle a la gente lo que quiere”. Pero según los estándares de la WB, la versión de Josh Whedon es canon, mientras que la de Snyder no. Además, la WB ha pedido que se refieran al Snyder Cut como “La Liga de la Justicia de Zack Snyder”. Decisiones que no se entienden y que no tienen sentido. 

Lo de Zack Snyder es un caso extraño. Si no fuera real, bien podría ser la premisa de una película de héroes, a la que tanto nos tiene acostumbrados Hollywood, esa donde el protagonista tiene una misión, pero se enfrenta a diferentes obstáculos y personas que frenan su esfuerzo, y cuando parecía que las cosas no podían ir peor, una tragedia personal lo obliga de alejarse de ese proyecto, después de un tiempo, las circunstancias se alinearon para que él pueda completar su misión, pero ya no se trata de solo una misión, es un proyecto personal. Por el momento, Zack, el director predilecto del internet, ha sido reivindicado, y hasta va a lanzar una versión en blanco y negro de su “Liga de la Justicia”.

#GreysAnatomy: La insuperable muerte de Lucy Knight

El 11 de marzo, la semana pasada, “Grey’s Anatomy” volvió a matar a uno más de sus tantos doctores. Los que vamos siguiendo esta serie por más de una década ya estamos acostumbrados a estos “doctorcidios”, son algo así como su jugada favorita, su cliché preferido, su megahit. Así que ya estamos preparados; sabemos que alguien en algún momento morirá; puede ser en el primer episodio de la temporada, a la mitad de la temporada, en el regreso de la mitad de temporada o al final de temporada, como cliffhanger, la cosa es que alguien tiene que morir. La última víctima de “Grey’s” es Andrew DeLuca (Giacomo Gianniotti) y su muerte, pues, evoca demasiado a la muerte más impactante en las series médicas, una muerte que parece haber inspirado esta tendencia pero que nunca, no importa cuánto se intente replicar, jamás se podrá superar el impacto que tuvo esta muerte. Estoy hablando por supuesto de la muerte de Lucy Knight (Kellie Martin) en “ER”. 

Mucho antes que “Grey’s” convirtiera el matar médicos de la manera más karmática posible en algo habitual, en el 2000, “ER” emitió un episodio que hasta el día de hoy atormenta al espectador por mostrar uno de los momentos más chocantes en la historia de la televisión. “ER”, la serie médica más popular del momento, llegaba a un poco más de la mitad de su sexta temporada sin ningún giro inquietante, lo que era lógico, pues, su estilo se apoyaba en el realismo de la vida de los doctores de emergencia de un hospital. Quizás por eso, el episodio “Be Still My Heart” impactó tanto y es que entre los casos de emergencias que se vio en el capítulo, el que se tratara a un paciente esquizofrénico pasaba desapercibido. No había ningún misterio médico, ninguna conexión emocional, el máximo problema que había causado este paciente fue una breve discusión entre Lucy y John Carter (Noah Wyle). Sin embargo, el final del episodio nos presenta una escena traumatizante; el paciente termina apuñalando a Carter por la espalda y cuando este cae al piso, se nos revela que Lucy también ha sido apuñalada y que ha estado desangrándose durante un largo tiempo en el piso de esa habitación. La iluminación, la tensión, la actuación, el manejo del tiempo y muchas cosas más hacen de este momento “la escena” del episodio. Lucy agonizando y Carter perdiendo la consciencia es uno de los recuerdos más profundos y dolorosos de “ER”, que, hasta ese momento, no había tenido ninguna muerte tan impactante o si quiera brutal de sus médicos. 

