#DaisyJonesandTheSix y #HIMYM: Explorando Cierres

Existe un TikTok bastante popular que, al resumir series como "The Last of Us" y "Stranger Things", revela que no solo comparten varias similitudes, sino que en esencia tienen la misma trama, aunque en diferentes escenarios, contextos y con distintos personajes. Resulta sorprendente descubrir que "Daisy Jones and The Six", una serie basada en el libro de Taylor Jenkins Reid, que a su vez se inspira en la historia real del drama amoroso entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham de la banda Fleetwood Mac, es esencialmente un "How I Met Your Mother", pero en forma de docuserie, sin comedia y centrada en la música. Sin embargo, mientras que "How I Met Your Mother" tiene un final que divide a los fanáticos, la conclusión de "Daisy Jones" es un cierre hermoso y adecuado. ¿Cómo lograron esto? 

La respuesta, en realidad, no es un misterio; se trata de la ejecución, un giro interesante y un contexto más amplio. Advertencia de spoilers para el último episodio de "Daisy Jones and The Six". La serie puede dividirse en dos partes: un documental realizado 20 años después de que una banda se separara tras su primer y único álbum. Esta parte, donde los miembros de la banda hablan sobre su pasado, complementa la parte de la serie que muestra los conflictos amorosos entre ellos. Los protagonistas principales son Daisy Jones, enigmática y talentosa, Billy Dunne, de actitud reservada, y su esposa, Camila Alvarez. A lo largo de la primera temporada, Daisy y Billy se enamoran, pero nunca logran concretar su romance debido a diversas circunstancias, incluida la presencia de Camila. Aun así, la intensidad de sus sentimientos es tan palpable que su música es una expresión de los mismos. Billy, quien tiene un historial de infidelidades y lucha con adicciones, se somete a rehabilitación para ser un mejor padre y esposo. Por su parte, Daisy Jones, una escritora talentosa, busca abrir un nuevo camino en la música. A lo largo de la serie, Camila y Daisy mantienen una relación de amistad y admiración mutua. Por eso, cuando llega el momento de tomar la decisión, Billy decide abandonar la banda en medio de un concierto y Daisy solo acepta que lo tiene que dejar ir. 

Ahora, con el contexto establecido, es interesante analizar la ejecución; a lo largo de la trama, se establece que Billy siente un profundo amor tanto por Daisy como por Camila. En el caso de "How I Met Your Mother", la mayoría conoce su controvertido final. No obstante, es relevante recordar que durante toda la serie, Ted cree que Robin es la indicada, incluso cuando no es saludable, se aferra a esa idea. Para su mala suerte, son pocos los momentos con Tracy/Madre, aunque se deja claro que Ted la amó y la consideró “the one”. Pese a ello, algunos interpretaron que Tracy era un "premio de consolación" para Ted, un medio para cumplir su sueño de ser padre. Poco después del último episodio, se lanzó una escena adicional en la que Ted elige a Tracy por encima de Robin, cuando esta última cuestiona cómo hubieran sido las cosas. Esta escena, ambientada en una cafetería, es incómoda y refleja la crisis de Robin a los 40, mientras observa que sus amigos siguen adelante y ella parece estancada. Esta escena eliminada aporta un contexto más profundo a la compleja relación entre Ted y Robin. 

En el último episodio de "Daisy Jones", se revela que la hija de Sam y Camila está grabando el documental, lo que explica por qué los miembros de la banda, incluida Daisy, hablan abiertamente sobre sus problemas y sus enredos amorosos. En este punto, se revela que, después de una trágica enfermedad, Camila falleció, pero antes de su muerte, dejó un video para Billy en el que le aconseja ponerse en contacto con Daisy porque le deben "una canción", lo que da paso al reencuentro final entre Billy y Daisy. 

Por su lado, una de las principales críticas a "How I Met Your Mother" es que en la secuencia final, los hijos de Ted le dicen que la historia de cómo conoció a su madre no se trató sobre “la madre” sino que se centraba en su compleja relación con Robin porque él seguía enamorado de ella, y esta era su forma de pedir permiso para volver a intentarlo con ella, ya que habían pasado años desde la muerte de Tracy. Esta secuencia se filmó en las primeras temporadas y se siente desactualizada, forzando el reencuentro apresurado de Ted y Robin. Aunque claro vale la pena resaltar que los hijos de Ted y de Billy, respectivamente, son los que alientan a que sus padres busquen de nuevo a aquella mujer que les marcó la vida.

En el caso de "Daisy and The Six", la serie concluye con una impactante imagen: Daisy abre la puerta y allí se encuentra Billy. La vida finalmente les concede la oportunidad de construir una relación que trascienda la música. Por otro lado, la escena final de "How I Met Your Mother" rinde tributo al primer episodio, mostrando a Ted buscando a Robin con la icónica trompeta azul. Aunque ambas series comparten un final similar en su esencia, "Daisy Jones and The Six" logra una construcción más sólida y coherente, en línea con su narrativa, mientras que el desenlace de "How I Met Your Mother" resulta apresurado, careciendo de algunas escenas que podrían haber generado un contexto más adecuado para su cierre. Estas dos producciones son fascinantes por sí mismas pero también para analizar cómo se desarrollan los personajes y cómo un final puede fortalecerse o debilitarse según el contexto que se le brinde y la ejecución que se le da.

Aquí un video corto sobre la nota:

@alegna301

"¡Mismos finales, diferentes historias! 📚📺 Comparando los sorprendentes desenlaces de #HowIMetYourMother y #DaisyJones. ¡Alerta de spoiler! 🔍 Si aún no has visto ambos finales, ten cuidado. Si quieres una opinión más detallada, visita mi blog en elyalovi.blogspot para un análisis detallado! 💥 #FinalesSimilares #tedmosby #daisyjones

♬ sonido original - Ángela Luna Alarcón

La crisis de #Marvel: Fase 4

Durante mucho tiempo se dijo que Marvel había encontrado la fórmula perfecta para sus películas. Pero luego llegó el final de la Fase 3 del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU); Endgame; y lo cambió todo. De hecho, Marvel cayó en el mismo error que el Arrowverso después de "Crisis Infinita", tras marcar un hito importante, sentar las bases para una nuevo mundo, parecía prometer una mayor conexión entre las producciones, sin embargo, al igual que en Arrowverso, en Marvel todo volvía a estar como antes con producciones independientes entre sí y con cameos o apariciones fugaces. Con eso, la Fase 4 empezó con demasiada expectativa sobre sus hombros y con una dirección que no parecía estar definida. Era como si fuera un periodo de transición y para menguar el camino, se le daba a los fans lo que querían o al menos lo que ellos pensaban que querían. 

