#Dexter: Todas las muertes de Dexter Morgan

Dexter: New Blood representaba una oportunidad única, no solo para resucitar a uno de los personajes más icónicos de la televisión, sino también para redimirse de las últimas temporadas y un final decepcionante en todos los sentidos. Sin embargo, este revival logró algo que parecía impensable: tener un final aún peor que el original. Así, Dexter se convierte en la única serie que ha tenido dos finales y ambos calificados como los peores. Pero… ¿Cómo es posible este suceso? 

La muerte y resurrección de Dexter 

La serie original de Dexter se extendió a lo largo de 8 temporadas; las primeras temporadas, elogiadas por su originalidad y su capacidad para adentrarse en la mente de un asesino en serie y causar cierta empatía con el mismo. Dexter era un asesino, sí, pero tenía un código que lo llevaba a matar solo a criminales que habían evadido la justicia. De ese modo, el público comprendía que Dexter era un mal necesario en un mundo cruel. La mejor temporada fue aquella centrada en Dexter y el asesino Trinity, cuya trágica historia alteró por completo la dinámica del programa con el asesinato de Rita, la esposa de Dexter. Sin embargo, después de alcanzar su punto máximo, las siguientes temporadas disminuyeron en calidad y se volvieron repetitivas, siempre siguiendo la misma fórmula: Dexter tenía un enemigo de turno al que termina asesinando y nunca enfrentaba las consecuencias de sus acciones. En la última temporada, Dexter se enfrentó a un nuevo asesino en serie, pero esta vez, su hermana Debra terminaría en coma después de enfrentarse a este nuevo asesino. Dexter, en un acto de misericordia, decide desconectarla y arrojar su cuerpo en el mar en medio de una tormenta que también podría significar el final para él, pero en la última escena, Dexter está vivo. 

El final es de poco gusto y de narrativa incoherente para un personaje como Dexter, aunque la idea de dejar vivo a Dexter parecía un castigo autoimpuesto, una forma de vivir muerto en vida en un pequeño pueblo. Se sabe que el final original tenía planeada la muerte de Dexter, aunque no se conocen los detalles, pero Showtime bloqueó ese final, ya que querían mantener a Dexter con vida para futuros revivals. Y así fue, Dexter: New Blood llegó a nuestras pantallas en el 2021. 

Dexter New Blood, una oportunidad desperdiciada 

Este revival comenzó con una vibra diferente, mostrándonos a un Dexter mayor que llevaba una vida "normal" en un pueblo pequeño, canalizando sus impulsos asesinos matando animales. Pero, como en todos los pueblos pequeños, los oscuros secretos comenzaron a salir a la luz cuando su hijo, Harrison, regresó a su vida. A lo largo de la temporada, Dexter: New Blood tuvo todos los elementos que hicieron popular a Dexter en primer lugar: una representación impecable de un asesino en serie contenido y asesinatos sin resolver. Sin embargo, también continuó con el patrón de la serie original, enfrentando a Dexter contra un nuevo asesino en serie y romantizando a Dexter. En un giro sorprendente, Dexter es arrestado y está a punto de enfrentar su propio pasado, pero logra escapar y está a punto de huir, si no fuera por Harrison, quien es el único que ve a Dexter no como un antihéroe, sino como una amenaza.

 

Alerta de Spoilers: Y así llegamos al final

Creo que la serie acertó al matar a Dexter, pero el problema fue la ejecución. Dexter se revela a sí mismo como el villano de la historia, como el monstruo. Esta vez, el "pasajero oscuro" no es un pasajero, es el conductor. La serie original nunca quiso enfrentar esta idea y, al igual que la audiencia, consideraba a Dexter como un mal necesario. Nunca se quiso abordar la realidad; Dexter es un asesino en serie, y el hecho de que solo mataba a personas malvadas; matar es matar y es un crimen. Además, se intenta romantizar su último acto como un gesto de amor incondicional hacia Harrison, a pesar de que no tiene sentido. Olvidaron que Dexter no siente emociones. 

A esta serie y a este final le faltó un mejor contexto. Uno de los errores de la serie fue no incluir una escena entre Batista y Dexter, donde Batista le confiesa que siempre sospechó que Dexter era el asesino, que tras años de investigación descubrió que Dexter incriminó a Doakes y mató a Laguerta, pero que no quería creerlo. Esta omisión dejó un hueco en la trama y privó a los espectadores de un momento crucial. Dexter: New Blood justifica su regreso y le brinda un cierre adecuado a Dexter; Dexter está muerto, y no habrá más revivals ni oportunidades para redimirlo. En los últimos años, la tendencia de idealizar a los asesinos en serie como genios ha disminuido, y Dexter: New Blood dejó claro que Dexter no era un genio, cometió errores y no respetó su propio código, cuya regla principal era "no te dejes atrapar". Siempre he pensado que Dexter no podía tener un final feliz. En la propia lógica de ambas series; el verdadero enemigo de Dexter no eran otros asesinos en serie; era la justicia y realmente nunca la enfrenta. Si hay algo que ha caracterizado la serie es su justicia poética, en ambas resoluciones simplemente no hay justicia.

Los otros finales de Dexter 

Dexter: New Blood adapta la trama del noveno libro de la saga de Jeff Lindsay, titulado "Dexter is Dead". En este libro, Dexter se enfrenta a acusaciones falsas de asesinato y abuso sexual. Su hermano, Brian (en los libros nunca muere), logra sacarlo de la cárcel, pero poco después, es asesinado y Dexter resulta gravemente herido. En un giro, Dexter coloca una bomba en el yate de un narco llamado Raúl, quien intenta incriminarlo. Dexter se lanza al agua justo antes de que la bomba explote y, finalmente, se dirige a la playa, donde se recuesta en la arena bajo el sol abrasador y decide dejar que la muerte lo alcance, y su cuerpo es descubierto por la policía. 

Desde mi perspectiva, la historia de Dexter podría haber llegado a su fin de manera más adecuada como lo hizo en la séptima novela, "Dexter's Final Cut". En esta entrega, un astuto asesino en serie llamado Kurt logra incriminar a Dexter en varios asesinatos. Aunque Dexter es inocente de estos crímenes, sabemos que es culpable de otros homicidios. En una especie de justicia poética, la única persona que podría ayudarlo a demostrar su inocencia es Rita. Sin embargo, Rita ha sido asesinada, y Dexter acepta que su suerte está sellada, y no le queda más opción que enfrentar a la policía y aceptar su condena. Es importante destacar que el libro "Dexter is Dead", como mencioné anteriormente, deshace este final pues libera a Dexter de la cárcel. 