El episodio siguiente “All in the Family”, la continuación de “Be Still My Heart”, comienza con la fiesta de San Valentín que es interrumpida luego que la Dra. Weiver (Laura Innes) descubre a Carter y Lucy en el piso desangrándose. El título del episodio hace referencia a lo que sucede después, todo el equipo médico se aboca a salvar a los dos. “Todo en familia”. Todo el esfuerzo, la desesperación y también la pena. Este episodio tiene la escena más desgarradora cuando Lucy termina muriendo antes de poder ser operada por segunda vez. La historia de la muerte de Lucy Knight cambió por completo “ER” y marcó un antes y un después en cuanto a muertes ficticias en series médicas. “ER” cruzó la línea; hizo lo impensable y desde entonces, nadie estaba seguro y los médicos podían morir de manera brutal. Aunque es imposible teorizar cuál hubiera sido el impacto si este capítulo hubiera sido emitido en tiempos de redes sociales, se sabe que más de 30 millones de personas vieron el episodio “All in the Family” en vivo y en directo y aun hoy, 20 años después, seguimos hablando de la muerte de Lucy como uno de los momentos más épicos de una serie que duró 15 años. En una reciente entrevista para Entertainment, Kelly Martin aseguró; 

“Definitivamente es un momento en el tiempo de la televisión que nunca podrá repetirse. Nunca volverá a ser así. Definitivamente no pensé en lo traumático que sería para la gente”.

 20 años después, se sabe que Kelly Martin decidió renunciar a la serie tras la muerte de su propia hermana en la vida real. Así que se construyó la historia de la partida de Lucy, la cual impactó significativamente en la historia de Carter, no obstante, nadie se podría haber imaginado que su salida se iba a convertir en uno de los momentos más importantes de la serie. 

Hay ciertos paralelos entre Andrew DeLuca y Lucy Knight. Lucy era una de los personajes secundarios favoritos de la serie y lo mismo se puede decir de DeLuca, los dos tuvieron una relación especial con sus mentores, Carter y Meredith, y los dos murieron en el hospital rodeados de doctores amigos que luchaban por salvarlos. Sin embargo, la gran diferencia de estas muertes es que, gracias a la escena de la playa, la partida de DeLuca no se siente tan traumática y en un año lleno de pérdidas mundiales con una pandemia que no termina nunca, ver a DeLuca reencontrarse con su madre en aquella playa/limbo es reconfortante porque al menos sabemos que alguien lo espera en el más allá y que no se fue solo. Mientras que en “ER”, no hay ninguna escena reconfortante respecto a la muerte de Lucy y la última escena que tenemos de ella es su cuerpo en una fría camilla del hospital. 

 De hecho, la incorporación de la playa, una suerte de limbo entre la vida y la muerte, en esta temporada de “Grey’s Antomy”, además de ser la excusa perfecta para no tener a su protagonista en coma toda la temporada, da un cierre sobrenatural a la historia de DeLuca. Sin mencionar que la playa/limbo es una libertad creativa que nos ha permitido volver a ver a los dos personajes más populares de la serie y que, en su momento, murieron de manera atroz, Derek y George, quienes sorpresivamente regresaron para reencontrarse con Meredith. Ahora, no ha tenido que pasar 20 años para saber que la muerte de DeLuca estuvo preparada para el final de la temporada 16, pero debido a la pandemia se paralizó la producción y la historia tuvo que postergarse. Sin la pandemia, no habríamos tenido la playa y sin la playa, pues, no habríamos tenido ese reencuentro que le deja un sabor agridulce a la muerte de DeLuca.