La crisis del multiverso

Después de la conclusión de la Saga del Infinito en Avengers: Endgame, Marvel Studios tenía la oportunidad de explorar nuevos territorios, presentando nuevos personajes y conceptos, sobre todo, el multiverso. Una de las cosas que los fanáticos han pedido más es que Marvel Studios junte a más personajes en la pantalla. Esto se hizo en cierto modo en Spider-Man: No Way Home, pero después vino Doctor Strange in the Multiverse of Madness, una decepción para muchos, ya que se centró más en cameos que en una historia sólida. Para su mala suerte, antes de Doctor Strange, se estrenó una película que exploró el concepto del multiverso con un presupuesto mucho menor y que con poco, hizo de todo, convirtiéndose no solo en una de las mejores películas del 2021, sino en el estandarte de las películas sobre multiverso. Estoy hablando de Everything Everywhere All at Once, cuyo mayor atractivo fue el hecho de que ante todo era una película original y creativa, ofreciendo una experiencia cinematográfica única. 

En ese sentido, no se puede decir que Black Widow, Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings y Eternals ofrecían algo nuevo porque estas películas seguían la fórmula Marvel de introducción de personajes. En el caso de Black Widow, se trató de una película que se desarrollaba entre Civil War e Infinity War al mismo tiempo que era una suerte de despedida de Natasha tras Endgame. Mientras que por su lado, Thor: Love and Thunder, y Ant-Man and the Wasp: Quantumania, fueron destrozadas por la crítica por sus guiones poco originales, sus personajes planos y su falta de innovación. 

La crisis de las series de Marvel 

Tras Endgame, Marvel había planeado varias producciones, incluyendo, por primera vez en su historia series que tendrían una conexión directa al MCU. Pero de todas las series que se liberaron en Disney+, solo WandaVision y Loki, han sido elogiadas por su originalidad y su innovación. Después, todas ellas; Falcon and The Winter Soldier, Hawkeye, Moon Knight, Ms. Marvel y recientemente Secret Invasion, han tenido los mismos problemas: una trama madura con un potencial tremendo en el lado humano que no termina de desarrollarse por completo, y pese a contar con el tiempo, se desarrollan con un ritmo lento y al final terminan en el mismo modo Marvel; una gran secuencia final, con muchos efectos especiales, sin tener mucha repercusión. Es más en algunos casos, estas series simplemente fueron para introducir personajes, como Ms. Marvel y Moon Knight, que serán utilizados más adelante en diferentes proyectos, dejando un sabor agrio. 

En un punto aparte debemos analizar a She-Hulk: Attorney at Law. Esta producción, hasta el momento, es la más traviesa, la más friki y también la más odiada de Marvel. Es una sitcom con un tono ultra meta, pero su humor no siempre es acertado. Podría haber tenido mejores historias, pero sí fue diferente. Sin embargo, fue altamente criticada por su humor "vulgar" y la representación de la sexualidad femenina. Por alguna razón (misógina), los hombres no quieren ver a un personaje femenino fuerte, independiente y que le gusta tener sexo. Quién sabe por qué. Nadie le hizo problemas a Matt Murdock cuando se acostó con casi todas sus coprotagonistas en Daredevil, pero sí a She-Hulk. 

Otra ironía es que What If..., la primera producción animada de Marvel, es quizás la más original que ha ofrecido hasta el momento incluso que más Loki ya que sí aprovecha el multiverso. Sin embargo, también se comete el pecado de terminar de nuevo en un modo muy Marvel uniendo todas las historias, cuando lo interesante de ellas era que solo una pequeña muestra del gran potencial del multiverso. Para añadir más problemas, la reciente Secret Invasion fue la última decepción de Marvel. No solo tuvo pocas visiones, sino que también reescribió la historia de las películas con la revelación que Rhodes era un Skrull, todo para un futuro no muy cercano, que sería la fase 6, después de la dinastía de Kang en la fase 5. Lo triste de esta serie es que es una de las más caras de Marvel, pero al verla parece una producción pequeña y con elenco de peso pero limitado (solo dos protagonistas y tres secundarios). El presupuesto quizás se deba a que más se gastó en los protocolos contra el COVID que en la propia historia. De nuevo, para variar, volvió a terminar con una pelea gigantesca y un personaje casi invencible. 

La crisis externa e interna de Marvel 

Aunque Marvel cumple con los números en verde, ya se comienza a denotar una decadencia en la calidad. Se le atribuye a esta crisis una serie de factores siendo la principal la fatiga de las películas de héroes y también los cambios de consumo del espectador, pues, la pandemia acostumbró a la gente a ver películas en la comodidad de su hogar. Además, actualmente en Hollywood hay una suerte de crisis de nostalgia y hay películas que aprovechan esa idea, como Spider-Man: No Way Home. Sin embargo, hay una gran diferencia entre hacer un homenaje o tener un guiño y utilizarlo de manera descarada capitalizando el cariño que se le tiene a una figura familiar. Y Marvel siempre camina en una línea muy delgada en ese sentido. 

Pero en esta fase 4, han saltado diferentes historias detrás de cámara, como los escándalos de Jonathan Mayors, la polémica por el uso reciente de una IA para la realización del intro de Secret Wars, y las denuncias de explotación de los artistas de efectos especial en donde se detalla las presiones que viven para cumplir con sus proyectos, lo que explica porque también los efectos han sido tan malos en las últimas producciones. No hay manera de minimizarlo: La cuarta fase ha sido un fracaso, con películas que han llevado gente a los cines, pero que han sido destrozadas por la crítica, y series que han dejado de entusiasmar a su público para convertirse en una tarea impuesta. Curiosamente, así como The Flash puso de moda varios canales de YouTube que analizaban cada episodio, la cuarta fase de Marvel ha puesto de moda canales que te explican y resumen las series para que ya no tengas que verlas.

La caída en calidad de Marvel era predecible, ya que el Arrowverso (con gran distancia de la calidad de Marvel) experimentó una crisis similar y una decadencia peor. Pero el problema es que el Arrowverso nunca tuvo un futuro asegurado, mientras que Marvel, hasta ese momento, ya tenía dos fases en desarrollo. Actualmente, todas las producciones están en stand by debido a la huelga de guionistas y actores, y en ese contexto, Marvel ha anunciado que priorizarán la calidad antes que la cantidad. Y de nuevo, Marvel tiene el potencial de superarlo todo y ser la franquicia exitosa que alguna vez fue, pero para esto necesita no solo centrarse en la calidad, sino también en tratar con respeto a sus empleados y abrirse a la idea de que es necesario cambiar e innovar para sobrevivir en este mundo. Curiosamente, es lo que hacen los héroes ante cada nueva amenaza; evolucionan en todos los sentidos.