A pesar de las controversias en torno a los finales de Dexter, el legado del astuto asesino con su oscuro pasajero perdurará en el tiempo y se le seguirá referenciando confirmando su estatus de popularidad. Si bien creo que es imposible que se reviva nuevamente a Dexter, sí creo que en algún momento podría haber un reboot con un nuevo actor y con nuevos productores. ¿Quién sabe? Tal vez logren acertar con el desenlace. 

#TheTomorrowWar: Una pelicula que debió haber sido una serie

Hay películas cuyas premisas podrían aprovecharse mejor en una serie de seis u ocho episodios en lugar de en dos horas. Entre ellas se encuentra "The Tomorrow War", una película estrenada en Prime en 2021, protagonizada por Chris Pratt y Yvonne Strahoviski. El tráiler revela el meollo: una guerra en el futuro lleva a reclutar soldados del pasado para luchar por el mundo. Aunque "The Tomorrow War" recibió críticas mixtas, su entretenimiento no compensa su falta de originalidad. A pesar de una premisa interesante, el desarrollo resulta predecible. No obstante, el elenco, encabezado por Chris Pratt en un papel más serio y de acción, Yvonne Strahoviski en el rol de heroína futurista y J.K. Simmons, son lo mejor que tiene la película. 

Más tiempo, más exploración 

Desde su concepto, la película podría inspirar una serie que profundice en aspectos como las secuelas psicológicas para los soldados del futuro y del presente sobrevivientes y el mundo futuro. De hecho, si fuera una serie podría haber aprovechado una narrativa que transcurra en pasado, presente y futuro en paralelo, para otorgar profundidad a los personajes, ya que algunas críticas señalan que solo los protagonistas tienen desarrollo adecuado. En ese sentido, vale la pena mencionar que Betty Gilpin, como Emmy Forester, debe quedarse en el presente mientras su esposo Dan (Pratt) viaja al futuro a luchar con su hija, líder de un comando especial, pero de Emmy tenemos el clásico rol de la esposas sacrificada que espera el retorno de su esposo. Pero se menciona en la película que ella cuida a soldados que regresan con problemas físicos y psicológicos. Es una trama en la que no pudieron profundizar mucho, pese a ser una idea interesante. 

Según el concepto de la película, un puente temporal existe entre 2024 y 2050, lo que permite viajar en el tiempo sin alterar el futuro, dado que los viajeros del futuro todavía no han nacido en el presente y/o son muy chicos, mientras que los soldados reclutados del pasado han fallecido en el 2030. ¿Cómo se sabe puente? Nunca lo sabemos. Tal vez una serie se hubiera molestado en dar una respuesta más satisfactoria. La película también aborda un punto relevante, desapercibido ante tanto enfrentamiento: los monstruos que desencadenan la guerra son alienígenas descongelados en 2048 debido al derretimiento del glaciar, resultado del calentamiento global. Este detalle se pierde entre las escenas de acción y el drama familiar, pero subraya que la guerra no proviene de una invasión, sino de la acción del hombre irresponsable con su planeta. 

El final feliz sin pensarlo mucho 

La película culmina con un final interpretable y "feliz", aunque al analizarlo, cuando Pratt trae la toxina para matar aliens, la conexión con el futuro se corta. Los viajeros del futuro siguen en el presente, lo que indica que no alteraron su futuro, siguiendo, quizás, las reglas de los viajes del tiempo impuesta por "Avengers Endgame" que señala que realmente no se puede cambiar el futuro viajando al pasado. Y tiene sentido. No se muestra cómo cambió el futuro ni si el mundo fue salvado. La incertidumbre puede llevar a Pratt a miedos, ira, abandono y culpa. Además, a pesar de ver volar a los aliens, no vemos sus cadáveres. ¿Quién asegura que Pratt y su grupo no adelantaron la guerra en lugar de evitarla? El no tener una respuesta concreta podría llevar al personaje de Pratt a una crisis, especialmente tras la muerte de muchos en la última misión sin cambiar el futuro. Sin mencionar que debe aceptar que no salvará a su hija ni al mundo. Claro, eso es cuando lo piensas mucho. Actualmente, Hollywood sufre de una crisis de creatividad y tiene antecedentes de inspirarse en una película para hacer una serie. En este caso, pues, las ideas son más que interesantes.

#HIMYF: Y así, niños, así fue como cancelaron #HowImetyoutFather

Me entristece profundamente que "How I Met Your Father" haya sido cancelada por Hulu, especialmente porque su segunda temporada fue excelente, mejorando en todos los aspectos e incluso presentando destellos de originalidad. ¿Qué es cursi? Sip y en un universo lleno de “comedias” que son más dramas, era una de las pocas series que se sentían como un sitcom de antes. Sin embargo, no logró mantenerse en pie, y ahora nos quedamos sin saber quién es el padre. Pero retrocedamos en el tiempo y veamos cómo "How I Met Your Father" fue cancelada en realidad dos veces. 

Las dos “cancelaciones” de las secuelas 

Después del controvertido final de "How I Met Your Mother", los productores lanzaron un final alternativo que buscaba "corregir" el error de "matar" a la madre para apaciguar a los fanáticos, ya que sabían que necesitaban a ese público si querían "revivir" la serie en el futuro. Con esto en mente, la primera temporada de "How I Met Your Father" se sintió más como una segunda oportunidad para extender la serie original que como una secuela o reinicio. Desde el principio, la mayoría de los episodios contenían guiños, como la aparición del apartamento, el bar y algunos personajes, además de reciclar chistes y contar con la misma premisa, pero esta vez con la lección aprendida. Incluso su secuencia de apertura era una nueva versión del tema original. El público objetivo no era una nueva generación, sino el mismo público de antes. Esto no habría sido un problema si ese mismo público no hubiera reaccionado tan negativamente al final original.