De todas las muertes en “Grey’s”, la de DeLuca es la más parecida que hemos tenido a la de Lucy Knight, ambos fueron apuñalados, aunque en circunstancias diferentes, pero no se trata de la más impactante. Por supuesto, aquí interviene la subjetividad, la muerte de George (T.R. Knight) casi hizo que deje de ver “Grey’s”, la de Derek (Patrick Dempsey), me fue indiferente, pero sí llegó a “romper el internet”, pese a que minutos antes ya se había filtrado la salida del actor de la serie, lo que en el mundo de Shondaland, es sinónimo de muerte, pero la de Lucy Knight, me tocó de una manera diferente y eso que lo vi en una de las tantas repeticiones que la WB emitía la serie por las tardes, pero en ese tiempo no habían redes sociales y por eso los spoilers estaban contenidos. Entonces, si bien seguía la serie que iba por la décima u onceava temporada sin Lucy, no sabía el por qué Lucy ya no estaba y jamás imaginé que una muerte pudiera tener tantas repercusiones en cuanto a historia, no solamente en la conmoción de suceso sino en el impacto psicológico que tuvo en Carter, cuyas consecuencias emocionales y físicas tras el apuñalamiento seguirían hasta el final de la serie. 

 Con 356 episodios y contando, “Grey’s” superó los 331 episodios emitidos de “ER” y le quitó el récord de serie médica más longeva de la televisión americana. En el récord de la tasa de mortalidad de doctores, ambas series están casi empatadas, aunque “ER” aún conserva la muerte más sádica gracias al helicóptero que mató al Dr. Romano. En el raking de las muertes más tristes de “Grey’s” se abre un espacio más para DeLuca, pero es posible que no alcance el top 5; cuyos espacios están reservados para Denny, Lexie, George, Mark y Derek. No quiero decir que “Grey’s” se está quedando sin médicos para matar, porque siempre pueden introducir personajes nuevos, no obstante, hay un gran chance que la decimoséptima temporada podría ser la temporada final. Según la showrunner de la serie Krista Vernoff, se está aproximando al final de temporada como a un potencial final de la serie. Y con los cameos que se han dado esta temporada, especialmente, el de Derek, se siente que la serie se está despidiendo. Así que no nos sorprendamos si la última víctima de la serie sea su heroína principal Meredith Grey después de una larga batalla contra el COVID-19... que si bien impactará y conmocionará, no superará la muerte de Lucy Knight.

#KimmyvsTheReverend: Selecciona tu aventura

En el 2018, la pionera de las plataformas de streaming, Netflix, decidió dar un paso más allá para diferenciarse por completo de su cada vez más incrementada competencia. Para esto, presentó con bombos y platinos un episodio interactivo de la serie del momento “Black Mirror” que prometía, en primera instancia, ser el futuro de las series. Por ese entonces, “Black Mirror”, una de las producciones distópicas más populares en los últimos tiempos, comenzaba a tropezarse con una piedra gigante llamada "realidad" y es que esa mirada sórdida y siniestra de futuro deshumanizado que nos presentaba en cada episodio, cada vez se sentía más como una advertencia y no como ciencia ficción hasta el punto que la serie fue sobrepasada por acontecimientos reales. En un mundo cada vez más “Black Mirror”, “Black Mirror” decayó en calidad, pero aun contaba con ese plus de brindarnos giros alucinantes que nos rompían la cabeza, por supuesto, eso fue antes que esos giros se transformaran en un cliché predecible. Entonces, el capítulo interactivo funcionaría en teoría porque iba involucrar al propio espectador. En otras palabras; el espectador tenía el poder y podía ser parte de ese truco mágico del giro inesperado. 

Pero la teoría es una cosa y la realidad es otra. 

“Black Mirror: Bandersnatch”, el episodio interactivo de “Black Mirror”, se admira más por el esfuerzo de querer concretar una idea revolucionaria que al igual que los autos voladores en “Volver al Futuro”, anhelamos que algún día se den, pero que con los prototipos de autos voladores que tenemos en la actualidad, agradecemos que todavía sean solo una buena idea. Lo mejor que se puede decir de “Bandersnatch” es que se sintió como un videojuego sin acción donde lo más interesante era descubrir ese giro marca “Black Mirror”. La comparación con los videojuegos es más que apropiada, incluso la propia historia expresaba gritos ese paralelo; “Bandersnatch” giraba alrededor de Stefan Butler, un joven que comienza a trabajar en una compañía de videojuegos en los 80’s y que se obsesiona en desarrollar un videojuego donde el jugador tiene la opción de elegir su propio camino. Y los momentos en el que el espectador tenía que elegir entre una opción u otra era casi como poner pausa a al juego, literalmente, Stefan se quedaba como congelado. 