#TheFlash, el héroe que debió morir

Han transcurrido unos meses desde el capítulo final de la serie "The Flash", y lo único destacable de la última temporada es que finalmente ha concluido. Se confirmó que el verdadero villano de la serie fue su propio showrunner, Eric Wallace, alguien que pareció no entender nunca al personaje principal y que por alguna razón, creía que sus historias eran buenas a pesar de la decadencia de la calidad. Aunque gran parte de la responsabilidad recae en él, también es necesario reconocer que "The Flash" debió haber terminado en su cuarta temporada o, a más tardar, en la temporada en que se emitió "Crisis en Tierras Infinitas". Como he mencionado en varios artículos, el Arrowverso oficialmente llegó a su fin en este megacrossover, y a pesar de que algunas de sus series continuaron, se notaba una crisis en la calidad, en el rating y hasta en las propias producciones, hasta el punto que la cancelación llevaron a algunas a conclusiones abruptas (Legends of Tomorrow y Black Lightning) y a otras a conclusiones mediocres (Batwoman y Supergirl). En el caso de "The Flash", personalmente siento que la serie ya había perdido su brillo, y la decisión de la CW de otorgarle una última temporada a pesar de las críticas y la falta de creatividad en el equipo solo empeoró las cosas. De hecho, le agarré tirria porque "Legends of Tomorrow" merecía una oportunidad de despedirse a su modo, pero el canal prefirió al velocista. 

Pero se entiende por qué la Cw decidió darle a “The Flash” una última temporada. Esta serie era, después de “Arrow”, una de las más destacadas de la CW y merecía la oportunidad de despedirse de manera digna. Sin embargo, cada uno de los últimos capítulos rozaban un nuevo tope en la decepción y el final de la serie podría calificarse como uno de los peores en mucho tiempo. Así que en lugar de hacer la crítica, he decidido hacer algo más sano; darle un mejor final. Ahora debo aclarar esto, no solamente se trata de un mejor final, sino el final que todo el mundo quería. Y no, no voy a usar ninguna AI para esto. Este “final alternativo” es una de las teorías más importantes y más populares de la serie, es el final que los fanáticos querían. Me refiero a la “teoría del rayo”, según el cual Flash moriría en su capítulo final y se volvería un rayo y este rayo viajaría en el tiempo para darle sus mismos poderes a Barry Allen, construyendo un bucle del tiempo. Esta teoría era tan popular y tan correcta para la serie que incluso su propio protagonista, Grant Gustin, dijo que le hubiera gustado que ese fuera el final, pero la CW, con la esperanza de algún día revivir el Arrowverso, y el showrunner tenían otros planes. 

Entonces, conociendo esta teoría, vamos a adecuarla al único capítulo rescatable de la última temporada; “It’s My Party and I’ll Die If I Want to”, el capítulo número 100 de la serie, que justo gira alrededor del regreso de Bloodwork y de Oliver Queen. El capítulo comienza con la celebración del cumpleaños 30 de Barry y la fiesta se interrumpe cuando Bloodwork se presenta y ataca a todos; infecta a Kid Flash y este termina “matando” a Barry. En el purgatorio, Barry se encuentra con Oliver, y los dos regresan juntos para luchar contra Bloodwork. El mundo ya está infectado con la sangre de Bloodwork y todos actúan como zombies. Y aquí comienza el fanfic y la diversión. Los otros héroes, las leyendas, Supergirl, Batgirl y Black Lightning, unen fuerzas con Barry para controlar a los zombies. La batalla final incluye un twist, Bloodwork intenta fusionar el multiverso y en el proceso trae de vuelta a los enemigos de Barry, incluyendo a Zavitar, Reverse Flash, Zoom y GoodSpeed (los mismos que aparecieron en el último episodio). Los hijos de Barry, Nora y Bart, viajan del futuro al presente para ayudarlo. 

Todos están batallando. Oliver puede derrotar a Bloodwork, pero cuando todos están a punto de celebrar, Reverse Flash aprovecha la oportunidad para viajar al pasado, esto provoca una ruptura del multiverso que solo Barry puede reparar. Entonces, Barry comienza a correr… corre tanto que termina desvaneciendo y convirtiéndose en energía; en un rayo. Este rayo viaja por el tiempo, viendo el pasado, presente y futuro, en ese momentos, nosotros vemos los mejores momentos de la serie y también fragmentos del futuro, de los hijos de Barry (quienes ahora serían gemelos), los hijos de Oliver, los hijos de las leyendas, mientras vemos esas imágenes, escuchamos el monólogo final…

"¿Quieres escuchar una historia? Está bien, pero antes de comenzar, primero necesito que hagas algo. Necesito que creas en lo imposible. ¿Puedes hacer eso? Bien. Tu padre es rápido. Más rápido que la velocidad del sonido. Y cuanto más rápido voy, más se ralentiza el mundo. Pero no siempre fue fácil. Cuando era niño, perdí a las personas que más me importaban. No quería esa vida para ustedes, pero un héroe siempre es un héroe. Mi amigo Oliver me dijo que el rayo me eligió a mí. Bueno, para mi sorpresa he descubierto que el rayo soy yo. Y este es mi regalo para ustedes, hijos míos, una mejor vida. Tal vez no estaré presente pero estaré con ustedes a cada momento. Solo necesitan creer en lo imposible" 

 La última escena es de la perspectiva del rayo y como choca contra Barry hasta navegar hacia sus ojos, donde vemos la speedforce. 

The Flash, el remanente de la DC 

Resulta sumamente curioso el contexto en torno a "The Flash". Al momento del estreno de la serie, se anunció también una película. Cuando la serie llegó a su fin, la película debutó apenas una semana después. No obstante, la película presenta numerosos problemas; algunos son inherentes a su producción, como los efectos especiales extraños, mientras que otros provienen de dificultades externas, como la constante crisis dentro de DC. La película estuvo repleta de cameos, algunos dirigidos a un público específico y leal (por ejemplo, el Superman de Nicolas Cage). Y dentro de tantos cameos se notó una ausencia; la de Grant Gustin, quien encarnó a Barry Allen durante una década. La decisión de no tener aunque sea un cameo o un guiño a Gustin se consideró irrespetuosa, especialmente al considerar que Ezra Miller apareció en "Crisis en tierras infinitas" gracias a una solicitud exclusiva de Warner Bros. En retorno, se esperaba un gesto de cortesía con Gustin en la película. 

Siguiendo en la misma línea de crear un "final alternativo", considero que la inclusión de una escena protagonizada por Grant Gustin en una versión más madura de Barry, antes de su sacrificio, habría aportado un valor significativo a la película. Esto cobra aún más relevancia al tomar en cuenta que el villano de la película, Dark Flash, comparte una premisa similar con la historia de Savitar. En ese sentido, un breve encuentro o conversación entre ambos personajes habría servido como un hermoso tributo para ambos. Incluso ni siquiera habría sido necesario que mantuvieran una conversación; el simple acto de cruzarse en la Speed Force y compartir una mirada extraña habría satisfecho las expectativas de los fanáticos y también habría creado un meme memorable. 