 "How I Met Your Mother" fue una serie icónica y sería imposible replicar su magia. Pero esta no fue la primera vez que lo intentaron. Antes de "How I Met Your Father" existió “How I met your Dad”, un piloto protagonizado por Greta Gerwig, la directora de “Barbie”, que también trató de reciclar lo mejor de "How I Met Your Mother". A pesar de tener un elenco decente, además de Greta Gerwig, fueron parte del proyecto unos jóvenes Nicholas D’Agosto, Anders Holm, Drew Tarver y Andrew Santino, Tiya Sircar y Meg Ryan como la “voz” de la narradora/madre, nunca despegó. Lo único destacable del piloto es que revela quién es el padre en el mismo episodio. Sin embargo, años después, los creadores adaptaron ese guión para convertirlo en una serie nuevamente. Esta vez con un elenco con caras familiares como son Hillary Duff, Kim Catrall, Chris Lowel y Josh Peck. Después de una primera temporada bastante irregular, la segunda parecía haber encontrado un estilo cómodo entre lo familiar y lo nuevo, pero aún estaba más interesada en vivir bajo la sombra de su predecesora que en mejorar. 

A pesar de sus defectos, en la segunda temporada la comedia mejoró significativamente gracias a la química del elenco y al desarrollo de sus propios personajes en nuevas aventuras. El hecho de que Hulu les diera 20 episodios fue un símbolo de confianza, ya que les dio más tiempo para crecer y encontrar su propio estilo, algo inusual en la actualidad, donde la mayoría de las series de streaming tienen un máximo de 12 episodios. Pero, aunque la primera parte de la temporada mejoró, la segunda pareció desmoronarse tras haber alcanzado el pico. La calificación tampoco ayudó y en una época en la que la popularidad en las redes sociales lo es todo, no hubo un gran impulso, excepto por el cameo de Barney, quien se adueñó del show a pesar de solo salir en dos episodios del mismo modo de Robin que fue el tema de conversación al final de la primera temporada. 

¿Y ahora, quién es el padre? 

La cancelación de la serie deja muchos misterios sin resolver. Algunos de ellos incluyen: ¿Qué llevó a Charlie a cambiar de opinión sobre no tener hijos? ¿Cómo Sophie llegó a tener la pintura de Jesse? Pero el más importante es, ¿quién es el padre? Antes de que se emitiera la segunda temporada, uno de los guionistas, Dan Levy, reveló que Sid era el padre. La historia de este tío podría haber sido un episodio de "How I Met Your Father"; trabajó en la producción de la serie, lo despidieron y luego reveló quién era el padre en una sitcom. Pero, ¿tiene sentido que Sid sea el padre? 

La teoría de que Sid era el padre se basaba en el hecho de que nunca vemos al hijo en pantalla, y la razón es obvia: si lo viéramos, sabríamos quién es el padre (por su color de piel). Otra “pista” de la serie es que cuando Sophie del futuro dice “y así es cómo conocí a tu padre”, la cámara apunta a Sid. Sin embargo, la serie nunca tuvo tiempo de desarrollar la relación entre Sid y Sophie. ¿Había química? Sí, pero solo eso. La "revelación" del guionista no tuvo un gran impacto. Algunos fanáticos la interpretaron como una confirmación de sus teorías, mientras que otros pensaron que Levy estaba bromeando. No obstante, es posible que Levy estuviera diciendo la verdad. Una foto al final de la segunda temporada revela que Charlie, quien no quería tener hijos, tiene un hijo con Valentina, por lo que es fácil deducir que "el padre" estaba entre Jesse y Sid. Pero Jesse parece una opción demasiado segura y un final demasiado cercano al criticado final de "How I Met Your Mother", por lo que Sid parece la opción más "sorprendente". Más teniendo en cuenta que es el mejor amigo de Jesse quien es el Ted para el Robin de Sophie. 

De manera inadvertida, los productores cometieron el mismo error que su predecesora. Para aquellos que no lo saben, el final de la serie original fue grabado en las primeras temporadas, por eso, los “kids” no envejecen. Es decir, ya sabían de antemano que, independientemente de quién fuera la madre, ella moriría y Ted buscaría a Robin. Y nuevamente, "How I Met Your Father" cometió el mismo error: ya sabían quién era el padre, pero esta vez no tuvieron tiempo para desarrollar adecuadamente la historia.

 Es hora de dejar ir "How I Met Your Mother" 

Sinceramente, creo que si esta serie se hubiera titulado "Una Historia de Amor al Revés", como se planeó originalmente para "How I Met Your Mother", habría tenido una mejor oportunidad de sobrevivir más allá de dos temporadas. Para mí, la relación demasiado estrecha entre ambas series fue lo que selló su destino, ya que la comparación era inevitable. Además, se notaba que "How I Met Your Father" intentaba no caer en polémicas, jugarlo "a lo seguro" y apelar a la nostalgia, a pesar de que los mejores episodios de la segunda temporada eran los más originales, como las pruebas que los amigos realizaban para conocer al padre de Sophie. En algún momento, los productores de la serie o algún actor revelarán quién era el padre, pero la verdad es que el "misterio" no era realmente el motor de la serie ni el atractivo principal para la audiencia. El problema es que los creadores de "How I Met Your Mother" no dejan ir ese proyecto que les supuso tanto éxito y aún les pesa que su final sea considerado una decepción. Han tratado de enmendar ese error en varias oportunidades; recreando un final alternativo en la edición (que está en los DVDs de la serie original), revelando quién es el padre en el piloto de "How I Met Your Dad" con Greta Gerwin, pensando que al desvelar el misterio, no habría problemas en el futuro. Con la serie "How I Met Your Father", decidieron que Sophie del futuro le cuenta a su hijo la historia de cómo conoció a su padre en una videollamada. Esto sugiere que el futuro no será tan trágico como el de Ted y Tracy, y que solo se trata de una madre contándole a su hijo cómo conoció a su padre. Entonces, tal vez sea bueno que no tengamos una respuesta definitiva. Pero, ¿quién sabe?, quizás en el futuro intenten otra secuela o reinicio. Aunque, en mi opinión, lo mejor sería dejar ir a "How I Met Your Mother".

#DaisyJonesandTheSix y #HIMYM: Explorando Cierres

Existe un TikTok bastante popular que, al resumir series como "The Last of Us" y "Stranger Things", revela que no solo comparten varias similitudes, sino que en esencia tienen la misma trama, aunque en diferentes escenarios, contextos y con distintos personajes. Resulta sorprendente descubrir que "Daisy Jones and The Six", una serie basada en el libro de Taylor Jenkins Reid, que a su vez se inspira en la historia real del drama amoroso entre Stevie Nicks y Lindsey Buckingham de la banda Fleetwood Mac, es esencialmente un "How I Met Your Mother", pero en forma de docuserie, sin comedia y centrada en la música. Sin embargo, mientras que "How I Met Your Mother" tiene un final que divide a los fanáticos, la conclusión de "Daisy Jones" es un cierre hermoso y adecuado. ¿Cómo lograron esto? 