En marzo del 2018, Netflix anunció que “Unbreakable Kimmy Schmidt” también tendría su especial interactivo, el cual se estrenaría en el apocalíptico 2020. El especial de Kimmy Schmidt se dejó disfrutar mucho más que “Bandersnatch”. Ya sé, obviamente, dirán que son cosas diferentes, las dos series no podían ser más diferentes entre sí, pues, una es una comedia y el otro es el spoiler alert del mundo real y quizás ese sea el punto. “Bandersnatch” era demasiado serio como para que la interacción funcione y tal vez, eso explica por qué “Kimmy Schmidt vs El reverendo” no se siente como un videojuego, sino como lo que es; una comedia. En cuanto a historia, “Kimmy Schmidt vs El reverendo” seguía la aventura de Kimmy (Ellie Kemper) en busca de las otras mujeres que fueron secuestradas por el reverendo (Jon Hamm), días antes de casarse con el príncipe Frederick (Daniel Radcliffe). Si uno elegía que Kimmy se case en lugar de ir a salvar a las víctimas del reverendo, el especial interactivo terminaba rápidamente. Pero a diferencia de “Bandersnatch”, los momentos en donde el espectador tiene que escoger entre una acción u otra no son pausas sino guiños humorísticos.

De hecho, el humor y la propia historia estaba consciente que la interacción con el espectador es parte de la broma. Cada elección del espectador tenía como recompensa una excentricidad clásica de Kimmy Schmidt y si tomábamos la decisión “incorrecta”, pues, también éramos “corregidos” por los mismos personajes porque estábamos eligiendo algo que no estaba acorde con lo que conocemos de Kimmy, Titus, Jaqueline, Lilian, ect. Y si bien, el humor le da un plus, tampoco estoy diciendo que todo especial interactivo necesita ser comedia, solo que tiene el chance de funcionar mejor, pero tampoco depende de eso. Un ejemplo es el especial interactivo “You vs. Wild”, en donde lo llamativo era poner a Bear Grylls en situaciones peligrosas. Nosotros elegíamos el camino que tomaba, lo que tenía que comer y su “supervivencia” dependía de nuestras decisiones y los que tenemos un lado oscuro queríamos verlo sufrir, mientras que los que tenían un espíritu más explorador, formaron parte de una aventura. Esa es la gracia de estas producciones, que uno seleccione su aventura, pero para esto, la aventura tiene que ser más que interesante, tiene que no solo atrapar al espectador, sino que envolverlo mucho más que una serie normal porque en una serie normal puedes chequear el celular, pero en una serie interactiva no deberías hacerlo.

 Pese a las críticas, creo que “Bandersnatch” fue la prueba beta que Netflix necesitaba para distinguirse, hasta el momento, es la única plataforma que ha producido varios especiales internactivos, pero era claro que no estaban buscando marcar una tendencia. Este tipo de producciones llevan más tiempo para desarrollarse, por eso, a Kimmy le tocó estrenarse en el año 2020, un año lleno de dolor debido a las pérdidas humanas por la pandemia ocasionada por el covid-19, un año clasotrofóbico en el que las plataformas se volvieron una válvula de escape de una realidad triste. De hecho, las series más vistas durante la pandemia han sido comedias. En ese sentido,  el especial interactivo de Netflix terminó siendo una de las mejores producciones en ese nefasto 2020. Tal vez es algo así como el ejemplo a seguir para futuras producciones interactivas que no es lo mismo que ser el futuro de las series. Está claro que el futuro de las series no estaría en la interacción, por lo menos todavía no y es posible que no lo sea nunca.