Vale la pena mencionar que una de las muchas problemáticas que rodean a "The Flash" está relacionada con la dificultad para que los cameos, aunque atractivos, logren conectarse con una audiencia cercana. Tomemos como ejemplo la película "Spider-Man: No Way Home": la emoción por el regreso de Tobey Maguire y Andrew Garfield radica en que los espectadores crecieron viendo sus películas en su niñez o adolescencia. Estas dos generaciones siguen siendo parte del público objetivo de Marvel. Por otro lado, el Batman de Michael Keaton pertenece a una época que se remonta a más de 30 años atrás, lo que dificulta que esa generación se sienta impulsada a ver una película centrada en un héroe solo para ver a Batman interpretado por Keaton. Y lo mismo con el caso del Superman de Christopher Reeves, que en este caso es un cameo, pero que se vio demasiado robotizado. En ese contexto, es posible que la inclusión del cameo de Gustin habría causado un impacto mayor, porque aunque el rating no respaldó a la serie durante sus últimos años, es importante recordar que hace cinco años, "The Flash" fue un fenómeno que llegó a ser el fundamento de numerosos canales de YouTube. Estos canales se dedicaron a analizar cada episodio, teorizar sobre las temporadas y explorar las posibles historias que la serie presentaba. 

Tras el fracaso tanto del final de la serie como el de la película, es incierto cuándo volveremos a ver a un nuevo Flash en pantalla. Solo nos queda lamentar el potencial desperdiciado y la mala fortuna que ha rodeado al velocista escarlata. Mientras uno debió morir de manera digna, el otro se ha convertido en un remanente en el universo de DC, destinado a desvanecerse en el tiempo.

@alegna301 #TheFlash: El final alternativo Este final alternativo está basado en la teoría más popular de la serie y así debió de haber sido la conclusión. Si quieres leer una versión más extendida además de la crítica sobre la última temporada de The Flash y dirígete a mi blog en elyalovi.blogspot.com ⚡️✍️ #elyalovi #finalalternativo #arrowverse #theflashseriesfinale #barryallen #dcuniverse #FlashFandom #DcTv ♬ sonido original - Ángela Luna Alarcón

#AndJustlikeThat: Che Díaz, el reflejo de una serie sin gracia

“No puede evitar preguntarme, mientras veía cómo se le rompía el corazón a Che Díaz, si es que solo miro “And Just Like That” por nostalgia o solo por curiosidad de ver cuándo aparecerá Samantha…” 

En la mitad de la segunda temporada de “And Just Like That”, la secuela (sin gracia) de “Sex and the City”, hay una escena de un focus group que está dando sus opiniones del piloto de la comedia de Che Diaz (Sara Ramírez). Todos parecen enamorados de Tony Danza, el padre ficticio de la serie ficticia de Che, y cuando le piden la opinión a una persona no binaria sobre Che, pues, dice de forma literal lo que todos estamos pensando. “El personaje de Che es una broma bommer caminando, se siente tan falsa, (...) es una mierda de lo que significa ser una persona no binaria. Apesta”. Fue un momento “OMG, is this fucking play about us” porque todo el mundo odia a Che y elle somos nosotros, pero el propósito de esa escena no es que nosotros (la audiencia) confirmemos algo que ya sabemos, el propósito es que sintamos pena por Che. Entonces, mientras nosotros veíamos un comentario meta, los productores esperaban una especie de conexión. Es claro que no funcionó. 

La respuesta a la crítica 

"Sex and the City” fue una serie pionera en los noventas al ser una de las primeras en girar alrededor de la vida sexual de un grupo de mujeres. Sin embargo, la serie tuvo un problema de representatividad enorme. La serie casi no presentaba mujeres negras y los gays eran caracterizados de una manera muy pintoresca y cliché. Incluso hay varios comentarios polémicos de Carrie y Samantha, como la creencia que no existe la bisexualidad. Para responder esta crítica, Carrie, Miranda y Charlotte tienen amigas de color (con problemas de blancas porque son personas de color pero con dinero) en la secuela “And Just Like That”. Para darle check a la casilla de la comunidad LGTBQ+, está Che; no binaria, lesbiana y latina. Esas tres palabras no solo las califican, sino que son toda su personalidad, o mejor dicho, es todo lo que dice todo el tiempo. “El mundo no me entiende porque soy no binaria”. Su “comedia” gira alrededor de su identidad y pongo con comillas comedia porque hasta la propia serie sabe que no es graciosa y por eso, ya no hay tomas de sus monólogos y solo vemos la parte final de los aplausos. Mientras que en la primera temporada teníamos que ver el patético espectáculo de sus anécdotas sobre su experiencia como una persona no binaria que ni siquiera generaba risas falsas. Los productores piensan que la serie está siendo revolucionaria al tener ese personaje no binario y lo ven como alguien “atrevido” demasiado “cool” y tan rebelde que nadie le comprende. Ni siquiera su propio interés amoroso. 

Aclaremos esto: Sara Ramírez es una gran actriz, pero no ha logrado impregnar su carisma a Che porque es un personaje odioso y NO se odia a Che Diaz por su identidad. Ser no binario no es un tabú en el mundo de las series como lo creen los productores de “And Just Like That”. Hay muchos otros personajes no binarios en series populares que no son odiados, como Klaus Hargreeves de “The Umbrella Academy”, Cal Bowman de “Sex Education”, Adira Tal de “Star Trek: Discovery” y Kai Parker de “Grey's Anatomy”. Estos personajes tienen historias más allá de su propia identidad. No están repitiendo constantemente que son no binarios. Son personajes bien desarrollados con personalidades propias, y su identidad es solo una parte de ellos, no todo.En contraste, Che Diaz es un personaje unidimensional que parece estar definido principalmente por su identidad de género. Habla constantemente de ser no binario, y su identidad parece ser la única cosa que les importa. Esto hace que el personaje sea poco atractivo, poco realista y muy desagradable. Pero a eso hay que agregarle que, por alguna razón, Che tiene un ego colosal, es por eso que el comentario de elle en el focus group les afecta tanto. 

La destrucción de Miranda 

 En el mundo del espectáculo es difícil separar al actor del personaje, aunque siempre se nos diga que no debemos mezclar al personaje con el actor. Tal vez se olvidaron de decirle eso a Cynthia Nixon, quien en conjunto con el productor de la serie decidió que Miranda a sus 60 años descubra que es lesbiana. La historia de Cynthia comienza en los 90, mientras se grababa “Sex and the City”, descubrió que era lesbiana, se divorció de su esposo y se casó con una mujer. Pero, como sabemos, Miranda no es Cynthia Nixon, pero sin Cynthia Nixon no existe Miranda. Cynthia decidió que si una de las mujeres en “And Just Like That” iba a ser lesbiana, tendría que ser ella, pues era la única opción viable. La protagonista Carrie no iba a serlo, era imposible, Charlotte tampoco. ¿Quién quedaba? Pues, el personaje de la actriz que es lesbiana. 