La respuesta, en realidad, no es un misterio; se trata de la ejecución, un giro interesante y un contexto más amplio. Advertencia de spoilers para el último episodio de "Daisy Jones and The Six". La serie puede dividirse en dos partes: un documental realizado 20 años después de que una banda se separara tras su primer y único álbum. Esta parte, donde los miembros de la banda hablan sobre su pasado, complementa la parte de la serie que muestra los conflictos amorosos entre ellos. Los protagonistas principales son Daisy Jones, enigmática y talentosa, Billy Dunne, de actitud reservada, y su esposa, Camila Alvarez. A lo largo de la primera temporada, Daisy y Billy se enamoran, pero nunca logran concretar su romance debido a diversas circunstancias, incluida la presencia de Camila. Aun así, la intensidad de sus sentimientos es tan palpable que su música es una expresión de los mismos. Billy, quien tiene un historial de infidelidades y lucha con adicciones, se somete a rehabilitación para ser un mejor padre y esposo. Por su parte, Daisy Jones, una escritora talentosa, busca abrir un nuevo camino en la música. A lo largo de la serie, Camila y Daisy mantienen una relación de amistad y admiración mutua. Por eso, cuando llega el momento de tomar la decisión, Billy decide abandonar la banda en medio de un concierto y Daisy solo acepta que lo tiene que dejar ir. 

Ahora, con el contexto establecido, es interesante analizar la ejecución; a lo largo de la trama, se establece que Billy siente un profundo amor tanto por Daisy como por Camila. En el caso de "How I Met Your Mother", la mayoría conoce su controvertido final. No obstante, es relevante recordar que durante toda la serie, Ted cree que Robin es la indicada, incluso cuando no es saludable, se aferra a esa idea. Para su mala suerte, son pocos los momentos con Tracy/Madre, aunque se deja claro que Ted la amó y la consideró “the one”. Pese a ello, algunos interpretaron que Tracy era un "premio de consolación" para Ted, un medio para cumplir su sueño de ser padre. Poco después del último episodio, se lanzó una escena adicional en la que Ted elige a Tracy por encima de Robin, cuando esta última cuestiona cómo hubieran sido las cosas. Esta escena, ambientada en una cafetería, es incómoda y refleja la crisis de Robin a los 40, mientras observa que sus amigos siguen adelante y ella parece estancada. Esta escena eliminada aporta un contexto más profundo a la compleja relación entre Ted y Robin. 

En el último episodio de "Daisy Jones", se revela que la hija de Sam y Camila está grabando el documental, lo que explica por qué los miembros de la banda, incluida Daisy, hablan abiertamente sobre sus problemas y sus enredos amorosos. En este punto, se revela que, después de una trágica enfermedad, Camila falleció, pero antes de su muerte, dejó un video para Billy en el que le aconseja ponerse en contacto con Daisy porque le deben "una canción", lo que da paso al reencuentro final entre Billy y Daisy. 

Por su lado, una de las principales críticas a "How I Met Your Mother" es que en la secuencia final, los hijos de Ted le dicen que la historia de cómo conoció a su madre no se trató sobre “la madre” sino que se centraba en su compleja relación con Robin porque él seguía enamorado de ella, y esta era su forma de pedir permiso para volver a intentarlo con ella, ya que habían pasado años desde la muerte de Tracy. Esta secuencia se filmó en las primeras temporadas y se siente desactualizada, forzando el reencuentro apresurado de Ted y Robin. Aunque claro vale la pena resaltar que los hijos de Ted y de Billy, respectivamente, son los que alientan a que sus padres busquen de nuevo a aquella mujer que les marcó la vida.

En el caso de "Daisy and The Six", la serie concluye con una impactante imagen: Daisy abre la puerta y allí se encuentra Billy. La vida finalmente les concede la oportunidad de construir una relación que trascienda la música. Por otro lado, la escena final de "How I Met Your Mother" rinde tributo al primer episodio, mostrando a Ted buscando a Robin con la icónica trompeta azul. Aunque ambas series comparten un final similar en su esencia, "Daisy Jones and The Six" logra una construcción más sólida y coherente, en línea con su narrativa, mientras que el desenlace de "How I Met Your Mother" resulta apresurado, careciendo de algunas escenas que podrían haber generado un contexto más adecuado para su cierre. Estas dos producciones son fascinantes por sí mismas pero también para analizar cómo se desarrollan los personajes y cómo un final puede fortalecerse o debilitarse según el contexto que se le brinde y la ejecución que se le da.

Aquí un video corto sobre la nota:

@alegna301

"¡Mismos finales, diferentes historias! 📚📺 Comparando los sorprendentes desenlaces de #HowIMetYourMother y #DaisyJones. ¡Alerta de spoiler! 🔍 Si aún no has visto ambos finales, ten cuidado. Si quieres una opinión más detallada, visita mi blog en elyalovi.blogspot para un análisis detallado! 💥 #FinalesSimilares #tedmosby #daisyjones

♬ sonido original - Ángela Luna Alarcón

La crisis de #Marvel: Fase 4

Durante mucho tiempo se dijo que Marvel había encontrado la fórmula perfecta para sus películas. Pero luego llegó el final de la Fase 3 del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU); Endgame; y lo cambió todo. De hecho, Marvel cayó en el mismo error que el Arrowverso después de "Crisis Infinita", tras marcar un hito importante, sentar las bases para una nuevo mundo, parecía prometer una mayor conexión entre las producciones, sin embargo, al igual que en Arrowverso, en Marvel todo volvía a estar como antes con producciones independientes entre sí y con cameos o apariciones fugaces. Con eso, la Fase 4 empezó con demasiada expectativa sobre sus hombros y con una dirección que no parecía estar definida. Era como si fuera un periodo de transición y para menguar el camino, se le daba a los fans lo que querían o al menos lo que ellos pensaban que querían. 