Cynthia Nixon ha sido abierta sobre su orientación sexual desde hace muchos años, y es posible que haya querido usar su plataforma para representar a las mujeres lesbianas mayores en la televisión. En ese sentido, que Miranda sea lesbiana o bisexual aunque no parece ser la historia correcta para Miranda, pero se puede aceptar. No existe una edad determinada para el descubrimiento de la orientación sexual y obviamente es una historia interesante ver a una mujer de edad encontrar el amor nuevamente con alguien completamente inesperado después de pasar años en la rutina de un matrimonio rutinario y monótono. Entonces, el problema no es que Miranda sea lesbiana, el problema es de quién se ha enamorado. Miranda, la independiente, la que criticaba los dramas, la voz de la razón, se ha vuelto todo aquello que solía detestar. Se ha vuelto alguien insegura, dependiente, obsesiva y tóxica. Básicamente, Miranda ahora es Carrie cuando Carrie perseguía a Big. Solo que Che no tiene el carisma de Big, pero sí algunas de sus peores características y lo triste es que Miranda está abandonando todo lo que ha construido para perseguir a alguien que no la merece. Una historia incómoda que frustra al espectador.

Desde el momento en el que se conocen, Carrie y Miranda sienten una fuerte atracción por Big y Che, respectivamente. Sin embargo, Big y Che nunca se sienten cómodos presentando a sus nuevas novias a sus amigos. Cuando Big regresa a la vida de Carrie, no le importa que ella está en una relación estable y se vuelve a meter con ella a pesar de Aidan. Che y Miranda se involucran cuando ella todavía no ha terminado su relación con Steve. Che no tiene respeto por Miranda para decirle que se va a mudar a Los Ángeles, así como Big no le dijo a Carrie que se iba a Washington. Che tampoco tiene respeto por Miranda para dejarla dormir tranquila. Pero para ser justos, Miranda tampoco parece tener respeto por sí misma y solo sigue a Che como un perrito perdido. Si vemos la serie es obvio que Miranda y Che quieren cosas totalmente diferentes y también es evidente que ni siquiera son compatibles. A Che le acomodaría más estar en una relación abierta y disfrutar de su vida bohemia, mientras que Miranda prefiere la comodidad de una relación monogámica y dormir después de las 9 pm. 

Tras la trágica muerte de Big en el primer episodio de “And Just Like That”, la serie parece haber encontrado una nueva pareja tóxica. Sin embargo, a diferencia de Big y Carrie, Che y Miranda no tienen una química espectacular y sus acciones solo las terminan de pintar por personas insoportables cuando están juntas. Recordemos que la historia de Carrie y Big duró varias temporadas, vimos una evolución, una involución y nuevamente, una evolución, los vimos pasar de tóxicos a una pareja que merecía un chance, hasta que en algún momento, detrás de cámara, Big se volvió en el marido ideal y tuvo una relación sana con Carrie. Por otro lado, los problemas de Che y Miranda se solucionan con una conversación sencilla. Che, con su narcisismo y dramatismo, saca lo peor de Miranda y se adueña de un tiempo que bien podrían aprovechar otros personajes nuevos. El único breve momento en el que vemos una vista de lo que solía ser Miranda es cuando dejo todo para irse a casa y esperar a su hijo luego que su novia lo dejara en Europa, pero después llega el nuevo episodio y vemos a Miranda tratar de consolar a Che pero elle lo único que quiere es estar sole. Che Diaz no merece a la Miranda del pasado. Miranda del pasado jamás haría lo que Miranda del presente está haciendo. 

¿Che Díaz, inclusión forzada o la mejor villana? 

El concepto de "inclusión forzada" se refiere a la representación de personajes que pertenecen a un grupo minoritario en una producción sólo por obligación. Che Diaz es un ejemplo de esto. El productor de la serie y la propia Cynthia Nixon han defendido al personaje con garras y uñas, hasta el punto de minimizar las críticas hacia Che o acreditarlas a la envidia y a la cólera por la separación de la icónica pareja conformada por Steve y Miranda. Por las respuestas en las entrevistas y la forma en la que siguen escribiendo a Che están conscientes de que es un personaje polarizante y han elegido "protegerles" por momentos. En el episodio 6 de la segunda temporada, Che y Miranda rompen de manera amable, en contraposición de nuevo al enfrentamiento previo que tuvieron Miranda y Steve cuando se pelearon por la casa. No ha habido artículos que confirmen la salida de Ramírez de la serie, pero por la forma del rompimiento y la nueva actitud de Che (menos molestosa y más como un soporte de Carrie) sí pareciera que ya no la veríamos más. La serie prefirió ver a Che como un personaje bandera, uno que esperaba que trajeran nuevos espectadores, en lugar de explotar su mejor papel; la villana a la que todos quieren odiar. Para bien o para mal, el "odio" a Che es una de las razones por las cuales la serie es tendencia. Cada nuevo episodio era una oportunidad para rajar del personaje y para mantener la serie en la conversación.  Al mismo tiempo, Che Diaz es el reflejo de una serie que se ve a sí misma como "edgy", como alguien super gracioso, pero que no logra ver la realidad. “Sex and The City” marcó una época y su secuela “And Just Like That” ya tiene otra perspectiva de vida, a veces funciona lo que hace y otras parece que solo está allí como para cumplir con la cuota nostálgica y hacer renegar al internet.

Desenmascarando la verdad detrás de #SoundofFreedom

*Voz de Harold Finch* "Estás siendo observado. El gobierno tiene un sistema secreto, una maquinaria especial que no permite que sepas la verdad. Están en todos lados. Nunca los encontraras, pero creelo o no, ellos te encontrarán a ti… mediante sus videos en Tiktok”. 

En un mundo lleno de teorías conspirativas y narrativas engañosas, a veces es necesario desenmascarar la verdad detrás de las afirmaciones que circulan en las redes sociales. En este caso me refiero a la polémica que rodea a la nueva película de Jim Caviezel, "Sound of Freedom". 

Jim Caviezel: O mueres como héroe o vives lo suficiente para convertirte en villano 

Antes de adentrarnos en la controversia, es importante reconocer el talento y la carrera de Jim Caviezel. Siendo mi (no) Batman preferido como el protagonista de la serie de culto Person of Interest, Caviezel ha dejado una marca imborrable en la industria del entretenimiento. Se dice que Mel Gibson advirtió a Caviezel sobre los riesgos de interpretar a Jesús en La Pasión de Cristo porque malograría su carrera… sin embargo, esta es solo una anécdota. ¿Recuerdan ese revuelo que se armó porque Penn Badgley pidió reducir sus escenas románticas en You? Pues, una de las razones por las que Jim Caviezel ha tenido una presencia más limitada en películas antes, durante y después de Person of Interest es porque el actor ha optado por no filmar escenas de amor. Esta decisión es conocida en el mundo del espectáculo y ha sido determinante en su trayectoria y eso ha llevado a Hollywood a dejarlo de lado en ciertos proyectos. Sin embargo, esto no significa que haya sido “cancelado”. 

Jim, el mejor Batman que nunca fue Batman 

Contrario a lo que se pueda creer, Jim Caviezel ha participado en una variedad de películas, tanto de acción como de tendencia cristiana. Después de La Pasión de Cristo, se le ha podido ver en producciones como Déjà Vu, Mentes en blanco y Outlander, demostrando así su versatilidad y su predilección por cierto tipo de producciones. Es importante tener en cuenta que la elección de sus papeles ha estado influenciada por su rechazo a películas románticas que son más populares y que generalmente despegan las carreras de actores a estrellas de Hollywood, no obstante, también es correcto decir que su carrera ha sido buena. 

Esta es solo una muestra. Según IMDB, Caviezel ha participado en 38 películas.

Sound of Freedom y su controvertida campaña publicitaria 

Ahora bien, centrémonos en la película Sound of Freedom y la campaña que la rodea. Esta producción se adentra en el tema del tráfico infantil, un tema incómodo pero relevante en nuestra sociedad. Por su temática, obviamente no es "atractiva" para Hollywood. Sin embargo, la afirmación de que Hollywood boicotea y no respalda esta película es exagerada y entra en el terreno de las teorías conspirativas. 

Dime con quién andas y te diré quién eres… 

Promover una producción es parte del trabajo del actor. No siempre es fácil. Recientemente, Halle Bailey pasó un incómodo momento en una entrevista mientras promovía la película la Sirenita, mientras que Harrison Ford ha reforzado su papel de viejo gruñón contestando de manera cortante cuando se le pregunta por Han Solo e Indiana Jones. El punto es que no pueden librarse de esas preguntas porque tienen que promover su trabajo. En el caso de Jim, el problema no es el mensaje, el problema es el dónde. Caviezel ha ofrecido entrevistas a figuras como Steve Bannon, Jordan Peterson y Alex Jones. Estos personajes son conocidos por sus discursos de odio y la promoción de teorías conspirativas, como el infame caso de Pizzagate. Hay que recalcar esto: Banon ya tiene una sentencia por su participación en el intento de toma del Capitolio. También está acusado de fraude. Y Jones ha sido condenado por difamación tras promover la idea que el tiroteo de Sandy Hook fue armado. Estos dos personajes de la ultra derecha son expertos en la desinformación y al asociarse con ellos, Caviezel parece dirigirse a un público interesado en estas teorías y con posturas conservadoras y de extrema derecha. En una de sus entrevistas, Jim también menciona al mito urbano QAnon y lo defiende.

La verdad en medio de la controversia

Hollywood tiene sus problemas y también han cubierto seres despreciables como Harvey Weinstein durante décadas. No dudo que existen casos de pedofilia y de sectas dentro de la misma industria. Hollywood es una ilusión y un movimiento lleno de hipocresía y de una tendencia actualmente progresiva y liberal. No obstante, es crucial distinguir entre hechos comprobados y teorías conspirativas sin fundamentos. La película Sound of Freedom no es un documental, como se ha afirmado erróneamente en algunos medios. Los escritores han dejado claro que la historia está inspirada en hechos reales, específicamente en la vida de un agente americano llamado Tim Ballard, quien abandonó su trabajo para dedicarse a la noble misión de rescatar a niños secuestrados. Sin embargo, también es importante mencionar que la historia de Ballard no ha podido ser confirmada por el Departamento de Homeland de EEUU y en otros medios ha recibido críticas por sus tácticas y su falta de comunicación con las agencias encargadas de las operaciones de rescate. Asimismo, también se le reclama una falta de transparencia y rendición de cuentas de su organización. A esto hay que agregarle que una investigación de VICE encontró las historias de Ballard heroícas pero imposibles de verificar.

David (o mejor dicho el pastor mentiroso) vs. Goliath (o algo así como Hollywood)

Hace unos años, Jada Pinkett Smith denunció racismo en los Oscar porque todos los nominados en la categoría de mejor actor estaban llenos de hombres blancos pero sobre todo porque su esposo Will Smith no se encontraba entre los 5 mejores. En realidad no estaba denunciando racismo, solo se estaba quejando porque no habían considerando a su marido. Algo similar sucede con la distribución de Sound of Freedom, puesto que ha sido rechazada por diferentes plataformas streaming como Netflix y Prime y también les costó estrenar su producto diferentes cines. De allí nace el cuento de la batalla que sufrió esta producción para ver la luz del día, pero tengamos en cuenta esto; originalmente, esta película fue producida por Fox en 2018, pero tras la adquisición de Disney, al igual que otros proyectos, fue congelada. Tuvieron que pasar años para que los productores recién recuperaran los derechos para buscarle una nueva productora encargada de su distribución. Otro dato que hay que tener en cuenta las películas que no son blockbusters, o de Marvel o de Warner, suelen encontrarse con varios obstáculos para poder ser estrenadas. Sound of Freedom logró su estreno en  julio, un mes movido que lo llevaba a competir con Barbie, Oppenheimer, Mision Imposible e Indiana Jones. Entre todos ellos, esta película se ve a sí misma como David y en su lucha contra su propio Goliath ha logrado lo imposible... hacerse un hueco en la conversación y denunciar que pese a un boicot (imaginario) llegaron a los cines.

Y de nuevo, los lugares en donde están promocionando la película no son muy amigables con Hollywood. Pese a todos esos inconvenientes y gracias a su campaña de victimismo  conspiranoico, Sound of Freedom ya se ha estrenado con relativo éxito teniendo en cuenta su bajo presupuesto. De hecho, Jim Caviezel ha dicho que le han ganado a Indiana Jones, el estreno de Disney, compañía a la que también acusó de un boicot a su película. Según ha informado, Indiana Jones hizo 11 millones de dólares el día de su estreno mientras que Sound of Freedom ha hecho 14 millones. No se sabe de dónde ha sacado esa cifra. Según Variety, en su día de estreno Indiana Jones and the Dial of Destiny obtuvo 24 millones en su día de estreno mientras que Sound of Freedom al rededor de 14 millones. La comparación no les favorece como creen que lo hace puesto que Indiana Jones es considerado un fracaso pese a que su recaudación sobrepasa los cien millones de dólares. 