La crisis del multiverso

Después de la conclusión de la Saga del Infinito en Avengers: Endgame, Marvel Studios tenía la oportunidad de explorar nuevos territorios, presentando nuevos personajes y conceptos, sobre todo, el multiverso. Una de las cosas que los fanáticos han pedido más es que Marvel Studios junte a más personajes en la pantalla. Esto se hizo en cierto modo en Spider-Man: No Way Home, pero después vino Doctor Strange in the Multiverse of Madness, una decepción para muchos, ya que se centró más en cameos que en una historia sólida. Para su mala suerte, antes de Doctor Strange, se estrenó una película que exploró el concepto del multiverso con un presupuesto mucho menor y que con poco, hizo de todo, convirtiéndose no solo en una de las mejores películas del 2021, sino en el estandarte de las películas sobre multiverso. Estoy hablando de Everything Everywhere All at Once, cuyo mayor atractivo fue el hecho de que ante todo era una película original y creativa, ofreciendo una experiencia cinematográfica única. 

En ese sentido, no se puede decir que Black Widow, Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings y Eternals ofrecían algo nuevo porque estas películas seguían la fórmula Marvel de introducción de personajes. En el caso de Black Widow, se trató de una película que se desarrollaba entre Civil War e Infinity War al mismo tiempo que era una suerte de despedida de Natasha tras Endgame. Mientras que por su lado, Thor: Love and Thunder, y Ant-Man and the Wasp: Quantumania, fueron destrozadas por la crítica por sus guiones poco originales, sus personajes planos y su falta de innovación. 

La crisis de las series de Marvel 

Tras Endgame, Marvel había planeado varias producciones, incluyendo, por primera vez en su historia series que tendrían una conexión directa al MCU. Pero de todas las series que se liberaron en Disney+, solo WandaVision y Loki, han sido elogiadas por su originalidad y su innovación. Después, todas ellas; Falcon and The Winter Soldier, Hawkeye, Moon Knight, Ms. Marvel y recientemente Secret Invasion, han tenido los mismos problemas: una trama madura con un potencial tremendo en el lado humano que no termina de desarrollarse por completo, y pese a contar con el tiempo, se desarrollan con un ritmo lento y al final terminan en el mismo modo Marvel; una gran secuencia final, con muchos efectos especiales, sin tener mucha repercusión. Es más en algunos casos, estas series simplemente fueron para introducir personajes, como Ms. Marvel y Moon Knight, que serán utilizados más adelante en diferentes proyectos, dejando un sabor agrio. 

En un punto aparte debemos analizar a She-Hulk: Attorney at Law. Esta producción, hasta el momento, es la más traviesa, la más friki y también la más odiada de Marvel. Es una sitcom con un tono ultra meta, pero su humor no siempre es acertado. Podría haber tenido mejores historias, pero sí fue diferente. Sin embargo, fue altamente criticada por su humor "vulgar" y la representación de la sexualidad femenina. Por alguna razón (misógina), los hombres no quieren ver a un personaje femenino fuerte, independiente y que le gusta tener sexo. Quién sabe por qué. Nadie le hizo problemas a Matt Murdock cuando se acostó con casi todas sus coprotagonistas en Daredevil, pero sí a She-Hulk. 

Otra ironía es que What If..., la primera producción animada de Marvel, es quizás la más original que ha ofrecido hasta el momento incluso que más Loki ya que sí aprovecha el multiverso. Sin embargo, también se comete el pecado de terminar de nuevo en un modo muy Marvel uniendo todas las historias, cuando lo interesante de ellas era que solo una pequeña muestra del gran potencial del multiverso. Para añadir más problemas, la reciente Secret Invasion fue la última decepción de Marvel. No solo tuvo pocas visiones, sino que también reescribió la historia de las películas con la revelación que Rhodes era un Skrull, todo para un futuro no muy cercano, que sería la fase 6, después de la dinastía de Kang en la fase 5. Lo triste de esta serie es que es una de las más caras de Marvel, pero al verla parece una producción pequeña y con elenco de peso pero limitado (solo dos protagonistas y tres secundarios). El presupuesto quizás se deba a que más se gastó en los protocolos contra el COVID que en la propia historia. De nuevo, para variar, volvió a terminar con una pelea gigantesca y un personaje casi invencible. 

La crisis externa e interna de Marvel 

Aunque Marvel cumple con los números en verde, ya se comienza a denotar una decadencia en la calidad. Se le atribuye a esta crisis una serie de factores siendo la principal la fatiga de las películas de héroes y también los cambios de consumo del espectador, pues, la pandemia acostumbró a la gente a ver películas en la comodidad de su hogar. Además, actualmente en Hollywood hay una suerte de crisis de nostalgia y hay películas que aprovechan esa idea, como Spider-Man: No Way Home. Sin embargo, hay una gran diferencia entre hacer un homenaje o tener un guiño y utilizarlo de manera descarada capitalizando el cariño que se le tiene a una figura familiar. Y Marvel siempre camina en una línea muy delgada en ese sentido. 

Pero en esta fase 4, han saltado diferentes historias detrás de cámara, como los escándalos de Jonathan Mayors, la polémica por el uso reciente de una IA para la realización del intro de Secret Wars, y las denuncias de explotación de los artistas de efectos especial en donde se detalla las presiones que viven para cumplir con sus proyectos, lo que explica porque también los efectos han sido tan malos en las últimas producciones. No hay manera de minimizarlo: La cuarta fase ha sido un fracaso, con películas que han llevado gente a los cines, pero que han sido destrozadas por la crítica, y series que han dejado de entusiasmar a su público para convertirse en una tarea impuesta. Curiosamente, así como The Flash puso de moda varios canales de YouTube que analizaban cada episodio, la cuarta fase de Marvel ha puesto de moda canales que te explican y resumen las series para que ya no tengas que verlas.

La caída en calidad de Marvel era predecible, ya que el Arrowverso (con gran distancia de la calidad de Marvel) experimentó una crisis similar y una decadencia peor. Pero el problema es que el Arrowverso nunca tuvo un futuro asegurado, mientras que Marvel, hasta ese momento, ya tenía dos fases en desarrollo. Actualmente, todas las producciones están en stand by debido a la huelga de guionistas y actores, y en ese contexto, Marvel ha anunciado que priorizarán la calidad antes que la cantidad. Y de nuevo, Marvel tiene el potencial de superarlo todo y ser la franquicia exitosa que alguna vez fue, pero para esto necesita no solo centrarse en la calidad, sino también en tratar con respeto a sus empleados y abrirse a la idea de que es necesario cambiar e innovar para sobrevivir en este mundo. Curiosamente, es lo que hacen los héroes ante cada nueva amenaza; evolucionan en todos los sentidos.