Es esencial recordar que la calidad de una película es subjetiva y depende de la perspectiva de cada espectador, pero también es importante tener en cuenta la campaña de publicidad y los discursos asociados a Sound of Freedom. Una campaña que más que alentar una conversación, propone una confrontación y la alienación. 

#Twitter ya fue, ¿a dónde nos vamos ahora?

Imagínate que compraste un negocio por capricho, porque un extraño te retó diciendo: "Deberías comprarlo" mientras te quejabas del negocio. Se suponía que era rentable, pero en realidad estaba endeudado y tenía muchos problemas que considerabas "solucionables" con un poco de voluntad. A pesar de tu estatus de "genio", intentas evitar la obligación de la compra, pero los dueños del negocio te denuncian y no te queda otra opción que comprarlo y "mejorarlo". Tan pronto como llegas, comienzas a tomar decisiones cuestionables bajo el argumento de "mejorar el negocio". Despides a tus trabajadores, no pagas ciertas deudas y causas incertidumbre entre tus principales colaboradores y socios. Pero crees que el negocio está bien, al menos eso piensas porque tienes un grupo de fans que te defienden. Además, estás implementando tus políticas y te ves a ti mismo como el héroe que salvó la libertad de expresión y el derecho de admisión en un negocio que parecía estar dominado por un grupo que detestas. Piensas que puedes generar más ingresos si logras que todos se suscriban al negocio, pero no ofreces nada nuevo porque el negocio se basa en mantener a la gente entretenida y permitir que otros negocios sigan publicitándose en él. Pero un día, de la nada, decides limitar el tiempo en ese negocio. Aunque argumentas que esto es por el bien del usuario, invitándolos a vivir más allá de tu negocio, en realidad estás matando tu propio negocio, porque el negocio depende de que las personas pasen más tiempo en él. Hmm... No parece muy inteligente para un genio, ¿verdad? Bueno, eso es lo que ha hecho Elon Musk, dueño de Twitter, al limitar la visualización de tweets.

Según informó el 1 de julio, las cuentas verificadas podían leer 6000 tweets (uno pensaría que sería ilimitado porque están pagando, pero no), los no verificados (la mayoría) solo podían ver 600 y los nuevos usuarios no verificados: 300. Horas después, reconsideró y actualizó las cifras. Los verificados podrían ver 10 mil tweets, los no verificados mil y los nuevos 500. El dueño de Twitter dice que esta decisión se debe a "los niveles extremos de robo de datos y manipulación de sistemas", mientras que otros hablan sobre la deuda que tiene con Google Cloud como la verdadera razón detrás de lo que podría ser la muerte simbólica de Twitter. 

Si bien es cierto que hay un lado oscuro de Twitter con la cantidad de desinformación y el aumento de los discursos de odio, también hay un lado positivo. De todas las profesiones, el periodismo es el que más depende de esta red social para estar "al día". Hay diferentes ejemplos de la importancia de Twitter en la historia; por ejemplo, en la denominada Primavera Árabe, Twitter fue crucial para la organización de las protestas; en el terremoto en Japón 2011, las personas afectadas utilizaron Twitter para comunicarse, y últimamente, Twitter dio a conocer el intento de golpe de estado en Rusia por parte del grupo Wagner. Diversas autoridades, empresas, equipos de fútbol y servicios de emergencia emiten comunicados mediante Twitter porque saben que tendrán un mayor alcance. Cuando sucede algo, Twitter está ahí y cada "refresh" actualiza la información. Sin embargo, bajo las nuevas políticas de visualización de Musk, esto ya no será posible, ya que 600 tweets o mil tweets pueden agotarse en cualquier momento. 

"Tu errores son mi progreso" 

Los polémicos cambios en Twitter pueden beneficiar a otras redes sociales. Sin embargo, antes de saltar, debes saber que otras redes también han tenido o tienen sus problemas. 

• Reddit: Solía ser una de las más peculiares pero también una de las más interesantes; sin embargo, recientemente también ha sufrido cambios. Desde hace un par de días, para leer Reddit es necesario ser usuario de Reddit, mientras que antes podías leer diferentes foros solo accediendo a la web. Esto se debe a que los mismos moderadores han restringido sus foros como modo de protesta por los cambios en Reddit debido a la nueva política de tarifas a terceros. El panorama es incierto porque actualmente hay una batalla entre usuarios y Reddit, y ninguno parece dispuesto a ceder.

• Truth (la red social de Trump): Parece ser la más favorecida por el anuncio de Twitter, pero se trata de una red social en la que la mayoría tiene una tendencia conservadora, radical, misógina y racista. Básicamente, son seguidores de Trump.

• Tumblr: Esta red social solía ser una de mis favoritas porque era una especie de mezcla de Instagram + blog + Twitter, pero eso cambió cuando se vendió y en su lucha legítima contra la pornografía comenzó a marcar cualquier imagen que considerara "inapropiada", incluyendo hombres sin camiseta y contenido LGBTQ+. Tras años de críticas, ha cambiado su política o, al menos, ha mejorado la moderación de su contenido. Como lo reporta RPP, Tumblr ahora acepta "desnudos", pero nada explícito. Tumblr solía ser cool y parece que está volviendo a serlo; incluso ha troleado a Twitter otorgando verificaciones inútiles a sus usuarios. 

• Mastodon: Esta red social es básicamente como Twitter, pero con un nivel de entrada un poco más complicado, ya que implica elegir un servidor, lo cual puede resultar complicado para la generación de más de 30 años y se percibe como un esfuerzo innecesario. 

• Bluesky: La nueva red social del excéntrico creador de Twitter, Jack Dorsey, que también se asemeja a Twitter. El problema es que se necesita una invitación para ingresar. 

• Threads: Se sabe que Meta, la empresa madre de Facebook, está preparando su propio Twitter. La aplicación fue lanzada el 6 de julio. Entre los aspectos positivos se puede resaltar la poca toxicidad, hasta el momento, además, es una copia de Twitter, entre los puntos débiles está que no existen las tendencias ni los hashtags. Por su lado,, Instagram, que pertenece a Meta, ha implementado el pago por la verificación de la cuenta, una movida que sigue una política impuesta por Musk con Twitter. El problema es que los cambios anteriores en Instagram, como la priorización de los reels, han llevado a sus usuarios a Twitter. 

• TikTok: La nueva generación obtiene noticias y busca información allí. ¿El problema? En varios países ha sido bloqueado por temor a que esté recopilando datos para el gobierno chino.