#TheFlash, el héroe que debió morir

Han transcurrido unos meses desde el capítulo final de la serie "The Flash", y lo único destacable de la última temporada es que finalmente ha concluido. Se confirmó que el verdadero villano de la serie fue su propio showrunner, Eric Wallace, alguien que pareció no entender nunca al personaje principal y que por alguna razón, creía que sus historias eran buenas a pesar de la decadencia de la calidad. Aunque gran parte de la responsabilidad recae en él, también es necesario reconocer que "The Flash" debió haber terminado en su cuarta temporada o, a más tardar, en la temporada en que se emitió "Crisis en Tierras Infinitas". Como he mencionado en varios artículos, el Arrowverso oficialmente llegó a su fin en este megacrossover, y a pesar de que algunas de sus series continuaron, se notaba una crisis en la calidad, en el rating y hasta en las propias producciones, hasta el punto que la cancelación llevaron a algunas a conclusiones abruptas (Legends of Tomorrow y Black Lightning) y a otras a conclusiones mediocres (Batwoman y Supergirl). En el caso de "The Flash", personalmente siento que la serie ya había perdido su brillo, y la decisión de la CW de otorgarle una última temporada a pesar de las críticas y la falta de creatividad en el equipo solo empeoró las cosas. De hecho, le agarré tirria porque "Legends of Tomorrow" merecía una oportunidad de despedirse a su modo, pero el canal prefirió al velocista. 

Pero se entiende por qué la Cw decidió darle a “The Flash” una última temporada. Esta serie era, después de “Arrow”, una de las más destacadas de la CW y merecía la oportunidad de despedirse de manera digna. Sin embargo, cada uno de los últimos capítulos rozaban un nuevo tope en la decepción y el final de la serie podría calificarse como uno de los peores en mucho tiempo. Así que en lugar de hacer la crítica, he decidido hacer algo más sano; darle un mejor final. Ahora debo aclarar esto, no solamente se trata de un mejor final, sino el final que todo el mundo quería. Y no, no voy a usar ninguna AI para esto. Este “final alternativo” es una de las teorías más importantes y más populares de la serie, es el final que los fanáticos querían. Me refiero a la “teoría del rayo”, según el cual Flash moriría en su capítulo final y se volvería un rayo y este rayo viajaría en el tiempo para darle sus mismos poderes a Barry Allen, construyendo un bucle del tiempo. Esta teoría era tan popular y tan correcta para la serie que incluso su propio protagonista, Grant Gustin, dijo que le hubiera gustado que ese fuera el final, pero la CW, con la esperanza de algún día revivir el Arrowverso, y el showrunner tenían otros planes. 

Entonces, conociendo esta teoría, vamos a adecuarla al único capítulo rescatable de la última temporada; “It’s My Party and I’ll Die If I Want to”, el capítulo número 100 de la serie, que justo gira alrededor del regreso de Bloodwork y de Oliver Queen. El capítulo comienza con la celebración del cumpleaños 30 de Barry y la fiesta se interrumpe cuando Bloodwork se presenta y ataca a todos; infecta a Kid Flash y este termina “matando” a Barry. En el purgatorio, Barry se encuentra con Oliver, y los dos regresan juntos para luchar contra Bloodwork. El mundo ya está infectado con la sangre de Bloodwork y todos actúan como zombies. Y aquí comienza el fanfic y la diversión. Los otros héroes, las leyendas, Supergirl, Batgirl y Black Lightning, unen fuerzas con Barry para controlar a los zombies. La batalla final incluye un twist, Bloodwork intenta fusionar el multiverso y en el proceso trae de vuelta a los enemigos de Barry, incluyendo a Zavitar, Reverse Flash, Zoom y GoodSpeed (los mismos que aparecieron en el último episodio). Los hijos de Barry, Nora y Bart, viajan del futuro al presente para ayudarlo. 

Todos están batallando. Oliver puede derrotar a Bloodwork, pero cuando todos están a punto de celebrar, Reverse Flash aprovecha la oportunidad para viajar al pasado, esto provoca una ruptura del multiverso que solo Barry puede reparar. Entonces, Barry comienza a correr… corre tanto que termina desvaneciendo y convirtiéndose en energía; en un rayo. Este rayo viaja por el tiempo, viendo el pasado, presente y futuro, en ese momentos, nosotros vemos los mejores momentos de la serie y también fragmentos del futuro, de los hijos de Barry (quienes ahora serían gemelos), los hijos de Oliver, los hijos de las leyendas, mientras vemos esas imágenes, escuchamos el monólogo final…

"¿Quieres escuchar una historia? Está bien, pero antes de comenzar, primero necesito que hagas algo. Necesito que creas en lo imposible. ¿Puedes hacer eso? Bien. Tu padre es rápido. Más rápido que la velocidad del sonido. Y cuanto más rápido voy, más se ralentiza el mundo. Pero no siempre fue fácil. Cuando era niño, perdí a las personas que más me importaban. No quería esa vida para ustedes, pero un héroe siempre es un héroe. Mi amigo Oliver me dijo que el rayo me eligió a mí. Bueno, para mi sorpresa he descubierto que el rayo soy yo. Y este es mi regalo para ustedes, hijos míos, una mejor vida. Tal vez no estaré presente pero estaré con ustedes a cada momento. Solo necesitan creer en lo imposible" 

 La última escena es de la perspectiva del rayo y como choca contra Barry hasta navegar hacia sus ojos, donde vemos la speedforce. 

The Flash, el remanente de la DC 

Resulta sumamente curioso el contexto en torno a "The Flash". Al momento del estreno de la serie, se anunció también una película. Cuando la serie llegó a su fin, la película debutó apenas una semana después. No obstante, la película presenta numerosos problemas; algunos son inherentes a su producción, como los efectos especiales extraños, mientras que otros provienen de dificultades externas, como la constante crisis dentro de DC. La película estuvo repleta de cameos, algunos dirigidos a un público específico y leal (por ejemplo, el Superman de Nicolas Cage). Y dentro de tantos cameos se notó una ausencia; la de Grant Gustin, quien encarnó a Barry Allen durante una década. La decisión de no tener aunque sea un cameo o un guiño a Gustin se consideró irrespetuosa, especialmente al considerar que Ezra Miller apareció en "Crisis en tierras infinitas" gracias a una solicitud exclusiva de Warner Bros. En retorno, se esperaba un gesto de cortesía con Gustin en la película. 

Siguiendo en la misma línea de crear un "final alternativo", considero que la inclusión de una escena protagonizada por Grant Gustin en una versión más madura de Barry, antes de su sacrificio, habría aportado un valor significativo a la película. Esto cobra aún más relevancia al tomar en cuenta que el villano de la película, Dark Flash, comparte una premisa similar con la historia de Savitar. En ese sentido, un breve encuentro o conversación entre ambos personajes habría servido como un hermoso tributo para ambos. Incluso ni siquiera habría sido necesario que mantuvieran una conversación; el simple acto de cruzarse en la Speed Force y compartir una mirada extraña habría satisfecho las expectativas de los fanáticos y también habría creado un meme memorable. 

Vale la pena mencionar que una de las muchas problemáticas que rodean a "The Flash" está relacionada con la dificultad para que los cameos, aunque atractivos, logren conectarse con una audiencia cercana. Tomemos como ejemplo la película "Spider-Man: No Way Home": la emoción por el regreso de Tobey Maguire y Andrew Garfield radica en que los espectadores crecieron viendo sus películas en su niñez o adolescencia. Estas dos generaciones siguen siendo parte del público objetivo de Marvel. Por otro lado, el Batman de Michael Keaton pertenece a una época que se remonta a más de 30 años atrás, lo que dificulta que esa generación se sienta impulsada a ver una película centrada en un héroe solo para ver a Batman interpretado por Keaton. Y lo mismo con el caso del Superman de Christopher Reeves, que en este caso es un cameo, pero que se vio demasiado robotizado. En ese contexto, es posible que la inclusión del cameo de Gustin habría causado un impacto mayor, porque aunque el rating no respaldó a la serie durante sus últimos años, es importante recordar que hace cinco años, "The Flash" fue un fenómeno que llegó a ser el fundamento de numerosos canales de YouTube. Estos canales se dedicaron a analizar cada episodio, teorizar sobre las temporadas y explorar las posibles historias que la serie presentaba. 

Tras el fracaso tanto del final de la serie como el de la película, es incierto cuándo volveremos a ver a un nuevo Flash en pantalla. Solo nos queda lamentar el potencial desperdiciado y la mala fortuna que ha rodeado al velocista escarlata. Mientras uno debió morir de manera digna, el otro se ha convertido en un remanente en el universo de DC, destinado a desvanecerse en el tiempo.

@alegna301 #TheFlash: El final alternativo Este final alternativo está basado en la teoría más popular de la serie y así debió de haber sido la conclusión. Si quieres leer una versión más extendida además de la crítica sobre la última temporada de The Flash y dirígete a mi blog en elyalovi.blogspot.com ⚡️✍️ #elyalovi #finalalternativo #arrowverse #theflashseriesfinale #barryallen #dcuniverse #FlashFandom #DcTv ♬ sonido original - Ángela Luna Alarcón

#AndJustlikeThat: Che Díaz, el reflejo de una serie sin gracia

“No puede evitar preguntarme, mientras veía cómo se le rompía el corazón a Che Díaz, si es que solo miro “And Just Like That” por nostalgia o solo por curiosidad de ver cuándo aparecerá Samantha…” 

En la mitad de la segunda temporada de “And Just Like That”, la secuela (sin gracia) de “Sex and the City”, hay una escena de un focus group que está dando sus opiniones del piloto de la comedia de Che Diaz (Sara Ramírez). Todos parecen enamorados de Tony Danza, el padre ficticio de la serie ficticia de Che, y cuando le piden la opinión a una persona no binaria sobre Che, pues, dice de forma literal lo que todos estamos pensando. “El personaje de Che es una broma bommer caminando, se siente tan falsa, (...) es una mierda de lo que significa ser una persona no binaria. Apesta”. Fue un momento “OMG, is this fucking play about us” porque todo el mundo odia a Che y elle somos nosotros, pero el propósito de esa escena no es que nosotros (la audiencia) confirmemos algo que ya sabemos, el propósito es que sintamos pena por Che. Entonces, mientras nosotros veíamos un comentario meta, los productores esperaban una especie de conexión. Es claro que no funcionó. 

La respuesta a la crítica 

"Sex and the City” fue una serie pionera en los noventas al ser una de las primeras en girar alrededor de la vida sexual de un grupo de mujeres. Sin embargo, la serie tuvo un problema de representatividad enorme. La serie casi no presentaba mujeres negras y los gays eran caracterizados de una manera muy pintoresca y cliché. Incluso hay varios comentarios polémicos de Carrie y Samantha, como la creencia que no existe la bisexualidad. Para responder esta crítica, Carrie, Miranda y Charlotte tienen amigas de color (con problemas de blancas porque son personas de color pero con dinero) en la secuela “And Just Like That”. Para darle check a la casilla de la comunidad LGTBQ+, está Che; no binaria, lesbiana y latina. Esas tres palabras no solo las califican, sino que son toda su personalidad, o mejor dicho, es todo lo que dice todo el tiempo. “El mundo no me entiende porque soy no binaria”. Su “comedia” gira alrededor de su identidad y pongo con comillas comedia porque hasta la propia serie sabe que no es graciosa y por eso, ya no hay tomas de sus monólogos y solo vemos la parte final de los aplausos. Mientras que en la primera temporada teníamos que ver el patético espectáculo de sus anécdotas sobre su experiencia como una persona no binaria que ni siquiera generaba risas falsas. Los productores piensan que la serie está siendo revolucionaria al tener ese personaje no binario y lo ven como alguien “atrevido” demasiado “cool” y tan rebelde que nadie le comprende. Ni siquiera su propio interés amoroso. 

Aclaremos esto: Sara Ramírez es una gran actriz, pero no ha logrado impregnar su carisma a Che porque es un personaje odioso y NO se odia a Che Diaz por su identidad. Ser no binario no es un tabú en el mundo de las series como lo creen los productores de “And Just Like That”. Hay muchos otros personajes no binarios en series populares que no son odiados, como Klaus Hargreeves de “The Umbrella Academy”, Cal Bowman de “Sex Education”, Adira Tal de “Star Trek: Discovery” y Kai Parker de “Grey's Anatomy”. Estos personajes tienen historias más allá de su propia identidad. No están repitiendo constantemente que son no binarios. Son personajes bien desarrollados con personalidades propias, y su identidad es solo una parte de ellos, no todo.En contraste, Che Diaz es un personaje unidimensional que parece estar definido principalmente por su identidad de género. Habla constantemente de ser no binario, y su identidad parece ser la única cosa que les importa. Esto hace que el personaje sea poco atractivo, poco realista y muy desagradable. Pero a eso hay que agregarle que, por alguna razón, Che tiene un ego colosal, es por eso que el comentario de elle en el focus group les afecta tanto. 