 Y cuando despertó, Twitter seguía allí

El año pasado se rumoreaba sobre la muerte de Twitter (#RIPTwitter) debido a problemas con los servidores, pero sobrevivió. Cuando comenzaron a cerrarse las oficinas de Twitter en diferentes países, también se pensó que la red estaba siendo desconectada, pero sobrevivió. El límite de visualización de tweets es una de las tantas decisiones polémicas de Musk, y aunque a primera vista pareciera ser el primer clavo en el ataúd, Twitter sigue ahí. La razón de su sorprendente supervivencia es la adicción que todos parecemos tener a ella. Todos sabemos que esta dependencia no es saludable y cualquier dueño de un negocio no solo se daría cuenta de ello, sino que aprovecharía su posición para implementar políticas que mejoren la plataforma y atraigan a un nuevo público. Quizás haría realidad la solicitud de un botón de edición. Cualquier dueño de negocio vería en un problema una oportunidad, cualquiera… excepto Musk.

#TedLasso de Schrödinger: ¿Puede una temporada ser buena y mala al mismo tiempo?

Con su toque mágico de amabilidad y el poder de la amistad, Ted Lasso (Jason Sudeikis) logró que el equipo de Richmond quedara en segundo lugar en la Premier League, la liga futbolística más competitiva del mundo, a solo un punto del Manchester City. Este logro fue un guiño a la campaña de 2021-2022 cuando el título se definió la última fecha y a pesar de ganar su último partido, Liverpool quedó por debajo del campeón Manchester City… por solo un punto. Sin embargo, a pesar de que Ted logró su meta de ayudar al equipo a alcanzar su mejor versión, la tercera y última temporada de la serie ha sido calificada como "mala". Incluso Slate la describe como un desastre, y en cierto sentido, tienen razón. Según el experimento del gato de Schrodinger, un gato puede estar tanto vivo como muerto al mismo tiempo hasta que se le observe y Ted Lasso, como serie, parece encontrarse en un dilema similar: ¿Puede una temporada ser buena y mala al mismo tiempo?

La estrategia del “creer” que dejó de funcionar

 En cada episodio, Ted Lasso logra conmovernos con escenas que nos hacen reflexionar sobre diversos temas, como la ansiedad que padece Ted, los ataques racistas sufridos por Sam (Toheeb Jimoh) o la vida dentro del armario de Colin (Billy Harris) por el temor a la reacción. El fuerte principal y más especial de esta serie era su empatía. Esos momentos “conmovedores” funcionan porque nos podemos en lugar de ese grupo y nos creemos esos discursos, nos contagian la esperanza de "creer" y nos toca el poder de la amistad... Pero en esta última temporada, hubo ciertos momentos que nos alejaron de ese “creer”. Momentos como la noche donde milagrosamente Rebecca (Hannah Waddingham) no fue asesinada pese a que fue prácticamente secuestrada por un hombre en Amsterdam o la forma alucinante en la que Zava (Maximilian Osinski) decide unirse a Richmond y transforma su rendimiento o el inexplicable rompimiento entre Roy (Brett Goldstein) y Keeley (Juno Temple). Esos momentos que resultan difíciles de dirigir rompiendo el encanto “realista” que había caracterizado a la serie. El más afectado por esa falta de consistencia fue Nathan Shelley (Nick Mohammed), a quien jamás vimos tener una conversación real con Ted tras su pelea o disculparse por el trato que le dio a Colin, solo regresó al equipo en un rol mucho menor del que tenía en West Ham. ¿Qué pasó con su ambición deportiva? ¿Todo disculpado y olvidado? 

La falta de obstáculos 

 La verdad es que Ted Lasso funcionaba porque los personajes a su alrededor se resistían a su filosofía de vida. Aunque en la segunda temporada se exploró el positivismo tóxico a través del resentimiento que alberga Nate y que eventualmente lo lleva al “lado oscuro”, en la tercera temporada la mayoría ya estaba convencida de que "el camino de Lasso" los hacía mejores tanto a nivel personal como profesional. Todos habían evolucionado de alguna manera gracias a la influencia de Ted Lasso y la mayoría de estas evoluciones se sentían orgánicas, especialmente Jaime Tratt (Phil Dunster) que pasó de un idiota sexy insoportable a un idiota sensible que ha vuelto a sus enemigos, sus mejores amigos. Pero cuando tienes a personajes maduros, emocionalmente estables y con carreras sólidas y un futuro prometedor, simplemente no tienes trama, no tienes conflictos. 

En cada temporada, Ted tenía que superar algún obstáculo: en la primera temporada era el sabotaje constante de Rebecca, quien quería que el club fracasara, en la segunda temporada era el regreso de Richmond a la Premier League, y en la tercera, se suponía que tendría que enfrentarse a "Nate" y sobrevivir a la temporada. Al ser una serie “realista” no se sabía si es que Ted iba a poder lograr que Richmond llegue a la mitad de la tabla o que Nate alcance su redención de manera coherente. Hay que tomar en cuenta que en la vida real, cuando un equipo logra clasificarse de la Championship a la
Premier es muy difícil quedarse en esa categoría. Sin embargo, Richmond no solo se asegura un lugar en la próxima temporada en la Premier sino que termina en el segundo lugar y calificando a la Champions League. 

Ted Lasso buena y mala a la vez

A pesar de las críticas hacia la tercera temporada, Ted Lasso sigue siendo una serie destacada gracias a sus momentos conmovedores y mensajes positivos. Sin embargo, es innegable que las historias y tramas presentadas en esta última temporada no estuvieron a la altura de las expectativas ni tuvieron una resolución satisfactoria a pesar que todos terminaron en un buen lugar. La serie se enfrentó al desafío de mantener el interés del público después de haber alcanzado un punto de madurez en la evolución de sus personajes que ya habían experimentado un crecimiento personal significativo y no pudo hacerlo. En otras palabras: Fracasó. 

Desde antes que comenzara la temporada final, la teoría más popular era que Ted se regresaría a Estados Unidos. Ya sabíamos cómo iba a terminar, pero igual se me derramó una lágrima viendo la secuencia final viendo a todos felices. Es una reacción natural. Se supone que nos estamos despidiendo de una serie que durante tres temporadas nos hizo creer y nos contagió su optimismo en años atípicos y plagados de comedias que en realidad son dramas. Pero… en el artículo de “Slate” dice que ni siquiera "creyendo" se podía salvar la última temporada y entre sus muchas razones menciona un factor humano que también afectó todos los episodios; las declaraciones ambiguas de los actores e involucrados que insinuaban que esta no sería la final. Se armó una mística, quizás apelando a la popularidad para algún spin off o simplemente expresando el deseo de una posible continuidad de un proyecto que les cambió la vida, y eso dañó la percepción de lo que sería la temporada final porque cuando te dicen que va a terminar, te preparas pero si te dicen que quizás no, entonces, te crea esperanza. Y fiel a su estilo, Ted Lasso nos siguió dando esperanza... El último capítulo deja la puerta media abierta para varios posibles proyectos, pero no creo que ninguno se concrete por más que queramos creer. 

Sí, la última temporada de Ted Lasso es buena (en momentos) y mala (en historias) a la vez.