La destrucción de Miranda 

 En el mundo del espectáculo es difícil separar al actor del personaje, aunque siempre se nos diga que no debemos mezclar al personaje con el actor. Tal vez se olvidaron de decirle eso a Cynthia Nixon, quien en conjunto con el productor de la serie decidió que Miranda a sus 60 años descubra que es lesbiana. La historia de Cynthia comienza en los 90, mientras se grababa “Sex and the City”, descubrió que era lesbiana, se divorció de su esposo y se casó con una mujer. Pero, como sabemos, Miranda no es Cynthia Nixon, pero sin Cynthia Nixon no existe Miranda. Cynthia decidió que si una de las mujeres en “And Just Like That” iba a ser lesbiana, tendría que ser ella, pues era la única opción viable. La protagonista Carrie no iba a serlo, era imposible, Charlotte tampoco. ¿Quién quedaba? Pues, el personaje de la actriz que es lesbiana. 

Cynthia Nixon ha sido abierta sobre su orientación sexual desde hace muchos años, y es posible que haya querido usar su plataforma para representar a las mujeres lesbianas mayores en la televisión. En ese sentido, que Miranda sea lesbiana o bisexual aunque no parece ser la historia correcta para Miranda, pero se puede aceptar. No existe una edad determinada para el descubrimiento de la orientación sexual y obviamente es una historia interesante ver a una mujer de edad encontrar el amor nuevamente con alguien completamente inesperado después de pasar años en la rutina de un matrimonio rutinario y monótono. Entonces, el problema no es que Miranda sea lesbiana, el problema es de quién se ha enamorado. Miranda, la independiente, la que criticaba los dramas, la voz de la razón, se ha vuelto todo aquello que solía detestar. Se ha vuelto alguien insegura, dependiente, obsesiva y tóxica. Básicamente, Miranda ahora es Carrie cuando Carrie perseguía a Big. Solo que Che no tiene el carisma de Big, pero sí algunas de sus peores características y lo triste es que Miranda está abandonando todo lo que ha construido para perseguir a alguien que no la merece. Una historia incómoda que frustra al espectador.

Desde el momento en el que se conocen, Carrie y Miranda sienten una fuerte atracción por Big y Che, respectivamente. Sin embargo, Big y Che nunca se sienten cómodos presentando a sus nuevas novias a sus amigos. Cuando Big regresa a la vida de Carrie, no le importa que ella está en una relación estable y se vuelve a meter con ella a pesar de Aidan. Che y Miranda se involucran cuando ella todavía no ha terminado su relación con Steve. Che no tiene respeto por Miranda para decirle que se va a mudar a Los Ángeles, así como Big no le dijo a Carrie que se iba a Washington. Che tampoco tiene respeto por Miranda para dejarla dormir tranquila. Pero para ser justos, Miranda tampoco parece tener respeto por sí misma y solo sigue a Che como un perrito perdido. Si vemos la serie es obvio que Miranda y Che quieren cosas totalmente diferentes y también es evidente que ni siquiera son compatibles. A Che le acomodaría más estar en una relación abierta y disfrutar de su vida bohemia, mientras que Miranda prefiere la comodidad de una relación monogámica y dormir después de las 9 pm. 

Tras la trágica muerte de Big en el primer episodio de “And Just Like That”, la serie parece haber encontrado una nueva pareja tóxica. Sin embargo, a diferencia de Big y Carrie, Che y Miranda no tienen una química espectacular y sus acciones solo las terminan de pintar por personas insoportables cuando están juntas. Recordemos que la historia de Carrie y Big duró varias temporadas, vimos una evolución, una involución y nuevamente, una evolución, los vimos pasar de tóxicos a una pareja que merecía un chance, hasta que en algún momento, detrás de cámara, Big se volvió en el marido ideal y tuvo una relación sana con Carrie. Por otro lado, los problemas de Che y Miranda se solucionan con una conversación sencilla. Che, con su narcisismo y dramatismo, saca lo peor de Miranda y se adueña de un tiempo que bien podrían aprovechar otros personajes nuevos. El único breve momento en el que vemos una vista de lo que solía ser Miranda es cuando dejo todo para irse a casa y esperar a su hijo luego que su novia lo dejara en Europa, pero después llega el nuevo episodio y vemos a Miranda tratar de consolar a Che pero elle lo único que quiere es estar sole. Che Diaz no merece a la Miranda del pasado. Miranda del pasado jamás haría lo que Miranda del presente está haciendo. 

¿Che Díaz, inclusión forzada o la mejor villana? 

El concepto de "inclusión forzada" se refiere a la representación de personajes que pertenecen a un grupo minoritario en una producción sólo por obligación. Che Diaz es un ejemplo de esto. El productor de la serie y la propia Cynthia Nixon han defendido al personaje con garras y uñas, hasta el punto de minimizar las críticas hacia Che o acreditarlas a la envidia y a la cólera por la separación de la icónica pareja conformada por Steve y Miranda. Por las respuestas en las entrevistas y la forma en la que siguen escribiendo a Che están conscientes de que es un personaje polarizante y han elegido "protegerles" por momentos. En el episodio 6 de la segunda temporada, Che y Miranda rompen de manera amable, en contraposición de nuevo al enfrentamiento previo que tuvieron Miranda y Steve cuando se pelearon por la casa. No ha habido artículos que confirmen la salida de Ramírez de la serie, pero por la forma del rompimiento y la nueva actitud de Che (menos molestosa y más como un soporte de Carrie) sí pareciera que ya no la veríamos más. La serie prefirió ver a Che como un personaje bandera, uno que esperaba que trajeran nuevos espectadores, en lugar de explotar su mejor papel; la villana a la que todos quieren odiar. Para bien o para mal, el "odio" a Che es una de las razones por las cuales la serie es tendencia. Cada nuevo episodio era una oportunidad para rajar del personaje y para mantener la serie en la conversación.  Al mismo tiempo, Che Diaz es el reflejo de una serie que se ve a sí misma como "edgy", como alguien super gracioso, pero que no logra ver la realidad. “Sex and The City” marcó una época y su secuela “And Just Like That” ya tiene otra perspectiva de vida, a veces funciona lo que hace y otras parece que solo está allí como para cumplir con la cuota nostálgica y hacer renegar al internet.